Sculpteurs Renaissance Automatique traduire
Sculpture italienne de la première Renaissance (c.1400-1490)
Le patronage de Art de la Renaissance en Italie proviennent principalement de familles comme le Médicis à Florence, les Visconti et les Sforza à Milan, la famille Gonzaga à Mantoue, le Bentivoglio à Bologne, le Montefeltro à Urbino, la Malatesta à Rimini et l’Este à Ferrare et à Modène. À Rome, le favoritisme de la peinture et de la sculpture était fréquemment une priorité papale, comme à l’époque du pape Sixte IV et de Jules II. Comme la peinture, Sculpture Renaissance italienne a été significativement influencé par une renaissance de sujets et de formes classiques. L’Italie médiévale n’a jamais oublié non plus Sculpture grecque ou étrusque et Sculpture romaine pendant la période 800-1400, mais cette inspiration classique a été sérieusement contrée par des influences allemandes, lombardes et franques. On peut dire que le retour aux formes antiques a commencé au temps du sculpteur des Pouilles Niccola Pisano (c.1206-1278), et si un certain nombre de traditions gothiques ont survécu, elles ont généralement pris une forme progressivement plus "classique".
Sculpture Renaissance italienne a été grandement influencé par une renaissance des sujets et des formes classiques. L’Italie médiévale n’a jamais oublié non plus Sculpture grecque ou étrusque et Sculpture romaine pendant la période 800-1400, mais cette inspiration classique a été sérieusement contrée par des influences allemandes, lombardes et franques. On peut dire que le retour aux formes antiques a commencé au temps du sculpteur des Pouilles Niccola Pisano (c.1206-1278), et si un certain nombre de traditions gothiques ont survécu, elles ont généralement pris une forme progressivement plus "classique".
Une autre caractéristique de Début de la renaissance la sculpture était son naturalisme. Cela ressort clairement de l’augmentation du nombre de sujets contemporains ainsi que du passage d’un traitement conventionnel à un traitement plus naturaliste et réaliste des proportions, de la structure anatomique, du drapé et de la perspective.
Demande religieuse et objet
La demande de sculpture pendant le quattrocento (XVe siècle) et cinquecento (XVIe siècle) était principalement religieux. Les extérieurs de l’église étaient ornés de sculptures, pas seulement autour des portails, mais souvent toute la façade était recouverte de statues et de reliefs. Intérieurs d’église ont été remplis de retable d’art, des auvents, des chaires, des choeurs, des fonts baptismaux et des tabernacles, ainsi que des statues individuelles de saints et d’anges. Les portes étaient souvent coulées en bronze et décorées de reliefs, tandis que les zones du choeur étaient ornées de sculptures figuratives. Les murs intérieurs des églises de la Renaissance étaient encastrés de tombeaux funéraires et de sarcophages, commémorant des archevêques, des évêques, des généraux, des hommes politiques et des aristocrates.
Des décorations sculpturales sous forme de statues et de reliefs ont également été conçues pour les palais et demeures séculaires, tandis que les places et les jardins publics étaient décorés de statues, de fontaines et de vases, souvent créés par les plus éminents sculpteurs de la Renaissance.
Les sujets de la sculpture ecclésiastique de la Première Renaissance sont tirés de l’Ancien ou du Nouveau Testament de la Bible – le thème le plus populaire étant La Vierge à l’enfant. Pendant la Haute Renaissance, elle se produisait souvent en compagnie de saints. Les histoires de la vie du Christ, de la Vierge Marie, de saint François et d’autres saints étaient aussi courantes en sculpture qu’en peinture. À mesure que la Renaissance se développait, certaines légendes ecclésiastiques s’inscrivaient dans un contexte classique, de même que de nombreuses sculptures civiques laïques. Conformément aux valeurs classiques, la nudité était courante. Pour un bref aperçu de la forme humaine dans la peinture / sculpture de la Renaissance, voir: Nus féminins en histoire de l’art (Top 20), et aussi voir Nus masculins en histoire de l’art (Top 10).
Matériaux et méthodes
La sculpture de la Renaissance attachait moins d’importance à l’utilisation de métaux précieux, comme l’or et l’argent, que Sculpture gothique. Cependant, le bronze est devenu un matériau de prédilection des sculpteurs de la Renaissance – non seulement en raison de sa ductilité et de sa durabilité, mais également en raison de sa brillance lorsqu’elle est doré – utilisé d’abord pour les reliefs, puis pour les statues, les bustes de portraits et les objets mineurs. Même dans ce cas, la fonte du bronze est restée problématique pendant un certain temps et les premiers bronzes n’étaient pas très polis. Les hauts sculpteurs de la Renaissance surmonteront ces difficultés au cours du XVIe siècle.
La demande croissante de détails décoratifs complexes dans sculpture en pierre conduit à une augmentation significative de l’utilisation du marbre ainsi que de la pierre calcaire, comme la pietra d’Istrie, et du grès fin, tel que la pietra serena. Le marbre blanc de Carrare était populaire pour la sculpture monumentale et sa couleur était souvent adoucie par l’utilisation de cire. La sculpture en marbre très coloré était rare. Pendant ce temps, les détails comme les ailes d’ange, les cheveux et les parures de robes étaient généralement dorés.
La gamme de sculptures s’est considérablement élargie grâce à une plus grande introduction de la terre cuite, substitut beaucoup moins cher du marbre et, tout aussi durable, émaillée et cuite. La terre cuite a rapidement été utilisée pour les retables, les chaires et les fontaines, de même qu’un stuc de moins en moins cher fabriqué à partir de poussière de marbre et de sable. Sculpture sur bois n’était pas rare, mais seulement dans les régions boisées – d’où la prééminence des sculpteurs sur bois du sud de l’Allemagne.
En matière de technique pratique, telle que l’utilisation d’outils et d’outils, les sculpteurs de la Renaissance suivaient généralement les méthodes des sculpteurs classiques, bien que l’accent soit mis beaucoup plus sur les aides picturales et graphiques. Conformément à la philosophie des beaux-arts de la Renaissance, " disegno "était considéré comme primordial, les dessins sur papier étaient donc une caractéristique importante du processus de sculpture. En effet, des études préliminaires incorporant des modèles en argile, en cire ou en bois étaient parfois développées au point que l’exécution réelle de l’œuvre (en bronze ou en marbre) pouvait être fait par un artisan ou un apprenti qualifié.
Note sur l’appréciation de la sculpture
Pour apprendre à évaluer les sculpteurs de la première et de la haute renaissance, voir: Comment apprécier la sculpture. Pour les travaux ultérieurs, s’il vous plaît voir: Comment apprécier la sculpture moderne.
Ecole de sculpture florentine
Les sculpteurs travaillant sur la cathédrale de Florence à la fin du XIVe siècle, notamment Piero di Giovanni Tedesco, étaient déjà en train de créer des sculptures naturalistes et de combiner des thèmes classiques avec des thèmes chrétiens. Les meilleurs sculpteurs du début Renaissance à Florence étaient Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466) et Nanni di Banco (décédé en 1421).
À bien des égards, les œuvres de Donatello reflètent le plus fidèlement l’esprit changeant de l’époque. En 1425 encore, sa sculpture était nettement gothique. Ses statues pour le Cathédrale de florence, pour le campanile et pour Orsan, Michele est relativement peu élégant et lourd de draperies: les prophètes et les évangélistes (sauf St George) ne sont guère plus que des portraits de ses propres contemporains. Au cours de la période 1425-1444, Donatello réalise ses meilleures sculptures et acquiert ainsi une réputation nationale. Dans son sculpture en relief Donatello a démontré sa perspective en utilisant des avions plats en retraite, notamment sur la fonte pour le baptistère de Sienne. Son réalisme antérieur a été remplacé par un classicisme raffiné – comme dans son bronze statue David – avec un sens dramatique du drame. Voir: David par Donatello pour plus de détails. Michelozzo Michelozzi (1391-1473) fut étroitement associé à Donatello durant cette période. Une troisième et dernière période, qui va de 1444 à sa mort en 1466, a été le témoin du plein développement de ce sens du drame, généralement au prix de compositions exagérées et déséquilibrées. Les deux autres adeptes de Donatello sont: Bernardo Ciuffagni (1385-1456), créateur du saint Matthieu assis dans la cathédrale de Florence; et Agostino di Duccio (1418-1481), créateur des statues à colonnes sur la façade de S. Bernardino à Pérouse et des sculptures en relief de S. Francesco à Rimini. Comme son oncle Luca Della Robbia (1400-1482), Andrea della Robbia (1437-1528) était un exposant très distingué de sculpture en terre cuite, qui a été noté pour son Bambino Tondi.
Au cours de la seconde moitié du XVe siècle, la demande d’œuvres monumentales en marbre et en sculpture en bronze a considérablement augmenté. Les églises recevaient des retables sculptés, des chaires, des tombeaux et des statues, tandis que les palais laïques étaient décorés de portes sculptées, de frises, de reliefs et de bustes de portrait. Parmi les sculpteurs de marbre les plus talentueux de l’époque figurent Bernardo Rossellino (1409-1464), Desiderio da Settignano (1428-1464), Antonio Rossellino (1427-1478), Mino da Fiesole (1431-1484), Matteo Civitali (1435-1501) et Benedetto da Majano (1442-1497). Les meilleurs sculpteurs de bronze étaient Antonio Pollaiuolo (1432-98) et Andrea del Verrocchio (1435-1488).
Bien que le Renaissance florentine restée la force motrice de la sculpture au XVe siècle, d’autres centres apparurent bientôt, tels que Sienne, Milan, Venise et Padoue, chacun d’entre eux ayant formé des sculpteurs talentueux ayant un statut et une influence indépendants.
Ecole de sculpture siennoise de la première Renaissance
En raison de la diversité des traditions artistiques, la sculpture gothique a duré plus longtemps à Sienne qu’à Florence. Le sculpteur le plus distingué de Sienne, Jacopo della Quercia (1371-1438), développé de manière similaire à Donatello. Ses premières œuvres, comme l’illustre la Fonte Gaja (1409-1419), avaient un caractère résolument gothique. Viennent ensuite une période plus classique et enfin une période plus dramatique. Le style gothique primitif de Quercia se reflétait dans l’œuvre de Lorenzo Vecchietta (1410-1480), tandis que son style classique s’exprimait dans les œuvres d’ Antonio Federighi (vers 1420-1490). Parmi les autres sculpteurs siennois de renom, citons l’artiste de bronze Giacomo Cozzarelli (1453-1515) et Lorenzo di Mariano (décédé en 1534).
Ecole de sculpture milanaise de la première Renaissance
En Lombardie, comme à Sienne, les traditions gothiques sont plus solidement établies qu’à Florence. Il y avait une demande pour une décoration plus élaborée. Cristoforo Mantegazza (décédé en 1482), Antonio Mantegazza (décédé en 1495), Giovanni Antonio Amodeo (1447-1522), le sculpteur virtuose Caradosso (1445-1527) et Agostino Busti (1480-1548) comptent parmi les sculpteurs les plus célèbres de Milan. Cristoforo Solari appelé "Il Gobbo" (le bossu) (actif 1489-1520).
Ecole vénitienne de sculpture de la première Renaissance
Si les artistes milanais se tournaient vers Gênes, Bergame, Brescia et d’autres villes du nord de l’Italie pour gagner leur vie, les sculpteurs vénitiens dominaient à l’est. Leur influence s’étendit d’une part à l’Istrie et à la Dalmatie, à Vérone et à Brescia ainsi qu’à Ravenne, Cesena, Faenza et Ancône. Venise représente un goût pour les œuvres décoratives riches, notamment moins banales que celles de Milan, plus sentimentales que celles de Florence. En substance, Art de la Renaissance à Venise fait appel aux émotions agréables tandis que Milan et Florence font appel à l’intellect. Bartolommeo Buon , Pietro Lombardo (1435-1515) et Alessandro Leopardi (décédé en 1522) comptent parmi les sculpteurs vénitiens remarquables.
Autres célèbres sculpteurs de la première Renaissance
Niccolo da Bari, connu sous le nom de Niccolo dell ’Arca (1414-1494) de Bologne; Guido Mazzoni (1450-1518) de Modène, qui – à l’instar de la famille des sculpteurs della Robbia - préféra la terre cuite à la pierre ou au bronze; les premiers sculpteurs Andrea Ciccione et Antonio di Domenico da Bamboccio (1351-1422) de Naples; le dalmatien Francesco da Laurana , ainsi que Domenico Gagini et son fils, Antonio Gagini (1478-1536) de Sicile. Quant à la sculpture romaine, il faudrait attendre la dernière Renaissance à Rome.
La sculpture de la première Renaissance italienne est bien représentée dans les églises et les bâtiments publics de Florence, Milan, Venise, Padoue et Rome, ainsi que dans des musées tels que le Louvre (Paris), le Museo Nazionale (Florence); et le Metropolitan Museum of Art, à New York.
Sculpture italienne de la Haute Renaissance et au-delà (c.1490-1530)
Pendant le Haute renaissance en Italie, la sculpture est devenue beaucoup moins dominée par l’architecture et la peinture. Parfois, il a même dominé ses arts soeur. Par exemple, l’architecture est devenue plus semblable à la sculpture (les pilastres ont été remplacés par des colonnes), tandis que dans la peinture, le modelage et les contours superposés de la perspective et la composition. Le goût de la sculpture a également changé. Les bas-reliefs décoratifs complexes ont été largement remplacés par des bas-reliefs et des sculptures en rond. La noblesse du design est devenue moins importante que la modélisation, la posture (des bras et des jambes) et le mouvement dans les draperies. L’effet était de la plus haute importance et, bien que l’influence de la sculpture classique ait été maintenue, elle n’a occasionnellement conduit à la reproduction de formes antiques.
Sculpteurs florentins de la haute renaissance
Parmi les principaux sculpteurs à Florence à cette époque, on peut citer Andrea Sansavino (1460-1529), son élève Francesco di San Gallo (1493-1570), le plus influent Benedetto da Rovezzano (1476-1556), Piero Torrigiano (1472-1522). est allé en Angleterre et a fait la tombe de Henri VII et de la reine Elizabeth dans l’abbaye de Westminster.
À Milan et à Pavie, la ligne de sculpteurs talentueux s’est terminée avec Agostino Busti. À Modène, il y avait Antonio Begarelli (1479-1565), à Bologne Alfonso Lombardi de Lucca (1497-1537) et la sculpteur Properzia de ’Rossi (1490-1530) et Niccole Pericoli (1485-1550).
À Venise, le sculpteur le plus célèbre était le Florentin Jacopo Sansovino (1486-1570). Ses élèves, tels que Tommaso Lombardo , Girolamo Lombardo , Danese Cattaneo et Alessandro Vittoria (1525-1608) perpétuent ses traditions, bien qu’avec exagération.
Sculpteurs Romains de la Haute Renaissance
Si, au début de la Renaissance, Florence fournissait des artistes à Rome, les rôles étaient inversés pendant la Haute Renaissance, lorsque Rome, principalement par l’intermédiaire de Michel-Ange (1475-1564), influença le développement de la sculpture en Italie.
Michelangelo , également connu en tant qu’architecte, sculpteur et peintre, a été avant tout un sculpteur, soucieux avant tout de la forme humaine. Sa première période (environ 1488-1496) est comparable à celle de Donatello, à la différence qu’elle est plus libre et plus classique. Il a dépeint la Vierge à l’enfant avec le même degré de dignité et d’humanité que les reliefs grecs. Il s’est réjoui de son étude de la forme humaine nue lors de sa bataille des centaures. Sa seconde période (env.1496-1500) montrait encore plus son intérêt pour le corps humain. Sa lourde draperie de côté, combien sa Pieta est émouvante à Saint-Pierre. Quelle noblesse son David! Son style final (env. 1500-1564), comme illustré par le Moïse (de la tombe de Pape julius ii) et par les figures sur les tombes des Médicis, ont montré une plus grande harmonie de traitement. Le modelage, la posture, le drapé, l’expressivité de ses sculptures sont plus équilibrés.
Parmi les autres sculpteurs romains remarquables de la Haute Renaissance, citons: le Michel-Ange-Wannabe Baccio Bandinelli (1487-1559), le jeune Bartolommeo Ammanati (1511-1592), Raffaello da Montelupo (1505-1566) et le père Giovan ’Angelo Montorsoli (1507-1563).
Les sculpteurs de bronze de la Haute Renaissance basés à Rome comprennent Benvenuto Cellini (1500-1572), créateur du magnifique Persée (1545-154) et du génie flamand Giambologna (1524-1608) spécialisés dans des thèmes classiques tels que Neptune, The Flying Mercury, Le viol des femmes sabines , Hercule et Nessus. Giambologna a eu une influence considérable sur un large éventail d’élèves et d’artistes contemporains. Un bon exemple est le sculpteur de bronze néerlandais Adriaen de Vries (1560-1626), formé en Italie sous Giambologna, et travaillé principalement à Prague et à Augsbourg. L’un des derniers sculpteurs maniéristes de Rome, dont la statue naturaliste en marbre de Sainte Cécile, non exposée, a conduit à l’ère baroque et au Bernin, a été Stefano Maderno (1576-1636).
Sculpture Renaissance En France
15ème siècle
La Renaissance a pris une forme unique à l’intérieur de l’Italie: il s’agissait en fait d’une renaissance de l’esprit national. Dans d’autres nations hors d’Italie, toutefois, il s’agissait d’un mélange d’art italien et de style national. Ainsi en France, qui a donné naissance aux magnifiques mouvements de la sculpture et de l’architecture romanesques et gothiques, le Renaissance italienne eu un effet beaucoup moins révolutionnaire, bien que ses formes simples et classiques étaient un remplacement bienvenu pour le plutôt fatigué style gothique. Un autre facteur important a été la transformation des châteaux féodaux français en châteaux de plaisance, déclenchant de nombreuses commandes de la nouvelle sculpture de style Renaissance. De nombreux sculpteurs du nord de l’Italie ont émigré en France pour répondre à cette nouvelle demande: s’installer à Tours, Paris et Fontainebleau, rejoignant ceux qui s’étaient installés avant eux, tels que Guido Mazzoni , Girolamo da Fiesole , Girolamo della Robbia et Benedetto da Rovezzano .
La première école de sculpture française à exposer la nouvelle influence de la Renaissance italienne est celle de Tours. Son représentant principal, Michel Colombe (1432-1515), est comparable aux meilleurs sculpteurs italiens du début de la Renaissance. Son relief de saint Georges et du dragon, sculpté en 1508 pour le maître-autel du château de Gaillon, se situe à côté du travail de Donatello sur le même sujet. Parmi les autres sculpteurs français travaillant à l’italienne, citons Perreal, ainsi que le franco-italien Antoine Juste (1479-1519) et son frère Jean Juste (1485-1534).
16e siècle
Le style de sculpture franco-italien se répandit rapidement dans toute la France au cours de la première moitié du XVIe siècle, grâce au vigoureux mécénat et au soutien de François I. Les grands châteaux de Blois, Chambord, Fontainebleau et St Germain furent rénovés conformément aux le nouveau style de sculpture florentine au début de la Renaissance.
Le premier Ecole de Fontainebleau , présidé par le roi François Ier (dirigé de 15h15 à 15h) et dirigé par Francesco Primaticcio , suivie dans les années 1690 par la deuxième plus petite école de Fontainebleau, soutenue par le roi Henri IV (1589-1610) et dirigée par des artistes tels que Ambroise Dubois (1542-1614), Toussaint Dubreuil (1561-1602) et Martin Freminet (1567-1619).
Viennent ensuite les bâtiments publics et les demeures privées de Tours, Angers, Orléans, Rouen, Reims et Toulouse, suivis par les églises, dont les portes, les retables, les écrans de choeur et les stalles sont redécorés avec des reliefs, des frises et des statues de la Renaissance.
Plus tard, durant la seconde moitié du siècle, l’influence de Catherine de Médicis sur la maison des Valois a accru l’influence italienne sur l’art français. L’architecture gothique ne détermine plus les formes structurelles et la sculpture devient beaucoup plus indépendante. Les trois grands sculpteurs de l’époque étaient Pierre Bontemps (actif au milieu du siècle), Jean Goujon (Actif 1540-1563), et Germain Pilon (1529-1590). Le meilleur élève de Pilon était Barthélemy Prieur (1536-1611).
L’école de Toulouse, représentée par Nicholas Bachelier , et l’école de Troyes, illustrée par François Gentil, sont d’ autres écoles de sculpture française de la Renaissance. Une autre tradition forte, l’école bourguignonne, établit des liens artistiques forts avec Charles Ier en Espagne.
Sculpture Renaissance espagnole (1400-1600)
Les sculpteurs de la première Renaissance en Espagne du 15ème siècle étaient beaucoup moins avancés que leurs collègues en Italie. En effet, il n’est même pas facile de dater le début d’une véritable Renaissance dans la péninsule ibérique. Les artistes espagnols n’avaient aucun des patrons artistiques ambitieux comme la famille Médicis de Florence ou les patrons papaux de Rome. De plus, bien que le nouveau style de la Renaissance en Espagne se caractérise par une plus grande liberté et un plus grand naturalisme, les sculpteurs ont conservé la plupart de leur iconographie religieuse traditionnelle, ainsi que de nombreux éléments essentiels du gothique.
Durant la Haute Renaissance (environ 1490-1530), de nombreux artistes de Flandres, de France et d’Italie s’installent en Espagne. Ces individus ont contribué à promouvoir l’esprit humaniste de la Renaissance, mais généralement dans le contexte des traditions espagnoles. Le Français Philip Vigarny (Felipe Bigarny) (1470-1543) travailla à Burgos, sculptant les reliefs en albâtre de la cathédrale. Il a également créé une partie des grands retables des cathédrales de Toledo et de Palencia. De temps en temps, il travailla aux côtés de Diego de Siloe (env.1495-1563) et d’ Alonso Berruguete (1488-1561), considérés comme les plus restreints, les plus naturalistes et les plus orientés vers la Renaissance. Diego de Siloe, influent en Andalousie et en Castille, était connu pour son escalier d’or et le Christ et la Vierge et l’Enfant de la cathédrale de Burgos. Le sculpteur Bartolomé Ordonez (1490-1520), originaire de Burgos, était réputé pour ses reliefs harmonieux et ses panneaux de marbre, ainsi que pour la tombe de Don Felipe et de Dona Juana dans la chapelle royale de Grenade.
À Palencia, qui était alors un centre culturel important, les arts plastiques étaient dirigés par le sculpteur gothique Juan de Valmaseda (né en 1490), noté pour le calvaire du retable de la cathédrale de Palencia. À Tolède, principal centre artistique de la Nouvelle-Castille, le style Renaissance est arrivé tôt, grâce à Vasco de la Zarza , réputé pour la tombe de Don Juan Carrillo de Albornozin dans la cathédrale de Tolède et celle de Don Alonso de Madrigal dans la cathédrale d’Avila. L’influence de Vasco de la Zarza s’étendit à Tolède, Avila et Ségovie.
En Andalousie, la Renaissance a pris son envol grâce à Jorge Fernandez , célèbre pour diverses sculptures de style gothique dans la chapelle royale de Grenade. À Aragon, la Renaissance s’appuie sur le sculpteur Gil Morlanes l’Ancien , réputé pour le retable en albâtre du monastère de Montearagon (cathédrale de Huesca). Damian Forment (1480-1540) fut un autre sculpteur espagnol important du XVIe siècle, connu pour le superbe retable de Nuestra Señora del Pilar, le retable de la cathédrale de Huesca et le grand retable du monastère de Poblet, qui travailla à Valence puis à Saragosse..
La période 1530-1570 fut l’apogée de la sculpture espagnole de la Renaissance. Cette époque a été menée par le génie Alonso Berruguete (1488-1561), fils du peintre Pedro Berruguete (1450-1504) et élève de Michel-Ange. Noté pour le retable de la Mejorada, le retable de San Benito de Valladolid, les reliefs de stalles de choeur de la cathédrale de Tolède et la tombe du cardinal Tavera. L’artiste bourguignon est l’un des sculpteurs français les plus novateurs de la Renaissance française ayant travaillé en Espagne à cette époque. Juan de Juni (Jean de Joigny) (1507-1577), connu pour la spiritualité expressive de ses œuvres, telles que l’ Encombrement, conservées au musée de Valladolid.
Vers 1570-1600, nous assistons à la montée en puissance du maniérisme espagnol sous des sculpteurs espagnols comme Juan de Anchieta (b.1540), et des artistes étrangers comme les Italiens Leone Leoni (1509-1590) et Pompeo Leoni (1533-1608). Combinant maniérisme et académisme, leur style est illustré par les effigies de bronze de l’impératrice Isabelle et de Philippe II (musée du Prado) et par les groupes de sculptures appartenant aux tombeaux de Charles V et de Philippe II (Escorial).
Sculpture de la Renaissance allemande (environ 1450-1600)
Sculpteurs allemands du 15ème siècle
L’influence de Claus Sluter (c.1340-1406), déjà visible dans le travail de Hans Multscher à Ulm, s’étendit à la Rhénanie, à la Souabe, à la Franconie et au sud jusqu’à l’Autriche sous l’influence de Nikolas Gerhaert von Leyden (actif 1462-1473) et de ses partisans. Un attachement à une décoration excessive, caractéristique du gothique tardif, empêchait la création de sculptures en pierre monumentales.
Cette campagne décorative, née dans une région boisée dense, a fait de la sculpture sur bois le support privilégié des artistes allemands et a été largement utilisée pour la fabrication de mobilier ecclésiastique (par exemple, des stalles de choeur) et de retables. Les principaux sculpteurs allemands de la Renaissance étaient: Jorg Syrlin d’Ulm; Gregor Erhart (c.1460-1540) d’Ulm et d’Augsbourg); Veit Stoss (c.1447-1533) de Nuremberg, notée pour le retable de la Vierge, église Sainte-Marie de Cracovie, 1486; et Nikolas von Hagenau (enregistré 1485-1526) de Strasbourg. À Nuremberg, Adam Kraft (env. 1455-1509), réputé pour son tabernacle dans l’église de Saint-Lorenz, a démontré toute l’habileté technique et l’exubérance de la sculpture sur bois, mais dans la pierre. (Voir: Art de la Renaissance allemande.)
Bien que certaines de leurs sculptures se détendent remarquablement, les sculpteurs allemands ont du mal à s’adapter aux formes équilibrées de l’art de la Renaissance. Des personnalités comme Veit Stoss , Tilman Riemenschneider (c.1460-1531), maître HL . (noté pour le retable de Breisach), et Hans Backofen (d.1519) ont conservé une forte affection pour le style gothique tardif. Parmi les personnalités plus engagées du nouveau style de la Renaissance, citons l’artiste d’Augsbourg, Adolf Daucher (1460-1524); le sculpteur de Nuremberg, Peter Vischer l’Ancien (1460-1529), célèbre pour le sanctuaire de saint Sebaldus. Plus tard, Peter Vischer the Younger (1487-1528) et l’orfèvre Peter Flotner (d.1546) se sont lancés dans la sculpture Renaissance à petite échelle. Pendant ce temps, Alexander Colyn de Malines (d.1612), connu pour son aile Ottheinrich, a présenté le langage décoratif de la Renaissance flamande à la ville de Heidelberg. Au cours de la seconde moitié du XVIe siècle, le style de la Renaissance a finalement commencé à s’implanter à Augsbourg et à Munich, qui sont devenus des centres de l’italianisme.
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