Meubles français, meubles antiques (1640-1792) Automatique traduire
Chronologie du mobilier français
Louis Quatorze XIV (1643-1715)
Régence (1715-23)
Louis Quinze XV (1723-74)
Louis Seize XVI (1774-1792).
Série Arts Décoratifs en France
❶ Arts décoratifs français (1640-1792)
❷ Décorateurs Français
❸ mobilier royal français
introduction
Dans tout examen du français art décoratif, le mobilier doit inévitablement jouer un rôle majeur. Dans cet article, nous examinons brièvement l’évolution de ce dernier en tant qu’art d’art majeur aux 17e et 18e siècles en France. Nous regardons le conception de divers types de meubles et d’ameublement, l’intérieur architecture, ainsi que des matériaux et des techniques, ainsi que certains des principaux concepteurs.
Menuiserie ou ébénisterie
Au cours du 16ème siècle, le mobilier était la province du menuisier qui travaillait en bois massif. L’équivalent anglais le plus proche du terme est ’charpentier et menuisier’, mais cela n’est pas entièrement satisfaisant. A cette époque, la technique de incrustation, extrêmement à la mode en Italie, était en France la province du menuisier, mais lorsqu’elle fut remplacée par des techniques plus sophistiquées telles que le placage et la marqueterie au début du XVIIe siècle, les menuisiers les plus qualifiés devin connu sous le nom d’ ébénistes , terme souvent traduit par «ébéniste» qui, là encore, n’est pas rigoureusement exact. Le menuisier lui-même continuait d’être responsable des sièges, des supports de table, des buffets (une sorte d’armoire) et des armoires (armoires) en bois massif, des panneaux décoratifs sculptés pour les murs ) boiseries), les portes et les portes moulures, et vitrines et volets. En cela, il est assisté de sculpteurs sur bois, de peintres, de vernisseurs et de doreurs.
Les ébénistes ont été appelés ainsi du fait que, lorsque le ébène ) ébène) a été introduit pour la première fois en France à la fin du XVIe siècle, il s’agissait d’un bois extrêmement rare et coûteux, utilisé principalement pour les placages et les incrustations. Les artisans spécialisés dans ce travail ont pris le nom de menuisiers en ebene, qui a été par la suite abrégé en ebenistes, et puisque le vernissage était presque toujours effectué sur des meubles d’apparat sous une forme ou une autre, l’ébeniste était nécessairement aussi un ébéniste. Le terme, cependant, peut être appliqué correctement à tout type de mobilier décoré avec des placages ou en marqueterie, et avec des techniques connexes.
La monture élaborée et la décoration appliquée du métal, particulièrement à la mode à la fin du XVIIe siècle, nécessitaient une autre catégorie d’artisans: les ciseleurs-fondeurs qui fondaient et finissaient les montures et les doreurs responsables de la dorure.
Les meubles français de la période en discussion sont communément appelés menuiserie ou ebenisterie, et ces termes seront désormais utilisés sans explication supplémentaire, car les traduire serait une confusion inutile. Ils sont tous deux utilisés de nos jours et les ateliers de ces artisans ne sont pas rares en France, même si les ebenistes sont rarement aussi habiles que leurs ancêtres.
Type de décoration: mobile ou immobile
La classification en fonction de la position dans le décor, fixe ou non, n’est pas un concept entièrement nouveau. Le mot français pour les meubles de la maison – meubles ou meubles – en est une indication suffisante, car la notion de meubles implique l’existence d’immeubles, en dehors du bâtiment lui-même, qui est toujours un immeuble. Ces immeubles sont généralement considérés comme les boiseries, les portes et les cheminées, ainsi que par les travaux de menuiserie architecturale similaires. Cependant, Pierre Verlet a récemment attiré l’attention sur le fait que la distinction laisse place à de nombreuses extensions. Les consoles appuyées à l’avant et fixées à l’arrière de la boiserie (la console d’appique), la sculpture du support correspondant au reste des panneaux, n’étaient certainement pas mobiles. Les grandes armoires appelées armoires, intégrées et faisant partie de la boiserie, doivent également être considérées comme permanentes, même si elles ont été ultérieurement détachées et se retrouvent parfois aujourd’hui dans les réserves du brocanteur à la recherche du soutien d’une nouvelle boiserie. Mais ce sont des exemples évidents. La notion peut être poussée beaucoup plus loin. L’ armoire indépendante, de par sa taille et son poids, est semi-permanente et si elle avait été sculptée à l’origine pour correspondre à une boiserie particulière, son intention était encore plus statique, même si elle a été séparée de son cadre d’origine. Des meubles mobiles tels que le canape (sorte de canapé), souvent par étiquette et du fait que le cadre a été sculpté pour correspondre à la boiserie, peuvent être considérés comme ayant été fixés dans sa position, ainsi que des fauteuils et même les chaises étaient destinées à occuper un point fixe par rapport au reste du schéma intérieur. Des plans datant du 18ème siècle existent montrant la position exacte de tous ces meubles. Verlet a également montré comment la terminologie contemporaine reconnaissait l’existence de cette classification, par exemple dans le cas de certaines petites tables sans position fixe, appelées ambulantes (promener).
De nos jours, lorsque le projet initial a été dispersé aux vents du ciel – les boiseries à New York, les commodes à Los Angeles, les quais à Chicago et les fauteuils qui ornent peut-être un appartement londonien, il n’est pas toujours facile comprendre à quel point l’harmonie entre tous les éléments de la décoration – fixes, semi-permanents et mobiles – était complète dans sa forme originale, et ce type de classification est donc souvent difficile et la ligne de démarcation vague. Néanmoins, la distinction est importante pour une bonne compréhension de la période.
Techniques de décoration en bois
Les principales méthodes de décoration en bois au cours de la période considérée, mis à part Sculpture sur bois, sont la marqueterie, le placage et le parquet. Le placage sur une surface plane est assez simple. De fines feuilles de bois rare et de belle silhouette sont sciées et collées sur une carcasse de bois plus commun comme le pin ou le chêne. La difficulté de présenter la courbe simple présente peu de difficulté, mais le problème de la fixation d’un placage sur une surface qui est une section d’une sphère ou d’un sphéroïde – une sorte de contour gonflant appelé bombe – n’a été résolu que vers la fin de la Régence.
La marqueterie est un motif plus ou moins élaboré formé d’incrustations de bois de couleurs différentes. Celles-ci peuvent être extrêmement complexes et des marqueteries florales et picturales ont décoré certaines des plus belles ébénisteries. Le terme peut également s’appliquer à des incrustations de différents matériaux, telles que les marqueteries d’écaille de tortue et de laiton associées au nom d’André-Charles Boulle. Boulle les coupa dans une feuille de laiton et une en écaille de tortue collées ensemble. Ceux-ci, une fois séparés, donnaient deux feuilles alternant laiton et écaille de tortue, la première dans laquelle l’écaille de tortue formait l’arrière-plan, appelée première, partie, et la seconde, avec dominante d’ air, la contre-partie ou la deuxieme partie. Marqueterie en ébène et sculpture sur ivoire sont également parfois vu.
La parqueterie est une décoration avec des sections de placage du même bois, mais avec un grain contrasté, la forme la plus simple étant le parquet de blocs posés dans le modèle dit à chevrons. On trouve cependant des conceptions beaucoup plus complexes, à la fois comme décoration de sol et comme revêtement de meubles.
La peinture, la dorure et le vernissage avec des imitations de laque orientale, ainsi que l’utilisation de montures en bronze et de porcelaine sont d’autres moyens de décoration des meubles. Le bois sculpté et doré, caractéristique particulièrement importante de la décoration sous Louis Quatorze, appelle à peine une explication. Un tel travail est à son meilleur vu à la lueur d’une bougie, quand il semble incomparablement riche en apparence.
L’ouverture du commerce avec l’Est et l’exploration de l’hémisphère occidental aux XVIe et XVIIe siècles ont apporté de nombreux nouveaux bois en Europe, et le mobilier français en général est connu pour l’utilisation décorative de ces variétés rares et exotiques. Parmi ceux-ci, on peut citer l’amboyna ) bois d’amboine) des Indes orientales, le violetwood ) bois violet) d’Amérique du Sud, le bois de rose ) jalissandre) du Brésil, le thuyawood d’Afrique du Nord, le satinwood ) bois satine) des Indes occidentales, l’acajou (acajou).) de la même région et le bois de rose du Brésil. De nombreux bois indigènes inhabituels ont été utilisés à des fins particulières, telles que le merisier et le tilleul. Le bois de tilleul, en raison de sa douceur, de sa texture uniforme et de son aptitude particulière à rendre le rendu des détails, était un bois de prédilection pour la sculpture en France et dans le sud de l’Allemagne, où des sculpteurs gothiques tels que Tilman Riemenschneider (c.1460-1531) et Veit Stoss (c.1447-1533) a créé certains des plus grands retables en tilleul et autres bois.
Fabricants de meubles français (Menuisiers / Ebenistes)
Avant de procéder à un examen plus détaillé du mobilier de cette période, il est souhaitable de jeter un bref regard sur quelques-uns des artisans qui ont contribué à son évolution et à sa prééminence. Il convient de rappeler qu’en termes de qualité technique et d’harmonie avec son environnement décoratif, les meubles français des périodes Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) et Louis Seize (XVI) représentent la plus belle œuvre de ce type dans le histoire des arts.
André-Charles Boulle (1642-1732)
André-Charles Boulle, ébéniste du roi, était un homme aux compétences multiples. La marqueterie typique en laiton et en écaille de tortue associée à son nom a été développée par lui à partir de techniques introduites au début du XVIIe siècle en provenance d’Italie et des Pays-Bas. On peut difficilement dire qu’il en est à l’origine. Il a été si étroitement associé à ce type de travail qu’il s’appelle presque toujours boulle. Ses premiers meubles étaient décorés de marqueteries de bois. Verlet fait remarquer que Boulle partageait avec Louis Quatorze (XIV) un goût pour la magnificence, une richesse un peu trop chargée, des matériaux somptueux et une symétrie presque tyrannique. Le roi l’a installé dans le Persienne, ce qui le rend indépendant des corporations de métiers, et il acquit rapidement la réputation d’être le plus doué des artisans parisiens de son époque. Mais sa renommée ne repose pas uniquement sur son habileté en tant qu’ébéniste. Il était un bronzeworker, un graveur, un architecte et aussi un peintre talentueux dans la meilleure tradition de Art baroque. La plupart de ses travaux ont été effectués pour les palais royaux ou pour les membres de la Cour. (Pour plus d’informations sur les beaux-arts de l’époque, voir: Peinture baroque.)
De nombreux motifs de marqueterie en laiton et en écaille de tortue semblent avoir été inspirés de ceux de Jean Berain l’Ancien (1637-1711), bien qu’il n’existe aucune trace de contact entre les deux hommes. Bien sûr, il a peut-être utilisé les modèles publiés de Berain, mais il est difficile de concevoir qu’ils aient travaillé de manière totalement indépendante lorsque leurs positions respectives à la Cour sont rappelées. La mode en matière de design de meubles, dont Boulle était en grande partie responsable à la fin du XVIIe siècle, se poursuivra jusque tard dans le XIXe siècle. Il a eu plusieurs fils qui ont suivi le métier de leur père – l’ ébéniste du roi Charles-Joseph Boulle, par exemple, qui était le maître de JFOeben (1720-1763) – et de nombreux imitateurs.
Pour en savoir plus sur le style baroque, illustré par la splendeur exquise du château de Versailles, voir: Architecture baroque.
Charles Cressent (1685-1768)
Charles Cressent, ébeniste du régent, était presque aussi remarquable. Son influence n’a été ni aussi forte ni aussi persistante, mais il a travaillé pour de nombreuses personnalités importantes – pour le marquis de Marigny (1727-1781), le fermier général Augustin Blondel de Gagny (1695-1776) et le banquier Pierre Crozat (1661-1801). –1740), par exemple. Comme Boulle, Cressent maîtrisait plusieurs métiers, avec une formation en sculpture et coulée de bronze dans laquelle il excellait dans les sphères. Il fabriquait parfois ses propres montures en bronze et il jouait un rôle déterminant dans le développement de la disposition caractéristique des montures de la période rococo. L’une, en particulier, représentant une petite tête de femme coiffée d’un plumet et d’un col de dentelle, appelée espagnolette – se situant sous les angles des pilastres et parfois de ceux des cadres de miroirs – était souvent employée par lui. Au cours de sa vie, trois meubles ont été vendus, qu’il semble s’être catalogués, et il convient de souligner l’accent qu’il a mis sur la richesse et la qualité des montures en bronze, telles qu’une ’commode de la forme la plus élégante ornée de bronzes d’une richesse extraordinaire ’.
Antoine-Robert Gaudreau (1680-1746)
Travaillant principalement dans le style de art rococo Antoine Gaudreau fut l’un des principaux ébénistes du roi de 1726 jusqu’à sa mort en 1751, fournissant une bonne quantité de mobilier à Madame de Pompadour (Jeanne-Antoinette Poisson, maîtresse de Louis XV de 1745 à 1764. Certains de ses travaux dessins de l’une ou de l’autre de la famille Slodtz. Une commode de la collection Wallace avec des montures de Jacques Caffieri (1678-1755) est étroitement inspirée dessin supposé être par le Slodtz qui se trouve à la Bibliothèque Nationale. Cette commode se trouvait autrefois dans les nouveaux appartements de Versailles commencés par Louis Quinze en 1727.
Bernard Van Ryssen Burgh
Un ebeniste connu jadis uniquement par ses initiales sur des meubles, BVRB, a récemment été identifié comme étant Bernard Van Ryssen Burgh (ou Risenburgh). Il a approvisionné Mme de Pompadour par l’intermédiaire du marchand-mercier parisien Lazare Duvaux (1703-1788). D’après ce qu’on sait de lui, il semble être devenu maitre de la guilde en 1736 et être décédé ou cessé de travailler. 1765. Son travail, d’une qualité extrêmement fine, est très recherché aujourd’hui et était généralement décoré de marqueterie florale ou de laque.
Décoration en laque
La laque a été si souvent utilisée pour la fabrication de meubles lors de la création du style rococo qu’il convient d’en discuter ici. La laque orientale provient d’un arbre, le rhus vernicifera, dont la sève se durcit au contact de l’air, et figurait parmi les premières importations d’Extrême-Orient. Au début, principalement en provenance de Chine, la qualité supérieure des panneaux de laque utilisés dans les formes décoratives de Art japonais a rapidement été reconnu, et ceux-ci sont devenus le plus apprécié des deux. Les panneaux sont entrés en Europe soit séparément, soit sous la forme de cercueils qui ont été décomposés pour être remontés en tant que meubles de rangement ou écrans. La demande était si forte que les différentes sociétés des Indes orientales ont trouvé qu’il était impossible de maintenir une offre suffisante et de nombreuses tentatives ont été faites pour produire un substitut satisfaisant en utilisant des vernis d’un type ou d’un autre. En Angleterre, John Stalker et George Parker publièrent en 1688 leur Traité de vernissage et de vernissage, dans lequel ils demandaient : «Quoi de plus surprenant que d’avoir nos chambres recouvertes d’un vernis plus brillant et réfléchissant que de marbre poli?» Et de l’utilisation du terme ’ japanning ’est une indication suffisante du type de laque le plus demandé.
Les Hollandais avaient déjà produit des imitations de laques et le premier disque de telles manufactures en France remonte presque au milieu du XVIIe siècle, époque à laquelle Louis Le Hongre avait déjà procédé à ce type de travaux. En 1692, trois usines parisiennes fabriquent des imitations de laque orientale, de meubles ainsi que d’autres objets de décoration. Art chinois, mais c’est seulement au début du XVIIIe siècle que celles-ci ont commencé à se développer chinoiseries si caractéristique de la période rococo.
En 1730, deux des frères Martin, Guillaume et Etienne-Simon, élaborèrent un vernis, une amélioration considérable par rapport à tout ce qui était connu jusqu’à présent, qui devint extrêmement à la mode sous le nom de vernis Martin – le vernis de Martin. Il était largement utilisé dans la fabrication de meubles, d’instruments de musique, pour la décoration de voitures et de sièges de berline, et même pour de petits objets tels que etuis et tabatières. La surface préparée, parfois ornée de reliefs, était souvent peinte par des artistes de renom ou, dans leur style, par des compagnons-peintres. La technique s’est également révélée applicable à la décoration intérieure. Les Petits Cabinets de Louis Quinze (XV) à Versailles où le roi se retirait de la formalité de la Cour étaient ainsi décorés. Le vernis connu sous le nom de Chipolin avait une surface brillante presque semblable à un émail de porcelaine, ou au "marbre poli" de Stalker et Parker, et il fournissait une nouvelle façon colorée de décorer les boiseries, en particulier lorsqu’elles étaient peintes à la manière des plus en vogue. Artistes baroques français du jour.
Bien que madame de Pompadour aimât les meubles en laque et payait 58 000 livres aux Martins en 1752 pour des travaux effectués à Bellevue, il s’agissait d’un goût que le roi ne partageait pas avec elle. La collection Wallace contient maintenant une commode qui se trouvait autrefois dans la chambre à coucher de la reine Marie Leczinska (1703-68) à Fontainebleau. Il a été fabriqué par Marchand et Gilles Joubert (1689-1775). Il est décrit dans le Journal du Garde-Meuble comme "de laque de Chine à fond noir, ornée de figures et de fleurs orientales, surmontée d’un marbre violet éclaté". La reine également sous le patronage des Martins, qui lui fournit une encoignure (ou placard d’angle) décorée d’imitation de laque en 1738.
JFOeben (1720-63)
Vers le milieu du siècle, nous assistons à l’arrivée des artisans sud-allemands qui devaient exercer une influence remarquable sur la seconde moitié du XVIIIe siècle. JFOeben (1720-1763) fut le premier des ébenistes allemands . Arrivé à Paris à la fin des années 1740, il devint élève de CJBoulle en 1751. Il travailla pour Mme de Pompadour et fut nommé ébéniste du roi en 1754. Oeben développa le bureau à cylindre, un bureau avec une fermeture semi-circulaire en haut, soit un sommier à lattes ) bureau à lamelles), soit une section pleine de cylindre. C’était le début d’une mode pour les meubles mécaniques complexes équipés d’une variété d’engins ingénieux grâce auxquels ils étaient conçus pour plusieurs usages, tels que les tables combinées d’écriture et de toilette avec miroirs montants et les tables à dos levant et à front descendant dissimulées tiroirs. Le bureau du roi Louis Quinze, achevé en 1769 par le grand Jean-Henri Riesener, était le contrepoids si délicat qu’il s’ouvrit lorsque la clef fut tournée dans la serrure. Une copie de ce bureau se trouve dans la collection Wallace avec le bureau du roi Stanislas de conception similaire à celle qui a été réalisée pour Stanislas Leczinski. Cela aussi a peut-être été lancé par Oeben, bien qu’il porte le cachet de Riesener. Depuis la mort de Stanislas en 1766, le bureau n’a pas pu être livré, et il apparaît dans la vente du contenu de l’abbaye de Fonthill à Beckford en 1823, alors que le catalogue le décrivait comme venant de la Garde-Meuble de Paris.
Jean-Henri Riesener (1734-1806)
Un des derniers artistes rococo Après sa mort, en 1763, Riesener reprit l’atelier d’Oeben. Il devint maître ébéniste en 1768 et ébéniste du roi en 1774. Au cours des dix années qui suivirent, il reçut de nombreuses commandes de la Cour, lui permettant de devenir extrêmement riche, mais a été considéré comme éphémère, en grande partie à cause des prix élevés qu’il a facturés. Il continue cependant à bénéficier du patronage de Marie-Antoinette, même pendant les premières années de la Révolution.
Riesener remplace Gilles Joubert (1689-1775) en tant qu’ébéniste du Roi la même année que le décès du roi. La préférence de Joubert pour le style rococo, aujourd’hui dépassé, était un produit de son âge (il avait 84 ans quand il a pris sa retraite) et de l’amour du roi pour le style qu’il avait tant encouragé. La mort du roi en 1774, cependant, supprima une influence qui aurait pu persuader même Riesener de rester dans une certaine mesure fidèle aux préférences de son maître. Pendant près de vingt ans, il fournissait à la famille royale des meubles d’une qualité inégalée, superbement décorés de marqueterie. et des placages magnifiquement montés en bronze doré, parfois peut-être de Pierre Gouthière (1732-1813), qui étaient plus du goût de Marie-Antoinette que la sévérité relative de l’art néoclassique des années 1760. Riesener utilisait couramment des pieds en forme de gaines qu’il protégeait avec des feuilles de laurier en bronze doré, et ses secrétaires avaient des angles chanfreinés ornés au sommet d’une console (utilisant le mot dans son sens architectural) également en bronze doré..
David Roentgen (1743-1807)
David Roentgen s’est également spécialisé dans les dispositifs mécaniques du type déjà mentionné et son mobilier a été décoré de marqueteries picturales élaborées en bois teinté. Ses bronzes n’égalent pas ceux de Riesener pour la qualité. Les meubles de Roentgen ont été fabriqués en Allemagne, à Neuwied, en Rhénanie, sous le patronage de Catherine la Grande. Bien que Riesener l’ait éclipsé en France, il était largement considéré ailleurs comme le meilleur ébéniste européen.
Adam Weisweiler (1750-1810)
Adam Weisweiler (1874-1809), dont les petites et élégantes tables se vendent aujourd’hui à des prix si fantastiquement élevés, devient maitre ebeniste en 1778 après avoir effectué un apprentissage chez Roentgen à Neuwied. Une grande partie de ses meubles ont été commandés par le célèbre marchand Daguerre et la laque était l’un de ses matériaux préférés. Malgré l’affirmation selon laquelle il utilisait rarement des plaques de porcelaine de Sèvres, plusieurs petites pièces raisonnablement attribuées lui sont ainsi décorées.
Jean-Guillaume Benemann (1750-1814)
Jean-Guillaume Benemann, un autre ebeniste allemand, fabriquait des meubles pour la Cour en 1784 et devenait maître de la guilde l’année suivante. Au début, il travailla sous la supervision du sculpteur Haure, qui était surveillant à la Garde-Meuble. Benemann a repris une partie du commerce de Riesener, mais son mobilier est pompeux, de conception piétonne et bien inférieur à celui de Riesener pour ce qui est de la décoration.
Roger Vandercruse Lacroix (1728-1799)
Roger Vandercruse (dit La Croix) venait des Pays-Bas et utilisait les initiales RVLC comme estampille. Il s’est spécialisé dans la marqueterie fine, en particulier sur les sujets orientaux, et, comme plusieurs autres ébénistes, il semble avoir travaillé avec Gilles Joubert (1689-1775), ce dernier fabriquant peut-être les cadres ou fournissant les dessins.
Gilles Joubert (1689-1775)
Gilles Joubert, déjà maitre ébéniste sous la Régence, fut l’un des autres ébenistes les plus notables du XVIIIe siècle. Il commença à travailler pour le roi à partir de 1748, succédant à Oeben en tant qu’ébéniste du roi en 1763. En conséquence du grand nombre de commissions qui lui sont confiées, il travaille souvent en collaboration avec d’autres.
Jean-François Leleu (1729-1807)
Jean-François Leleu a été apprenti à Oeben, mais a quitté l’atelier après le décès de son maître à la suite d’une violente querelle avec Riesener. Maître en 1764, Leleu travailla pour Madame du Barry (Jeanne Becu, maîtresse de Louis XV 1769-74) et Marie-Antoinette, ainsi que pour le prince de Condé à Chantilly. Il utilisa des plaques de porcelaine de Sèvres pour décorer son mobilier et travailla parfois à la manière de Boulle. Il a été crédité de l’introduction de cordage en laiton incrusté.
Martin Carlin (1730-1785)
Martin Carlin (vers 1785) utilisa plus particulièrement les plaques de Sevres pour l’ornementation de meubles, probablement sous les ordres de Poirier ou de Daguerre, deux marchands qui avaient fourni le matériel à la Cour. Il s’est également spécialisé dans les meubles en laque, certains fabriqués peut-être à partir d’armoires, de cercueils et d’écrans orientaux démembrés, qui ont été décomposés et réaménagés dans un style plus moderne. Il est particulièrement remarqué pour la qualité de ses montures en bronze.
Georges I Jacob (1739-1814)
L’un des menuisiers les plus influents dans la fabrication de sièges a été Georges Ier Jacob, qui a prospéré de 1765 à 1796. Jacob était un élève de Louis Delanois (1731-1792), ainsi qu’un habile ébéniste. Certaines de ses conceptions pour ebenisterie ont influencé le style de Directoire postérieur. Son atelier parisien a été poursuivi après sa mort par ses fils, dont l’un est devenu un ébeniste de renom de la période de l’Empire sous le nom de Jacob-Desmalter. Jacob a commencé par concevoir les nouvelles chaises plus légères qui marquent les premières années du style Louis Seize (XVI). Il a été parmi les premiers à adopter l’acajou pour la fabrication de chaises et c’est probablement à lui que nous devons l’introduction de la vieille jambe de sabre romaine. Jacob a fourni le tribunal français et son travail est également représenté à Windsor.
Jean-Baptiste Sene a fabriqué des chaises pour la reine en association avec Haure du Garde-Meuble, tout comme JBBoulard (1725-1789), qui a également travaillé sur le lit de Louis Seize à Versailles. JBLelarge (1743-1802) devint maître-menuisier en 1775 et travailla pour la famille royale. Michel Gourdin, maitre ébéniste en 1752, fabriqua également des chaises pour les châteaux royaux. Une de ses créations dans les années 1770, probablement pour le prince de Conti (branche cadet de la famille des Bourbon-Condé), grand prieur du temple, se trouve dans la collection Wallace. Il est toujours dans le style Louis Quinze malgré sa date.
Les ébénistes étaient enclins à se spécialiser dans des techniques particulières. Des noms bien connus tels que Bernard Van Risenburgh (vers 1710-66), Carlin, Levasseur, Riesener, Topino et Weisweiler ont été parmi les premiers artisans à utiliser des panneaux de laque, tandis que Carlin et Riesener utilisaient tous les deux des plaques en porcelaine. Roentgen était probablement le plus grand des ebenistes à employer des motifs tels que des vases de fleurs, des urnes et des instruments de musique exécutés en marqueterie, bien que ceux-ci fussent à la mode et confectionnés par d’autres. Topino, maitre de la guilde en 1773, se spécialisa dans le petit mobilier et utilisa ces motifs avec un grand effet, ainsi que pour l’exécution de marqueteries picturales élaborées. Les Allemands, Oeben et Riesener en particulier, se sont spécialisés dans des pièces à tiroirs secrets et à des mécanismes ingénieux qui permettent à une pièce apparemment simple de remplir plusieurs fonctions.
Le nombre de maîtres de la guilde des menuisiers-ébénistes travaillant à Paris depuis l’époque où les chiffres sont connus en 1723 jusqu’à la Révolution ne chute que d’un peu moins d’un millier, bien qu’ils ne fabriquent pas tous des meubles, certains étant engagés dans des boiseries ou d’autres. formes de menuiserie architecturale. À partir de 1751, chaque maître de la guilde possédait un cachet avec lequel il était obligé de marquer le mobilier vendu par lui, même les pièces qu’il réparait, ce qui était parfois source de confusion. Les artisans qui, pour le compte du Roi ou pour une autre raison, n’appartenaient pas à la Guilde n’étaient ni autorisés ni obligés d’utiliser un tampon, ce qui est l’une des raisons du mobilier parisien du 18ème siècle non estampé.
Marques de meubles et timbres
Les marques sur les meubles français sont de plusieurs types – celles des ébénistes et des menuisiers, les marques indiquant que la pièce a déjà été dans l’un des nombreux châteaux royaux et que parfois le monogramme de la Guilde est joint à un "ME". Le sujet est vaste et l’espace est insuffisant pour l’étudier en détail. Dans la première catégorie, seul le nom de l’artisan est généralement donné, généralement en totalité, mais parfois uniquement en initiales. La plupart de ces noms sont marqués en ligne droite; quelques-uns sont en forme circulaire. Très peu d’ateliers provinciaux ont ajouté le nom de leur ville ou de leur ville, à quelques exceptions près, notamment la célèbre famille Hache de Grenoble, Joseph Oeben (ou Open) de Tours, Parmentier de Lyon et Roentgen de Neuwied. Quelques timbres sont généralement informatifs, tels que Ferdinand Schwerdfeger ME Ebeniste, un Paris, 1788.
Les marques des pièces fabriquées pour les châteaux royaux, qui peuvent parfois être liées à des inventaires subsistants, étaient parfois marquées, parfois peintes ou peintes au pochoir, mais rarement frappées. La marque royale est généralement la fleur de lys associée à une couronne. Sous Louis Quinze, cela devenait parfois le monogramme en double L sous une couronne. Bellevue est représentée par BV sous une couronne; Chanteloup est CP, mais son nom, Chanteloup, est aussi celui d’un ébéniste de l’époque Louis Seize. La marque de Chantilly était un cor de chasse, qui apparaît également sur de la porcelaine fabriquée à l’usine du prince de Condé. La marque de Compiègne est entrelacée sous une couronne. Fontainebleau est représenté par un F ou un FON, parfois associé à une couronne ou à la fleur de lys. GR et F sous une couronne se rapportent au Garde-Meuble de Fontainebleau, et le Garde-Meuble de la Reine est celui de Marie-Antoinette. MLM est le cachet de Malmaison, SC fait référence à Saint-Cloud, CT ou T au Palais de Trianon, GT au Grand Trianon et T sous une couronne, ou TH aux Tuileries, ainsi appelée ainsi, car les fours à tuiles étaient autrefois situé dans le parc. GM signifie Garde-Meuble, V signifie Versailles et MRCV dans un bouclier et sous une couronne est la marque du Mobilier Royal du Château de Versailles.
De vieux meubles français ont été largement forgés et reproduits, souvent de manière très intelligente, et une étude minutieuse d’exemples authentiques est essentielle à un bon jugement. De faux timbres sont parfois ajoutés, et ceux-ci ne peuvent être acceptés comme preuve d’authenticité, sauf conjointement avec un verdict favorable pour tous les autres aspects – style, relation avec d’autres œuvres connues et acceptées, patine, bronzework, etc. Lorsque tout est convenu, un timbre est très souhaitable et l’un des ajouts énumérés ci-dessus indiquant son origine dans l’un ou l’autre des châteaux royaux constitue un ajout extrêmement important.
Influences sur le design de meubles français
Rien ne peut être créé à partir de rien. L’ameublement de Versailles a été stylistiquement la continuation de ce qui avait été fait auparavant. Il a évolué à partir des nombreuses influences étrangères qui rivalisaient pour attirer l’attention. Parmi les réalisations de Louis Quatorze et de son administration talentueuse, les concepteurs et les artistes qu’ils ont employés, figurait la résolution de ces courants souvent contradictoires en un style que l’on pourrait qualifier de véritablement français.
Le classicisme ressuscité de l’Italie est arrivé en France au début du XVIe siècle, mais, à l’instar des Anglais, les designers français ont d’abord été enclins à considérer l’ornement comme l’essence du nouveau style. Ainsi, nous trouvons les anciennes formes gothiques piégées avec les nouveaux motifs classiques. Dans une large mesure, la diffusion des nouveaux styles était un produit de l’art de la gravure de plaques de cuivre gravées, récemment découvertes au début du XVIe siècle. Celles-ci ont été particulièrement utilisées pour délimiter les grotesques populaires que l’on peut retracer sous différentes formes au cours des trois siècles suivants. Grotesques, une forme ornementale de Art romain découvertes dans les ruines de la maison d’or de Néron, ont inspiré les décorations de Raphaël pour la loggia du Vatican et sont devenues extrêmement populaires auprès des artisans types d’art, d’abord en Italie, puis dans les pays du nord, en association avec une sangle angulaire issue des Pays-Bas.
Le roi français François Ier a amené de nombreux artistes italiens en France, dont Francesco Primaticcio (1504-1570), Benvenuto Cellini (1500-1571), et Léonard de Vinci (1452-1519), pour aider à la décoration de Fontainebleau. Pour plus de détails, voir: Ecole de Fontainebleau (c.1528-1610). En tant que reines de France, Catherine de Médicis (1519-1589) et Marie de Médicis (1573-1642) contribuèrent au renforcement de l’influence italienne. Elles appartenaient toutes les deux à une famille ayant une longue tradition de mécénat. Sous les règnes d’Henri IV et de Louis Treize (XIII), l’influence flamande fut également forte et l’on peut retrouver celle d’Espagne et même du Portugal. Henri IV envoya des artisans français en Hollande étudier l’art de l’ébène et les installa au Louvre en tant que premiers menuisiers en ébène. Louis Treize fit venir des artisans allemands, flamands et suisses. Des preuves suggèrent qu’un de ces derniers, un Suisse du nom de Pierre Boulle, était un ancêtre d’André-Charles Boulle.
Ce sont toutefois les artisans italiens qui ont apporté nombre des techniques développées par la suite en France. Les Italiens étaient adeptes de l’art de incruster une grande variété de matériaux – pierre, ivoire, écaille de tortue et nacre – tout en fabriquant des marqueteries extrêmement élaborées dans des bois colorés. Ils utilisèrent des montures en or et en argent pour les placards du jour et anticipèrent les marqueteries en laiton et en écaille de tortue de Boulle, ainsi que ses montures en bronze doré. Voir également: Les plus grands artistes visuels (c.1000-1850).
La mode des meubles de luxe en France est le produit de leur popularité en Italie, tandis que les articles importés de Hollande sont presque impossibles à distinguer de leurs prototypes italiens, tant les artisans du Nord ont bien assimilé le style du Sud. Les armoires importées du sud de l’Allemagne étaient de style moins italien, mais souvent de qualité superbe, avec des serrures et des meubles similaires des serruriers d’Augsbourg.
Aucun des grands patrons et collectionneurs d’art Le cardinal Richelieu (Armand Jean du Plessis) (1585-1642), ni le cardinal Mazarin (1602-161) ont tenté d’endiguer la vague d’influence italienne. Artistes baroques italiens Le métallurgiste Domenico Cucci et le sculpteur Philippe Caflieri faisaient partie du service royal français.
L’origine de la Manufacture Royale des Meubles de la Couronne se trouve dans une tentative d’Henri Quatre de rassembler sous un même toit les plus grands artisans français, mais il lui fallut le génie de Jean-Baptiste Colbert (1619-1683), Ministre des Finances de Louis XIV, de les organiser à une échelle suffisamment grande pour diriger le cours des art En France.
Types principaux de meubles antiques français
Cabinet
Le meuble principal du XVIIe siècle était sans aucun doute le cabinet d’ ébénisterie, souvent installé sur un meuble élaboré par le menuisier et le sculpteur. Il était généralement équipé de tiroirs dans un intérieur fermé par deux portes. Le cabinet lui-même était plus ou moins richement décoré, souvent avec de l’argent ciselé. Pour jeter un coup d’œil sur les cabinets du milieu du siècle, nous pouvons utilement nous tourner vers l’inventaire des biens de Mazarin, créé en 1653. Il ne possédait pas moins de vingt cabinets, décrits comme comportant des colonnes de lapis-lazuli, de jaspe et d’améthyste avec des contours d’or ivoire et écaille de tortue et montures de bronze doré. Ceux du roi étaient encore plus somptueux. Cucci a été payé 30 000 livres pour deux pour le Louvre. D’une autre faite pour Versailles la description mentionne le:
couverture de jaspe, de lapis-lazuli et d’agate, enrichie à l’avant de quatre personnages de héros en bronze doré sur un sol en lapis, au milieu d’un portique soutenu par deux colonnes de lapis à fond et chapiteaux en bronze doré, et les armes de la France sont couronnées sur le devant, soutenues par deux anges en bronze doré également sur un sol en lapis. Dans la niche sous le portique, une figure en bronze doré de Louis Quatorze assis et portant dans la main gauche un bouclier ciselé du dispositif de Sa Majesté.
Le peuplement sculpté et doré n’était pas moins riche, les quatre pieds se présentant sous la forme de pilastres à fond azur et de quatre personnages représentant les principaux fleuves du monde.
Le cabinet est essentiellement un coffre sur pied. À cela s’ajoutent les coffres de mariage sur pied et la commode. Ce dernier apparaît pour la première fois un peu avant 1690. Cela signifie «commode» ou «commode». Il ne s’agissait pas seulement d’un objet extrêmement décoratif, à placer sous un verre en verre entre les fenêtres, mais il était utile pour stocker la multitude de bagatelles accumulées par le 18ème siècle.
Le terme ne semble pas être devenu courant immédiatement. En 1718, la duchesse d’Orléans l’utilisait dans une lettre et décrivait l’objet au bénéfice de son correspondant comme "une grande table avec deux grands tiroirs". Le nombre de tiroirs est en fait variable et jusqu’à peu après le milieu du siècle, l’arrangement habituel consistait soit en deux longs tiroirs, soit en deux petits tiroirs en haut et en deux tiroirs longs en bas. Les montants forment également les jambes, les pieds étant parfois en forme de pied de biche, c’est-à-dire le sabot de daim. Les montants sont légèrement incurvés d’une manière appelée profil en arbalète, ressemblant à l’ arbalète ou une arbalète. Il y avait généralement peu de garde au sol dans le cas des commodes fabriquées avant la Régence, le tablier inférieur approchant le sol de très près, et des spécimens ont survécu montés sur un support ) gradin) de quelques centimètres de hauteur. Les façades en serpentin sont l’une des premières caractéristiques, mais les courbes de gonflement des panneaux – généralement appelées bombe – sont une innovation de Regency à une époque où les ébénistes avaient résolu pour la première fois le problème de l’application de placages sur ce type de surface. Certaines des commodes conçues et fabriquées par Boulle sont basées sur le sarcophage antique et sont appelées en tombeau.
Armoires Anciennes Françaises
La plus grande compétence de Boulle en tant qu’artiste et designer a probablement été prodiguée à l’ armoire. L’ armoire est une grande armoire, peut-être une fois, pour le rangement des armes, comme son nom l’indique, mais plus tard adaptée au rangement de nombreuses autres choses – vêtements, argent, porcelaine, etc. L’ armoire a résisté au changement plutôt plus que d’autres types de meubles. Il a été fabriqué beaucoup plus souvent par le menuisier que par la plupart des meubles d’appoint, et les armoires plus simples du règne de Louis Quinze font souvent écho au style de son prédécesseur sur le trône, même fabriqué à Paris, alors que le style du milieu du siècle persistait soixante ans plus tard.
Le buffet à deux corps, qui remonte au XVIe siècle, est également une armoire haute comme l’ armoire, mais en deux parties séparées, l’une sur l’autre, et les premiers exemples sont très richement sculptés, bien que la décoration soit devenue plus simple. des objets massifs ont été fabriqués à des fins plus purement utilitaires. Divisée de son sommet et surmontée d’une dalle de marbre, elle est devenue l’ armoire basse, une armoire souvent haute d’une hauteur d’appui, assez basse pour s’y appuyer.
L’ armoire et le buffet à deux corps doivent, à cause de leur taille, figurer parmi les meubles les moins mobiles, et l’ armoire a souvent été construite dans la boiserie, n’étant guère plus qu’une paire de portes pleines, vitrées ou avec un treillage en laiton doublé de soie pour exclure la poussière. Dotée d’étagères pour le rangement des livres, l’armoire est devenue une bibliothèque ) armoire-bibliotheque).
Nous risquons de considérer l’ armoire comme une armoire richement décorée, mais le terme s’applique également aux spécimens simples de menuiserie en chêne ou en pin qui fournissaient les maisons de la bourgeoisie ou les pièces de palais moins importantes.
Un développement de ces deux meubles était l’ encoignure ou le meuble d’ angle, qui apparaît pour la première fois sous le règne de Louis Quinze en deux parties, le dessus étant soit des étagères ouvertes, soit fermé par des portes. Celles-ci se sont trop souvent séparées les unes des autres, de même que les deux parties du placard d’angle anglais, même si on voit la partie inférieure équipée d’un plateau en marbre comme un meuble complet. Ils ont ensuite été fabriqués sous cette forme. Comme pour l’ armoire, l’ encoignure était souvent intégrée.
Tables (Consoles Anciennes Françaises et autres)
La «table» de base prend de nombreuses formes. Verlet a présenté de nombreuses preuves en faveur de son affirmation selon laquelle le mot sans réserve n’était utilisé que pour désigner ce que nous devrions appeler le dessus de table. La distinction entre la console console attachée à la boiserie ) console applique) et la table de milieu placée au centre de la pièce est importante.
La partie la plus précieuse de la console était sans aucun doute son plateau en marbre. Le support en bois sculpté et doré, même fin, était considéré comme consommable et devait être modifié conformément aux lois de la mode. Verlet fait référence aux divers catalogues de vente du XVIIIe siècle décrivant des "tables en marbre rare sur leurs supports" et des dessus (ou "tables") non seulement en marbre, mais en jaspe, en porphyre, en onyx, en albâtre, en granit poli, et mosaïque. La même distinction doit être observée dans les entrées appropriées du livre de comptes de Duvaux et elle était courante en Angleterre à la fin du XVIIe siècle.
Les marbres eux – mêmes étaient des plus exotiques sortes – bleu turquoise, vert égyptien, italien rouge et brun griotte, antin striée de rouge, gris et violet, portor, noir avec un veinage de gris éclaboussé de jaune d’ or, et Brèche d’Alep qui était un marbre brécisé de cailloux gris, noirs et jaunes. Pour la bourgeoisie moins riche, il y avait des imitations de marbre, peintes soit en trompe l’oeil ou fabriqués à partir de copeaux de marbre incrustés dans du stuc (la scagliola italienne), tels que celui de Grisel qui a annoncé dans le Mercure qu’il avait découvert une composition qui imitait toutes les marbres, même les plus précieux, de manière à tromper les connaisseurs. Bien entendu, il ne serait pas difficile pour un ouvrier qualifié de recouper un vieux plateau en marbre pour lui donner une forme plus tendance, et nous devons supposer que cela a été fait de temps en temps. (Voir également: Sculpture en marbre.)
Pendant le règne de Louis Seize, les consoles étaient rarement fixées au mur, mais placées sur quatre pieds ou plus, lorsqu’elles devenaient strictement des tables d’appoint. Le terme, cependant, doit être utilisé avec précaution. Les tables d’appoint anglaises sont le plus souvent des tables de service, alors que la variété Louis Seize était souvent destinée à être ornementale, pour porter une horloge ou une garniture de vases en porcelaine de Sevres.
Jusqu’à la fin du XVIIIe siècle, la table de salle à manger en France était presque toujours de menuiserie ordinaire – des planches sur des tréteaux pliants tels que ceux utilisés au Moyen Âge. La table extensible de ebenisterie, dans laquelle des feuilles pouvaient être insérées à l’anglais, n’a été utilisée que très tard au XVIIIe siècle. Il y avait plusieurs raisons à cela. La table à tréteaux pourrait être adaptée aux sièges d’un très grand nombre d’invités; il pourrait facilement être enlevé et stocké lorsqu’il n’est pas utilisé; et il était assez grand et assez fort pour laisser de la place aux décorations de table élaborées habituelles aux XVIIe et XVIIIe siècles.
L’art de la décoration de table a été étudié avec soin. D’abord en vermeil et en argent ou en vermeil, et plus tard en porcelaine, l’ensemble complet prenait souvent des heures. Les lecteurs anglais peuvent avoir l’impression de l’apparition d’une table de banquet du XVIIIe siècle à Apsley House, où la décoration de table en argent du portugais du duc de Wellington est posée sur une table qui s’étend sur presque toute la longueur d’un grand salon. une survie relativement tardive de ce qui était coutumier dans les cercles les plus exaltés du 18ème siècle.
Au XVIIIe siècle, la porcelaine de Meissen était très appréciée comme décoration de table. Bon nombre des petites figurines de Johann Joachim Kandler (1706-75) – le plus important modelleur de la manufacture de porcelaine de Meissen – et son élève Johann Friedrich Eberlein, en les années 1740 étaient à l’origine en grands ensembles destinés à cet usage, même s’ils sont maintenant prisés séparément dans des cabinets. Porcelaine de Meissen marquée KHC ) Konigliche Hof Conditorei) témoigne de sa présence dans les placards des cuisines et des confiseries de la Cour, et finalement sur la table royale. Ces figures ont été inspirées par celles en sucre qui ont décoré les tables de banquet romaines au XVIIe siècle et, qu’elles soient en argent ou en porcelaine, elles étaient généralement pourvues d’un grand centre dont le thème précis était défini, les assiettes, plats et soupières, auxquels ils ont correspondu dans la forme et l’ornement. Il était également loin d’être inconnu pour deux ensembles à utiliser, un pour le dessert qui a été posé à une table séparée. (Pour d’autres types de poterie, voir: Art de la céramique.)
La table à tréteaux était essentielle pour accueillir le grand nombre d’invités habituellement invités à dîner avec le roi à des occasions formelles. Le mouvement vers une plus grande informalité, dont le style rococo est un aspect, a peut-être commencé avec le régent qui, comme Louis Quinze, était impatient de cérémonie, mais il était certainement bien visible après la construction par le roi des Petits Cabinets à Versailles..
L’informalité a marqué le 18ème siècle de plus en plus au fil des ans. Les chambres sont devenues plus petites, plus intimes et plus variées. Les occasions d’État étaient moins nombreuses. Louis Quinze a observé la cérémonie de la retraite dans la chambre à coucher de l’État, mais il s’est échappé par une porte latérale de son vrai lit lorsque les courtisans étaient partis, pour revenir le lendemain matin à temps pour le levier. Cela se voit également dans les progrès réalisés vers des tables plus petites, qui se sont multipliées au cours du siècle. Les ambulantes étaient l’équivalent des tables occasionnelles de l’Angleterre du XVIIIe siècle, où une évolution similaire a pu être observée dans l’introduction de la table de Pembroke, de la table à thé basculante et des petites tables à plateau et pieds tripodes la chaise. En France, ces petites tables ont évolué en grand nombre, généralement inspirées par les plus importants marchands tels que Poirier et Daguerre. Le guéridon du XVIIe siècle était un chandelier avec un plateau, une tige et un pied tripode. [Note: les premiers gueridons avaient la forme d’un blackamoor tenant un plateau en hauteur; la figure représente un maure nommé Guéridon.] Le meuble du 18ème siècle appelé gueridon était très différent. C’était une table, généralement circulaire, assez petite et avec une ou plusieurs étagères entre les pieds. Souvent, il était muni d’un plateau en porcelaine de Sèvres pour les tasses à thé et à café, comme le faisait Carlin comme spécialité. Une galerie percée a été ajoutée afin de protéger le précieux service de café de Sèvres de l’effondrement d’un passant.
Les tables de travail étaient presque infinies dans leur diversité, et sont rarement deux identiques. Ils étaient conçus pour contenir les outils de couture et de broderie. « Chiffonnier» est un terme parmi d’ autres, dont certains sont obscures, et probablement l’invention des concessionnaires de la période. Les tables de nuit ou de chevet (la table de nuit, la table de chevet pour la tête de lit ou la vide-poche dans laquelle les poches ont été vidées sont des termes du XVIIIe siècle) abritant le pot de chambre dans le placard au-dessous duquel était fournie une étagère en marbre, tandis que le dessus du plateau portait le chandelier et les exigences de la nuit. Ces tables avaient généralement des trous pour les mains percés de chaque côté pour faciliter le transport, car elles étaient rangées dans la garde-robe pendant la journée.
La diversité des tables évoquait également la passion du jeu du XVIIIe siècle, qui n’a cessé jusqu’à la Révolution. L’un des panneaux de la Petite Singerie à Chantilly de Huet représente des singes en costume du jour jouant aux cartes, mais des tables à cartes séparées, des tables spéciales pour toutes sortes de jeux – échecs, backgammon, roulette et billard – ont été placées là où la société se rassemblait.
Tables à écrire (bureau français antique)
Appartenant à un groupe de meubles pouvant être classés comme une sorte de table, on trouve le bureau-plat – une grande table d’écriture plate ) table a ecrire) avec des tiroirs dans la frise. Il a été introduit pour la première fois au début du XVIIe siècle et son nom vient de l’étoffe qui le recouvrait – le drap de bure, une sorte de drogue. Bien que cela ressemble à une table, le bureau semble également avoir été une variété de cabinet, un record du 17ème siècle se réfère à un « cabinet ou grand bureau». Le terme « bureau» semble avoir été réservé aux exemples plus imposants avec de grands tiroirs, tandis que « table a ecrire ’fait référence uniquement à de petites tables à cette fin. Nous trouvons ainsi dans l’inventaire de 1677 «une petite table en forme de bureau à cinq tiroirs».
Le bureau anglais familier, flanqué de piédestaux de tiroirs soutenant le dessus de chaque côté du trou pour un genou, est relativement rare dans les meubles français, bien que cela arrive de temps en temps. Au XVIIIe siècle, l’arrangement le plus courant consistait à ajouter un cartonnier ou serre-papiers (termes intraduisibles désignant ce qui constitue un support ornemental essentiel pour les casiers et les tiroirs), souvent au sommet plat d’un côté ou de l’autre. Ceux-ci, comme le bureau lui-même, étaient souvent de superbes spécimens d’ ébénisterie, qu’ils soient séparés ou intégrés à la table. Le grand bureau du roi Louis Quinze est strictement un bureau sur lequel a été placé un cartonnier inhabituellement élaboré s’étendant sur toute la surface supérieure et fermé par un cylindre devant.
Le véritable bureau-plateau avec son cartonnier était immense, digne des grandes occasions et des grandes maisons. Il a été conçu pour les cabinets de ministres et de fermiers généraux. Le bureau ou le secret a dos d’ane ) dos d’âne) a peine à être considéré comme appartenant à la même catégorie, avec un front en pente appelé aussi bureau à pente, au XVIIIe siècle, un bureau à dessus brise (dessus cassé), et parfois secrétaire en tombeau. Verlet souligne que c’est une erreur d’appeler le guichet unique un ass-back, terme qui ne pourrait s’appliquer qu’à un pupitre dos à dos associé à ce plan, avec une pente des deux côtés, mais en tout cas ’ a dos d’ane ’est un terme de distributeur relativement récent pour de tels bureaux. Les bureaux de ce type ont des fronts de chute reposant sur deux glissières coulissantes de chaque côté ou soutenus sur la partie supérieure par deux pièces de laiton en forme de boussole. La place du cartonnier du bureau-plat est prise par un agencement de petits tiroirs et de casiers situés au-dessus du niveau de la surface d’écriture ouverte, comme dans le cas de certains pupitres anglais similaires.
À l’autre bout du tableau, de nombreux bureaux conçus à des fins diverses, comme le bureau de la dame pour le boudoir, témoignent de l’importance de l’écriture de la lettre avant l’invention du téléphone. est parfois un petit dos d’ane sur des jambes fines, ou le bonheur du jour, un petit écritoire plat avec un réceptacle supplémentaire à l’arrière pour les papiers et objets de souvenirs, généralement des tiroirs ou des étagères fermées par des portes. Sous cette désignation frivole le bonheur du jour est devenu de plus en plus populaire au cours de la seconde moitié du siècle, mais apparemment, il n’a reçu son nom que vers 1770, et il a probablement été attribué par un des marchands, bien que le livre de comptes de Duvaux contienne des entrées faisant apparemment référence à des pièces de ce genre..
De nombreux meubles, apparemment de petites tables destinées à d’autres usages, étaient équipés de coulisses coulissantes recouvertes de cuir et d’un petit tiroir sur le côté pour l’encre et les stylos. D’autres avaient une pente de lecture incorporée s’élevant du haut et soutenue à l’arrière par un support réglable, avec un rebord au bas sur lequel le livre était placé. Dans certaines pièces, la totalité du haut est soulevée.
Les tables de toilette d’ ébénisterie comportaient souvent un coulisseau écrit, voire un pupitre de lecture, en plus de divers compartiments pour les articles de toilette et le miroir. Le haut s’ouvre fréquemment au milieu pour laisser apparaître le miroir qui s’est levé et tenu par un pied, et le haut s’est replié de chaque côté pour permettre l’accès à de petits compartiments munis de couvercles à charnières ou coulissants. Les intérieurs de ces compartiments étaient garnis de satin ou de rembourrage et contenaient des pots et des pots cosmétiques en argent et en porcelaine de Sèvres. Cependant, il s’agissait d’une version presque standard, qui présente de nombreuses variations de forme et de taille. Ces tables étaient ambulantes, souvent sur des roulettes, pour pouvoir être déplacées de la chambre au boudoir et au garde-robe quand pas nécessaire. Une sorte de table de toilette moins élaborée, souvent de menuiserie, était drapée de l’un ou l’autre des matériaux de décoration de l’
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