La couleur en peinture: théorie, pratique, pigments Automatique traduire
L’importance de la couleur
Fidèle à son statut d’un des arts «visuels» de pointe, la peinture dépend fortement de l’utilisation de la couleur pour son impact, son humeur et sa profondeur. L’impact de la couleur sur les sens visuels du téléspectateur est extrêmement puissant et même une infime noisette de pigment aux couleurs vives dans une image autrement monochromatique peut transformer le travail. Même les premiers représentants de la préhistoire peinture rupestre (30.000-12.000 avant notre ère) étaient des experts dans l’utilisation des pigments primitifs, comme le montre le modèle monochromatique Peintures Chauvet , le polychrome Peintures murales de Lascaux et les peintures vives à Altamira .
Avec l’invention de peinture à l’huile en Europe au début du XVe siècle, ce qui améliora considérablement la luminosité et la richesse des couleurs pouvant être atteintes à la fois par la tempéra sur panneaux de bois et par la fresque peinture murale , la pratique de la peinture en couleurs a fait un bond en avant significatif.
L’effet de la couleur
Les effets de couleur peuvent être purement optiques (p. Ex. Attirer l’œil du spectateur), émotionnels (p. Ex. Des couleurs froides comme le bleu ou le vert ont un effet calmant, alors que le rouge ou le jaune sont plus stimulants pour les sens), ou esthétiques (p. Ex. beauté qui jaillit de la juxtaposition de deux ou plusieurs couleurs harmonieuses), pour n’en nommer que trois. Conformément aux principes de théorie des couleurs et la disposition de la roue chromatique, tous ces effets sur le spectateur varieront également en fonction de la combinaison des nuances (couleurs réelles) présentes, de leur luminosité (leur degré de clarté ou d’obscurité) et de la couleur (la pureté de la teinte)). De plus, l’impact d’une couleur varie en fonction des couleurs voisines sur la toile. Un gris entouré de bleu semblera froid, tandis qu’un gris entouré de jaune paraît chaud. Une dernière influence sur la façon dont la couleur est perçue est la gamme générale de tons présents dans le tableau, parfois appelée touche tonale. Une touche de (disons) jaune sur une toile avec une tonalité globale basse (sombre) (par exemple, une image de Rembrandt) aura un impact différent de celui d’une toile avec une tonalité élevée.
Théorie précoce des couleurs
Les premiers principes de la théorie des couleurs en beaux arts ont été exposés par Leon Battista Alberti (1404-72) dans son traité "Sur la peinture", Della Pittura (1435), et par le génie de la Haute Renaissance, Léonard de Vinci, dans ses cahiers (vers 1490). En tout état de cause, l’importance de " colorito "a été pris particulièrement au sérieux par la grande Vieux maîtres de l’art européen , experts en matière de mélange et d’application de pigments et d’étudiants minutieux des effets tonaux de la lumière. Ils comprenaient les principes de la théorie des couleurs – y compris les nuances de couleurs, l’intensité et les tons – et savaient exactement quand utiliser certaines couleurs et comment les harmoniser sur la toile. Vu de loin, leur niveau de compétence est encore plus impressionnant en raison de l’absence de peintures manufacturées et du fait que la plupart des pigments (dont certains étaient extrêmement coûteux) ont dû être moulus à la main, processus fastidieux et fastidieux. La théorie des couleurs est apparue à la fin du baroque avec la publication d’Isaac Newton Opticks (1704). Mais la pratique de la peinture en couleurs n’a vraiment changé qu’au 19ème siècle, lorsque Impressionnisme a surpris de nombreux critiques d’art avec ses théories optiques et ses pratiques de couleur révolutionnaires relatives à la lumière, qui ont introduit un tout nouveau langage pictural dans peinture d’art . Pour plus d’informations à ce sujet, veuillez consulter: Caractéristiques de la peinture impressionniste 1870-1910.
Quels sont les ingrédients de la peinture de couleur?
La couleur (teinte) d’une peinture qui provient de son pigment est mélangée avec d’autres ingrédients de base comme suit:
Peinture à l’huile
Fondamentalement, la peinture à l’huile est une combinaison de trois choses: le pigment , l’huile de lin et la térébenthine . Le pigment fournit la couleur ; l’huile de lin est le liant , c’est-à-dire l’ingrédient qui retient le pigment et permet de l’étaler sur la toile, le carton ou tout support à peindre; la térébenthine est le diluant – l’ingrédient qui fluidifie le mélange huile / couleur et facilite son application à l’aide d’un pinceau. La peinture à l’huile peut contenir d’autres huiles (p. Ex. Graines de pavot ou de noix), à condition qu’il s’agisse d’huiles siccatives , c’est-à-dire d’huiles sèches par oxydation . Contrairement à la plupart des autres peintures, les huiles ne sèchent pas par évaporation mais par oxydation: l’huile réagit avec l’oxygène de l’air et se transforme en un gel, puis en un solide.
Aquarelle et Peinture Gouache
Techniquement, aquarelle est un moyen de peinture soluble dans l’eau, comme la tempera ou la gouache. Ici cependant, l’aquarelle fait référence à la technique de la peinture au lavis de couleur mise au point en Angleterre aux XVIIIe et XIXe siècles. Fondamentalement, ce type de peinture pour aquarelle est composé de pigment (couleur) et de gomme arabique (un liant hydrosoluble), additionné d’eau. Gouache la peinture est une peinture aquarelle opaque, créée en ajoutant des matériaux tels que le talc, le zinc blanc ou le kaolin. Détrempe se compose de pigment (couleur) et de jaune d’oeuf (le liant), auquel de l’eau est ajoutée.
Acrylique
Peinture acrylique est un support de peinture entièrement synthétique à base de résine polymère acrylique, disponible dans une grande variété de finitions. Dans sa forme la plus simple, la peinture acrylique consiste en un pigment (couleur), à l’intérieur d’une émulsion de résines de polymères acryliques (plastiques) (le liant) et à de l’eau. La combinaison de pigments et de résines plastiques sèche extrêmement rapidement par évaporation de l’eau (et des autres solvants qu’elle contient) pour former un film résistant et flexible.
Tous les pigments de peinture se comportent-ils de la même manière?
Non. La peinture acrylique sèche rapidement et sa couleur change légèrement en séchant. L’aquarelle sèche également assez rapidement et l’aquarelle change également de teinte au cours du processus de séchage. En revanche, la peinture à l’huile sèche beaucoup plus lentement et ses teintes ne changent pas. De plus, en séchant, il est possible d’ajouter de la peinture pour créer des couleurs d’une richesse exceptionnelle. Ces attributs de maniabilité et de tonalité de couleur somptueuse font de la peinture à l’huile le choix préféré de la plupart des maîtres peintres.
Quels sont exactement les pigments?
Les pigments et les colorants sont les ingrédients qui colorent la peinture. Le mot "colorant" est couramment utilisé pour les colorants (et autres colorants) et les pigments. La différence fondamentale entre les pigments et les colorants est la solubilité (leur capacité à se dissoudre dans l’eau). Alors qu’un colorant est, ou peut être, soluble, un pigment a tendance à être plus insoluble. Ainsi, les pigments doivent être broyés en une poudre fine, puis très soigneusement mélangés avec leur liquide vecteur, tel que de l’huile / eau, avant d’être appliqués. Les pigments peuvent être fabriqués à partir de colorants via un procédé spécial.
Quelles sont les principales sources de pigments?
La plupart des pigments de peinture proviennent de métaux (minerais ou composés métalliques) ou de plantes, bien que certains proviennent de produits d’origine animale ou de poisson, ainsi que de bois carbonisé ou d’os.
Pigments d’artiste dérivés de métaux
Les couleurs à base de métal incluent des pigments tels que: cadmium (par exemple jaune cadmium, rouge cadmium), chrome (par exemple jaune de chrome, vert chromé); Cobalt (par exemple, bleu de cobalt, bleu de Céruléan, auréoline, violette de cobalt); Le cuivre (par exemple, le pourpre Han, le bleu égyptien, le verdigris et le viridien); Plomb (par exemple, plomb blanc, jaune de Naples, plomb rouge); Mercure (par exemple, Vermilion); Titane (par exemple, titane blanc, titane jaune); Zinc (par exemple, Zinc White); Lapis Lazuli (par exemple, outremer); Oxyde de fer (p. Ex. Ocre rouge, sanguine, caput mortuum, rouge vénitien, sinopia, rouge de dinde, rouge pompéien et rouge persan; argiles teintées (p. Ex. Ocre jaune, terre de Sienne brûlée, terre de Sienne brûlée, terre d’ombre crue, terre d’ombre brûlée).
Pigments / colorants d’artiste dérivés de plantes
Les pigments naturels à base de plantes (dont la plupart sont maintenant obsolètes) comprennent: le bleu de bleuet (un pigment d’aquarelle du XVIIIe siècle issu de pétales de bleuet); Dragon’s Blood (une couleur résineuse rouge rubis de l’arbre Calamus draco ); Fustic (un colorant jaunâtre de la plante Chlorophona tinctoria); Gamboge (une gomme jaune de Thaïlande); Indigo (fabriqué à partir de la famille de plantes Indigofera); Logwood (un pigment sombre d’un arbre sud-américain); Garance (une couleur rougeâtre des plantes de garance); Rose (jaune constitué d’un mélange de baies non mûres de buckthorn, de soudures et de genêts); Le jaune quercitron (issu de l’écorce du chêne noir américain quercitron); Pigment de carthame (un lac rouge appelé Carthame, fabriqué à partir des fleurs de la plante de carthame); Safran (un jaune des fleurs d’une plante indienne); Sap Green (des baies immatures de l’usine de Buckthorn); Turnsole (un violet / bleu de la plante Heliotrope de la famille de la bourrache); Souder (un jaune de la plante); Pastel (un bleu / indigo du pastel ou herbe de dyerswoad de la famille de la moutarde).
Pigments d’artistes dérivés de produits animaux / poissons
Désormais tous obsolètes (synthétisés), ceux-ci incluent: le carmin cramoisi, fabriqué à partir de l’insecte femelle cochenille des Amériques; le gallstone jaune foncé, du gallstone d’un boeuf; Indian Yellow, produit à partir de l’urine de bovins nourris aux feuilles de manguier; Sépia, un colorant noir des sacs d’encre de la seiche. Tyrian Purple, un pigment pourpre fabriqué à partir de crustacés.
Pigments d’artiste en bois carbonisé / os
Tous sont maintenant obsolètes, notamment: le Bistre, un brun obtenu par la combustion du bois de hêtre; Bone White, des os brûlants à une cendre blanche; Noir de carbone, fabriqué à partir de charbon de bois ou d’os carbonisé; Noir Ivoire, à partir d’ivoire brûlé; Noir de vigne, à partir de vignes carbonisées; Noir de lampe, à partir de suie provenant de lampes à huile.
Quelle est l’histoire des pigments?
Peinture en couleurs à l’âge de pierre
Dans les célèbres peintures rupestres préhistoriques de Chauvet, Lascaux et Altamira, des artistes de l’âge de la pierre s’appuient sur des pigments de terre de base, tels que des ocres d’argile, de couleur jaune, brune et rouge, ainsi que du charbon de bois. (Pour plus de détails, voir: Palette de couleurs préhistorique .)
Peinture de couleur en Egypte
Ce jeu de couleurs brutal mais efficace a été prolongé au début de l’Antiquité par des artistes égyptiens qui décoraient leurs temples et leurs tombeaux de peintures murales et de panneaux comportant de nouvelles couleurs, telles que: Egyptian Blue Frit, le riche pigment jaune citron Orpiment, le realgar rouge orangé, Malachite verte et sa variante bleue Azurite. Les couleurs blanches sont dérivées du gypse et de la craie. (Pour plus de détails, voir: Palette de couleurs égyptienne .)
Peinture en couleurs dans la Grèce et à Rome anciennes
À partir de la peinture archaïque grecque (environ 650 ans avant notre ère), la gamme de couleurs disponible pour les peintures sur panneaux et les fresques était suffisamment large. Les techniques de peinture grecques étaient la tempera et la fresque; sur le bois et le marbre, encaustic et tempera – un processus dans lequel les couleurs ont été mélangées à de la cire, peintes à la surface et ensuite «brûlées». En plus de la gamme de pigments utilisée dans l’Égypte ancienne, les artistes grecs ont ajouté de nouveaux rouges comme le gomme "Dragons Blood" et le Vermilion. Les nouveaux violets comprennent les violets Indigo, Madder et Tyrian, tandis que les nouveaux verts sont en vedette. Verdigris et terre verte (Terre Verte). Massicot et Naples Yellow étaient deux nouveaux jaunes. (Pour plus de détails, voir: Palette de couleurs classique .)
Peinture en couleurs à la Renaissance
La peinture à la Renaissance a été transformée par le développement de la peinture à l’huile. Ce nouveau médium a rendu les couleurs très bonnes et a ajouté une nouvelle dimension de la réalité aux œuvres figuratives, notamment aux portraits. Sans surprise, cela a stimulé la découverte et l’utilisation de nombreuses nouvelles teintes. Ceux-ci comprenaient les pigments rouges Carmine (Amériques), "Red Lac" (Inde) et un nouveau Vermilion rouge; plus le fabuleux Ultramarine bleu foncé et le Gamboge jaune, ainsi que Lead White. (Pour plus de détails, voir: Palette de couleurs Renaissance .)
Traditions académiques de la peinture en couleurs
Plusieurs principes importants des beaux-arts ont été établis par Art de la Renaissance . Ces principes consistent en des conventions relatives à tous les aspects de la prise de vue, y compris le sujet, la composition, la ligne et la couleur. La couleur ( colorito ) était considérée comme secondaire par rapport à la conception générale ( disegno ), comme le montre le fait que les étudiants en art ou les apprentis passaient la majeure partie de leur temps à apprendre dessin et n’a appris que beaucoup plus tard l’art des pigments et de la coloration. Mais voir aussi: Peinture de couleurs du Titien et de Venise (c.1500-76), et Héritage de la peinture vénitienne .
Peinture en couleurs aux XVIIe et XVIIIe siècles
Après la Renaissance, cette approche de la peinture artistique a été adoptée par toutes les grandes académies européennes et est désormais consacrée dans le style connu sous le nom d’art académique. La peinture ne figurait même pas au programme de la plupart des académies – les étudiants devaient apprendre les techniques de peinture dans l’atelier d’un maître – et la couleur avait toujours une fonction secondaire, constituant davantage un élément de soutien. Ainsi, durant le baroque, Rubens attira les critiques pour son utilisation dramatique du pigment, tandis que Nicolas Poussin était vénéré comme un exemple de colorisme plus équilibré. Environ un siècle plus tard, le même débat a éclaté sur les pratiques de couleur respectives du peintre romantique Delacroix par rapport à ceux du plus sobre Jean Auguste Dominique Ingres . L’un des principes cardinaux de la peinture académique concerne la primauté de la palette naturaliste: les couleurs doivent refléter les couleurs naturelles de la nature, ainsi l’herbe est verte, la mer est bleue et la peau est de couleur chair. Cette situation dura jusqu’au 19ème siècle quand une révolution se produisit. Aucune nouvelle couleur majeure n’a été découverte au 17ème siècle, mais le bleu de Prusse a été produit au 18ème siècle, de même que plusieurs nouvelles couleurs Cobalt et Chrome. (Pour plus de détails, voir: Palette de couleurs du XVIIIe siècle .)
XIXe siècle: impressionnisme et autres écoles
Le 19ème siècle – essentiellement le début de art moderne – était une période de changement massif pour les peintres à l’huile et les aquarellistes. De nouveaux pigments semblent apparaître toutes les quelques années. Le bleu de cobalt est apparu en premier, puis le chrome vert, suivi du jaune indien, du jaune de cadmium, du bleu céruléen, d’un outremer synthétique, du blanc de zinc, de la garzette, de l’auréol, du viridian et du violet de cobalt bon marché. Les peintres du XIXe siècle possédaient désormais un moyen moins coûteux, plus pratique et plus fiable de peindre en couleur. Les fauvistes et les expressionnistes allemands tirèrent pleinement parti de ces avancées technologiques en matière de pigmentation pour produire une explosion d’images multicolores. (Pour plus de détails, voir: Palette de couleurs du XIXe siècle .)
La révolution impressionniste
Peintres impressionnistes a provoqué une révolution dans la théorie et la pratique de la peinture en couleurs par leur volonté de capturer le "moment fugace": la condition exacte de la lumière / couleur qu’ils percevaient lorsqu’ils peignaient en plein air. Ainsi, par exemple, si pendant ce moment fugace, un tronc d’arbre – qui est «naturellement» brun – semblait rouge à la lumière d’un soleil couchant, les impressionnistes (comme Monet, Renoir, Pissarro et Sisley) le peignaient en rouge. En fait, il peut apparaître dans différentes teintes, en fonction de l’effet de la lumière, et est coloré en conséquence. L’approche «peindre ce que vous voyez» de la couleur vue dans la plupart des Peintures impressionnistes brisé les conventions de l’époque et ouvert les portes à de nouvelles expériences dans les écoles, telles que Néo-impressionnisme (avec sa technique de Pointillisme ), telle que pratiquée par Georges Seurat et Paul Signac.
Expressionnisme
L’impressionnisme représentait le summum de la "copie de la nature". Mais après deux décennies de copie servile, les artistes progressistes se sont rebellés. Fatigués de simplement "peindre ce qu’ils ont vu", ils ont injecté plus de subjectivité dans leurs toiles, dans un style général appelé Expressionnisme . Lancé par Paul Gauguin et Vincent Van Gogh, le mouvement expressionniste a été développé en premier par soi-disant Peintres fauvistes en 1905. Pendant deux ans, le fauvisme a fait la une à Paris: tout le monde l’a essayé, même Georges Braque. Son influence se répandit en Allemagne, déclenchant une explosion de l’expressionnisme allemand menée par des groupes d’art progressistes comme Der Blaue Reiter et Die Brucke. Il s’est également répandu en Grande-Bretagne où il a influencé Coloristes écossais et d’autres. Pour plus d’informations, voir: Histoire de l’expressionnisme . Pour les artistes impliqués, voir: Peintres expressionnistes .
Remarque: la variété russe du colorisme du XXe siècle est plus évidente dans les fabuleux ensembles théâtraux créés pour Sergei Diaghilev et ses ballets russes . par des designers comme Leon Bakst (1866-1924) et Alexandre Benois (1870-1960).
Expressionnisme abstrait / peinture de champs de couleurs
L’expérimentation des couleurs s’est de nouveau arrêtée au lendemain de la Seconde Guerre mondiale en Amérique, où des artistes européens émigrés (p. Ex. Arshile Gorky Josef Albers Mark Rothko et autres) mélangés avec des habitants comme Clyfford Still et Barnett Newman produire un style de Expressionisme abstrait connu comme Peinture de champ de couleur . Il s’agissait généralement d’immenses toiles contenant de larges zones de couleur, conçues pour «envelopper» le spectateur et engendrer une réaction émotionnelle. Voir, par exemple, Peintures de Mark Rothko (1938-1970). Le pigment était désormais "l’élément" essentiel de la toile: c’était le point culminant de la peinture en couleur. Et malgré l’effondrement éventuel du mouvement au début des années 1960, la couleur a continué de conserver son statut indépendant dans le processus de disegno .
Impact de la technologie de fabrication sur la peinture en couleurs
Nouvelles peintures
L’impressionnisme a coïncidé avec l’invention du tube de peinture à l’étain pliable en 1841, du peintre américain John Rand, qui a rendu plus de couleurs pré-mélangées disponibles dans un support commode. En outre, des fabricants de peinture comme la société Sherwin-Williams ont commencé à essayer de toute urgence de mettre au point une formule qui maintiendrait les fines particules de peinture en suspension dans l’huile de lin. En 1880, après plus d’une décennie de recherche en chimie, la société produisit une formule dépassant de loin la qualité des peintures à l’huile disponibles à ce moment-là. Depuis lors, les fabricants de peinture-artiste ont produit une gamme de plus en plus étendue de peintures à l’huile pré-mélangées, éliminant pratiquement le besoin de pigments broyés à la main et révolutionnant la pratique de la peinture à l’huile.
En outre, l’apparition de la peinture acrylique dans les années 1940 (initialement développée par le chimiste allemand Dr. Otto Rohm) a fourni aux peintres une alternative encore plus pratique aux couleurs à l’huile à séchage lent. Ainsi, les progrès technologiques dans la fabrication des pigments à base d’huile et maintenant d’acrylique ont (et continuent d’avoir) une influence majeure sur la théorie et la pratique de la peinture en couleurs.
Nouveaux colorants synthétiques
L’invention en laboratoire de pigments synthétiques, destinés à remplacer les couleurs les plus coûteuses à base de colorants organiques ou naturels, a également eu un impact considérable sur la fabrication de la peinture, et donc sur la peinture artistique. Un des premiers pigments synthétiques modernes, découverts par hasard en 1704, était le bleu de Prusse . Les chimistes ont synthétisé avec succès de nombreux autres pigments naturels, notamment Raw Sienna , Raw Umber , Burnt Sienna et Burnt Umber . Au début du 19e siècle, de plus en plus de pigments bleus synthétiques avaient été créés, notamment l’outremer français , une forme artificielle de lapis-lazuli , ainsi que des versions de laboratoire de Cobalt et de Bleu Céruléen . Au début du 20e siècle, les chimistes organiques ont créé le Phtalo Blue , un pigment synthétique doté d’un pouvoir de teinture énorme. À la fin du XIXe siècle, grâce à la fois aux chimistes organiques et aux fabricants de peinture, une large gamme de couleurs de peinture à l’huile – telles que le rouge, le pourpre, le bleu et le violet – était devenue disponible dans des formats abordables. De plus, comme de nombreux pigments étaient maintenant fabriqués à partir de composants chimiques dans des conditions de laboratoire, des normes beaucoup plus élevées de qualité et de consistance – en ce qui concerne la composition et la durabilité des couleurs – sont devenues possibles. Ainsi, en 1905, les chimistes ont pu développer le système de couleurs Munsell , un système de mesure qui a servi de base à une série de modèles de couleurs. Entre autres choses, le système a classé les couleurs par teinte, valeur (légèreté) et chroma (pureté de la couleur).
Nouveaux systèmes couleur standardisés
L’un des développements majeurs de la peinture couleur au XXe siècle a été la création d’un certain nombre de systèmes de couleurs conçus pour classifier et normaliser les attributs des pigments, afin d’améliorer la cohérence de la fabrication et de l’étiquetage. Les principaux systèmes comprennent:
Société américaine pour les essais et les matériaux (ASTM)
L’ASTM est l’organisation principalement responsable de l’établissement de normes minimales pour le contrôle et la qualité du matériel d’artiste, notamment pour l’étiquetage des produits de peinture. Publiées pour la première fois en 1984, ces normes fournissent la seule garantie, en dehors des avertissements sanitaires prescrits par le gouvernement fédéral et les États, que (par exemple) les peintures acryliques et à l’huile sont correctement étiquetées.
L’indice de couleur
Publié pour la première fois en 1925 par la Society of Dyers et Colourists du Royaume-Uni, et géré actuellement en association avec l’Association américaine des chimistes et des coloristes du textile, The Color Index est l’index officiel de tous les colorants disponibles dans le commerce. Regroupés par couleur, chaque teinte se voit attribuer un nom générique de CI (indice de couleur), un numéro de constitution et une liste de noms communs associés au colorant ou au pigment. La plus grande valeur de ce système est qu’il offre un moyen normalisé et fiable de savoir exactement quels pigments se trouvent dans une peinture.
La colorimétrie et la mesure de la couleur
Bien que très utile, le principal objectif de Color Index reste le catalogage des pigments disponibles dans le commerce. Il ne classe pas la couleur de manière particulièrement scientifique. Pour cela, les experts se sont tournés vers la science de la colorimétrie, le domaine concerné par la mesure quantitative de la couleur en général, et deux modèles principaux sont apparus – Munsell et CIE Lab – ainsi que deux systèmes alternatifs – CMYK et RGB – qui sont largement utilisés. les industries de l’impression et de l’affichage.
Munsell
Créé par l’artiste et éducateur américain Albert H. Munsell en 1905, le système de couleurs Munsell constituait l’une des premières tentatives d’organisation des couleurs dans un ordre logique. Il repose sur trois attributs: la teinte, ou la qualité qui différencie une couleur d’une autre; Chroma, un concept similaire à Saturation; et valeur, la clarté / obscurité d’une couleur.
CIE LAB
En 1976, la Commission Internationale d’Éclairage (CIE), l’organisation qui promulgue les normes officielles pour la mesure scientifique de la couleur, a développé un modèle appelé CIE Lab afin de décrire toutes les couleurs perceptibles de manière uniforme.
RVB et CMJN
Ces systèmes couvrent la classification des couleurs et des pigments apparaissant sur les moniteurs, les téléviseurs, les imprimantes, les scanners, les appareils photo numériques et les téléphones mobiles. Tous ces appareils fonctionnent très différemment des systèmes CIE Lab et Munsell. Dans ce dernier cas, un ensemble de variables bien définies délimite une couleur unique. En comparaison, les valeurs RVB et CMJN prétendent décrire les rapports entre les entrées généralisées: couleurs primaires additives dans le cas de RVB ou couleurs primaires soustractives pour les encres d’impression CMJN. En termes simples, ces systèmes fournissent une recette pour mélanger une couleur plutôt que sa définition.
Pantone®
Le troisième système employé dans l’impression est le système Pantone. Son système de correspondance Pantone (PMS) permet aux imprimeurs de reproduire avec précision toutes les nuances d’encre connues.
Les plus grands coloristes de la peinture artistique
Avant d’énumérer quelques-uns des plus célèbres représentants du travail des couleurs, il est important de rappeler que (comme décrit ci-dessus), entre 1400 et 1800 environ, l’application de la couleur par les peintres était sévèrement circonscrite, en raison des théories académiques dominantes des beaux-arts. La couleur était un élément intégral mais essentiel du processus de fabrication des images et les artistes étaient obligés d’être extrêmement subtils dans leur choix et leur utilisation des pigments. Ainsi, les plus grands coloristes étaient ceux dont la palette capturait et célébrait l’ambiance précise de leur image, plutôt que ceux qui employaient la pigmentation la plus vive. Ce n’est que plus tard, au XIXe siècle, que les peintres se sont sentis libres de traiter la couleur comme une forme d’expression indépendante et de lui donner l’importance qu’elle méritait. Les coloristes modernes se distinguent donc par une plus grande liberté dans ce domaine.
Les coloristes de la Renaissance
17ème siècle coloristes
Coloristes du 18ème siècle
Coloristes du XIXe siècle
XXe siècle coloristes
Parmi les autres coloristes du début du 20ème siècle inclus: Robert Delaunay (1885-1941), fondateur de Orphisme , les Russes d’avant-garde Mikhail Larionov (1881-1964) et Goncharova (1881-1962) qui a inventé Rayonisme et Morgan Russell (1886-1953) et Stanton MacDonald-Wright (1890-1973) qui ont inventé Synchromisme .
Les couleurs principales (et les pigments)
blanc
Le blanc est un mélange équilibré de toutes les couleurs du spectre de la lumière visible, ou une combinaison de deux couleurs complémentaires, ou de trois couleurs ou plus, comme les couleurs primaires additives. Il est neutre ou achromatique (dépourvu de couleur), comme le noir et le gris. Il est ajouté aux pigments pour créer des teintes ou des teintes éclaircies.
Les nuances de blanc incluent: crème, ivoire, magnolia, dentelle ancienne, coquillage. Les pigments blancs pour cette couleur comprennent: blanc de bismuth, blanc d’os, céruse, craie, blanc de Chine, blanc de Cremnitz, blanc de paillettes, blanc d’étain et blanc de titane.
rouge
Le rouge (le mot provient du vieil anglais «Read» et de la racine indo-européenne «reudh-») est l’une des couleurs primaires additives de la lumière, complémentaire du cyan, dans les systèmes de couleur RVB (rouge, vert, bleu). De plus, le rouge est l’une des couleurs primaires soustractives de l’espace colorimétrique RYB (rouge, jaune, bleu).
Les pigments rouges comprennent: l’Alizarine pourpre, le rouge cadmium, le carmin, le Cinnibar, le folium, le rouge indien, le kermès, le rouge clair (rouge anglais, rouge prussien, le colcothar et le rouge persan), le garou, le minium, le carthame, le carthame, le sinopia, le terra pozzuoli et le vermilion. Les nuances de rouge incluent: Alizarine, amarante, bourgogne, cardinal, carmin, cornaline, cerise, cramoisi, feu rouge, fuchsia, magenta, marron, rouge orangé, kaki, rouille, écarlate, terre cuite, rouge vénitien, vermillon.
Rose
Le rose est une teinte pâle de rouge obtenue en ajoutant du blanc. Le mot a été utilisé pour la première fois à la fin du 17ème siècle pour décrire les plantes à fleurs. Les nuances de rose incluent: amarante, rose ocre, carmin, oeillet, cerise, cerise rose, corail, carmin foncé, rose française, rose fuchsia, magenta chaud, rose chaud, rose lavande,
Magenta, rose perse, puce, rose, rose saumon, rose choquant.
Orange
La couleur orange se situe à mi-chemin entre le rouge et le jaune dans l’espace colorimétrique RVB et fait partie des couleurs tertiaires de l’échelle de couleurs HSV. La couleur porte le nom du fruit importé pour la première fois en Europe sous le nom de "naranja". Le mot "orange" a été utilisé pour la première fois en tant que terme de couleur en 1512. Auparavant, la couleur était simplement appelée jaune-rouge. Les nuances d’orange incluent: ambre, abricot, orange brûlée, carotte, pêche, mandarine, orange Portland, citrouille, mandarine.
marron
La couleur tertiaire brune fait référence à des teintes jaune foncé, orange ou rougeâtres. Les pigments bruns peuvent être obtenus en ajoutant du noir ou leurs couleurs complémentaires à la rose, au rouge, à l’orange ou au jaune. La première utilisation enregistrée du brun comme terme de couleur s’est produite vers 1000 de notre ère.
Les pigments bruns comprennent: l’asphalte (bitume), le bistre, la momie (brun égyptien), le sépia, la terre de Sienne, l’ombre et le brun de Van Dyck. Les nuances de brun incluent: Auburn, Beige, Bistre, Bole, Bronze, Sienne brûlée, Ombre brûlée,
Chocolat, Cuivre, Kaki, Foie, Acajou, Ocre, Olive, Russet, Rouille, Marron, Sépia, Sienne, Bronzé, Taupe.
Jaune
Jaune (le mot vient du vieil anglais "geolu" ou "geolwe") est l’une des teintes primaires soustractives. Sa couleur complémentaire traditionnelle RYB est le violet, le violet ou l’indigo; sa couleur complémentaire dans les systèmes de couleurs RVB et CMJN est le bleu.
Les pigments jaunes comprennent: l’auréoline, le jaune aurore, le jaune cadmium, le jaune chrome, le fustique, les calculs biliaires, le gamboge, l’or, le jaune indien, le massicot, le jaune napolitain, l’orpiment, le jaune quercitron, le safran, le jaune de Turner, le minéral Turpeth et l’ocre jaune. Les nuances de jaune incluent: ambre, abricot, beige, crème, lin, gamboge, jaune doré, citron, or métallisé, moutarde, papaye, jaune pêche, jaune mandarine.
Gris (aussi gris)
Le terme gris, inventé pour la première fois en Angleterre vers 700, décrit les teintes et les nuances du noir au blanc. Bas en chrominance, ces couleurs sont appelées couleurs achromatiques ou neutres.
Les pigments gris incluent: le gris de Davy, la teinte neutre (noir de fumée, bleu Winsor et écarlate alizarine) et le gris de Payne. Les nuances de gris incluent: Arsenic, Bistre, Fusain, Gris de Davy, Feldgrau, Gris de Payne, Silver Slate.
vert
Dans le système soustractif, le vert est une couleur secondaire obtenue à partir d’une combinaison de jaune et de bleu, ou de jaune et de cyan. Mais cela reste l’une des couleurs primaires additives. Dans la roue chromatique HSV, sa couleur complémentaire est le magenta – une teinte violette avec un mélange égal de lumière rouge et bleue. Sur la roue chromatique RYB, sa couleur complémentaire est le rouge. Le mot vert dérive du vieil anglais "grene" ou "groeni", des mots étroitement liés au vieil anglais mot "growan", qui signifie "croître".
Les pigments verts comprennent: l’émeraude (vert de Schweinfurt, le vert de Scheele), le vert de Hooker, la malachite, l’oxyde de chrome, le vert de sève, Terre Verte, Verdigris et Viridian. Les nuances de vert comprennent: vert armée, asperges, vert clair, vert britannique, céladon, émeraude, fougère, grenouille, jade, citron vert, vert mousse, vert olive, pin, vert shamrock, viridien.
Cyan
Peut faire référence à une variété de couleurs dans la section bleu / vert du spectre. Il est parfois appelé aqua-vert ou bleu-vert, et s’appelait autrefois "bleu cyan". Les couleurs analogues comprennent «bleu bébé», «turquoise» et «aigue-marine».
Bleu
Le bleu (dérivé du mot français "bleu") est considéré comme l’une des couleurs primaires additives. Sur la roue chromatique HSV, sa couleur complémentaire est le jaune. Sur une roue de couleurs basée sur la théorie de couleur traditionnelle (RYB), son complément est orange. La langue anglaise utilise couramment le terme "bleu" pour désigner toutes les couleurs, du bleu marine au cyan.
Les pigments bleus comprennent: azurite, céruléenne, bleu cobalt, bleu bleuet, bleu égyptien (bleu alexandrin, bleu vestorien), outremer français, frit, indigo, bleu phtalocyanine, bleu de Prusse, smalt, ultramarine, frêne ultramarin et crapaud. Les nuances de bleu incluent: bleu de l’armée de l’air, bleu azur, bleu ciel, bleu cobalt, bleuet bleu, bleu denim, bleu électrique, bleu Klein, bleu nuit, bleu marine, bleu de Prusse, bleu royal, saphir, outremer.
Violet
D’abord utilisé vers 1400 pour décrire les violettes, le terme décrit généralement une nuance de violet, c’est-à-dire un mélange de lumière rouge et bleue. Les pigments violets comprennent: le pourpre Archil et Tyrian. Les nuances de violet comprennent: l’améthyste, le fuchsia, l’héliotrope, l’indigo, la lavande, le lilas, le mauve et le pourpre.
Noir
Le noir ne reflète pas la lumière et n’est pas une couleur du spectre, il n’apparaît pas non plus sur la roue chromatique. Néanmoins, en tant que pigment, il est ajouté à d’autres couleurs pour créer des variantes ou des nuances plus sombres. Les pigments noirs comprennent: le fil noir, le noir d’ivoire, le noir de lampe et le noir de vigne.
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