Art chrétien: histoire, caractéristiques Automatique traduire
introduction
Depuis ses débuts au premier siècle de l’Empire romain, le christianisme s’est répandu dans le monde entier pour devenir la principale religion, système de valeurs et programme social de l’humanité: au moins jusqu’au XXe siècle. D’abord dirigé par le Christ et les apôtres, il a progressivement donné naissance à sa propre organisation hiérarchique, l’Église chrétienne, qui est devenue au fil du temps le patron le plus important et le plus influent des arts. En effet, dès le début, l’Église chrétienne a utilisé de nombreuses méthodes différentes. types d’art afin de se créer une identité, augmenter son pouvoir et ainsi attirer des fidèles. Ce faisant, il a développé sa propre iconographie chrétienne, en s’appuyant fortement sur architecture (cathédrales, églises, monastères), sculpture (statues de la Sainte Famille, ainsi que prophètes, apôtres, saints), La peinture (retables, peintures murales d’église), art décoratif (vitraux, mosaïques) et manuscrits enluminés (Evangiles, psautiers). En fait, au début du XVIe siècle, l’Église a commandé tellement Art biblique – utiliser l’argent récolté grâce à des taxes plus élevées et la "vente" de bénéfices et d’indulgences – que cela conduisit à de nombreuses manifestations: manifestations qui se fondirent dans la Réforme et division de l’Église en catholiques et protestants. Même ainsi, on peut dire que, du moins en Occident, le histoire des arts est l’histoire de l’art chrétien.
Contexte historique
En 313, après presque trois siècles d’existence précaire (et une tradition de l’art limitée aux bagues, aux phoques et à quelques peintures dans les catacombes), le christianisme a finalement été autorisé à exister. En cette année, les empereurs romains Constantin et Licinius ont publié l’ édit de Milan , qui légalisait le culte chrétien. Puis, en 380, l’avenir du christianisme était assuré lorsque l’empereur Théodose Ier, le dernier empereur romain à régner sur tout l’empire, déclara que c’était désormais la seule religion autorisée de l’empire. Au 5ème siècle, sous la pression des attaques barbares, l’empire romain se scinde en deux moitiés: est et ouest. La moitié orientale, centrée sur Constantinople, a adopté l’ église orthodoxe orientale , devenant célèbre dans le monde entier pour ses peinture d’icônes et des mosaïques; la moitié occidentale est restée à Rome et a continué à suivre l’Église romaine. Ce dernier s’épanouit sous Charlemagne et les Ottoniens et s’établit pleinement avec son immense campagne de construction romane et Cathédrales gothiques (c.1000-1350). Plus tard, en 1517, le pasteur néerlandais Luther a lancé la révolution religieuse, connue sous le nom de Réforme , aboutissant à la formation d’un christianisme plus modeste et moins hiérarchisé, connu sous le nom de protestantisme , depuis que l’Église romaine a été appelée le catholicisme romain. . L’art chrétien englobe à la fois le catholicisme romain et le protestantisme, ainsi que la branche précédente, l’église orthodoxe orientale.
Art paléochrétien à Rome (c.150-450)
Jusqu’à la légalisation du christianisme en 313, art paléochrétien était relativement rare. Il a inclus fresque sur les murs de certaines catacombes (lieux de sépulture en dehors des murs de la ville) et de lieux de rencontre "maison-église"; un certain nombre de conceptions architecturales simples pour des structures (martyrium) érigées sur les tombes de martyrs; et un certain nombre de sarcophages, gravés de divers emblèmes ou reliefs de Jésus, de Marie et d’autres figures bibliques. Dans ces premiers temps, quand les chrétiens étaient encore persécutés, la plupart Art romain chrétien restait (littéralement) dans une culture souterraine. De plus, le christianisme (avec l’imagerie utilisée pour le symboliser ou l’illustrer) évoluait encore d’une société secrète (dont les images n’étaient intelligibles que pour quelques initiés) à une organisation publique (dont l’imagerie était comprise de tous). Ainsi, pour commencer, la peinture chrétienne et, en particulier, sculpture paléochrétienne motifs utilisés à la fois dans l’art grec et romain: l’image du "Christ en majesté", par exemple, provient à la fois de portraits impériaux romains et de représentations du dieu grec Zeus. Il a fallu des siècles pour que l’iconographie chrétienne soit normalisée et harmonisée avec les textes bibliques.
Une fois que le christianisme a été légalement autorisé, son besoin de art religieux a augmenté rapidement. De nouvelles églises ont été construites en tant que centres de culte, en utilisant la conception architecturale de la basilique romaine (utilisée pour l’administration et la justice civiques). Une église basilicale typique avait une nef centrale avec un ou plusieurs bas-côtés de chaque côté et une abside semi-circulaire / polygonale à une extrémité, recouverte d’une voûte en demi-dôme ou en coupe; l’abside devint le presbytère et contenait une plate-forme surélevée sur laquelle étaient assis l’évêque, ses prêtres et aussi l’autel. Des baptistères ont également été conçus et construits pour divers rites, notamment le baptême suivi de l’onction avec l’huile, les non-baptisés ne pouvant entrer dans la basilique chrétienne. La plupart des aménagements intérieurs de ces nouveaux édifices religieux ont été réalisés avec des mosaïques, bien que des peintures murales aient également été découvertes. La décoration sculpturale de sarcophages est devenue plus complexe, illustrant souvent de nombreuses scènes de la Bible. Mais presque aucune sculpture dans la ronde n’a été faite, de peur de créer des idoles de style païen. Sculpture en relief était donc standard, principalement en pierre bien que sculpture sur ivoire était un autre moyen populaire. Globalement, le 4ème siècle a vu davantage d’art, l’utilisation de matériaux plus riches et le développement de séquences narratives précises, comme dans les mosaïques de Santa Maria Maggiore à Rome et dans les églises de Ravenne du 5ème siècle, plus tardives. En outre, au cours du Ve siècle, l’imagerie chrétienne a commencé à accorder plus d’importance à la signification religieuse qu’au réalisme. Ainsi, perspective réaliste, les proportions, la couleur et la lumière ont été rétrogradés au profit de conventions et de symboles standardisés, lors de la représentation de figures et d’événements bibliques.
Art byzantin: Icônes, Mosaïques, Architecture (c.450-1450)
Art byzantin , c’est-à-dire l’art de l’Eglise orthodoxe orientale – la forme du christianisme qui a émergé à Constantinople (anciennement Byzantium, maintenant Istanbul), siège de l’empire romain à l’est – a été la première catégorie de l’art chrétien à réellement fleurir. Une expression de l’état théocratique qu’il représentait, Art chrétien byzantin spécialisé dans l’architecture, l’art de la mosaïque, la peinture murale et la peinture d’icônes. Les artistes byzantins excellaient également dans les bijoux, orfèvrerie et ivoires, et a produit le manuscrit enluminé le plus ancien, ou codex.
À mesure que le pouvoir de Rome déclinait, celui de Constantinople augmentait. En 535, les armées de Justinien Ier (482 à 565), empereur byzantin de 527 à 565, envahirent l’Italie (occupée principalement par des barbares) et en 540 conquirent Ravenne, qui devint le siège du gouvernement byzantin en Italie. De 540 à 600, l’exarque de Ravenne a mis sur pied un important programme de construction d’églises dans la ville et dans la ville portuaire de Classe: la basilique San Vitale et la basilique Saint-Apollinaire in Classe. La basilique de San Vitale associe une coupole romaine, des portes et des tours en gradins, à une abside polygonale byzantine, à des chapiteaux byzantins et à des briques étroites. Elle est mondialement connue pour ses mosaïques byzantines, la mosaïque la plus spectaculaire et la mieux conservée art en dehors de Constantinople. Pour plus de détails, voir: Mosaïques Ravenne (env. 400-600).
L’architecture byzantine a pris ses formes distinctives au cours de la vie de Justinien, qui a construit quatre grandes églises à Constantinople, notamment: la basilique Saint-Serge et Bacchus (commencée en 526); la basilique de Sainte Irène (commencée en 532); la basilique des apôtres (536-46) – dont le dessin a été reproduit dans la cathédrale Saint-Marc de Venise – et la plus grande de toutes, la basilique Sainte-Sophie (1532-37) (transformée en mosquée en 1453, devenue musée). Couronnée par un énorme dôme dont le poids était porté par des pans de révolution triangulaires concaves révolutionnaires et décorés de mosaïques dorées et de marbre multicolore, Hagia Sophia était le point culminant de l’architecture romaine et une source d’inspiration pour les édifices suivants le Moyen-Orient, y compris la mosquée Sultan Ahmed.
Art de la mosaïque Pendant près de mille ans, l’art byzantin fut le trait le plus important: comparable à la sculpture de la Grèce antique, au panneau peint de la Renaissance nordique ou au retable de Venise du XVIe siècle. À la lueur des bougies et parfois décorées de feuilles d’or, ces exquises puzzles en verre étaient régies par des règles rigoureuses en matière de couleur, de taille et de composition. Les mosaïques avaient deux objectifs principaux: embellir la maison du Seigneur (et surpasser le spectateur) et éduquez les fidèles illettrés dans l’histoire de l’Évangile. Les morceaux de mosaïque ( tesselles ) étaient souvent délibérément posés de manière inégale pour créer un mouvement de lumière et de couleur.
La montée rapide du pouvoir arabe au VIIe siècle et les difficultés économiques qui en résultèrent pour l’empire byzantin entraînèrent une réévaluation de la culture arabe. Art islamique . Au 8ème siècle (726-787) et au 9ème siècle (814-842), cela aboutit à deux "Iconoclasmes", qui interdirent toutes les œuvres d’art figuratives. Cela s’est très mal passé chez les mosaïstes byzantins. Beaucoup ont émigré à Rome qui étaient fermement opposés à l’iconoclasme. D’autres, paradoxalement, se sont rendus dans des villes arabes où ils ont produit certaines des plus belles mosaïques abstraites de tous les temps. Voir, par exemple, ceux du Dôme islamique du Rocher (688-91, Jérusalem) et de la Grande Mosquée (715, Damas).
Ravenne reste la meilleure source de mosaïques encore vivantes. Ceux-ci incluent: Christ comme mosaïque du Bon Pasteur (450, Mausolée de Galla Placidia); la mosaïque du baptême du Christ (VIe siècle, baptistère arien); la mosaïque de la reine Théodora (547, Basilica San Vitale); Mosaïque du Christ avant Pontius Pilate (550, Sant’Apollinare Nuovo, Classe). A Istanbul, voyez les mosaïques de sol (400-550) du palais impérial; les mosaïques South Gallery (env. 1260) à Hagia Sophia; et la mosaïque de la Dormition de Marie (1310, église du monastère de Chora). Ailleurs dans l’empire byzantin, voyez les mosaïques de Hagios Demetrios (650) à Salonique; et les remarquables mosaïques d’abside du début du XIIe siècle dans la cathédrale de Torcello, à Venise.
La peinture murale était beaucoup moins chère que la mosaïque et était donc réservée aux églises les plus pauvres. Plus tard, cependant, à mesure que les difficultés économiques augmentaient, il devint une alternative plus répandue. Elle se caractérisait par des compositions «architecturales» à grande échelle – les muralistes byzantins utilisaient généralement un mur entier comme «toile» – généralement remplis de détails narratifs sans tenir compte des principes de temps et de lieu. Parmi les peintures murales chrétiennes byzantines existantes, notons: celles de la chambre funéraire (450-500) à Nicée (Iznik); le Christ pleurant (1164, église de St Panteleimon, Nerezi, Skopje, Macédoine); la crucifixion (1209, église Saint Joachim et Sainte Anne, Studenica, Serbie).
Étant donné sa nature théocratique, il n’est peut-être pas surprenant que la culture byzantine soit plus connue pour ses icônes que pour ses peintures murales. Apparues pour la première fois au début du 4ème siècle, ces petites œuvres de dévotion diptyque Les peintures sur panneaux (parfois appelées "icônes itinérantes") de Jésus-Christ, de la Vierge Marie ou de Saints se sont révélées extrêmement populaires. Les écrans d’église ( iconostases ) en étaient remplis, de même que les maisons privées. Après la victoire des iconodules pro-figuratifs sur les iconoclastes en 842, la production d’icônes a considérablement augmenté et les techniques de peinture d’icônes se sont étendues à la Grèce et à la Russie, notamment à Kiev, Novgorod et Moscou. Des exemples célèbres de peintures d’icônes byzantines incluent: La Vierge Hodegetria (milieu du Ve siècle, monastère d’Hodegon, Constantinople: maintenant perdue); Saint Pierre (vers 550, monastère de Sainte Catherine, mont Sinaï); Saint Michel (vers 950-1000, Tesoro di San Marco, Venise); la Sainte Vierge de Vladimir (c.1131, Galerie Tretyakov, Moscou); Madone de Don Icon (c.1380, Galerie Tretiakov, Moscou) de Théophane le Grec, fondateur de la Ecole de peinture d’icônes de Novgorod (environ 100-1500); et Mère de Dieu Hodigitria (1502-3) de Dionysius, l’un des premiers maîtres du Ecole de peinture de Moscou (c.1500-1700).
Chrétien byzantin illustration du livre semble avoir commencé à la fin du 5ème siècle, avec le Evangiles Garima (récemment daté au carbone à 390-660). Parmi les autres enluminures chrétiennes anciennes figurent les évangiles de Rabbula (c. 586, bibliothèque laurentienne, Florence). Les deux manuscrits ont probablement été créés dans un monastère syrien ou à Jérusalem.
Art chrétien médiéval: manuscrits enluminés (450-1200)
Avec la chute de Rome et la désintégration de l’empire romain, l’Europe occidentale est entrée dans l’âge des ténèbres (400-800), une période d’incertitude politique et de stagnation culturelle. La seule force unifiante possible était le christianisme, mais avec Rome mise à sac et l’église romaine sous pression, son influence était limitée. Ce n’est qu’en Irlande, pays coupé du continent européen, que le christianisme a prospéré. En réalité, Art monastique irlandais et la culture était essentielle pour garder en vie les idées de Antiquité classique , ainsi que le message de la Bible. De bonne heure Art médiéval Irlande a été dominé par la fabrication de manuscrits enluminés, notamment le Cathach de St. Columba (c.610), le livre de Durrow (c.650-80), les évangiles de Lichfield (c. 730), les évangiles d’Echternach (690-715), les évangiles de Lindisfarne (698) et Livre de Kells (800). En raison de la tradition continue du pays de Art celtique , la plupart des illustrateurs de manuscrits irlandais ont utilisé des motifs abstraits celtiques plutôt que des images figuratives préférées des artistes continentaux.
En utilisant des compétences dérivées de traditions antérieures de Art celtique Metalwork , Les monastères irlandais étaient également responsables de la haute qualité des navires ecclésiastiques, comme le Ardagh Chalice (VIIIe / IXe siècle, Musée national d’Irlande), décoré dans le style de La Tene.
Un troisième type d’art chrétien apparu en Irlande au Moyen Âge a été Sculpture Haute Croix (c.750-1150 CE). Composé de monuments de tailles différentes, tous basés sur le design standard de la croix celtique. Décorés de motifs abstraits ou de scènes narratives tirées de la Bible (rarement les deux), ces monuments constituent le plus important ensemble de sculptures libres réalisées entre la chute de Rome (environ 450) et le début de la Renaissance italienne (environ 1400).).
Art chrétien médiéval sur le continent ont suivi des chemins similaires, bien qu’un peu plus tard. Art carolingien (vers 750-900), par exemple (la culture du royaume franc de Charlemagne I) s’inspirait davantage de modèles byzantins que irlandais. Les scriptoria monastiques d’Aachen, Paris, Reims, Metz et Tours ont produit de beaux exemples de peinture médiévale comme l’évangéliste de Godescalc (c. 783), le psautier d’Utrecht (c. 830) et la Bible de Grandval (c. 840). Cuture carolingienne suivie de Art ottonien , sous les empereurs du Saint-Empire romain Otto I, II et III (900-1050). Inspiré par les techniques carolingiennes et les éléments byzantins – comme l’utilisation de la feuille d’or – l’art ottonien était célèbre pour ses manuscrits richement décorés, notamment le Perikpenbuch d’Henri II (c.1010), l’Apocalypse de Bamberg (c.1020), l’Hitda -Codex (c.1025) et le Codex Aureus Epternacensis (c.1053). Voir également: Art médiéval allemand (environ 800-1250).
Une nouvelle architecture chrétienne a également été observée sous Charlemagne – voir, par exemple, la porte du monastère de Lorsch (792-805) et la chapelle palatine (800, Aix-la-Chapelle) – et sous l’Ottos – voir l’église de Saint-Cyriakus à Gernrode (961).), Cathédrale de Bamberg (commencée en 1004).
En outre, orfèvrerie et précieux ferronnerie réapparu sur le continent, de même que la sculpture, bien que sculpture médiévale (du moins sous les Ottos) avaient tendance à se concentrer sur les meubles d’église – autels, tombeaux, portes, bougeoirs et sépulcres, plutôt que sur l’architecture des églises. Certaines peintures murales ont également été réalisées, telles que L’Éveil de la fille de Jaïre et La guérison de la femme hémorragique (c. 980, église St George de Reichenau).
Architecture d’église romane (c.1000-1150)
L’architecture et la culture ottoniennes se chevauchent considérablement avec Art roman , terme qui décrit en pratique un nouveau style d’architecture chrétienne à l’échelle européenne. Ce fut la première grande campagne de construction d’églises, initiée par Rome et par les nouveaux ordres chrétiens de moines, qui comprenait des cathédrales, des abbayes et des églises paroissiales. (Au Royaume-Uni, l’art roman est connu sous le nom d’architecture normande.) Architecture romane s’inspirait largement des conceptions romaines classiques et se caractérisait par une nouvelle monumentalité, marquant la stabilité croissante de l’âge et la renaissance de la culture chrétienne européenne après quatre siècles d’obscurité.
Parmi les églises romanes et édifices religieux les plus célèbres, citons: l’église de Cluny II (981, Bourgogne); Église du monastère de S. Pedro de Roda (1022, Catalogne); Église abbatiale St Michael de Hildesheim (1033, Allemagne); La cathédrale d’Ely (1080, Angleterre); Cathédrale de Pise (après 1083, Italie); L’abbaye de la Grande Chartreuse (1084, Grenoble); La cathédrale de Durham (après 1093, Angleterre); Cathédrale de Speyer (1106, Allemagne); Église abbatiale de Sainte-Foy (1120, France); Baptistère de Saint-Jean, Florence (1128, Italie); Cluny Church III (1130, France); Cathédrale de Mayence (1137, Allemagne); Krak des Chevaliers (après 1142, Homs, Syrie); Église abbatiale de Fontenay (1147, France); La cathédrale de Worms (1200, Allemagne); et l’église de la Madeleine (1215, Vézelay).
L’architecture romane a dû faire face au nombre croissant de pèlerins visitant les sites de saintes reliques à travers l’Europe. En France / Espagne, par exemple, des arches massives ont été construites pour faire face aux foules dévouées du El Camino de Santiago, voie de pèlerinage de la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle (1075-1211) en Galice, au nord-ouest de l’Espagne, où se trouvent les vestiges de l’apôtre Saint-James seraient enterrés. Parmi les autres églises romanes de la route figuraient l’église de pèlerinage Saint-Étienne (1063, Nevers) et l’église de pèlerinage Saint-Sernin (1120, Toulouse).
Pour décorer leurs églises, les architectes romans se sont appuyés sur le vitrail, les peintures murales et la sculpture.
La production de vitrail était concentrée dans des centres comme la Rhénanie (Allemagne), l’ Île de France et Poitiers. Encadrés pour la première fois en plomb, les motifs étaient basés sur de forts contrastes de couleurs (bleu, rouge intense, jaune). (Voir également: Art du Vitrail: Matériaux, Méthodes .) Parmi les exemples célèbres figurent des fenêtres en verre telles que: Le prophète Osée (1130, mur sud de la cathédrale d’Augsbourg); et La crucifixion du Christ (1165, cathédrale de Poitiers). Les peintures murales ont été utilisées – comme dans les églises byzantines – pour éduquer les pratiquants illettrés. Les styles étaient généralement dynamiques et animés, tandis que des artistes espagnols créaient des peintures murales romanes mêlant art espagnol et islamique. La sculpture est apparue principalement à l’extérieur des églises, dans un style plutôt statique ou en bois. L’artiste roman le plus célèbre était probablement le sculpteur Gislebert (1120-1135), connu pour son travail de secours sur les portails de
Cathédrale Saint Lazare, Autun.
Architecture gothique, peinture de livre (c.1150-1375)
Art gothique aussi, était tout sur l’architecture chrétienne. Il était redevable à une renaissance de la science et des mathématiques, notamment de la géométrie euclidienne. Alors que le roman était réputé pour sa masse d’échelle, ses murs épais, ses fenêtres étroites et ses intérieurs sombres, architecture gothique ébloui par ses voûtes élancées, ses immenses vitraux et ses intérieurs spacieux et bien éclairés. En utilisant des arcs en ogive pour répartir le poids du plafond et des arcs-boutants révolutionnaires pour soutenir les murs, il a permis aux architectes de créer une église reflétant pleinement la gloire de Dieu. le style gothique Apparu pour la première fois à l’église abbatiale de Saint-Denis, près de Paris (commencée en 1140), il a révolutionné la conception de la cathédrale en moins d’un siècle en Europe. Pour l’expression ultime de l’architecture gothique religieuse, voir: Sainte Chapelle (1241-128) à Paris.
Parmi les autres bâtiments gothiques célèbres figurent les cathédrales de Laon (1160), de Notre-Dame de Paris (1160), de Chartres (1194), de Bourges (1195), de Reims (1211), d’Amiens (1220), de Salisbury (1220) et de Burgos (1220)., Abbaye de Westminster, Lincoln (1230), (1245), Cologne (1248), Fribourg (1275), York Minster (1280), Rouen (1281), Sienne (c.1290), Barcelone (1298), Orvieto (1330), Milan (1386), Séville (1402) et d’autres.
La sculpture architecturale était un autre élément important. Les statues de colonnes et les reliefs de personnages de l’Ancien Testament, ainsi que les représentations du Christ et d’autres membres de la Sainte Famille étaient monnaie courante. Sculpture gothique développé en une série de petites étapes créatives. D’abord, un réalisme accru, visiblement différent de l’aspect plutôt boisé de l’idiome roman; puis nous voyons des figures plus gracieuses avec une draperie douce; puis figure avec un aspect solide et droit, avec des gestes plus contenus. Enfin, venaient des personnages avec des postures délicates et des draperies épaisses suspendues dans de longs plis en forme de V. Parmi les plus grands sculpteurs figurent Nicola Pisano (1206-1278) et Arnolfo di Cambio (1240-1310).
Les sculpteurs de style gothique tardif, basés en Allemagne au 15ème et début du 16ème siècle, produisirent une explosion de textes chrétiens exquis. Sculpture sur bois dans une série de spectaculaire triptyque des retables, jamais égalés depuis. Notés pour l’émotion de leurs figures expressionnistes, ces maîtres sculpteurs comprenaient Michael Pacher (1435-98), Veit Stoss (c.1447-1533), Tilman Riemenschneider (c.1460-1531) et Gregor Erhart (c.1460-1540).. Voir: Art gothique allemand (c.1200-1450).
Fortement influencés par la sculpture, les peintres gothiques étaient également occupés à créer des œuvres d’art religieux, mais pas à l’intérieur d’églises, où d’énormes vitraux fournissent maintenant la couleur et l’illustration biblique qui étaient auparavant fournies par les peintures murales: voir, par exemple, le translucide. art du vitrail à l’intérieur Cathédrale de chartres (c.1194-1250). Au lieu de cela, les peintres gothiques se sont concentrés sur des manuscrits enluminés, tels que les Bibles morales françaises (1230-30 environ), Le Somme le Roi (1290), le Codex Manesse (1310), les Heures de Jeanne d’Evreux (1328), le Psaltar de Bonne de Luxembourg (1349), le psautier anglais Amesbury (1240), le psautier Queen Mary (1330) et les psautiers Arundel et Luttrell (1340). Ce ne sont là que quelques-uns des nombreux livres d’heures, missels, psautiers, apocalypses, bibles et autres textes évangéliques enluminés émanant de la scriptoria monastique de cette période. Voir notamment les œuvres de Jean Pucelle (1290-1334). Pour plus, voir: Histoire des manuscrits illustrés (600-1200).
Vers la fin de l’ère gothique, un art riche, parmi les cours royales d’Europe, émergea comme une sorte de pont entre la culture gothique et la Renaissance. Connu comme Gothique international (c.1375-1450), ce style est illustré par une gamme d’illuminations chrétiennes qui atteignent leur apogée dans des œuvres telles que Les Tres Riches Heures du Duc de Berry (1416) par les frères du Limbourg (tous morts de peste, 1416); les heures du maréchal de Boucicaut, de Jacquemart de Hesdin (c.1355-1414), et le missel de Jean des Martins de Enguerrand de Charenton (Quarton) (c.1410-1466).
Renaissance italienne
L’art chrétien du XIVe siècle, avant la Renaissance, était dominé par Giotto – voir le Scrovegni (Arena) Fresques de la chapelle (c.1303-10) – et Duccio de Buoninsegna (1255-1318) – voir le célèbre polyptique pour la cathédrale de Sienne, connue sous le nom Retable Maesta (1308-11). Après cela est venu le Début de la renaissance à Florence, illustrée par le duomo de la ville – pour plus d’informations, voir: Cathédrale de Florence, Brunelleschi et la Renaissance (1420-36) – Masaccio (fresques de la chapelle Brancacci) et Donatello (statue de David). Si Florence dominait l’art chrétien du XVe siècle, le centre de l’art chrétien du XVIe siècle était Rome, où les plus grands mécènes étaient le pape Sixte IV (1471-84), Pape julius ii (1503-13), le pape Léon X (1513-21) et le pape Paul III (1534-49).
Le 16ème siècle a également vu un âge d’or de l’art à Venise: voir Retables vénitiens (1500-1600) et Peinture vénitienne .
Immortel peintures religieuses de la Renaissance comprennent: La flagellation du Christ (1460) de Piero della Francesca; Le dernier souper (1495-98) et La Vierge des Rochers (1484) de Léonard de Vinci; Lamentation sur le Christ mort (c.1490) d’Andrea Mantegna; le Madone Sixtine (1513) et La Transfiguration (1518-20) de Raphaël; L’Assomption de la Vierge (1516-158) de Titien; le Assomption de la Vierge (Cathédrale de Parme) (1524-30) sur le plafond du dôme de la cathédrale de Parme près du Correggio; Le festin de noces à Cana (1563) et Fête à la maison de Levi (1573) de Paolo Veronese; et La crucifixion (1565) de Tintoret. Le plus grand chrétien Sculpture Renaissance inclus: Les portes du paradis (1425-52, baptistère de Florence) de Lorenzo Ghiberti; L’incrédulité de saint Thomas (1467) d’Andrea Verrocchio; nombreux objets de dévotion sculpture en terre cuite par la famille florentine Della Robbia; Pieta (1500), David (1504) et la tombe du pape Jules II (1505-45) de Michel-Ange. Mais sûrement l’art chrétien le plus emblématique du 16ème siècle doit être le Fresques de la chapelle Sixtine , peint par Michelangelo. Ceux-ci incluent Genesis Fresco (1508-12) – voir en particulier le Création d’Adam (Dieu passant l’étincelle de la vie).
Pour l’analyse de plusieurs de ces réponses, voir: Tableaux célèbres analysés .
Ironiquement, Christian Architecture de la renaissance était basé sur des dessins de l’architecture grecque païenne et utilisait de manière libérale les ordres dorique, ionique et corinthien. Des exemples remarquables comprennent: le dôme de la cathédrale de Florence (1420-1436) et l’église de San Lorenzo (1420-1419) conçue par Brunelleschi; Église de Santa Maria delle Carceri (1485-1506) de Giuliano da Sangallo; Basilique Saint-Pierre (1506-1626) de Bramante, Raphaël, Michel-Ange, Giacomo della Porta, Carlo Maderno et Bernini; Église de San Giorgio Maggiore (1562) de Palladio.
Art chrétien de la Renaissance du Nord
Soi-disant Art renaissance nordique (c.1430-1580) a été dominé par l’école de peinture flamande, une partie du mouvement plus large de la Renaissance néerlandaise. En termes simples, la Renaissance nordique a commencé par un bang, s’établissant rapidement comme la plus grande école de peinture à l’huile, puis a progressivement décliné. le retable d’art des peintres comme Jan van Eyck (voir son Retable de Gand , 1432) et Roger van der Weyden ( Descente de la croix , 1440), ainsi que les œuvres incroyablement complexes de Hugo van der Goes ( Retable de portinari , 1475), ont rarement été égalés, si ce n’est par les extraordinaires images visionnaires de Jérôme Bosch – voir Jardin des délices et Triptyque Haywain – (avidement collectionné par l’austère monarque catholique Philippe II d’Espagne) et les peintures de genre complexes de Pieter Bruegel l’Ancien ( Recensement de Bethléem , 1566; Massacre des Innocents , 1564; Parabole de l’aveugle , 1568).
NOTE: La peinture religieuse du XVe siècle en France a été dirigée par l’artiste provençal Enguerrand de Quarton (1410-66) – célébré pour Avignon Pieta (vers 1455, musée du Louvre) – et le peintre de la cour Jean Fouquet (1420-81) remarqua Melun Diptych (c.1450-55).
Le réalisme et la précision flamands sont également évidents dans les travaux de peintres allemands tels que Stephan Lochner ( Le Jugement dernier , 1440), Lucas Cranach l’Ancien ( Adam et Eve , 1528), Hans Baldung Grien ( Autel de la Vierge Marie [Retable de Fribourg] ], 1514), et Hans Holbein l’Ancien ( Scènes de la passion du Christ [Le Retable de Kasheim], 1502). Parmi les autres maîtres allemands, on compte l’expressionniste Matthias Grunewald ( Retable d’Isenheim , 1510-15) et le graveur et peintre polyvalent Albrecht Durer ( Les Quatre Cavaliers de l’Apocalypse , 1498, gravure sur bois), et Martin Schongauer ( Madone au jardin de roses , 1473).
Note historique: la réforme protestante
En 1517, Luther, un prêtre néerlandais – sans doute influencé par la révolte antérieure de Savonarole (1452-98) à Florence – a commencé une révolte religieuse contre les pratiques corrompues de l’Église de Rome, qui a conduit à une scission du mouvement chrétien. Les manifestants devinrent connus sous le nom de protestants, tandis que ceux qui continuaient de suivre l’Église traditionnelle s’appelaient eux-mêmes catholiques. Le protestantisme (qui se divisait en quatre types: luthérien, calviniste, anglican et anabaptiste) s’enracinait dans les pays d’Europe du Nord comme la Hollande, l’Allemagne (sauf la Bavière) et la Grande-Bretagne, tandis que les pays d’Europe du Sud comme la France, l’Italie et l’Espagne Flandres), est resté catholique.
Art de la Réforme
À partir de 1520 environ, alors que la Renaissance nordique ressentait l’impact de la révolte de Luther contre les pratiques corrompues de l’Église romaine, un nouvel ensemble de esthétique a pris, sous la forme de Art de la réforme protestante , qui reflétait l’ordre du jour chrétien du mouvement protestant, qui rejetait l’art humaniste et l’idéologie de la Haute Renaissance, et célébrait une expérience religieuse plus austère, avec une décoration minimale. En conséquence, le nombre d’œuvres d’art religieux commandées par les autorités de l’Église protestante a été énormément réduit et les artistes des pays protestants ont été contraints de passer à des formes laïques telles que la peinture de genre, l’art de portrait, la peinture de paysage et les natures mortes.
Art Protestant
Le protestantisme a enseigné une forme de culte personnel, discret et centré sur la relation directe entre Dieu et l’homme, sans faire de bruit pour des intermédiaires tels que les papes, les évêques et les autres employés de l’église. En outre, il n’accorde que peu ou pas d’importance aux aspects décoratifs ou cérémoniels de la religion. Pour toutes ces raisons, l’art protestant a privilégié les représentations moralisatrices discrètes de la vie quotidienne ordinaire, ou de simples scènes narratives de la Bible, plutôt que des scènes théologiques dramatiques mettant en scène Passion, Crucifixion et Résurrection du Christ. D’autres scènes acceptables comprenaient des représentations de pécheurs pardonnés par Christ, conformément au point de vue protestant selon lequel le salut n’est possible que par la grâce de Dieu. L’art protestant avait aussi tendance à être moins important que l’art catholique, reflétant une approche personnelle plus modeste de la religion. Pour la même raison, les illustrations de livres et les gravures sont devenues plus populaires, tandis que les peintures et les sculptures catholiques étaient l’objet d’attaques physiques iconclastiques, comme en témoigne le beeldenstorm , un épisode de destruction massive qui a éclaté en 1556. Mais les autorités de l’église protestante étaient également conscientes du pouvoir de l’art d’éduquer et d’influencer les fidèles. En conséquence, ils ont utilisé au maximum diverses formes de gravure , ce qui a permis de diffuser largement des images à un coût très bas.
L’esthétique protestante a atteint un sommet au cours de la Époque baroque hollandaise (environ 1600-80). Cette période, connue sous le nom d’âge d’or de l’art hollandais, a été le témoin du développement ultime du style réaliste adopté auparavant par les peintres flamands. Bien que les portraits et les paysages fussent également populaires, cette période est surtout connue pour son apogée. Peinture de genre réaliste néerlandaise et ce qu’on appelle nature morte peinture (tableaux arrangés). Les principaux peintres de genre de la Réforme protestante provenaient de diverses écoles. Adriaen van Ostade et l’artiste catholique Jan Steen représentaient l’école de Haarlem; Jan Vermeer et Pieter de Hooch représentaient l’école de Delft; Hendrik Terbrugghen et Gerrit van Honthorst appartenaient à l’école d’Utrecht; Gerrit Dou représentait l’école de Leiden; Samuel van Hoogstraten et Nicolaes Maes étaient membres de l’école de Dordrecht; et Carel Fabritius, Gerard Terborch et Gabriel Metsu appartenaient à l’école d’Amsterdam.
Beaucoup de ces peintures de genre contenaient des messages moraux subtils sur la façon de vivre une vie chrétienne, ainsi que des messages moins subtils sur les dangers du vice. Cette iconographie discrète des protestants contrastait parfaitement avec les scènes bibliques intenses, telles que la crucifixion et la lamentation, privilégiées par l’art catholique. Les natures mortes sont un autre exemple de cet art moraliste. Connu comme Vanitas peinture , ce genre consistait en des arrangements de nourriture et d’autres objets disposés sur une table, accompagnés de messages symboliques désapprouvant la gourmandise et l’indulgence sensuelle. Il existe deux variétés de peintures vanitas: les "pièces de banquet" ( pronkstilleven ) ou les "pièces de petit-déjeuner" ( ontbijtjes ). Parmi les exposants de pronkstilleven inclus: Harmen van Steenwyck (1612-56) Jan Davidsz de Heem (1606-84) et Willem Kalf (1622-1693). Alors que les principaux praticiens d’ ontbijtjes incluaient: Willem Claesz Heda (1594-1680) et Pieter Claesz (1597-1660).
Même à Amsterdam protestant, cependant, il restait une demande modeste de peintures religieuses. Parmi les commandes les plus importantes reçues par le jeune Rembrandt, figuraient cinq peintures représentant le prince Frederick Henry d’Orange – le principal soldat des guerres néerlandaises contre l’Espagne catholique – sur le thème de la Passion du Christ. En plus de son talent de portraitiste, Rembrandt devint le plus grand peintre religieux du protestantisme hollandais, connu pour des œuvres telles que: L’aveuglement de Samson (1636), Le sacrifice d’Isaac (1636), Susanna and the Elders (1647), Bethsabée tenant la lettre du roi David (1654), Jacob bénissant les enfants de Joseph (1656), et Retour du fils prodigue (1666-1669).
Art de la contre-réforme catholique
L’Église catholique romaine a répondu à la Réforme protestante par la Contre-Réforme. La contre-réforme catholique a été conçue pour communiquer les principes distinctifs de la liturgie et de la foi catholiques afin de renforcer la popularité du catholicisme. Il a été lancé au moment même où la peinture maniériste s’installait en Italie – un style très expressif qui utilisait la distorsion pour obtenir un effet, comme illustré dans le portrait de Madonna au long cou de Parmigianino (1535, Uffizi). Préoccupé par le fait que l’art catholique attachait trop d’importance aux qualités décoratives et pas assez aux valeurs religieuses – annulant ainsi ses effets éducatifs sur les fidèles – les autorités catholiques ont décrété que l’art biblique devrait être direct et convaincant dans sa présentation narrative, qui devrait elle-même être: précis plutôt que fantaisiste, et devrait avant tout encourager la piété. La nudité et autres images inappropriées ont été interdites. Pour un exemple d’artiste maniériste pieux ayant adapté son style à l’enseignement de l’Église, voir: Federico Barocci (1526-1612).
En bref, le seul but de l’art de la Contre-Réforme était de glorifier Dieu et les traditions catholiques et de promouvoir les sacrements et les saints. Ainsi, la fresque du Jugement dernier de Michel-Ange dans la chapelle Sixtine a été vivement critiquée pour sa nudité, pour avoir montré Jésus sans barbe et pour avoir inclus le personnage païen de Charon. Le tableau de Paolo Veronese, La Dernière Cène, a été (pas déraisonnablement) attaqué pour avoir inclus des costumes extravagants, des Allemands ivres et des nains avec une foule immense. En fait, Véronèse a simplement contourné la question en renommant la photo Fête à la Maison de Levi .
L’Église catholique a lancé la Contre-Réforme pour défendre les cœurs et les esprits de ces chrétiens «passés» au protestantisme. À cette fin, la Société de Jésus ( Societas Jesu ) – fondée par S. Ignace Loyola et communément appelée les Jésuites – a été officiellement créée en 1540 par le pape Paul III, en tant que corps enseignant et ordre missionnaire important. L’art jésuite était une source d’inspiration. Tout d’abord, l’architecte Giacomo Barozzi (Vignola) a été chargé de concevoir une église pour le nouvel ordre – l’église du Saint Nom de Jésus ( Il Gesu ) (1568-73) – pour laquelle le peintre baroque Giovanni Battista Gaulli a peint le fabuleux trompe l’oeil fresques au plafond. Une autre église jésuite, la San Ignazio, a abrité ce qui est sans doute le plus grand exemple de peinture de quadrature jamais créé – le triomphe et l’apothéose de saint Ignace de Loyola (1691-1646) d’Andrea Pozzo. Il n’existe pas de meilleur exemple de peinture contre-réforme, ni de meilleur exemple des différences entre l’art protestant et l’art catholique.
Rubens (1577-1640)
Un catholique fervent, l’artiste flamand Peter Paul Rubens est devenu le représentant le plus influent de la peinture de Contre-Réforme en Europe du Nord. Célèbre pour ses peintures religieuses et historiques à grande échelle, pleines de couleurs et de drames sensuels, il s’est socialisé dans les cercles dirigeants de la société européenne en tant qu’artiste et diplomate. Malgré la distance qui sépare Rubens du pratiquant ordinaire, certaines de ses images catholiques, comme le célèbre triptyque Descente de croix (Rubens) (1612), sont très émouvants et son impact sur les peintres ultérieurs est énorme. Voir également: Samson et Dalila (1610).
Caravage (1571-1610)
Le peintre italien du début du baroque Caravage était l’un des héros de la campagne artistique de la Contre-Réforme catholique. Pas à cause de sa piété, mais parce qu’il a peint le Christ, la Vierge Marie, les Apôtres et les Saints avec un naturalisme incroyable. Le réalisme non sophistiqué de Caravaggio était le style parfait pour le message de l’Église. Cela donnait aux événements bibliques clés une immédiateté qu’aucun autre peintre n’avait atteint. En abandonnant les prétentions stylistiques du maniérisme tardif – un style qui n’était compris que par une minorité instruite, il offrait l’impact inspirant instantané exigé par le Concile de Trente. Ses plus grandes œuvres incluent: L’appel de saint Matthieu (1600), Le martyre de saint Matthieu (1600), Conversion sur le chemin de Damas (1601), Souper à Emmaüs (1602), La mise au tombeau du Christ (1601-3), La crucifixion de saint Pierre (1601), et La mort de la vierge (1601-6). Son utilisation dramatique de la lumière et de l’ombre a été poursuivie après sa mort par des adeptes du prétendu caravagisme.
El Greco (1541-1614) et l’école d’espagnol
L’Espagne est le seul Etat européen à être sorti d’une lutte religieuse entre le christianisme et l’islam (la domination musulmane sur la majeure partie de la péninsule ibérique a duré 718-1492). Il n’est donc pas surprenant que l’école de la peinture espagnole produise une forme d’art chrétien qui soit cohérente avec la dévotion sans compromis du pays pour la cause catholique. Son plus grand exposant était Domenikos Theotokopoulos, appelé El Greco . Après une formation en peinture d’icônes byzantine, il travaille à Venise avant de s’installer en Espagne. Il crée ici une série de portraits extatiques du Christ et des saints, dont l’intensité d’expression fait directement appel aux sentiments spirituels du spectateur. Ces peintures saintes puissantes, avec leurs figures allongées, leur perspective déformée et leurs couleurs non naturelles ont fait d’El Greco le père de l’art de Contre-Réforme en Espagne. Ses peintures catholiques les plus célèbres incluent: La Trinité (1577-9); Le déshabillage du Christ (1579); L’inhumation du comte d’Orgaz (1586); Christ chassant les marchands du temple (1600); la résurrection (1600) et l’ouverture du cinquième sceau de l’Apocalypse (1608). Bien qu’ils n’aient rien du naturalisme du Caravage, ces images étaient des chefs-d’œuvre spirituels et correspondaient donc parfaitement aux exigences doctrinales du Vatican.
Après El Greco, Francisco de Zurbaran (1598-1664), artiste fortement influencé par le quiétisme espagnol, se spécialisa dans la peinture sacrée à grande échelle pour des ordres religieux tels que les Chartreux, les Capucins, les Dominicains et autres. Jusepe Ribera (1591-1652), contemporain de Zurburan, était une figure clé de l’ école napolitaine de peinture (1600-1636) et l’un des premiers adeptes du Caravage. Les œuvres de ces deux peintres sont célèbres pour leur vérité visuelle, leur clair – obscur audacieux et leur ténébrisme, ce qui leur a donné une grande intensité dramatique et dramatique. Voir également: Christ crucifié (1632) de Diego Velazquez.
L’intensité spirituelle atteinte par les peintres espagnols s’est également manifestée dans les œuvres de sculpteurs espagnols, comme Alonso Berruguete (v.1486-1561), le plus grand sculpteur espagnol de la Renaissance, dont les chefs-d’œuvre comprennent: le retable du monastère de La Mejorada Valladolid (1526) et les stalles de la chorale de la cathédrale de Tolède (1539-1543); Juan de Juni (1507-1577), noté pour son expressivité émotionnelle, comme dans ses deux groupes de la mise au tombeau du Christ (1544 et 1571). Juan Martinez Montanes (le "dieu du bois"), célèbre pour ses crucifix en bois et ses figures religieuses, comme Le Christ Miséricordieux (1603) et le Retable Santiponce (1613); et Alonso Cano (le "Michelangelo espagnol"), dont le chef-d’œuvre est L’Immaculée Conception (1655).
Bernini (1598-1680) et l’école italienne
Aucun autre artiste italien incarné catholique Art baroque mieux que Gianlorenzo Bernini , dont la production d’art religieux comprend le chef-d’œuvre sculptural L’ extase de Sainte-Thérèse (1645–1652), à l’intérieur de la chapelle spécialement conçue de Cornaro de l’église Santa Maria della Vittoria. L’idiome baroque a engendré un style architectural mélodramatique, illustré par le projet du Bernin sur la place Saint-Pierre (1656-1677) et par les approches de la basilique Saint-Pierre à Rome. Un favori de Urbain VIII et un rival de François Duquesnoy (1594-1643) et d’Alessandro Algardi (1598-1654), la stature de Bernini à Rome (mais pas sa créativité) était égalée à celle du Français Nicolas Poussin (1594- 1665), le fondateur du classicisme français, dont les peintures religieuses comprenaient Le Martyre de Saint-Erasmus (1628), La Peste d’Ashdod (1630), La manne de rassemblement israélite dans le désert (1639), le garçon Moïse piétine la couronne du pharaon (1645) et la Sainte Famille sur les marches (1648).
NOTE: La sculpture baroque allemande pourrait également être impressionnante. Voir, par exemple, l’extraordinaire maître-autel de la Vierge Marie (1613-1616), dans l’église Saint-Nicolas d’Uberlingen, sculptée par le maître sculpteur Jorg Zurn (1583-1638).
Murales d’église (Quadratura)
La forme la plus spectaculaire de peinture chrétienne était probablement le plafond de l’église peinture murale (appelée quadratura ), souvent exécutée avec des effets illusionnistes en trompe-l’oeil . Cette décoration de plafonds voûtés / en forme de dôme d’églises a commencé à la Renaissance en Italie. Parmi les exemples de la Renaissance, citons: la fresque de la Sala delle Prospettive (vers 1517, Villa Farnesina) de Baldessare Peruzzi; et l’ Assomption de la Vierge (1524-30) du Correggio, qui ornait le plafond en forme de dôme de la cathédrale de Parme.
Les peintures murales baroques incluent la célèbre fresque Aurora (1621-3, Villa Ludovisi, Rome) de Guercino et Agostino Tassi; l’ Assomption de la Vierge (1625-1627) sur la cathédrale de l’église de S. Andrea della Valle, de Giovanni Lanfranco (1582-1647); les fresques du palais Barberini de Pietro da Cortona, y compris l’ allégorie de la Divine Providence (1633-1639); et le Apothéose de saint Ignace (1688-94, Sant’Ignazio, Rome) d’Andrea Pozzo.
Parmi les peintures murales rococo chrétiennes remarquables – toutes de Giambattista Tiepolo – figurent les fresques du Palazzo Labia (environ 1745) à Venise; les fresques de Wurzburg Rezidenz (1750-3) en Allemagne; et la fresque de l’ apothéose d’Espagne (1763-1736) au palais royal de Madrid.
Peintures architecturales d’églises
Une caractéristique intéressante de Christian dessin de la période baroque étaient les dessins architecturaux, des gravures et des peintures des intérieurs d’église. Trois des principaux représentants de ce genre étaient: l’artiste Haarlem Pieter Saenredam, connu pour sa précision architecturale et ses images d’intérieurs d’église blanchis à la chaux ( Interior of the Buurkerk, Utrecht , 1645); Emanuel de Witte , qui se souciait moins de la précision technique que de l’atmosphère de l’église ( Intérieur de la synagogue portugaise à Amsterdam , 1680); et le peintre italien ( vedutista ) Giovanni Paolo Panini ( Intérieur de la basilique Saint-Pierre, Rome , 1731).
Architecture d’église du baroque
Architecture baroque a abandonné la symétrie équilibrée des dessins de la Renaissance au profit de lignes et de surfaces courbes dramatiques combinant art et architecture en une entité dynamique, créant des effets illusoires de lumière, de couleur et de texture. Les églises baroques se caractérisaient par une combinaison de dômes, de chapelles décorées, de fresques en quadrature et d’autres embellissements, illustrés par ces quatre structures.
Basilique Saint-Pierre (Rome) (1506-1626)
Construit à l’origine sur le lieu de sépulture légendaire de Saint-Pierre, à l’époque de l’empereur Constantin Ier, Basilique Saint-Pierre est parmi les plus saints de tous les sites catholiques. Le bâtiment actuel a été principalement conçu par Donato Bramante, Michel-Ange, Carlo Maderno et Bernini et incarne la transition artistique de la Renaissance au baroque. Couronné par un dôme haut de 50 mètres, il regorge d’oeuvres d’art inestimables, dont la sculpture en marbre de Michel-Ange, Pieta (1500), sculptée par l’artiste à partir d’un seul bloc de marbre de Carrare à l’âge de 25 ans. Saint-Pierre est fortement associé avec l’église paléochrétienne, la papauté, la contre-réforme et est considéré comme le plus bel édifice de son époque.
Basilique Santa Maria della Salute, Venise (1631-1687)
Conçue par l’architecte italien Baldassarre Longhena en guise de remerciement à la Vierge Marie pour avoir délivré la ville de la peste, cette basilique à deux dômes située sur la péninsule entre le canal Grande et le Zattere à Venise, combine des caractéristiques grecques, islamiques et baroques classiques. C’est l’un des monuments les plus célèbres de la ville.
Cathédrale St Paul de Londres (1674-1710)
Conçu par Sir Christopher Wren, St Paul est une cathédrale de l’Angleterre située sur le site de l’église d’origine, fondée en 604. Le siège de l’évêque de Londres a été construite dans le cadre du programme de reconstruction majeur supervisé par Wren, à la suite du grand incendie de Londres. Son dôme haut de 365 pieds est l’un des sites les plus connus de Londres.
Abbaye de Melk, Autriche (1702-36)
Conçu et construit par l’architecte autrichien et maître maçon Jakob Prandtauer, il allie des éléments baroques italiens au design autrichien traditionnel. Située sur de hautes falaises surplombant le Danube, son église abbatiale associe un haut dôme et des tours jumelles. L’extérieur de l’abbaye est constitué d’une masse de surfaces ondulées et de tourelles et de tours en flèche, tandis que ses intérieurs et ses couloirs ont été décorés par de nombreux artistes majeurs de l’Autriche. Il abrite plusieurs éléments célèbres, notamment le hall de marbre, l’escalier impérial et une bibliothèque contenant une vaste collection de textes médiévaux rares.
L’art chrétien à l’époque moderne (1750-2000)
Au milieu du XVIIIe siècle, les pays catholiques, les églises, les abbayes, les monastères et les couvents étaient surpeuplés – de manière presque absurde pour certaines villes comme Naples. En conséquence, les commissions ecclésiastiques ont commencé à se tarir. En même temps, avec l’avènement des Lumières du 18ème siècle, la révolution industrielle et des bouleversements politiques tels que la Révolution française de 1789, l’Église chrétienne européenne a perdu du terrain face au nationalisme, au socialisme et à d’autres systè
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