Mouvement artistique du surréalisme Automatique traduire
Qu’est-ce que le surréalisme? – Les caractéristiques
Le surréalisme était "le" mouvement artistique à la mode des années de l’entre-deux-guerres, et le dernier grand mouvement d’art associé à la Ecole de Paris , d’où il s’est répandu à travers l’Europe, devenant l’une des écoles ou styles de musique les plus influents art d’avant-garde. Son nom provient de l’expression Drame surréaliste, sous-titre d’une pièce de théâtre de 1917 de l’écrivain et critique d’art Guillaume Apollinaire (1880-1918). Le surréalisme est issu de "l’anti-art" nihiliste Dada mouvement, dont la plupart des membres sont devenus surréalistes. Cependant, tout en étant "révolutionnaire" en tant que Dada, le surréalisme était moins ouvertement politique et prônait une philosophie plus positive – résumée par André Breton comme "une pensée exprimée en l’absence de tout contrôle exercé par la raison et en dehors de toute considération morale et esthétique. "
Au départ, le mouvement était principalement axé sur la littérature, mais il s’est rapidement élargi pour englober la peinture, la sculpture et d’autres formes d’art visuel contemporain. Artistes surréalistes visait à générer un ensemble d’images entièrement nouveau en libérant le pouvoir créateur de l’inconscient .
Toutes sortes de techniques et de phénomènes ont été utilisés pour réaliser cette créativité subconsciente , y compris les rêves, les hallucinations, la génération automatique ou aléatoire d’images – en gros tout ce qui contourne les processus de pensée "rationnels" habituels impliqués dans la création d’œuvres d’art. (Pour plus d’informations, veuillez consulter L’automatisme dans l’art.) L’approche rationnelle (reflétant des valeurs bourgeoises dépassées) a été rejetée par les théoriciens surréalistes comme fondamentalement réactionnaire, mensongère et extrêmement limitante.
Sans surprise, dans sa tentative de produire des œuvres d’art non corrompues par le rationalisme bourgeois, le surréalisme était à l’origine d’une multitude de compositions incroyablement novatrices mais souvent bizarres et parfois inintelligibles. Néanmoins, malgré ses traits absurdes, le surréalisme était (et continue d’être) très attrayant pour les artistes et le public. En effet, dans ses images emblématiques et son impact sur l’art moderne, le surréalisme s’est établi comme l’un des mouvements les plus durables du XXe siècle.
Qui a fondé le surréalisme?
L’écrivain André Breton (1896-1966), surnommé "le pape du surréalisme", est le fondateur et le principal théoricien du mouvement. Il a introduit et défini le nouveau style dans son manifeste initial de 1924 ) Manifeste du Surrealisme) et plus tard dans son bulletin de peinture ) Surrealisme et la Peinture). Ex-dadaïste, Breton a déploré le caractère nihiliste et destructeur de Dada. Néanmoins, il s’appuie sur de nombreuses idées de Dada pour créer un mouvement doté d’une philosophie cohérente mais doctrinaire, dont il ne tolérait aucune déviation, expulsant les membres rebelles à sa guise. L’objectif global de Breton était en réalité une révolution. Il ne visait rien de moins qu’une transformation totale de la façon de penser des gens. En supprimant les barrières entre leurs mondes intérieur et extérieur et en modifiant leur perception de la réalité, il entendait libérer l’inconscient, le réconcilier avec l’humanité consciente et libre des entraves bourgeoises de la logique et de la raison qui à la guerre et à la domination.
Autres principaux interprètes
Plusieurs grands surréalistes parisiens étaient d’anciens dadaïstes, tels que Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976), Francis Picabia (1879-1953), et Jean Arp (1887-1966), mais le mouvement a favorisé sa propre peintres célèbres, comme Joan Miro (1893-1983), René Magritte (1898-1967) ** et Salvador Dali (1904-1989). Antonin Artaud (1896-1948), Paul Delvaux (1897-1994) **, André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-1955), Pierre Roy (1880-1950) et Maurits Escher (1898-1972) **, ainsi que Tristan Tzara (1896-1963), le cinéaste Luis Bunuel (1900-1983), Alberto Giacometti (1901-1966), Robert Matta (1911-2002), Russell Drysdale (1912-1981) et Hans Bellmer (1902-1975).
Autre Peintres du 20ème siècle qui ont été réclamés pour le surréalisme que cela leur plaise ou non, tels que Pablo Picasso (1881-1973) **, Marc Chagall (1887-1985) ** et Paul Klee (1879-1940) **. Parmi les principaux surréalistes américains figuraient Frederick Kiesler (1896-1965), Enrico Donati (1909-2006), Arshile Gorky (1905-1948) et Joseph Cornell (1903-1973).
Artistes femmes surréalistes
Malgré la dépréciation des femmes impliquée dans de nombreuses œuvres surréalistes, il existait plusieurs femmes artistes surréalistes importantes, notamment Valentine Hugo (1887-1968), Eileen Agar (1899-1991), Frida Kahlo (1907-1954), Leonor Fini (1908-96), Jacqueline Breton (1910-2003), Dorothea Tanning (b.1910), Louise Bourgeois (1911-2010) et Meret Oppenheim (1913-1985) et Lenora Carrington (née en 1917).
Origines et influences du surréalisme
Les théories de Sigmund Freud (1856-1939), neurologue viennois et fondateur de la psychanalyse, ont été l’influence intellectuelle la plus déterminante sur la philosophie du surréalisme. Breton et d’autres surréalistes ont été très impressionnés par les connaissances de Freud sur l’ inconscient , qui, selon eux, constitueraient une source majeure d’images et d’images inexploitées. Ils ont utilisé ses théories pour éliminer les frontières entre fantasme et réalité et pour traiter un certain nombre de pulsions inquiétantes telles que la peur, le désir et l’érotisation.
Dans leur art, les surréalistes se sont inspirés de nombreuses sources différentes. Essentiellement, ils voulaient un art à admirer – quelque chose de mystique. En ce qui concerne la tradition des beaux-arts européens, ils ont préféré l’ obsession et l’ excentricité imaginative au travail académique rationnel.
Les favoris particuliers étaient les fantasmes détaillés de Hiérarchique Bosch (1453-1516); les gravures menaçantes des prisons de Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); et les images dramatiques du cauchemar du peintre symboliste suisse Henri Fuseli (1741-1825). En ce qui concerne les styles du XIXe siècle, les surréalistes ont rejeté l’impressionnisme, le qualifiant de trop naturaliste, préférant Préraphaélite et des œuvres symbolistes, telles que les eaux-fortes cauchemardesques et les peintures hors-clé de Max Klinger (1857-1920) et le primitivisme océanique vif de Paul Gauguin. Breton en particulier a été impressionné par les peintures visionnaires du peintre d’histoire bourreau de travail Gustave Moreau (1828-1898). Le cubisme a également été rejeté pour trop logique (à l’exception du premier chef-d’œuvre cubiste emblématique de Picasso Les Demoiselles d’Avignon 1907). Outre Dada, deux autres influences importantes sur le surréalisme – du moins son aile figurative – datent du XIXe siècle. Symbolisme mouvement, et l’école italienne de Peinture métaphysique , créé par Giorgio de Chirico (1888-1978).
Le symbolisme, avec ses références ésotériques et ses significations cachées ou inconscientes, était une source importante d’images et de formes. Les travaux de René Magritte ont même été décrits comme "Symbolisme + Freud". Pendant ce temps, les compositions troublantes de places italianis désertes de Chirico (par exemple, "Le mystère et la mélancolie d’une rue", 1914) avec des perspectives exagérées, une ombre irrationnelle, des objets / personnes de taille incorrecte, contenaient un air de menace insondable. Selon Breton, qui l’admirait beaucoup, Chirico était considéré comme un précurseur majeur du surréalisme. Mais l’influence la plus importante et la plus immédiate sur le mouvement fut Dada: pour son approche anti-esthétique, sa détermination à briser les traditions artistiques bourgeoises en vigueur et ses techniques novatrices.
NOTE: Pour d’autres tendances artistiques historiques importantes comme le surréalisme, voir Mouvements d’art et écoles (à partir de 100 avant notre ère).
Histoire du mouvement du surréalisme
En bref, le surréalisme est né à Paris et s’est inscrit dans le monde de l’art d’avant-garde (dont Paris était toujours le centre mondial). Au cours des années 1930, certains adhérents ont quitté le mouvement alors que d’autres l’ont rejoint. Puis, pendant la guerre, de nombreux membres ont fui en Amérique où ils ont eu un impact significatif sur l’art contemporain américain, avant de revenir à Paris à la fin des années 1940 et au début des années 1950.
Paris
Se considérant comme des révolutionnaires dans l’esprit de Dada, les surréalistes étaient attirés par les philosophies libératrices du socialisme et du communisme – avec lesquels ils tentaient sans succès de former une alliance – et par des structures organisationnelles de style soviétique. Ils ont publié leur premier manifeste en 1924 et, parallèlement, ont fondé un Bureau de recherches surréalistes, ainsi qu’un journal irrévérencieux et scandaleux, La Révolution Surréaliste (1924-1939). La plupart des premières discussions, échanges et mise en commun d’idées se sont déroulés dans des cafés. Bien que principalement littéraire à l’origine, le mouvement se développa rapidement dans les arts visuels (en vain: Picasso fut courtisé par Picasso), et son premier spectacle de peinture – La Peinture Surrealiste – fut présenté à la Galerie Pierre en 1925. Un an plus tard, un nouveau La Galerie Surréaliste a ouvert ses portes avec une exposition du photographe Man Ray. Le mouvement continua de prospérer à Paris à la fin des années 1920 et devint la principale école parmi les avant-gardes de la ville dans toutes les disciplines artistiques.
Le surréalisme dans les années 1930
Le mouvement a fait son entrée sur la scène internationale dans les années 1930 avec de grands spectacles à Bruxelles, Copenhague, Londres, New York et Paris. Il est rapidement devenu un phénomène populaire mondial avec des succursales en Angleterre, en Tchécoslovaquie, en Belgique, en Égypte, au Danemark, au Japon, aux Pays-Bas, en Roumanie et en Hongrie.
Les images les plus mémorables ont été produites par Salvador Dali et René Magritte , qui ont largement contribué à établir le style visuel du surréalisme entre 1930 et 1935, un style qui visait à explorer la vérité psychologique en détachant des objets ordinaires de leur contexte normal afin de créer une image convaincante. Les montres fondantes de Dali (par exemple dans "La persistance de la mémoire"), ainsi que les formes fondues et les formes liquides d’Yves Tanguy (par exemple dans "Promontory Palace"), sont devenues des marques de commerce reconnaissables du nouveau style. Bien que ses aspirations philosophiques et cérébrales n’aient peut-être pas été comprises, ses images picturales captivaient l’imagination du public, et ses juxtapositions étranges et l’imagerie onirique se retrouvaient partout, des beaux-arts à la photographie en passant par le cinéma art appliqué (par exemple, le téléphone au homard de Dali et le canapé à lèvres Mae West ; et la tasse à thé recouverte de fourrure de Méret Oppenheim). Le même désir de glamour et d’évasion dans les années 1930 qui a conduit à la popularité de Art Déco a également attiré le public sur le surréalisme.
L’ exposition internationale surréaliste de Londres, organisée par l’historien de l’art Herbert Read en 1936, représentait le zénith de la réputation et de l’influence du surréalisme. Au cours de la même année, le Museum of Modern Art de New York a organisé un grand spectacle intitulé "Art fantastique, dada et surréalisme". Le dernier grand spectacle des années 30, l’ Exposition internationale surréaliste (conçue par Marcel Duchamp) a eu lieu en 1938 à la Galerie des Beaux-Arts à Paris. À l’entrée, les visiteurs en tenue de soirée ont été accueillis par la vue de Rainy Taxi de Dali (un vieux taxi truqué pour produire un filet d’eau constant à l’intérieur des vitres, contenant une silhouette avec une tête de requin sur le siège du conducteur et une blonde mannequin vivant avec des escargots vivants à l’arrière). À l’intérieur, le hall d’entrée était décoré comme l’intérieur d’une grotte sombre, avec plus d’un millier de sacs de charbon suspendus au plafond, éclairés par une seule ampoule. Il fallait donner aux clients des lampes de poche pour voir les objets exposés. Sur le sol se trouvait un tapis de feuilles mortes et d’autres plantes. Sans surprise, les visiteurs ont été scandalisés – à la grande joie des organisateurs.
Le surréalisme pendant la deuxième guerre mondiale
En 1939, bon nombre des principaux surréalistes, notamment André Breton, Max Ernst et André Masson, se trouvaient aux États-Unis. Assisté par l’influence américaine et les contacts de Marcel Duchamp, lors de ses visites précédentes en Amérique, ainsi que le mariage en 1941 entre Max Ernst et le collectionneur d’art millionnaire Peggy Guggenheim, ils se sont avérés assez influents et ont acquis de nouveaux adhérents comme Dorothea Tanning, Frederick Kiesler, Enrico Donati, Arshile Gorky et Joseph Cornell. Et tandis que l’école d’art américaine dominante des années 1940 était l’expressionisme abstrait, ses premiers travaux contiennent un certain nombre de traits surréalistes (et dadaïstes). En effet, beaucoup d’art américain moderne et contemporain (ex. Pop-Art, Assemblage, Installation, Art conceptuel, Performance) s’inspire d’une manière ou d’une autre du surréalisme.
Le surréalisme en Bretagne
Les peintres britanniques avaient pris à cœur le surréalisme dès 1936, si ce n’était avant, mais surtout dans les années 1940. Le sculpteur Henry Moore (1898-1986) s’intéressent aux figures biomorphiques, tandis que Lucian Freud (b.1922) le petit-fils du mentor du surréalisme Sigmund Freud, Francis Bacon et Paul Nash expérimenté avec des techniques surréalistes. Cependant, son avocat le plus fidèle et le plus constant fut le peintre britannique Conroy Maddox (1912-2005), qui commenta en 1978: "Aucun autre mouvement n’a eu plus à dire sur la condition humaine."
Surréalisme d’après-guerre
Bien que le retour d’André Breton à Paris après la guerre ait déclenché une nouvelle phase d’activité surréaliste, l’humeur exceptionnellement déprimante de la France d’après-guerre n’était pas réceptive à la fantaisie ou à la satire. Breton a plutôt trouvé le mouvement attaqué par d’anciens membres tels que Tristan Tzara et le nouveau chef de file de l’avant-garde, le philosophe Jean Paul Sartre, qui l’a condamné pour son optimisme stupide. Malgré cela, de grandes expositions surréalistes ont eu lieu à Paris en 1947 et 1959, et les idées et les techniques surréalistes ont marqué de nombreux mouvements artistiques d’après-guerre. Pour un artiste sud-américain influencé par le mouvement, voir Fernando Botero (b.1932). Pour un peintre canadien dont le travail emprunte au canon surréaliste, voir le Magic Realist Alex Colville (b.1920).
Le Pop Art était un autre dérivé du surréalisme. Voir par exemple les gigantesques objets-sculptures satiriques de Claes Oldenburg (B.1929) qui font clairement écho aux travaux de René Magritte.
Fin du surréalisme
Il n’y a pas d’accord clair entre critiques d’art ou historiens sur la fin du surréalisme. Certains experts en art considèrent qu’il a été dissous après la guerre; d’autres citent la mort d’André Breton en 1966 (ou celle de Salvador Dali en 1989) comme marquant la fin du surréalisme en tant que mouvement organisé. Quoi qu’il en soit de sa disparition, le surréalisme en tant que style était (et est toujours) immensément populaire auprès du public de l’art. Des expositions récentes sur le surréalisme ont été organisées à New York par le Guggenheim Museum et le Met (1999, 2002), tandis qu’en 2001 Tate Modern à Londres, une exposition d’art surréaliste a attiré 170 000 visiteurs. Cela a été suivi en Europe par un spectacle chargé – "La Révolution Surréaliste" – au Centre Georges Pompidou à Paris.
Styles d’art surréaliste: figuration et abstraction
Il y avait deux tendances principales dans le surréalisme. L’un était représentationnel : dépend de la figuration, de la reproduction précise de formes naturelles – généralement détachées, disloquées, juxtaposées, transposées ou mutées loin des situations réelles. Le second style du surréalisme était abstrait, basée sur des images sans référence spécifique aux formes naturelles, et était largement dépendante des formes générées par l’inconscient.
Surréalisme figuratif
Le style figuratif ou figuratif du surréalisme (Veristic) se révèle particulièrement réussi dans les travaux de Magritte, Dali et Delvaux, ainsi que dans celui de certains autres artistes qui, par leur variété et leurs réalisations, échappent à toute catégorisation. Picasso en était un, Ernst en était un autre et Arp encore un autre, et dans les années 1930 et 1940, Giacometti et Moore (1898-1986). En outre, notons que ce style de peinture surréaliste avait été anticipé par le symboliste français Odilon Redon (1840-1916).
René Magritte
Le surréaliste figuratif le plus remarquable était le Belge René Magritte, spécialisé dans les images académiques, naturalistes mais illusionnistes. Outre un bref séjour près de Paris en 1927-1930, lorsqu’il rencontre Breton et expose avec les surréalistes, Magritte mène une vie discrète et industrieuse à Bruxelles, peignant l’impossible avec une conviction calme et confiante. Il était le plus éblouissant des attentes conventionnelles, exploitant d’énormes différences d’échelle (une pomme remplissait une pièce, un train s’éclatait devant une cheminée géante); et défiant les lois de la gravité. Son effet unique est renforcé par l’utilisation d’objets de la vie quotidienne. Par exemple, le héros de beaucoup de ses dernières photos est l’homme en uniforme urbain – manteau, chapeau de melon, parfois même une mallette – aussi inexpressif que le mannequin d’un tailleur. L’ambiguïté de l’objet par rapport à son image peinte est constamment soulignée – la ressemblance fidèle d’un tuyau, portant l’inscription "Ceci n’est pas un tuyau". Parmi ses peintures surréalistes les plus célèbres figurent "La Condition Humaine" (1933) et "Le Modèle Rouge" (1935).
Salvador Dali
Contrairement à la publicité qui entoure les autres artistes, le calme de la méthode de Magritte signifiait qu’au départ, sa réalisation était sous-estimée. Au lieu de cela, l’attention du public se concentra sur les activités frénétiques de l’espagnol Salvador Dali, provocateur en chef de la bourgeoisie depuis sa première association avec le surréalisme parisien en 1927. Ironiquement, comme chez Magritte, la technique picturale de Dali était celle du naturalisme académique du XIXe siècle. appliqué à des sujets non réels comme s’ils étaient réels. Il a travaillé dans de nombreux médias: écriture, peinture, conception de bijoux, film (avec Luis Bunuel) – mais peut-être surtout dans sa propre personne superbement moustachue, dans une carrière publique spectaculaire, souvent presque comme un show-business – un égocentrisme géant alimenté par une paranoïa énergique. Ses relations avec le surréalisme officiel, d’abord euphorique, se sont ensuite tendues. Parmi les œuvres surréalistes célèbres de Dali figurent notamment "The Persistence of Memory" (1931) et "Soft Construction with Boiled Beans" (1936), parmi beaucoup d’autres.
Paul Delvaux
Un autre belge, Paul Delvaux, était un talent un peu plus étroit, mais qui introduisait une note mystérieuse dans la gamme des images surréalistes. Dans ses peintures envoûtantes, il présente un monde d’aliénation solitaire: des banlieues désolées hantées par les trains et les tramways, peuplées de femmes silencieuses qui se révèlent identiques – il s’agit peut-être de la réalisation la plus intense de rêve ou de cauchemar réalisée par tout surréaliste. Cependant, il n’était pas officiellement associé au mouvement. ni Maurits Escher (1898-1972), un Hollandais dont les œuvres les plus connues sont ses brillamment calculés dessins – des jeux avec perspective, présentant avec une grande précision des images tout à fait différentes qui s’interpénètrent avec une telle ambiguïté que l’œil ne peut pas déterminer où l’un commence et l’autre se termine.
Francis Bacon
L’artiste irlandais Francis Bacon (1909-92) doit être considéré comme l’un des plus grands représentants contemporains du surréalisme figuratif, bien que les entretiens révèlent que son répertoire complexe de formes humaines représentait sa tentative consciente de créer un nouveau type de narration figurative en phase avec l’image cinématographique moderne ainsi que ses œuvres. vue de l’âge d’aliénation à travers lequel il vivait.
Le surréalisme figuratif était-il inconscient? Si non, était-ce surréaliste?
Étant donné que ces œuvres représentatives nécessitaient une pensée "rationnelle" méticuleuse, on aurait pu penser qu’elles ne relevaient pas de la définition de l’art surréaliste en tant que produit de la pensée inconsciente. Pas si, apparemment. Les travaux figuratifs étaient autorisés (par les théoriciens bretons et autres) à condition de remettre en question la réalité "rationnelle" normale. Ainsi Magritte style académique le travail était considéré surréaliste en raison de ses juxtapositions bizarres qui lui échappaient de la réalité et présentaient une nouvelle surréalité. Les œuvres de Dali ont également passé avec succès parce qu’elles ont été créées (selon Dali) dans un état semi-hallucinatoire qu’il a qualifié de paranoïa critique. " Je me réveillais au lever du soleil et, sans me laver ni m’habiller, je m’asseyais devant le chevalet… mes yeux fixaient fixement, essayant de" voir "comme un médium les images qui jailliraient dans mon imagination. Quand je les vis exactement situées dans le tableau, je les peindrais immédiatement sur-le-champ. "Les images de Dali, comme ses montres en fusion et ses étranges silhouettes mi-humaines, en ont fait le plus célèbre des peintres surréalistes. Malgré cela, en 1937, lorsqu’il adopta un style académique plus régulier, Breton le chassa du mouvement. Dans l’ensemble, on peut dire que l’art surréaliste incluait même un travail hautement représentatif, à condition qu’il illustre les limites d’une réalité fondée sur la raison.
Surréalisme abstrait
En résumé, l’abstraction surréaliste a rejeté les formes géométriques au profit de l’impact visuel et émotionnel des formes organiques de la nature : réelles (Jean Arp, André Masson, Joan Miro) ou imaginaires (Yves Tanguy, Robert Matta).
Le bras non représentatif du surréalisme n’était pas moins vigoureux. Les œuvres de Jean Arp, en particulier, étaient le plus souvent non figuratives, mais les principaux artistes les plus systématiquement indépendants des phénomènes naturels étaient l’espagnol Joan Miro (1893-1983) et le français André Masson (1896-1987), qui avait à côté à Paris et qui ont tous deux rejoint le groupe surréaliste de Breton lors de son lancement en 1924. Les deux artistes ont expérimenté librement des dessins "automatiques", contrepartie visuelle de la "non technique" cruciale de l’irrationalisme surréaliste, l’écriture "automatique". (Son but était de permettre à la libre association nécessaire de créer une expression absolument spontanée.) Mais les deux artistes trouvèrent que cette abstraction géométrique – que ce soit dans les théories rigides doctrinaires cubistes de Gleizes, ou dans les austères réductions géométriques de Piet Mondrian (1872-1944) – était stérile et ne répondait pas à leurs besoins.
André Masson
Le peintre français André Masson a été durablement affecté par ses terribles expériences lors de la Première Guerre mondiale; Il était obsédé par la domination du règne de la dent et de la griffe dans toute vie, animale ou humaine, et son travail est une libération de la violence des instincts de base, comme illustré par "Battle of Fishes" (1926). Masson était lui-même un homme violent, qui attaquait souvent physiquement des toiles qu’il jugeait insatisfaisantes. En 1926, il commença à exploiter le "hasard" dans le cadre de sa technique: il éparpillerait du sable sur des toiles précédemment répandues (au hasard) avec de la colle, puis, très rapidement, orchestrerait leurs configurations aléatoires en motifs d’art lâches. Les images qui sont apparues pourraient être brutales; au fur et à mesure qu’ils devenaient de plus en plus spécifiques, des créatures horribles ont émergé. Trois ans plus tard, il se retire du mouvement officiel surréaliste et son travail des années 1930 devient moins intense et moins réussi. Cependant, en Amérique pendant la Seconde Guerre mondiale, il revint à ses techniques automatistes antérieures et ses travaux de ces années influèrent sur l’émergence ultérieure de l’école expressionniste abstraite.
Joan Miro
Le peintre et sculpteur espagnol Joan Miro, le prolifique, polyvalent, génial et aussi généralement le plus optimiste des praticiens créateurs du surréalisme abstrait, était lui-même, mais il a toujours rejeté les suggestions selon lesquelles son travail était abstrait. À ses yeux, chacune de ses formes fantastiques signifiait toujours un objet réel. Il était, comme Picasso et Dali, l’un des brillants artistes espagnols arrivés à Paris au début du XXe siècle mais, contrairement à Picasso, il revenait sans cesse de la tourmente parisienne dans son pays d’origine. À la fin de la Première Guerre mondiale, il travaillait dans un style de réalisme méticuleux, à partir duquel le développement de son style mûr a émergé presque abruptement vers 1924, comme un papillon de sa chrysalide, en grande partie grâce à ses contacts surréalistes. Si, comme le prétendent certains critiques d’art, son œuvre comporte des nuances sinistres, en particulier pendant et après la guerre civile espagnole (1936-1939), la gaieté enfantine qui scintille sur ses toiles l’emporte largement sur elle. Ses images abstraites sont typiquement biomorphiques, semblables à celles d’Arp, et son fantasme se rapproche souvent de celui de Paul Klee. Des organismes inconnus mais décrits de manière convaincante prennent forme, définis avec des contours nets et des couleurs vives – les rouges primaires, les noirs et les blancs prédominent, comme illustré par "Harlequin’s Carnival" (1924). En contraste, l’imagerie picturale semi-abstraite de Miro est illustrée par son célèbre ouvrage "Dog Barking at the Moon" (1919). Miro a affirmé que ses idées découlaient d "un état d’hallucination, provoqué par un choc quelconque, objectif ou subjectif, pour lequel je suis tout à fait irresponsable". Quelle que soit la source, sa conception initiale est alors articulée par un sens infaillible du design, de l’espace et de l’intervalle, en une étrange harmonie formelle. En Espagne, pendant la Seconde Guerre mondiale, il s’est concentré sur gravure et plus tard à la sculpture et surtout céramique. Il est ensuite attiré par les œuvres monumentales et les peintures murales géantes, comme celles du Terrace Hilton Hotel à Cincinnati et par les murs en céramique du bâtiment UNESCO à Paris (1958). Innovateur constant, il était disposé à étudier les possibilités de tous les supports, souvent en collaboration avec des artisans spécialisés, et la fertilité de sa vision ne s’est jamais affaiblie au cours de sa longue carrière.
Yves Tanguy
Le peintre abstrait surréaliste Yves Tanguy a développé et développé (sans jamais y échapper) un style de paysages ou fonds marins imaginaires peuplé de formes bizarres mais mi-végétales, mi-animales et d’amibes, inconnues de la science hallucinations. Il développa de plus en plus les contrastes et la variété de ses textures, de sorte que ses images puissent être classées comme une sorte de Néerlandais métaphysique. peinture de nature morte. Les formes se développèrent sous le pinceau de Tanguy sous leur propre inspiration mystérieuse, poursuivit-il, plutôt que par aucune intervention de sa part. Les œuvres principales de Tanguy comprennent "The Look of Amber" (1929), le Promontory Palace (1931) et "The Palace of the Windowed Rocks" (1942).
Jean Arp
L’ex-dadaïste Jean Arp, un ami proche de Max Ernst, participait à la première exposition surréaliste à Paris à la Galerie Pierre en 1925 et contribuait régulièrement au surréalisme jusqu’en 1930. Connu à l’origine pour ses reliefs en bois dadaïstes découpés dans du carton -out et papier déchiré des collages, ses œuvres surréalistes comprenaient des formes simples biomorphiques parfois avec des échos de l’art primitif. Il a également expérimenté la composition automatique (automatisme). En 1930, il rejoint Cercle et Carré, une société parisienne de discussions et d’expositions pour artistes (principalement) abstraits géométriques. En 1931, il devient membre du groupe plus vaste Abstraction-Création, avec lequel il commence à produire son sensuel résumé organique. sculptures en marbre ou en bronze. Cela mit fin à son implication relativement courte dans le surréalisme. Malgré cela, il était une personnalité puissante à la fois au sein de Dada et du surréalisme, tandis que son style de signature abstraction biomorphique a eu une forte influence sur un certain nombre d’autres sculpteurs, notamment Henry Moore.
Techniques d’art surréaliste
Les surréalistes ont inventé un certain nombre de techniques pour produire des images aléatoires ou aléatoires. L’extraordinaire travail de pionnier dans ce domaine a été accompli par l’extraordinaire peintre, sculpteur, graphiste et poète allemand Max Ernst (1891-1976). Homme d’une énorme créativité, Ernst s’est d’abord marié avec un historien de l’art, puis a vécu avec la peintre surréaliste d’origine britannique Leonora Carrington; s’est ensuite mariée et a divorcé avec la collectionneuse d’art Peggy Guggenheim, avant d’épouser enfin une autre artiste surréaliste exceptionnelle, Dorothea Tanning. Il a continué à produire des œuvres novatrices jusqu’à sa mort. Parmi ses œuvres importantes figurent "Forest and Dove" (1927), la série "La Femme 100 tetes" (années 1930), "The Entire City" (1935) et "Immortel" (1966), un jeu d’échecs en verre.
Frottage
Ancien membre de Dada et du surréalisme, Ernst a inventé Frottage (1925) – une technique consistant à créer une image en plaçant un morceau de papier sur une surface rugueuse, telle qu’une pierre ou un bois granuleux, et en frottant le papier avec un crayon ou un crayon jusqu’à ce qu’il acquiert une impression de la qualité de surface de la substance en dessous. Vous pouvez également imprimer une surface texturée en plaçant un morceau de matériau fin et en le frottant avec (par exemple) un crayon de cire – pour obtenir des images.
Décalcomanie
En outre, Ernst a inventé la décalcomanie, une technique dans laquelle la peinture est éclaboussée sur le papier, généralement avec un gros pinceau, puis recouverte d’une autre feuille de papier et encore frottée. Il en résulte une gamme de modèles étranges ressemblant à des forêts.
Grattage
Ernst a également mis au point la technique connue sous le nom de grattage. Cela impliquait de poser une toile peinte sur une surface texturée (comme un grillage ou un plancher) et de gratter la peinture pour produire une impression.
Collage
Vers 1930, Ernst entame une série de "romans de collage" dont le plus célèbre est "Une Semaine de Bonte". Découpant et réarrangeant des gravures sur acier de l’époque victorienne, il réalisa des fantasmes fantastiques dans le monde bourgeois et sûr dans lequel il avait grandi.
Goutte à goutte
Après s’être installé à New York pendant la Seconde Guerre mondiale, Ernst commença à travailler avec de la peinture dégoulinée d’une canette de balancement, une méthode qui aurait peut-être commencé Jackson Pollock sur sa méthode de peinture d’action .
Fumage
Une autre technique surréaliste était connue sous le nom de fumage (fumage). Lancé par Wolfgang Paalen (1907-1959) à la fin des années 1930, il consistait à placer une bougie sous une feuille de papier pour former des motifs de suie. Déplacer la bougie variait les motifs.
Dessin automatique
Lancée par André Masson, Joan Miro et Paul Klee, cette technique de dessin automatique consistait à permettre à un stylo ou à un autre instrument de dessiner de se déplacer à volonté sans planification préalable.
Peinture automatique
Vers 1926, André Masson commence à expérimenter en plaçant du sable et de la colle sur une toile, sur laquelle il applique ensuite de la peinture à l’huile et réalise des peintures basées sur les formes qui se forment.
Utilisation expressionniste abstraite de techniques surréalistes
Bien que de nombreux surréalistes européens aient eu recours à plusieurs de ces méthodes de peinture "automatiques" de style aléatoire, la plupart se sont éloignés de l’automatisme au début des années 1940. Cependant, leur influence en Amérique (où beaucoup ont déménagé pendant la Seconde Guerre mondiale) était profonde. À New York, par exemple, les surréalistes européens ont présenté leurs idées à des personnalités influentes telles que Leo Steinberg, Clement Greenberg et Peggy Guggenheim, ainsi qu’à des artistes d’avant-garde – connus sous le nom de École new yorkaise – comme Arshile Gorky (1904-1948), Jackson Pollock (1912-1956), Robert Motherwell (1915-1991), Mark Tobey (1890-1976) et Robert Matta (1911-2002). Les grandes abstractions "d’action-painting" de Pollock, en particulier, contiennent un élément puissant d’automatisme surréaliste. Pour plus de détails à ce sujet, voir: Peintures de Jackson Pollock (c.1940-56).
Sculpture surréaliste
Giacometti a créé des chefs-d’œuvre de la culture surréaliste, tels que "Femme à la gorge tranchée" (1932), une construction en bronze d’un cadavre féminin démembré et "L’objet invisible" (Mains tenant le vide) (1934). Les deux ont dépeint le corps de la femme comme inhumain et dangereux. Cependant, lorsqu’il est revenu à un style plus classique à la fin des années 1930, à partir de modèles de vie, il a été exclu du mouvement. De nombreux autres sculpteurs ont expérimenté des styles surréalistes, notamment Pablo Picasso, Henry Moore et le sculpteur irlandais. FE McWilliam.
Photographie surréaliste
Man Ray était le premier photographe surréaliste. Une de ses œuvres les plus connues est "Enigma of Isadore Ducasse" (1920), il n’est plus connu que par sa propre photo d’une machine à coudre enveloppée dans un blacket noué avec de la ficelle. Il l’a créée en hommage au poète Lautréamont (Isadore Ducasse), dont le commentaire conciliant: " aussi belle que la rencontre fortuite d’une machine à coudre et d’un parapluie sur une table de dissection " est devenu un commentaire déterminant de la philosophie esthétique du surréalisme. Un de plus grands photographes Très expérimenté dans la manipulation de la chambre noire, les gros plans et les juxtapositions inattendues, Man Ray a travaillé avec succès dans les mondes apparemment incompatibles de la société parisienne d’avant-garde et de la photographie commerciale. Ses photographies ont été publiées dans des revues spécialisées et des revues populaires – de Vogue et Vanity Fair à La surréalisme au service de la révolution (1930-1933) et à La Révolution surréaliste (1924-29). Il a inventé plusieurs techniques telles que la solarisation et les rayographes , et compte parmi ses artistes de nombreux artistes célèbres tels que James Joyce, Jean Cocteau et Meret Oppenheim. Autres représentants remarquables du style surréaliste la photographie inclus Hans Bellmer (1902-1975), Brassai (1899-1984), Jacques-André Boiffard (1902-61) et Raoul Ubac (1909-85). Voir également: Est la photographie d’art?
Film et cinématographie surréaliste
Luis Bunuel, qui a travaillé sur plusieurs projets avec Dali, est probablement le réalisateur le plus célèbre surréaliste, bien que Man Ray ait également produit de nombreux courts métrages d’avant-garde.
Des collections
Les principales collections d’art surréaliste se trouvent dans les musées suivants, entre autres.
Musée Chrysler, Norfolk, Virginie, États
- Unis Musée des Beaux-Arts de San Francisco
Fondation Joan Miro, Musée des Beaux-Arts de Barcelone
, Dusseldorf
Salvador Dali Museum, Saint-Pétersbourg, Floride,
Tate Modern, Londres
L’héritage du surréalisme
L’influence du surréalisme en tant que style artistique se retrouve dans une grande variété d’écoles modernes et contemporaines – notamment les premiers expressionnismes abstraits, Pop Art et conceptualisme – et ont imprégné presque toutes les formes d’art contemporain, y compris l’assemblage, l’installation et la performance. En outre, il a anticipé bon nombre des concepts majeurs de art postmoderniste. Par exemple, certains des concepts de Damien Hirst et d’autres Jeunes artistes britanniques aurait parfaitement correspondu à l’idiome surréaliste avant-gardiste de Paris dans les années vingt. Le dernier mouvement pour emprunter des éléments de l’idiome surréaliste est Réalisme cynique, un mouvement de peinture contemporaine chinoise – dirigé par Yue Minjun (né en 1962) et Zhang Xiaogang (né en 1958) – qui est apparu dans les années 1990 à Beijing.
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