Histoire de l’art: origines, évolution des arts visuels Automatique traduire
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Résumé chronologique des principaux mouvements, styles, périodes et artistes ayant contribué à l’évolution et au développement des arts visuels.
ART DE LA PIERRE (environ 2.500.000 – 3.000 avant notre ère)
Mésolithique – Néolithique
ART BRONZE AGE (3000 – 1200 avant notre ère)
égyptien – Sumérien – persan – Minoenne – Métal de l’âge du bronze
ART ÂGE DE FER (c.1500-350 CE)
Mycénien – Art Grec Ancien – étrusque – Art Celtique – Art romain
ART MÉDIÉVAL (env. 350-1300 CE)
Art Byzantin – Art des premiers chrétiens irlandais
Art roman (carolingien, ottonien) – gothique
LA RENAISSANCE (c.1300-1620)
Proto-Renaissance – Début de la renaissance – Haute renaissance
Renaissance nordique – Maniérisme
ART POST-RENAISSANCE (1600-1850)
Baroque – Rococo – Néoclassicisme – le romantisme – Le réalisme
ART MODERNE (c.1850-1970)
Impressionnisme – Post-impressionnisme – Le colorisme: le fauvisme
Sculpture du 19ème siècle / début du 20ème siècle – Expressionnisme
Design: Art Nouveau / Bauhaus / Art Deco – Cubisme – Surréalisme
Art américain du début du XXe siècle – Expressionisme abstrait
Pop Art – Sculpture du milieu du XXe siècle
ART CONTEMPORAIN (c.1970-présent)
Peinture postmoderniste – Sculpture postmoderniste
Avant-garde – Architecture du 20ème siècle
Pour une chronologie spécifique des événements, voir:
Chronologie de l’histoire de l’art.
Pour un bref guide sur les styles, voir Mouvements d’art, périodes, écoles.
Art préhistorique provient de trois époques de la préhistoire: paléolithique, mésolithique et néolithique. le premier art enregistré est le Pétroglyphes de Bhimbetka (un ensemble de 10 cupules et une gravure ou un sillon) trouvés dans un abri de roche en quartzite appelé auditorium à Bhimbetka, dans le centre de l’Inde, datant d’au moins 290 000 ans av. Cependant, il pourrait s’avérer beaucoup plus vieux (environ 700 000 ans avant notre ère). Au plus tard 250 000 ans avant notre ère, cet art rupestre primitif était suivi de simples figurines (par exemple, Vénus de Berekhat Ram [plateau du Golan] et Vénus de Tan-Tan [Maroc]), et à partir de 80 000 ans avant notre ère par des gravures sur pierre rupestre de Blombos. le cupules à l’abri en Dordogne à La Ferrassie. La culture et la créativité préhistoriques sont étroitement associées à la taille du cerveau et à son efficacité, qui ont un impact direct sur des fonctions "supérieures" telles que le langage, l’expression créative et finalement l’esthétique. Ainsi, avec l’avènement des peintres et sculpteurs «modernes» de l’homo sapiens (50 000 av. J.-C.) tels que l’homme de Cro-Magnon et l’homme de Grimaldi, nous assistons à une énorme explosion de magnifiques sculptures et peintures du Paléolthique tardif en France et de la péninsule ibérique. Cela comprend une gamme d’obèses miniatures figurines vénus (par exemple, les Vénus de Willendorf, Kostenky, Monpazier, Dolni Vestonice, Moravany, Brassempouy, Gagarino, pour n’en nommer que quelques-unes), ainsi que des sculptures en ivoire gigantesque trouvées dans les grottes de Vogelherd et de Hohle Fels dans le Jura souabe. Cependant, le plus grand art de la préhistoire est le peinture rupestre à Chauvet, Lascaux et Altamira.
Ces peintures murales ont été peintes dans des grottes réservées à une sorte de galerie d’art préhistorique, où les artistes ont commencé à peindre des animaux et des scènes de chasse, ainsi qu’une variété de dessins abstraits ou symboliques. En France, ils incluent les images d’animaux et de dessins abstraits monochromes de la grotte Chauvet , l’art au pochoir à la main de la grotte de Cosquer et les images au fusain polychrome et aux ocres de Pech-Merle et de Lascaux . En Espagne, ils incluent des images polychromes de bison et de cerf à la grotte Altamira en Espagne. En dehors de l’Europe, les principaux exemples d’art rupestre sont: les œuvres aborigènes d’Ubirr (datant de 30 000 ans avant notre ère), les peintures représentant des animaux au fusain et à l’ocre dans la caverne Apollo 11 (à partir de 25 500 ans av. Australie, et les images au pochoir aux Cuevas de las Manos (à partir de 9500 avant notre ère) en Argentine, entre autres.
Art mésolithique (environ 10 000 à 4 000 ans avant notre ère)
Dans un contexte de climat nouveau, d’amélioration des conditions de vie et de comportements qui en résultent, l’art mésolithique laisse plus de place aux figures humaines, offre une observation plus vivante et une plus grande narration dans ses peintures. De plus, en raison du temps plus chaud, il passe de grottes à des sites extérieurs dans de nombreux endroits en Europe, en Asie, en Afrique, en Australasie et dans les Amériques. Les œuvres mésolithiques comprennent les peintures rupestres de Bushman dans la région de Waterberg en Afrique du Sud, les peintures dans les abris sous roche de Bhimbetka en Inde et Art aborigène australien de la Terre d’Arnhem . Il présente également davantage d’art en 3D, notamment des bas-reliefs et des sculptures libres. Des exemples de ces derniers incluent les figurines anthropomorphes découvertes dans Nevali Cori et Göbekli Tepe près de Urfa en Asie orientale mineure et les statues de Lepenski Vir (par exemple, le dieu poisson) en Serbie. Parmi les autres exemples d’art portatif mésolithique, on peut citer les bracelets, les cailloux peints et les dessins décoratifs sur des objets fonctionnels, ainsi que poterie ancienne de la culture japonaise Jomon . Une des plus grandes œuvres de Art mésolithique est la sculpture " penseur de Cernavoda " de Roumanie.
Art néolithique (environ 4 000 à 2 000 avant notre ère)
L’ère néolithique plus peuplée et plus peuplée a connu une croissance dans l’artisanat comme la poterie et le tissage . Cela remonte à environ 9 000 ans av. J.-C. dans les villages de l’Asie méridionale, avant de s’épanouir dans les vallées des fleuves Yellow et Yangtze en Chine (environ 7 500 av. J.-C.) – voir Art néolithique en Chine – puis dans le croissant fertile des vallées du Tigre et de l’Euphrate au Moyen-Orient (environ 7 000 habitants) – le «berceau de civilisation ’- avant de se répandre en Inde (environ 5 000), en Europe (environ 4 000), en Chine (3 500) et dans les Amériques (environ 2 500). Bien que la plupart des arts restent de nature fonctionnelle, l’accent est mis davantage sur l’ornementation et la décoration. Par exemple, calligraphie – l’un des grands exemples de l’art chinois – apparaît pour la première fois au cours de cette période. Voir: Chronologie de l’art chinois pour plus de détails. L’art néolithique comprend également des sculptures libres, des statuettes en bronze (notamment du la civilisation de la vallée de l Indus), primitif bijoux et des dessins décoratifs sur une variété d’artefacts. La forme la plus spectaculaire de la fin Art néolithique était l’ architecture : comportant de grandes structures de pierre connues sous le nom mégalithes, allant des pyramides égyptiennes aux tombeaux à couloir de l’Europe du Nord – tels que Newgrange et Knowth en Irlande – et aux assemblages de grandes pierres dressées (menhirs) comme ceux de la Stonehenge Stone Circle et Avebury Circle en Angleterre. (Pour plus d’informations, voir: art mégalithique.) Cependant, le médium majeur de l’art néolithique a été poterie en céramique, dont les plus beaux exemples ont été produits autour de la région de la Mésopotamie (voir Art mésopotamien) et la Méditerranée orientale. Pour plus de chronologie, voir: Chronologie de la poterie. Vers la fin de cette époque, des systèmes d’écriture hiéroglyphique apparaissent dans Sumer, annonçant la fin de la préhistoire.
Pour en savoir plus sur la peinture, la sculpture, l’architecture et l’artisanat préhistoriques au cours de cette période, voir: Art de l’âge de pierre.
Les exemples les plus célèbres de l’art de l’âge du bronze sont apparus dans le «berceau de la civilisation» autour de la Méditerranée au Proche-Orient, lors de la montée de la Mésopotamie (Irak actuel), de la Grèce, de la Crète (civilisation minoenne) et de l’Égypte. L’émergence des villes, l’utilisation des langues écrites et le développement d’outils plus sophistiqués ont conduit à la création d’un éventail beaucoup plus large d’œuvres d’art monumentales et portables.
Art égyptien (à partir de 3100 avant notre ère)
L’Égypte, sans doute la plus grande civilisation de l’histoire de Art ancien, a été la première culture à adopter un style d’art reconnaissable. Les peintres égyptiens ont représenté la tête, les jambes et les pieds de leurs sujets humains de profil, tout en représentant l’œil, les épaules, les bras et le torse de face. D’autres conventions artistiques définissaient la manière dont les dieux, les pharaons et les gens ordinaires devaient être représentés, réglementant des éléments tels que la taille, la couleur et la position figurative. Une série de magnifiques peintures à la cire égyptiennes à la cire, connues sous le nom de portraits du Fayoum, offre un aperçu fascinant de la culture hellénistique dans l’Égypte ancienne. En outre, le style unique de Architecture égyptienne en vedette une gamme de chambres funéraires en pierre massive, appelées pyramides. L’expertise égyptienne dans la pierre a eu un impact énorme sur l’architecture grecque ultérieure. Célèbre Pyramides égyptiennes comprennent: la pyramide à degrés de Djéser (environ 2630 av. J.-C.) et la grande pyramide de Gizeh (environ 2550 av. J.-C.), également appelée pyramide de Khufu ou «pyramide de Chéops».
Art sumérien (à partir de 3500 avant notre ère)
En Mésopotamie et dans l’ancienne Perse, les Sumériens développaient leur propre bâtiment unique – une forme alternative de pyramide à gradins appelée ziggourat . Ce n’étaient pas des chambres funéraires, mais des montagnes artificielles conçues pour rapprocher les dirigeants et les gens de leurs dieux qui, selon la légende, vivaient très haut dans les montagnes à l’est. Les ziggourats ont été construites en briques d’argile, généralement décorées de glaçures colorées. Voir Art sumérien (45000-2270 avant notre ère).
Art persan (à partir de 3500 avant notre ère)
Pour la plupart des antiquités, le art de l’ancienne Perse était étroitement liée à celle de ses voisins, en particulier la Mésopotamie (l’Iraq actuel), et avait été influencée par l’art grec. Les céramiques complexes de Susa et de Persépolis (environ 3000 ans avant notre ère) ont été exposées dans les premières œuvres d’art portable de l’époque persane, mais les deux périodes importantes de l’art persan ont été l’époque achéménide (environ de 550 à 330 avant notre ère), comme en témoignent les palais monumentaux de Persépolis et Suse, ornée de sculptures, de reliefs en pierre et de la célèbre "Frise des Archers" (musée du Louvre, Paris) réalisée en brique émaillée – et de l’époque sassanide (226-650 après J.-C.) – réputée pour ses mosaïques en pierre très décoratives, or et argent des plats, des fresques et des manuscrits enluminés , ainsi que des travaux manuels comme la fabrication de tapis et le tissage de la soie . Mais les plus grandes reliques de l’art sassanien sont les sculptures rupestres sculptées dans les falaises calcaires abruptes de Taq-i-Bustan, Shahpur, Naqsh-e Rostam et Naqsh-e Rajab.
Art minoan (c.2100-1425 AEC)
Le premier volet important de Art égéen, créé en Crète par les Minoens, a été construit dans une architecture de palais à Knossos, Phaestus, Akrotiri, Kato Zakros et Mallia, qui ont été construits à l’aide d’une combinaison de pierre, de brique de terre crue et de plâtre, et décorés de peintures murales colorées et de fresques, décrivant des symboles d’animaux mythologiques (par exemple, le taureau) ainsi qu’une gamme de récits mythologiques. Art minoen comprend également des sculptures sur pierre (notamment des pierres de phoque) et du travail des métaux précieux. La période protoalatiale minoenne (environ 1700 av. J.-C.), qui se termina par un tremblement de terre majeur, fut suivie par une période néo-calatiale encore plus ornée (entre 1700 et 1425 avant notre ère), témoin du point culminant de la culture avant d’être terminée par une deuxième série de tremblements de terre en 1425. Les artisans minoens sont également réputés pour leurs céramiques et leurs peintures sur vases , qui présentent une multitude de motifs marins et maritimes. Cet accent mis sur la nature et les événements – plutôt que sur les dirigeants et les divinités – est également évident dans les peintures murales et les sculptures du palais minoen.
Métal de l’âge du bronze
Nommé d’après le métal qui l’a fait prospérer, la période de l’âge du bronze a été témoin de nombreuses merveilles ferronnerie fabriqué à partir de nombreux matériaux différents. Cette forme de métal est illustrée par deux chefs-d’œuvre extraordinaires: "Le Ram dans le fourré" (environ 2500 ans avant notre ère, British Museum, Londres), une petite sculpture irakienne faite de feuilles d’or, de cuivre, de lapis-lazuli et de calcaire rouge; et le "Maikop Gold Bull" (vers 2500 avant notre ère, Hermitage, Saint-Pétersbourg), une sculpture en or miniature de la sculpture de Maikop, au nord du Caucase, en Russie. Voir également: Art assyrien (environ 1500-612 avant notre ère) et Art hittite (vers 1600-1180 avant notre ère). La période a également vu l’émergence de bronzes chinois (à partir de 1750 av. J.-C.), sous la forme de plaques de bronze et de sculptures souvent décorées de jade, provenant du bassin du fleuve Jaune dans la province du Henan, en Chine centrale.
Pour les civilisations de l’âge du bronze dans les Amériques, voir: Art précolombien, qui couvre l’art et l’artisanat des cultures mésoaméricaines et sud-américaines.
Pour en savoir plus sur l’histoire de la peinture, de la sculpture, de l’architecture et de l’artisanat au cours de cette période, voir: Art de l’âge du bronze.
Histoire de l’art de l’âge du fer et de l’Antiquité classique (environ 1500-200 avant notre ère)
Art de l’Antiquité Classique ont connu une croissance énorme au cours de cette période, en particulier en Grèce et autour de la Méditerranée orientale. Cela a coïncidé avec l’essor de la culture hellénique (d’influence grecque).
Art mycénien (c.1500-1100 AEC)
Bien que Mycènes fût une ville grecque indépendante du Péloponnèse grecque, le terme culture "mycénienne" est parfois utilisé pour décrire l’art ancien grec dans son ensemble à la fin de l’âge du bronze. Initialement très sous l’influence de la culture minoenne, Art mycénien a progressivement atteint son propre équilibre entre le naturalisme vivant de la Crète et l’idiome artistique plus formel du continent, comme en témoignent ses nombreuses fresques à la tempera, sculptures, poteries, pierres précieuses taillées, bijoux, verre, ornements et métaux précieux. De plus, contrairement à la culture minoenne du "commerce maritime", les Mycéniens étaient des guerriers; leur art était donc conçu principalement pour glorifier leurs dirigeants laïques. Elle comprenait un certain nombre de tombes tholos remplies d’œuvres d’or, d’armes ornementales et de bijoux précieux.
Art grec antique (environ 100-100 avant notre ère)
Ancien Art grec est traditionnellement divisée en les périodes suivantes:
❶ l’âge des ténèbres (environ 100-900 avant notre ère).
❷ La période géométrique (environ 900 à 700 avant notre ère).
❸ La période de style oriental (environ 700-625 avant notre ère).
❹ L’époque archaïque (environ 625-500 ans avant notre ère).
❺ La période classique (c.500-323 AEC).
❻ La période hellénistique (environ 323-100 AEC). Malheureusement, presque tous Peinture grecque et une énorme proportion de Sculpture grecque a été perdu, nous laissant avec une collection de ruines ou de copies romaines. Architecture grecque aussi, nous est largement connu à travers ses ruines. Malgré ce petit héritage, les artistes grecs restent très vénérés, ce qui montre à quel point ils étaient réellement avancés.
Comme tous les artisans de la région méditerranéenne, les anciens Grecs ont emprunté à leurs voisins et partenaires commerciaux diverses techniques artistiques importantes. Malgré cela, à la mort de l’empereur macédonien Alexandre le Grand en 323 avant notre ère, l’art grec était en général considéré comme le plus raffiné de tous les temps. Même les Romains – malgré leurs compétences techniques et militaires impressionnantes – n’ont jamais vaincu leur sentiment d’infériorité face à l’artisanat grec, et (heureusement pour nous) ont copié les œuvres d’art grecques assidûment. Dix-sept siècles plus tard, l’architecture grecque, les reliefs sculpturaux, les statues et la poterie seront redécouverts à la Renaissance italienne et deviendront la pierre angulaire de l’art occidental pendant plus de 400 ans.
Temps sombres
Après la chute de la civilisation mycénienne (12ème siècle avant notre ère), la Grèce entra dans une période de déclin, connue sous le nom de l’âge des ténèbres – parce que nous en savons si peu. La sculpture, la peinture et l’architecture monumentale ont presque cessé.
Période géométrique
Puis, vers 900 avant notre ère, ces arts (créés principalement pour les familles aristocratiques qui avaient obtenu le pouvoir au cours de l’âge sombre) ont réapparu pendant la période géométrique, du nom des motifs décoratifs de ses poteries.
Période orientale
La période orientalisante qui a suivi a été caractérisée par l’influence du design du Proche-Orient, notamment des motifs curvilignes, zoomorphes et floraux.
Période archaïque
La période archaïque était une période d’expérimentation progressive; la forme sculpturale la plus prisée était le kouros (pl.kouroi), ou nu masculin debout. Cela a été suivi par la période classique, qui représente l’apogée de l’art grec.
Période classique
L’architecture grecque s’est épanouie sur la base d’un système d ’«ordres classiques» (dorique, ionique et corinthien) ou de règles de conception de bâtiments basées sur les proportions des différentes parties et entre elles. le Parthénon sur l’Acropole complexe à Athènes est l’exemple suprême de l’architecture grecque classique: d’autres exemples célèbres incluent: le temple de Zeus à Olympie, le temple d’Héphaïstos, le temple d’Athéna Nike, le théâtre de Delphes et le temple Tholos d’Athéna Pronaia. Dans les arts plastiques, de grands sculpteurs grecs classiques tels que Polykleitos , Myron et Phidias ont démontré une maîtrise du réalisme qui resterait inégalée jusqu’à la Renaissance italienne. Mais la peinture est restée la forme d’art la plus respectée – notamment les peintures sur panneaux exécutées à la tempera ou à l’encaustique – avec des peintres grecs renommés tels que Zeuxis , Apelles et Parrhasius qui ont ajouté de nouvelles techniques de mise en valeur, d’ombrage et de coloration.
Hellénisme
Le début de la dernière phase hellénistique a coïncidé avec la mort d’Alexandre et l’intégration de l’empire perse dans le monde grec. Sur le plan stylistique, le réalisme classique a été supplanté par une plus grande solennité et un plus grand héroicisme (illustré par la statue massive "Le Colosse de Rhodes", de la même taille que la Statue de la Liberté), ainsi que par un expressionnisme croissant. La période est caractérisée par la diffusion de la culture grecque (hellénisation) dans tout le monde civilisé, y compris les techniques de sculpture et de art de la mosaïque. Les célèbres sculptures hellénistiques incluent: "le célèbre" Vénus de Milo ", " Dying Gaul "d’Epigonus; le Autel de Pergame de Zeus (environ 166-156 avant notre ère); "Victoire ailée de Samothrace"; et " Laocoon et ses fils "par Hagesandrus, Polydorus et Athenodorus.
Poterie grecque
Poterie grecque développé bien plus tôt que d’autres formes d’art: en 3000 avant notre ère, le Péloponnèse était déjà le principal centre de poterie. Plus tard, après la prise de contrôle du continent grec par les tribus indo-européennes vers 2100 avant notre ère, une nouvelle forme de poterie a été introduite, connue sous le nom de Minyan Ware. C’était le premier type grec à être fabriqué sur une tour de potier. Malgré cela, c’est la poterie minoenne en Crète – avec son nouveau style sombre-lumière – qui a prédominé au cours du 2e millénaire avant notre ère. Par la suite, cependant, les potiers grecs ont repris l’initiative en introduisant une série d’innovations éblouissantes, notamment: des poteries magnifiquement proportionnées de style géométrique (900-725), ainsi que des céramiques orientales (725-600), noires (600-480) et rouges. Figure (530-480) styles. Les céramistes grecs célèbres comprennent Exekias, Kleitias, Ergotimos, Nearchos, Lydos, le peintre Amasis, Andokides, Euthymides et Sophilos (tous des personnages noirs), ainsi que Douris, Brygos et Onésimos (personnages rouges).
Art étrusque (environ 700-90 avant notre ère)
À Étrurie, en Italie, l’ancienne culture villanovienne céda la place à la civilisation étrusque vers 700 avant notre ère. Cela a atteint son apogée au sixième siècle avant notre ère, lorsque leurs cités ont pris le contrôle du centre de l’Italie. Comme les Égyptiens, mais contrairement aux Grecs, les Étrusques croyaient en une vie après la mort, ainsi la tombe ou l’art funéraire constituaient un trait caractéristique de la culture étrusque. Les artistes étrusques étaient également réputés pour leurs sculptures figuratives , en pierre, en terre cuite et en bronze. Surtout l’art étrusque est célèbre pour son "joi de vivre", illustré par sa fresque vivante peinture murale, surtout dans les villas des riches. En outre, le savoir-faire des orfèvres étrusques était très prisé dans toute l’Italie et au-delà. La culture étrusque, elle-même fortement influencée par les styles grecs, a eu un impact marqué sur d’autres cultures, notamment les styles Hallstatt et La Tene de l’art celtique. La culture étrusque a décliné à partir de 396 avant notre ère, ses villes-états ayant été absorbés par l’empire romain.
Pour en savoir plus sur l’histoire de la peinture, de la sculpture, de l’architecture et de l’artisanat d’Etrurie, voir: Art étrusque.
Art celtique (environ 600-100 avant notre ère)
Vers 600 avant notre ère, des tribus païennes émigrées des steppes russes, connues sous le nom de Celtes, se sont établies sur le Danube supérieur en Europe centrale. Culture celtique, basée sur des compétences commerciales exceptionnelles et une maîtrise précoce du fer, a facilité leur expansion progressive en Europe et a conduit à deux styles de Art celtique dont les artefacts nous sont connus à travers plusieurs sites archéologiques clés en Suisse et en Autriche. Les deux styles sont Hallstatt (600-450) et La Tene (450-100). Les deux ont été illustrés par de beaux métaux et un travail de conception linéaire complexe. Bien que, au début du premier millénaire, la plupart des artistes celtes païens aient été complètement absorbés par l’empire romain, leurs traditions de dessins en spirale, zoomorphes, nœuds et entrelacs refirent surface et s’épanouissent (600-1100) dans de nombreuses formes d’art hiberno-saxon (voir ci-dessous) tels que les manuscrits enluminés évangéliques, le travail du métal à des fins religieuses et la sculpture en grande croix. Le chaudron Gundestrup, la couronne de Petrie et le briquet en or sont des exemples célèbres d’œuvres métallurgiques celtiques.
Art romain (c.200 avant notre ère – 400 avant notre ère)
Architecture
Contrairement à leurs voisins intellectuels grecs, les Romains étaient avant tout des hommes pratiques ayant une affinité naturelle pour l’ingénierie, les questions militaires et la construction de l’Empire. Architecture romaine a été conçu pour impressionner, divertir et satisfaire une population croissante, à la fois en Italie et dans tout leur empire. Ainsi, les réalisations architecturales romaines sont illustrées par de nouveaux systèmes de drainage, aqueducs, ponts, bains publics, installations sportives et amphithéâtres (par exemple, le Colisée 72-80 CE), caractérisés par des avancées majeures dans les matériaux (par exemple, l’invention du béton) et construction d’arches et de dômes de toit. Ce dernier a non seulement permis de recouvrir de grands bâtiments, mais a également conféré à l’extérieur une grandeur et une majesté bien plus grandes. Tout cela a révolutionné le domaine de l’architecture dominée par les Grecs, du moins par sa forme et sa taille, sinon par sa créativité, et fourni une occasion infinie d’embellissement sous forme de reliefs, de statues, de fresques murales et de mosaïques. Les exemples les plus célèbres de l’architecture romaine incluent: le Colisée, l’Arc de Titus et la Colonne de Trajan.
Peinture, sculpture
Si l’architecture romaine était particulièrement grandiose, ses peintures et sculptures continuaient à imiter le style grec, sauf que son objectif principal était la glorification du pouvoir et de la majesté de Rome. L’art romain primitif (c.200-27 AEC) était détaillé, non idéalisé et réaliste, tandis que les styles impériaux plus récents (c.27 AEC – 200 CE) étaient plus héroïques. La peinture médiocre a fleuri sous la forme de fresques murales de décoration d’intérieur, tandis que la peinture sur panneau de qualité supérieure a été exécutée à la tempera ou à l’aide de pigments à l’encaustique. Sculpture romaine aussi, de qualité variée: ainsi que des dizaines de milliers de qualité moyenne bustes de portrait des empereurs et d’autres dignitaires, les sculpteurs romains ont également réalisé de merveilleuses sculptures en relief historiques, telles que la sculpture en bas-relief en spirale Colonne de Trajan, célébrant la victoire de l’empereur dans la guerre dace.
Pour en savoir plus sur l’histoire de la peinture, de la sculpture, de l’architecture et de l’artisanat de la Rome antique, voir: Art romain.
Art ancien du monde entier
Bien que l’histoire de l’art soit généralement perçue comme s’intéressant principalement à des civilisations dérivées des cultures européenne et chinoise, un nombre considérable d’art et d’artisanat est apparu dès les temps les plus reculés à la périphérie du monde connu. Pour plus d’informations sur l’histoire et les artefacts de ces cultures, voir: Art océanique (du Pacifique Sud et de l’Australasie), Art africain (de toutes les parties du continent) et Art tribal (d’Afrique, des îles du Pacifique, d’Indonésie, de Birmanie, d’Australasie, d’Amérique du Nord et d’Alaska).
Constantinople, le christianisme et l’art byzantin
À la mort de l’empereur Théodose en 395 de notre ère, l’empire romain fut divisé en deux moitiés: une moitié occidentale basée initialement à Rome , jusqu’à son saccage au Ve siècle de notre ère, puis à Ravenne ; et une moitié orientale située dans la ville plus sûre de Constantinople . Au même moment, le christianisme devint la religion officielle exclusive de l’empire. Ces deux développements politiques ont eu un impact considérable sur l’histoire de l’art occidental. Premièrement, la relocalisation à Constantinople a contribué à prolonger la civilisation et la culture gréco-romaine. deuxièmement, la croissance du christianisme a conduit à une toute nouvelle catégorie de Art chrétien qui a fourni aux architectes, peintres, sculpteurs et autres artisans ce qui allait devenir le thème dominant des arts visuels au cours des 1 200 prochaines années. Ainsi que des formes prototypes de art paléochrétien dont une grande partie provenait des catacombes, elle a également directement conduit à l’émergence de l’art byzantin. Voir également: Art chrétien, époque byzantine.
Art de Byzance (Constantinople) (330-1450 CE)
Art byzantin était presque entièrement art religieux, et centré sur son architecture chrétienne. Parmi les chefs-d’œuvre, citons l’impressionnante Hagia Sophia (532-37) à Istanbul; l’église Sainte-Sophie à Sofia, Bulgarie (527-65); et l’église de Sainte-Sophie à Thessalonique. L’art byzantin a également influencé le Mosaïques de Ravenne dans les basiliques de Sant’Apollinare Nuovo, San Vitale et Sant ’Apollinare in Classe. Les exemples laïques incluent: le Grand Palais de Constantinople et la Citerne Basilique. Outre de nouvelles techniques architecturales telles que l’utilisation de pendentifs pour répartir le poids du dôme de plafond, permettant ainsi des intérieurs plus grands, de nouvelles méthodes décoratives ont été introduites, telles que des mosaïques en verre plutôt qu’en pierre. Mais le christianisme orthodoxe oriental (contrairement à son homologue de Rome), n’autorisait pas les œuvres à trois dimensions telles que les statues ou les hauts-reliefs, estimant qu’elles glorifiaient l’aspect humain de la chair plutôt que la nature divine de l’esprit. Ainsi, l’art byzantin (peinture, mosaïque, par exemple) a développé un style particulier d’imagerie significative (iconographie) conçu pour présenter de manière très simple une théologie complexe. Par exemple, les couleurs étaient utilisées pour exprimer différentes idées: l’or représentait le ciel; le bleu, la couleur de la vie humaine, etc.
Après 600, l’architecture byzantine a progressé à travers plusieurs périodes – telles que la période moyenne (environ 600-1100) et les périodes comnénienne et paléologue (environ 100-1450) – devenant de plus en plus influencée par les traditions orientales de construction et de culture. décoration. En Europe occidentale, l’architecture byzantine était remplacée par les styles roman et gothique, tandis qu’au Proche-Orient, elle continuait d’avoir une influence significative sur l’architecture islamique primitive, comme en témoignent la grande mosquée omeyyade de Damas et le dôme du rocher à Jérusalem.
Peinture byzantine
En l’absence de sculpture, les artistes byzantins se spécialisent dans la peinture 2D, devenant ainsi les maîtres de la peinture sur panneau , y compris les miniatures - notamment les icônes - et les enluminures de manuscrits . Leurs œuvres ont eu une influence considérable sur les artistes de toute l’Europe occidentale et centrale, ainsi que des pays islamiques du Moyen-Orient.
Art chrétien irlandais (c.600-1100 de notre ère)
Située à la périphérie éloignée de l’Europe occidentale, l’Irlande est restée à l’abri de toute ingérence de la part de Rome ou des barbares qui ont suivi. En conséquence, l’art celtique irlandais n’a pas été remplacé par des idiomes grecs ou romains, ni enseveli au cours de l’âge sombre païen. En outre, l’Église a pu établir un réseau relativement sûr de monastères irlandais, qui sont rapidement devenus des centres importants d’apprentissage religieux et d’érudition, et se sont progressivement étendus aux îles situées au large de la Grande-Bretagne et dans certaines parties du nord de l’Angleterre. Ce réseau monastique est rapidement devenu un mécène majeur des arts, attirant de nombreux scribes et peintres dans ses scriptoriums afin de créer une série de manuscrits évangéliques enluminés Exemples: Cathach de Colmcille (env. 560), le livre de Dimma (env. 625), les Evangiles de Durham (env. 650), le livre de Durrow (env. 670) et le livre suprême de Kells (également appelé Livre de Columba), considéré comme l’apogée de la calligraphie occidentale. Ces enluminures gospel utilisaient une gamme de lettres historiées, des losanges, des croix, des ornements de trompette, des images d’oiseaux et d’animaux, prenant parfois des pages entières (pages de tapis) de motifs géométriques ou entrelacés. Le succès créatif de ces manuscrits décorés a été grandement renforcé par la disponibilité de dessins celtiques de bijoux et de ferronnerie – produits pour l’élite laïque irlandaise – et par des contacts culturels accrus avec des artisans anglo-saxons en Angleterre.
Une autre forme d’art des débuts de l’art chrétien développée en Irlande était la ferronnerie religieuse, illustrée par des chefs-d’œuvre tels que la broche Tara, le calice Ardagh, le calice Derrynaflan et le sanctuaire de la ceinture de Moylough, ainsi que des croix processionnelles telles que la croix et les croix de Tully Lough des VIIIe / IXe siècles. la grande croix de Cong du 12ème siècle, commandée par Turlough O’Connor. Enfin, à partir de la fin du VIIIe siècle, l’Église a commencé à commander plusieurs grandes croix religieuses ornées à la fois de scènes de la Bible et de entrelacs abstraits, de nœuds et d’autres motifs de style celtique. Les exemples incluent la croix de Muiredach à Monasterboice, comté de Louth, et la croix haute Ahenny à Tipperary. Ces hautes croix d’Écriture ont fleuri entre 900 et 1100, bien que la construction ait continué jusqu’au 15ème siècle.
Malheureusement, avec l’avènement des Vikings (environ 800-1000), la contribution unique de l’Irlande à la civilisation occidentale en général et au christianisme en particulier a commencé à s’estomper, en dépit de la contribution de Art viking. Par la suite, la culture romaine – animée par l’Église de Rome – a commencé à se réaffirmer à travers l’Europe.
Un mot sur l’art asiatique
Contrairement au christianisme qui permet la représentation figurative des prophètes, des saints et de la Sainte famille, l’islam interdit toute forme d’iconographie humaine. Ainsi Art islamique se concentrait plutôt sur le développement de motifs géométriques complexes, de textes enluminés et de calligraphies .
En Asie de l’Est, les arts visuels de l’Inde et du Tibet ont incorporé l’utilisation de figures très colorées (en raison de leur large gamme de pigments) et de contours forts. Peinture en Inde était extrêmement diversifiée, de même que les matériaux (les textiles étant plus durables, remplaçaient souvent le papier) et la taille (les miniatures indiennes étaient une spécialité). Art chinois spécialisé dans la sculpture cérémonielle en bronze, la calligraphie et la peinture au pinceau et sculpture de jade, ainsi que la laque et Poterie chinoise. Au Japon, l’art des temples bouddhistes, la peinture à l’encre Zen, les estampes Yamato-e et Ukiyo-e étaient quatre des principaux types de Art japonais.
Art roman (carolingien, ottonien) (c. 775-1050)
Sur le continent, la renaissance de art chrétien médiéval a commencé avec Charlemagne I , roi des Francs, qui a été couronné empereur du Saint-Empire romain par le pape Léon III en 800. Les scriptoriums de la cour de Charlemagne à Aix-la-Chapelle ont produit un grand nombre de magnifiques textes chrétiens enluminés, tels que: l’évangéliste Godscalc, les évangiles de Lorsch et Evangiles de St Médard de Soissons. Ironiquement, son œuvre architecturale majeure – la chapelle palatine d’Aachen (env. 800) – n’a pas été influencée par l’église Saint-Pierre ni par d’autres églises de Rome, mais par la basilique byzantine de San Vitale à Ravenne. L’empire carolingien s’est rapidement dissous mais Art carolingien a marqué une première étape importante dans la propagation de Art médiéval et la revitalisation de la culture continentale. En outre, de nombreuses églises romanes et gothiques ont été construites sur les fondations de l’architecture carolingienne. Les premiers travaux architecturaux de Charlemagne ont été poursuivis par les empereurs du Saint-Empire romain Otto I-III, dans un style Art Ottonien, qui se sont transformés en «roman» à part entière. (En Angleterre et en Irlande, le style roman est généralement appelé architecture normande.)
L’Eglise investit dans l’art pour transmettre son message
La propagation de Art roman Au XIe siècle, le christianisme romain a été réaffirmé. Son influence sur les autorités laïques a conduit à la reconquête chrétienne de l’Espagne (c.1031) et à la croisade visant à libérer la Terre sainte de l’emprise de l’islam. Le succès des Croisés et leur acquisition de Holy Relics ont déclenché une vague de nouvelles cathédrales à travers l’Europe. Outre son influence sur la politique internationale, Rome exerçait un pouvoir croissant par l’intermédiaire de son réseau d’évêques et de ses liens avec des ordres monastiques tels que les bénédictins, les cisterciens, les chartreux et les chanoines augustins. De ses monastères, ses fonctionnaires exercent un pouvoir administratif croissant sur la population locale, notamment le pouvoir de percevoir les recettes fiscales qu’il consacrait aux œuvres religieuses, en particulier la construction de cathédrales (englobant la sculpture et la ferronnerie, ainsi que l’architecture), les manuscrits évangéliques enluminés , et l’érudition culturelle – un processus illustré par le puissant monastère bénédictin de Cluny en Bourgogne.
Architecture romane (c.1000-1200)
Bien que basé sur l’Antiquité grecque et romaine, Architecture romane n’a montré ni la créativité des Grecs, ni les compétences d’ingénierie des Romains. Ils utilisèrent des murs épais, des arcs en plein cintre, des piliers, des colonnes, des voûtes d’arêtes, des fenêtres à fente étroites, de grandes tours et des arcades décoratives. La charge de base du bâtiment était transportée non par ses arches ou ses colonnes, mais par ses murs massifs. Et ses toits, voûtes et contreforts étaient relativement primitifs par rapport aux styles plus récents. Surtout, les intérieurs étaient sombres et relativement cernés de lourds murs de pierre. Même dans ce cas, l’architecture romane a réintroduit deux formes importantes de beaux-arts: la sculpture (en suspens depuis la chute de Rome) et le vitrail , même s’il est mineur.
Art gothique (c.1150-1400)
Largement financé par les ordres monastiques et les évêques locaux, L’architecture gothique a exploité un certain nombre de progrès techniques en matière d’ arcs en pointe et d’autres facteurs de conception afin de impressionner, d’inspirer et d’éduquer les masses. Ainsi, les murs massivement épais, les petites fenêtres et les intérieurs sombres ont disparu, avec des plafonds montés en flèche ("atteindre le ciel"), des murs minces et des vitraux. Cela a transformé l’intérieur de nombreuses cathédrales en sanctuaires inspirants, où des congrégations illettrées pouvaient voir l’histoire de la bible illustrée dans le magnifique art du vitrail de ses immenses fenêtres. En effet, les architectes considéraient que la cathédrale gothique représentait l’univers en miniature. Presque chaque caractéristique était conçue pour transmettre un message théologique: la gloire impressionnante de Dieu et la nature ordonnée de son univers. Religieux Art gothique – c’est-à-dire que l’architecture, les sculptures en relief et les statues – est mieux illustrée par les cathédrales du nord de la France, notamment Notre Dame de Paris; Reims et Chartres, ainsi que la cathédrale de Cologne, la cathédrale Saint-Étienne de Vienne et, en Angleterre, l’abbaye de Westminster et York Minster.
Fortement influencé par Gothique international, la renaissance européenne des beaux-arts entre 1300 et 1600 environ, communément appelée "la Renaissance", était un phénomène unique et (à de nombreux égards) inexplicable, notamment à cause
❶ de la peste de la Peste Noire (1346), qui a essuyé sur un tiers de la population européenne;
❷ la guerre des 100 ans entre l’Angleterre et la France (1339-1439) et
❸ la Réforme (vers 1520) – dont aucune ne favorisa le développement des arts visuels. Heureusement, certains facteurs du cœur de la Renaissance, Florence et Rome – notamment l’énergie et l’énorme richesse du Florentin Famille Médicis et les ambitions papales du pape Sixte IV (1471-84), du pape Jules II (1503-13), du pape Léon X (1513-21) et du pape Paul III (1534-1545) – ont réussi à surmonter tous les obstacles naturels, même si l’Eglise était presque en faillite dans le processus.
Art de la Renaissance a été fondée sur classicisme – une appréciation des arts de l’Antiquité classique, une croyance en la noblesse de l’homme, ainsi que des avancées artistiques tant dans la perspective linéaire que dans le réalisme. Il a évolué dans trois grandes villes italiennes: le premier Florence, puis Rome et enfin Venise. La chronologie de la Renaissance est généralement indiquée comme suit:
L’architecture de la Renaissance utilisait des préceptes inspirés de la Grèce et de la Rome antiques, tout en conservant de nombreuses caractéristiques modernes de l’invention byzantine et gothique, telles que les dômes et les tours. Architectes importants inclus: Donato Bramante (1444-1514) le plus grand exposant de l’ architecture haute Renaisance; Baldassare Peruzzi (1481-1536), important architecte et architecte d’intérieur; Michele Sanmicheli (1484-1559), élève principal de Bramante; Jacopo Sansovino (1486-1570), le plus célèbre architecte vénitien; Giulio Romano (1499-1546), praticien en chef de la conception de bâtiments de style italien de la Renaissance tardive; Andrea Palladio (1508-1580), théoricien influent; et bien sûr, Michel-Ange lui-même, qui a aidé à concevoir le dôme pour Basilique Saint-Pierre à Rome.
Parmi les plus grands sculpteurs de la Renaissance septentrionale, citons: le sculpteur allemand du tilleul, Tilman Riemenschneider (1460-1531), connu pour ses reliefs et ses sculptures sur bois autoportantes; et le sculpteur sur bois Veit Stoss (1450-1533), connu pour ses retables délicats.
Pour plus, voir: Art de la Renaissance des Pays-Bas (1430-1580); Art de la Renaissance allemande (1430-1580) et peinture flamande .
Art baroque (1600-1700)
C’est pendant cette période que la Contre-Réforme catholique s’est lancée dans une tentative d’attirer les masses loin du protestantisme. Le renouvellement du patronage des arts visuels et de l’architecture a été un élément clé de cette campagne de propagande et a conduit à un style plus grand et plus théâtral dans les deux régions. Ce nouveau style, appelé Art baroque était effectivement le point culminant du maniérisme dramatique.
L’architecture baroque a pleinement exploité le potentiel théâtral du paysage urbain, comme en témoigne la place Saint-Pierre (1656-1677) à Rome, en face de la basilique Saint-Pierre en forme de dôme. Son architecte, Gianlorenzo Bernini (1598-1680) a utilisé une série de colonnades de plus en plus larges à l’approche de la cathédrale, donnant l’impression aux visiteurs qu’ils étaient pris par les bras de l’Église catholique. L’ensemble de l’approche est construit sur une échelle gigantesque, pour susciter des sentiments de crainte.
En peinture, le plus grand exposant de Art de la contre-réforme catholique était Peter Paul Rubens (1577-1640) – "le Prince des peintres et le peintre des Princes". Diego Velazquez (1599-1660), Francisco Zurbaran (1598-1664) et Nicolas Poussin (1594-1665) sont d’ autres artistes catholiques de premier plan.
Dans l’Europe du Nord protestante, l’ère baroque a été marquée par l’épanouissement de Peinture de genre réaliste néerlandaise, un style qui convient particulièrement aux nouveaux patrons bourgeois d’intérieurs à petite échelle, de peintures de genre, de portraits, de paysages et de natures mortes. Plusieurs écoles de Peinture hollandaise du XVIIe siècle surgi, y compris ceux de Haarlem, Delft, Utrecht et Leiden. Les membres principaux comprenaient les deux immortels Rembrandt (1606-1669) et Jan Vermeer (1632-1675), ainsi que Frans Snyders (1579-1657), Frans Hals (1581-1666), Adriaen Brouwer (1605-38) et Jan Davidsz. de Heem (1606-84), Adriaen van Ostade (1610-85), David Teniers le Jeune (1610-90), Gerard Terborch (1617-81), Jan Steen (1626-79), Pieter de Hooch (1629-83)), et les paysagistes Aelbert Cuyp (1620-91), Jacob van Ruisdael (1628-82) et Meyndert Hobbema (1638-1709), entre autres.
Art rococo (c.1700-1789)
Ce nouveau style d’art décoratif, connu sous le nom de Rococo, a surtout touché l’ architecture intérieure, bien que l’architecture, la peinture et la sculpture aient également été touchées. Le rococo était avant tout une réaction contre le sérieux du baroque. C’était un style léger, presque fantasque, qui a grandi dans la cour française à l’époque romaine. château de Versailles avant de se répandre à travers l’Europe. Les designers rococo ont utilisé toute la gamme de plâtre, de peintures murales, de tapisseries, de meubles, de miroirs, de porcelaine, de soieries et d’autres embellissements pour offrir à leur propriétaire une expérience esthétique complète. En peinture, le style rococo a été défendu par les artistes français Watteau (1684-1721), Fragonard (1732-1806) et Boucher (1703-70). Mais les plus grandes œuvres ont été produites par le vénitien Giambattista Tiepolo (1696-1770), dont les superbes peintures murales et au plafond ont porté le rococo à de nouveaux sommets. Voir en particulier la renaissance de Art Décoratif Français (1640-1792), créés par des designers français, notamment sous la forme de meubles français, à Versailles et autres châteaux royaux, dans le style de Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) et Louis Seize (XVI). Le rococo symbolisait alors l’indolence décadente et la dégénérescence de l’aristocratie française. À cause de cela, il a été balayé par la Révolution française qui a inauguré le nouveau néoclassicisme plus sévère, plus conforme au siècle des lumières et à la raison.
Art néoclassique (Epanouie vers 1790-1830)
En architecture, le néoclassicisme dérive des formes plus classiques du baroque "classique" pratiquées en Angleterre par Sir Christopher Wren (1632-1723), qui a conçu la cathédrale Saint-Paul. Encore un autre retour aux ordres classiques de l’Antiquité gréco-romaine, le style se caractérisait par des structures monumentales, soutenues par des colonnes de piliers et surmontées de dômes classiques de la Renaissance. Utilisant des innovations telles que des coupoles en couches, il a ajouté de la splendeur aux palais, aux églises et à d’autres structures publiques. Les bâtiments néoclassiques célèbres incluent: le Panthéon (Paris) conçu par Jacques Germain Soufflot (1756-97), l’ Arc de Triomphe (Paris) conçu par Jean Chalgrin, la Porte de Brandebourg (Berlin) conçu par Carl Gotthard Langhans (1732-1808) et le United States Capitol Building, conçu par Benjamin Henry Latrobe (1764-1820), d’origine britannique, puis par Stephen Hallet et Charles Bulfinch. Voir aussi l’ère de Art colonial américain (c.1670-1800).
Les peintres néoclassicistes se sont également inspirés de l’Antiquité classique et ont souligné les vertus de l’héroïsme, du devoir et de la gravité. Parmi les principaux interprètes figuraient l’artiste politique français Jacques-Louis David (1748-1825), le peintre allemand de portraits et d’histoire Anton Raphael Mengs (1728-1779) et le maître français du film. Art académique le style, Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867). Parmi les sculpteurs néoclassiques figurent Antonio Canova (1757-1822),
Bertel Thorvaldsen (1770-1844) et Jean-Antoine Houdon (1741-1828).
Pour en savoir plus sur l’histoire de la peinture, de la sculpture et de l’architecture au cours de cette période, voir: Art néoclassique.
Mouvement Romantisme (Epanouie vers 1790-1830)
Contrairement aux valeurs universelles défendues par le néo-classicisme, les artistes romantiques ont exprimé une réponse plus personnelle à la vie, faisant davantage appel à leurs sens et à leurs émotions qu’à la raison et à l’intellect. Cet idéalisme, comme le néoclassisme, a été encouragé par la Révolution française. Certains artistes ont donc été affectés par les deux styles. La nature était un sujet important pour les romantiques, et son style est illustré par l’ école anglaise de peinture de paysage, la peinture en plein air de John Constable (1776-1837), Corot (1796-1875) et des membres de la École de Barbizon et l’américain Hudson River School of Landscape Landscape, ainsi que le plus expressionniste JMW Turner (1775-1851). Cependant, le plus grand peintre paysagiste romantique est sans doute Caspar David Friedrich (1774-1840). La peinture narrative ou historique était un autre genre important du romantisme. Parmi ses principaux interprètes, citons: Francisco Goya (1746-1828), Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) et Eugene Delacroix (1798). -63), ainsi que les exposants ultérieurs de Peinture orientaliste et de mauvaise humeur Préraphaélites et symbolistes.
Pour plus d’informations sur l’histoire de la peinture et de la sculpture romantiques, voir: Le romantisme dans l’art.
Réalisme (à partir de 1845)
À mesure que le XIXe siècle progressait, la prise de conscience croissante des droits de l’homme ainsi que l’impact social de la révolution industrielle ont amené certains artistes à s’éloigner des sujets idéalistes ou romantiques au profit de sujets plus mondains, décrits dans un style de vie plus réaliste. naturalisme. Ce nouvel axe (anticipé dans une certaine mesure par William Hogarth au 18ème siècle, voir Peinture figurative anglaise) a été illustré par le Le réalisme style apparu en France dans les années 1840, avant de se répandre en Europe. Ce nouveau style attire des peintres de tous les genres – notamment Gustave Courbet (1819-1877) (peinture de genre), Jean François Millet (1814-1875) (paysage, vie rurale), Honoré Daumier (1808-1879) (vie urbaine). et Ilya Repin (1844-1930) (paysages et portraits).
Impressionnisme (c.1870-80)
Impressionnisme français, défendue avant tout par Claude Monet (1840-1926), est un style de pleinairisme spontané et sensible aux couleurs dont les origines sont issues de Jean-Baptiste Camille Corot et des techniques de l’école de Barbizon – dont le but était de représenter les effets momentanés de la lumière naturelle.. Il comprenait des paysages ruraux [ Alfred Sisley (1839-1899)], des paysages urbains [ Camille Pissarro (1830-1903)], des scènes de genre [ Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Paul Cézanne (1839 -1906), et Berthe Morisot (1841-95)], ainsi que des peintures figuratives et des portraits [ Edouard Manet (1832-83), John Singer Sargent (1856-1925)]. James McNeil Whistler (1834-1903) et Walter Sickert (1860-1942) sont d’autres artistes associés à l’impressionnisme.
Les impressionnistes ont cherché à reproduire fidèlement des moments fugaces en plein air. Ainsi, si un objet apparaissait pourpre foncé – peut-être en raison d’une lumière défaillante ou réfléchie – l’artiste le peignait en violet. Les combinaisons de couleurs naturalistes de «style académique», conçues théoriquement ou au moins en studio, ne le permettaient pas. En conséquence, l’impressionnisme offrait un tout nouveau langage pictural – celui qui ouvrait la voie à des mouvements artistiques plus révolutionnaires comme le cubisme – et était souvent considéré par les historiens et les critiques comme la première école de peinture moderne.
En tout état de cause, ce style eut un impact considérable sur l’art parisien et mondial et constitua le point de départ d’une série de mouvements liés aux couleurs, notamment le postimpressionnisme, le néo-impressionnisme, le pointillisme, le divisionnisme, le fauvisme, l’intimisme, Luminisme ou tonalisme, ainsi que Impressionnisme américain, l’école de Newlyn et Camden Town Group, Les Français Nabis et le mouvement expressionniste général.
Post-impressionnisme (à partir de 1885)
Un terme générique englobant un certain nombre de développements et de réactions à l’impressionnisme, Post-impressionnisme impliquaient des artistes qui utilisaient des couleurs de type impressionniste, mais n’étaient pas satisfaits des limitations imposées par la simple reproduction de la nature. Néo-impressionnisme avec sa technique de Pointillisme a été créé par Georges Seurat et Paul Signac (1863-1935), tandis que les principaux post-impressionnistes comprennent Paul Gauguin, Vincent Van Gogh et Paul Cezanne. Inspiré du synthétisme de Gauguin et de Bernard cloisonnisme , le groupe post-impressionniste Les Nabis fait la promotion d’une forme plus large d’art décoratif; un autre style, appelé Intimisme, concerne les scènes de genre d’intérieurs intérieurs et intimes. Illustré par les travaux de Pierre Bonnard (1867-1947) et Edouard Vuillard (1868-1940), il est parallèle à d’autres intérieurs paisibles tels que ceux de James McNeil Whistler et de Peter Vilhelm Ilsted (1861-1933), influencé par le réalisme hollandais. Un autre mouvement très important – anti-impressionniste plutôt que post-impressionniste – était Symbolis
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