Art colonial américain: peinture et architecture du XVIIIe siècle Automatique traduire
Amérique coloniale: Historique
L’Amérique du Nord, avec le climat tempéré des États de l’Est qui ressemble à celui de l’Europe, a semblé aux premiers colons un chez-soi préservé et vierge, voire plus, un nouveau jardin d’éden potentiel. Il a attiré des réfugiés et des idéalistes dès le début de la colonisation, qui espérait fonder une nouvelle vie dans un nouveau pays.
Dans les États de la Nouvelle-Angleterre, les fanatiques protestants d’abord, puis anglophones, tentèrent de créer une communauté régie par des lois religieuses et par le gouvernement de pasteurs puritains, une théocratie. Plus au sud, en Virginie et en Caroline, le contraire s’est produit. Ici, c’était des réfugiés cavaliers et royalistes qui tentaient de reconstruire un mode de vie aristocratique dans des domaines et des plantations, où ils imitaient le style de vie des gentilshommes de la campagne anglaise. Puritains et cavaliers devaient voir leurs idéaux fondés sous l’impact de la réalité, mais chaque forme d’idéalisme produisait ses propres types d’art, architecture, musique et littérature. Des idéaux contradictoires ont également inspiré et divisé la politique de la nouvelle République, menant finalement à la guerre entre les États (1861-1833) et à une nouvelle migration ultérieure. Tant que la culture nord-américaine serait centrée sur les États de l’Est, ses praticiens se tourneraient vers l’Europe. C’est l’Ouest américain et le contact avec la Nature et ses habitants, en particulier les anciens colons espagnols, qui ont finalement libéré Art américain de la province. C’était comme si une vague d’énergie atteignait la côte ouest, puis se brisait et se retournait pour rajeunir l’est.
Art colonial et autochtone
En général, le terme "art colonial américain" décrit l’art et l’architecture des colons des XVIIe et XVIIIe siècles arrivés d’Europe en Amérique. C’était tellement eurocentrique qu’il n’avait aucun contact avec le art tribal traditions de Art indien américain, que ce soit sur la côte est, dans les plaines ou sur la côte ouest. Pour en savoir plus sur l’art d’ autres colonies britanniques, voir: Peinture coloniale australienne (1780-1880).
Art colonial américain du XVIIe siècle
Le 17ème siècle a vu les premiers efforts réussis de la part des Européens pour s’installer aux États-Unis, mais les problèmes et les difficultés de création de nouvelles communautés dans un nouveau monde n’ont pas laissé beaucoup de temps libre aux colons pour se consacrer aux arts visuels.. Cependant, à partir de la seconde moitié du 17ème siècle, une tradition de La peinture a été développé par les artistes artisans qui se sont rassemblés dans les centres métropolitains de New York et de Boston – une tradition basée sur portrait d’art et compositions figuratives. L’ autoportrait du capitaine Thomas Smith (1690, Worcester Art Museum, Massachusetts) et le portrait de Margaret Gibbs de (1670, Museum of Fine Arts, Boston) montrent le mélange de styles européens qui devait être à la base du développement de Peinture américaine. Le réalisme pictural de Art baroque hollandais est marié à des conventions européennes traditionnelles comme la fenêtre ouverte dans le coin du portrait de Thomas Smith, ajoutant une idée de l’espace.
La plupart des portraitistes américains du 17ème siècle s’appuient sur gravure Les originaux européens leur fournissent le cadre structurel de base de leurs portraits, ainsi que des idées de composition, de poses et de détails vestimentaires. Souvent, seules les têtes ont été prises de la vie. Ces artistes-copieurs, principalement anonymes, n’ont pas été encouragés positivement par les puritains américains, car il existait, en raison de croyances religieuses, une désapprobation générale des images. La révélation religieuse devait passer par les Écritures écrites et non par des images allégoriques. Le seul domaine d’expression visuelle officiellement exclu de cette interdiction générale était les sculptures en pierre tombale où des images de vie et de mort, de force et de courage étaient symbolisées dans statue et sculpture en relief.
Cependant, il existait d’autres moyens d’expression picturale et une tradition vernaculaire vigoureuse art décoratif fleuri sous la forme d’appareils héraldiques, d’enseignes d’auberge et de magasin, d’ornements de voitures et de meubles. Tous les puritains américains n’étaient pas des fanatiques religieux vêtus de noir. Les portraits colorés de Mme Elizabeth Freake et de Baby Mary (vers 1654, Worcester Art Museum, Massachusetts) révèlent un univers informel croissant dans le portrait américain. Le portrait a été commandé par son mari, John Freake, avocat, marchand et armateur de Boston, afin de démontrer son statut social. Avec la richesse croissante des colonies américaines, les artistes américains, à la fin du XVIIe siècle, commencent à trouver plus de mécènes comme John Freake. En 1690, Boston était un port florissant de 7 000 habitants et les communautés florissantes de New York et de Philadelphie comptaient chacune 4 000 habitants. Ces centres industriels et commerciaux métropolitains ont créé les conditions d’un système de mécénat d’art plus stable.
Peintres autochtones et immigrés
La deuxième période de l’art colonial américain est caractérisée par deux caractéristiques principales: la création d’un groupe d’artistes autochtones et l’influence d’artistes européens invités à la demande de riches Américains qui restent et peignent leurs familles. Les artistes américains natals, tout en continuant de copier les modèles européens, confèrent à leurs peintures un individualisme marqué par des lignes sévères et des proportions semblables à celles des boîtes. Le portrait d’Ebenezer Devotion (1770, musée d’art de Lyman Allyn) de Winthrop Chandler (1747-1790) utilisait un fond de livres à la fois pour symboliser l’apprentissage et pour fournir un élément fort de design. Ces artistes artisans ont fait la promotion de divers services destinés à la communauté – peinture sur verre, dorure et portrait. Ils occupent un groupe intermédiaire entre bien et art appliqué cela a été une caractéristique forte et caractéristique de la culture américaine.
Parmi les artistes européens invités figuraient la pastelliste Henrietta Johnston (Henrietta de Beaulieu Dering Johnston) (vers 1664-1729), une huguenote française qui a réalisé un grand nombre de portraits ovales délicats et teintés. Peignant à la manière de Sir Godfrey Kneller, elle a peint de nombreux portraits de familles huguenotes, notamment les Bacots, Prioleaus et du Boses – voir ses œuvres dans les collections du Metropolitan Museum of Art, du New York State Museum, du Museum of Early Southern Decorative Arts et le musée d’art du comté de Greenville.
Parmi les autres peintres immigrés, on trouve le peintre suédois Gustavus Hesselius (1682-1755) installé à Philadelphie en 1712 et Charles Bridges (environ 1652-1747) arrivé en Virginie en 1735 et représentant la famille Byrd, ainsi que les Bolling., Blair, Custis, Carter, Grymes, Ludwell, Lee, Moore, Page, Randolph et d’autres familles du sud, rentrant en Angleterre en 1744. À Charleston, le portraitiste principal était le peintre né en Suisse, Jeremiah Theus (1716-1774), dont Le lieutenant-colonel Barnard Elliott (1740, musée d’art Gibbes), Elizabeth Prioleau Roupell (1753, musée d’art élevé) et la miniature Mme Jacob Motte (Rebecca Brewton) (1758, musée métropolitain d’art).
L’artiste américano-écossais John Smibert (ou Smybert) (1688-1751) fut un autre des peintres immigrés les plus accomplis. En 1728, il traversa l’Atlantique en tant que professeur d’art et d’architecture associé au projet visionnaire de Mgr Berkeley de fonder un collège éducation et conversion des Indiens aux Bermudes. Le projet échoua mais Smibert s’installa à Boston en 1730 et créa un atelier rempli de peintures européennes qui devint la Mecque des futurs artistes américains tels que Copley, Charles Peale et Trumbull. Le projet infructueux des Bermudes est à l’origine du tableau américain le plus célèbre de Smibert, The Bermuda Group (Dean Berkeley et son entourage) (1728-1739, Yale University Art Gallery), qui représente Berkeley et ses associés. Ce particulier peinture à l’huile définir un style pour les portraits de groupe en Amérique, en combinant des éléments de Peinture baroque imitation directe de Sir Godfrey Kneller (1646-1723). En Amérique, l’image sociale de la gardienne était d’une importance primordiale pour indiquer le statut social. La plupart des Américains riches de cette époque voulaient ajouter une attitude et un style de vie aristocratiques à leur richesse marchande ou foncière. À New York, un groupe d’artistes connus sous le nom de «peintres patrons» s’épanouit entre 1715 et 1730 dans ce genre de statuts. Robert Feke (1706-50), Joseph Badger (1708-65), sont d’autres peintres de portrait de cette époque. et John Wollaston (actif en Amérique 1749-58).
Croissance de l’Art Colonial et de l’Architecture
Le processus de colonisation impliquait plusieurs cultures européennes distinctes. Le baroque catholique espagnol était situé sur la côte ouest de la Californie, au Canada et en Louisana, les Français de Louis XIV et XV, et sur la côte est, les Hollandais et les Anglais.
Ce dernier devait être l’influence la plus forte et la plus durable. Deux groupes distincts de colons anglais cherchaient leur propre version d’un «jardin d’Éden» dans le Nouveau Monde. En Nouvelle-Angleterre, le long de la côte et dans la vallée de l’Hudson, les puritains espéraient construire un État théocratique pieux, exempt de persécution et fondé sur leurs propres principes religieux fondamentaux. Plus au sud, en Virginie, des colons s’attendaient à mener la vie de riches Anglais dans les plantations et les domaines, en opposition presque totale aux idéaux de leurs voisins puritains. Tous se sont tournés vers le Vieux Monde pour leur architecture et leur culture. Les puritains ont construit de sobres maisons et églises anglo-néerlandaises dans de jolies petites villes. Les Virginiens ont regardé à la cour de Charles II et construit à la manière de Sir Christopher Wren (1632-1723).
Beaucoup de ces types d’architecture coloniale seraient relancés par les concepteurs au cours du 19ème siècle et du début du 20ème siècle. Frank Lloyd Wright (1867-1959), par exemple, ont conçu Bagley House (1894) dans un style néo-colonial néerlandais; Moore House I (1895), dans un style néo-Tudor; et Charles Roberts House (1896), dans un style Queen Anne.
Au sud, de grandes plantations plantées de meubles américains et européens, de peintures et d’objets de art céramique, comme de la terre cuite anglaise fine et Porcelaine chinoise. Charleston, en Caroline du Sud, est rapidement devenue la ville la plus prospère et la plus grande du sud, ainsi que le principal port et le principal centre commercial des colonies du sud. De nombreux réfugiés huguenots français protestants se sont installés à Charleston, construisant une série de magnifiques maisons de ville le long du port. Les riches propriétaires de plantations et les marchands du sud ont fait venir des tuteurs privés de Grande-Bretagne pour instruire leurs enfants, ou ont envoyé leurs fils dans des écoles en Angleterre. Étonnamment, les Charlestoniens constituaient le groupe d’Américains le plus nombreux à prendre la grande tournée d’Europe – un voyage touristique et culturel d’un an à travers la Renaissance italienne et Bourbon France.
Au nord, la ville de Boston s’est également développée en population et en richesse. Vers 17 h 55, un navire britannique sur trois est construit en Nouvelle-Angleterre et les colons américains font du commerce maritime avec l’Afrique, l’Asie, les Antilles, l’Amérique du Sud et l’Europe. Philadelphie était un autre centre d’affaires prospère du nord et le cœur de son industrie du meuble. En effet, vers 1760, Philadelphie avait dépassé Boston pour devenir la plus riche et la plus grande des villes coloniales américaines.
Pendant ce temps, le conflit approchait. La guerre entre l’Angleterre et la France s’étendit de l’Atlantique aux colonies. Bien que les Anglais aient pris le contrôle du Canada et d’une grande partie de l’est des États-Unis, ils ont décidé de maintenir une garnison permanente. Pour payer cela, ils imposèrent une série d’impôts entre 1764 et 1767, notamment la loi sur le sucre, la loi sur le timbre et les lois de Townshend. Cela a conduit à un mouvement de boycott, suivi d’une protestation politique de masse, suivie de la guerre d’indépendance révolutionnaire.
La nouvelle république américaine
La prochaine génération de peintres américains a coïncidé avec la formation d’une république politiquement indépendante de la couronne britannique. Cette confiance naissante se manifeste dans le travail des deux artistes majeurs de la période, tous deux nés en 1738, John Singleton Copley et Benjamin West . Ces deux artistes ont élargi le champ de la peinture américaine pour inclure des sujets historiques, mythologiques et paysagers ainsi que le portrait traditionnel. Les aspirations de Copley et son attitude vis-à-vis du rôle du peintre dans les colonies se retrouvent dans sa propre remarque: "Si ce n’était pour préserver la ressemblance entre des personnes particulières, la peinture ne serait pas connue à la place. Le peuple ne la considère pas plus comme telle. tout autre métier utile… comme celui de menuisier, de tailleur ou de cordonnier, et non comme l’un des arts les plus nobles du monde ". Les deux artistes ont réalisé leurs ambitions de rehausser le statut de l’artiste en Amérique. Benjamin West s’installa en Europe en 1760 et finit par devenir président de la Royal Academy en 1792. Copley resta en Amérique jusqu’en 1774, devenant le plus grand portraitiste de la Nouvelle-Angleterre.
Artistes de la République
John Singleton Copley (1738-1815)
La carrière de peintre américain de John Singleton Copley En tant que membre de l’élite de Boston, il présente deux des caractéristiques fondamentales de la peinture américaine de cette époque: la virtuosité technique et la capacité de localiser et de préciser les sentiments édifiants que les peintres du 18ème siècle étaient censés transmettre à travers leurs peintures.
En 1748, la mère de Copley avait épousé Peter Pelham (1695-1751), graveur de mezzotint américain d’origine anglaise. peintures de portrait ont inclus ceux de la reine Anne, de George Ier, du comte de Derby et de Lord Wilmington – et dont l’atelier de Boston est rapidement devenu l’un des centres d’artistes de Boston. Grâce à cette relation familiale, Copley se familiarise avec le réalisme figuratif des limners coloniaux, mais il imprègne de plus en plus ses portraits de sentiments patriotiques, comme dans son célèbre Portrait de Paul Revere (1768, Museum of Fine Arts, Boston). Paul Revere, un patriote républicain, avait dirigé la manifestation contre le Stamp Act de 1765. Il était un orfèvre de grand talent et le portrait traduit la dignité démocratique informelle de l’artisan à manches longues, une théière à la main, une image en rapport avec la montée fierté nationale dans les colonies américaines de plus en plus affirmées.
Copley, cependant, ne fait pas la distinction entre la politique de ses gardiens et peint de nombreux Bostoniens restés fidèles à la Couronne. Il était également un maître du portrait au pastel, ayant pris conscience des avancées de l’artiste suisse Jean-Etienne Liotard et avait complété de nombreuses dessins au pastel marqués par leur rendu fidèle de la mode de la gardienne, ainsi que par leur description de leur caractère. Telle était l’appréciation des portraits au pastel de Copley, c’est que le Metropolitan Museum de New York a acheté son portrait de Mme Edward Green bien avant les portraits à l’huile plus célèbres pour lesquels il est plus largement connu.
En déménageant en Angleterre en 1774, Copley a ajouté peinture d’histoire à son répertoire, décrivant un certain nombre d’incidents héroïques de l’histoire britannique, notamment La mort de Chatha à la Chambre des lords (1779), La mort du major Pearson (lors d’une escarmouche avec les Français dans les Channel Islands) (1782), et Le siège de Gibraltar (1791). Cette combinaison de la sélection d’un incident de l’histoire contemporaine mariée à un style de réalisme méticuleux était nouvelle. Copley a toujours préféré peindre des sujets historiques contemporains en disant: "Je me suis autant employé que possible dans des événements de ma vie". Son tableau majeur de 1778, Watson and the Shark (Galerie nationale d’art, Washington DC), expose bon nombre de ces caractéristiques. Watson, un ami de Copley, lui a raconté une jeune rencontre avec un requin dans le port de La Havane. Le flux linéaire des vagues, des navires et du Watson nu est contrarié par la forte verticale du marin qui tente de lancer le requin. Copley met en scène un incident réel de danger naturel permettant au sujet de déterminer le style: les personnages du front de mer ne reçoivent aucune signification mythologique de la manière néoclassique.
Benjamin West (1738-1820)
De sa position en tant que figure majeure dans la peinture britannique et américaine, Benjamin West est devenu un point focal pour les artistes américains qui venaient de plus en plus en Europe pour faire leurs grandes tournées européennes. West était plus consciemment héroïque dans son style, mais, comme Copley, il croyait fermement qu’il fallait choisir le sujet des événements contemporains pour sa peinture d’histoire. Le Traité de William Penn avec les Indiens signé West (1771, Pennsylvania State Museum) montre les graves quakers concluant un traité solennel avec les chefs indigènes, investissant la scène avec toute la dignité stoïque d’un événement de l’histoire politique grecque ou romaine. En 1772, West est devenu le peintre royal de George III consacré à l’histoire. Les sujets abordés par West couvrent un large éventail de thèmes, bibliques, shakespeariens, historiques et classiques, et il encourage activement les peintres américains à élargir leur éventail.
John Trumbull (1736-1843) fut l’un de ses élèves. Il entreprit en 1786 une série de peintures qui commémoreraient les événements qui ont conduit à l’indépendance des colonies américaines. Il s’agit notamment de la bataille de Bunker’s Hill (1784, galerie d’art de l’Université Yale) et du général George Washington avant la bataille de Trenton (1792, galerie d’art de l’Université de Yale), peintures qui développent la tradition de la peinture d’histoire établie par West et Copley. qualités de mouvement fluide et des contours adoucis. Une reproduction de son tableau Declaration of Independence (1818, Capitole des États-Unis, Rotunda, Washington DC) est apparue au verso du billet de deux dollars américain. Trumbull a également peint de nombreux portraits, notamment ceux du général Washington (1790) et de George Clinton (1791), ainsi que d’ Alexander Hamilton (1805). D’autres adeptes de l’Ouest se sont concentrés sur des types particuliers d’images, tels que natures mortes et peinture de genre.
Gilbert Stuart (1755-1828)
Gilbert Stuart C’était un autre portraitiste éminent de l’époque, responsable des portraits de plus de 1 000 personnes, dont les six premiers présidents des États-Unis. Parmi ses plus belles œuvres figure le portrait inachevé de George Washington, connu sous le nom de " The Athenaeum ", qui figure encore sur le billet d’un dollar américain; le " Portrait de Lansdowne " (1796) et The Skater (1782, Galerie nationale d’art, Washington DC). Charles Wilson Peale (1741-1827) est également célèbre pour ses portraits de personnalités de la révolution américaine. Son œuvre la plus célèbre est George Washington à la bataille de Princeton (1781, Yale University Art Gallery), vendue en janvier 2005 à 21, 3 millions de dollars: un record pour un portrait américain. Il a également peint des portraits de Benjamin Franklin, John Hancock, Thomas Jefferson et Alexander Hamilton ainsi que plus de 60 portraits de George Washington. En outre, il a composé des peintures de témoins oculaires de merveilles scientifiques américaines. Exhuming the First American Mastodon (1806-1880, Peale Museum, Baltimore) a été exposé au célèbre musée des merveilles de la nature de Peale à Philadelphie.
Portrait Miniatures
Peinture miniature (Portrait Miniatures) en Amérique, dérivé des travaux de l’expatrié allemand Hans Holbein (1497-1543) et Nicholas Hilliard (1547-1616), grâce aux innovations révolutionnaires à l’aquarelle de la miniaturiste vénitienne, Rosalba Carriera (1675-1757). À Boston, Copley fut le premier à maîtriser ce genre spécialisé ) Portrait of Jeremiah Lee, 1769); à Philadelphie, menant miniaturistes Charles Wilson Peale et James Peale (1749-1831) (également connus pour ses natures mortes). À Charleston, le meilleur homme était le philadéphien Henry Benbridge (1743-1812), connu pour ses ouvrages complets comme le Dr. Jonathan Potts (1776, Art Institute of Chicago), ainsi que pour ses miniatures à l’aquarelle sur ivoire; tandis qu’à New York, c’est l’orfèvre et miniaturiste John Ramage (1748-1802) – qui a produit des images à petite échelle de nombreux hommes politiques, dont le premier président américain, George Washington.
Paysage Paysage et Othe Genres
Peinture de la figure Les portraits à l’huile et au pastel sont les formes de dessin les plus importantes du XVIIIe siècle pratiquées dans les villes d’Amérique coloniale. Mais à la campagne, d’autres formes ont également été observées, notamment dessins à la plume, souvent par des artistes anonymes mais parfois par des personnalités connues, telles que Johann Heinrich Otto (c.1773-1800), créateur des motifs Fraktur, connu pour ses motifs de fleurs, couronnes, paons et perroquets. Peinture de paysage, presque inouï avant 1800, est arrivé sous forme de carte topographique aquarelle. Les principaux représentants de la ville de New York étaient le peintre d’origine écossaise Alexander Robertson (1772-1841) et son frère Archibald Robertson (1765-1835), fondateurs de la première école d’art de la ville, la Columbia Academy.
Architecture: néoclassicisme
Les républicains d’Europe ont considéré avec nostalgie la République romaine comme un idéal égalitaire. un mythe en grande partie de leur propre fabrication. Architecture néoclassique était le symbole reconnaissable de l’esprit républicain, pas le théâtre théâtralement doré et en miroir Architecture baroque cette Renaissance classique n’était devenue qu’un style classique chaste, pur et clairement défini, aussi idéaliste et aussi peu lié à ses origines que la politique qu’il symbolisait. La maison néo-palladienne peinte en blanc ou crème était l’idéal américain. La défaite des Britanniques constituait également une défaite pour l’ancien ascendant des puritains, bien que cela ne fût pas perçu comme tel à l’époque, et les premiers jours de la République voyaient sa domination politique dominée par les propriétaires terriens du Sud plutôt que par les marchands du Nord. Thomas Jefferson (1743-1826), législateur, économiste, éducateur et troisième président des États-Unis, était un architecte professionnel et influent. Fils d’arpenteur, il construisit sa maison de maître, Monticello, en 1769 sur son domaine hérité. Il a également conçu le Virginian State Capitol Building, le Washington Capitol, incendié en 1817, et l’Université de Virginie, Charlottesville, le campus prototypique américain. Influencé par Andrea Palladio (1508-80), Jefferson a trouvé dans le classicisme romain l’autorité des théories sociales et architecturales propres à une nouvelle République. En plus de Jefferson, coloniale Architectes américains qui a utilisé des dessins néoclassiques, y compris les concepteurs de style fédéral William Thornton (1759-1828) et Charles Bulfinch (1763-1844), qui a conçu la majeure partie du US Capitol Building (1792-1827), ainsi que de l’architecte néo-grec Benjamin Latrobe (1764-1820), également responsable de la basilique de Baltimore (1806-1821). Pour plus de détails, voir: Architecture américaine (1600-présent).
Fabrication de meubles et autres objets d’artisanat
Au cours du XVIIIe siècle, la demande de beaux meubles pour décorer les manoirs des plantations et des maisons de ville respectables avait créé une nouvelle catégorie d’artisans et de maîtres artisans Sculpture sur bois et menuiserie. John Townsend, de Newport, dans le Rhode Island (1733–1809), était l’un des meilleurs ébénistes nés dans le pays. Il est né à Newport, dans le Rhode Island, juste derrière Boston parmi les villes de la Nouvelle-Angleterre, dont la prospère industrie du meuble était contrôlée par deux familles quaker, mariées entre elles, les Townsends et les Goddards. Dans tout le nord industrieux, à Newport, Boston et Philadelphie, des artisans ébénistes – dont beaucoup étaient des émigrants formés à Londres – ont créé des chefs-d’œuvre dans le Rococo style sur les images contenues dans les carnets de modèles importés. Pendant ce temps, à la campagne, les dessins allemands traditionnels sont restés populaires.
Autres populaires artisanat dans les zones rurales des colonies: broderie, vannerie, travail du métal, bijoux et (dans les ports maritimes du nord-est) baleine et sculpture sur ivoire, ainsi que différents types de art folklorique comme la fabrication de poupées, la fabrication de courtepointes et la fabrication de couvertures. Cependant, tous ces métiers ne relèvent pas de la catégorie générale des art, bien qu’ils aient joué un rôle vital dans la culture coloniale.
Des collections
Des exemples de l’art colonial américain peuvent être vus dans beaucoup de meilleurs musées d’art et des centres du patrimoine à travers les États-Unis, y compris les lieux suivants:
Musée d’art populaire américain (NYC)
Institut d’art de Chicago, Illinois
Musée des Beaux-Arts de Boston
Musée d’art de Denver, Colorado
Detroit Institute of Arts, Michigan
Musée d’art Gibbes
Musée d’art du comté de Greenville
Musée d’art de Kimbell (Fort Worth)
Musée d’art de Lyman Allyn
Metropolitan Museum of Art (NYC)
Institut des arts de Minneapolis (MIA), Minnesota
Musée des arts décoratifs du sud primitif
Musée des Beaux-Arts, Houston, Texas
Galerie nationale d’art, Washington DC
Musée national des Indiens d’Amérique, Washington DC
Musée d’État de New York
Musée Peale, Baltimore
Musée d’État de Pennsylvanie
Musée d’art de Philadelphie
Smithsonian American Art Museum, Washington DC
Musée d’art de Worcester, Massachusetts
Galerie d’art de l’université de Yale
Héritage de l’art colonial
Les artistes américains du XIXe siècle ont fondé les traditions et les normes établies par Copley, West et Gilbert – non seulement dans les portraits et les œuvres historiques, mais aussi dans le genre de paysage nouvellement populaire. Ainsi, alors que l’art colonial cédait la place aux traditions plus sûres du XIXe siècle, les villes de l’est du Royaume-Uni commençaient à découvrir le paysage sauvage américain à travers les yeux du peintre de la frontière du Missouri. George Caleb Bingham (1811-1879); les peintres de l’Hudson River Thomas Cole (1801-1848) et Frederic Edwin Church (1826-1900); et le chef de l’école Rocky Mountain, Albert Bierstadt (1830-1902). Ils ont connu le Cowboy West à travers les peintures de Frédéric Remington (1861-1909) et la sculpture de James Earle Fraser (1876-1953) – voir, par exemple, son chef-d’œuvre La fin du sentier (1915, Musée national du cow-boy et du patrimoine occidental, Oklahoma City). Pendant ce temps, le genre de la peinture d’histoire américaine a été maintenu par le peintre germano-américain Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868), célèbre pour sa toile Washington traversant le Delaware (1851, Metropolitan Museum of Art).
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