La fleuristerie dans l’artisanat populaire russe Automatique traduire

Les motifs végétaux sont un élément fondamental de la culture russe, profondément ancrés dans l’artisanat populaire. Au fil des siècles, les artisans de toute la Russie ont perfectionné leurs techniques de représentation de la flore dans divers arts décoratifs et appliqués.

Fleurs, herbes, arbres, baies et autres éléments végétaux sont devenus la base du langage artistique de nombreux artisanats traditionnels russes – de la peinture sur bois, métal et céramique à la broderie, au tissage et à la création de motifs textiles. Chaque artisanat a développé son propre style de représentation du monde végétal, s’appuyant sur les traditions locales, les matériaux disponibles et le contexte culturel et historique de la région.

Importance historique des motifs végétaux

L’utilisation d’éléments floraux dans l’art décoratif russe a des racines anciennes. Les premières traces de l’utilisation de motifs floraux à des fins décoratives remontent au IVe siècle av. J.-C. Dans les images antiques, le monde était souvent divisé en trois parties : le ciel, les hommes et la terre, la partie terrestre étant symbolisée par diverses plantes et fleurs.

Après l’adoption du christianisme, la culture byzantine a eu une influence significative sur le développement de l’art russe. Au VIIe siècle, les premières icônes encadrées d’ornements floraux sont apparues. La nature a été la principale source d’inspiration des artistes, qui ont transposé les courbes gracieuses des pétales et des tiges dans leurs œuvres. Progressivement, les ornements végétaux se sont répandus sur les façades des églises, souvent sous la forme de compositions rappelant l’arbre de vie.

Les motifs végétaux avaient non seulement une fonction décorative, mais aussi une profonde fonction symbolique. Dans la culture païenne des Slaves, les plantes étaient associées à la fertilité, à la vitalité et au cycle des saisons. Après l’adoption du christianisme, de nombreux symboles païens ont été repensés, tout en conservant leur signification esthétique.

Depuis le XVIIe siècle, les motifs floraux sont largement utilisés dans la décoration des maisons des boyards et des nobles. Les fleurs fraîches ont également intégré l’intérieur des demeures aisées : de grands vases fleuris ornaient souvent les salons et les salles à manger. Plus tard, avec l’avènement des poêles, les rebords de fenêtre ont commencé à être décorés de plantes en pot, les conditions de culture étant devenues plus favorables.

Peinture de Khokhloma

Le khokhloma est sans doute le type de peinture populaire russe sur bois le plus célèbre. Cet artisanat est apparu après la libération de la Rus’ du joug tatare-mongol. Les habitants du village de Khokhloma et des villages voisins en vivaient. Au fil du temps, les produits en bois aux motifs caractéristiques ont acquis une renommée hors de Russie, notamment à Paris, en Inde et en Asie centrale.

Les objets en bois ornés de peinture Khokhloma sont fabriqués et peints à la main par des artisans. Les couleurs principales sont le rouge, le noir et l’or. La particularité de l’or Khokhloma réside dans le fait qu’il n’est que l’apparence d’un véritable métal précieux. En effet, le bois est recouvert d’étain argenté qui, après cuisson au four et enduit d’huile de lin, prend une teinte dorée. Le fond sombre renforce le contraste de l’image.

L’ornementation végétale de la peinture de Khokhloma repose sur des représentations de baies de sorbier, de viorne et de fraises, ainsi que d’oiseaux et d’animaux. Les motifs de Khokhloma sont stylisés : ils présentent une certaine ressemblance avec les plantes vivantes, mais ne parviennent jamais à en restituer l’apparence avec une précision absolue. Les maîtres utilisent des formes généralisées, ne préservant que les caractéristiques principales des plantes représentées.

L’ornement le plus ancien et le plus apprécié de Khokhloma est l’«herbe», ou simplement «l’herbe». Il s’agit de brins d’herbe allongés et légèrement courbés, peints par trois, cinq ou plus, formant un buisson. L’«herbe» ressemble vaguement au carex, qui pousse dans les prairies inondables et le long des berges des réservoirs. L’un des types de cet ornement est appelé «carex».

L’herbe est généralement peinte en rouge et noir. Ses feuilles principales, larges et longues, sont luxuriantes, car le pinceau a appliqué une grande quantité de peinture, qui se dépose en couche épaisse sur la surface du tableau. Les extrémités des feuilles sont peintes en fine couche, comme si elles se courbaient au vent. Des traits fins et fréquents – brins d’herbe sur les côtés du buisson principal et perles – baies sur de longues tiges confèrent à ce tableau vivacité et grâce.

L’«herbe» est un type de peinture indépendant, mais elle est également un élément incontournable de toute décoration végétale de Khokhloma. Souvent, parmi les buissons et les branches d’herbe noire, rouge, verte ou jaune, l’artiste place des baies, des fleurs, des oiseaux et des poissons. Un tel ornement est appelé «herbe» ou le nom d’une baie ou d’une fleur spécifique.

Peinture de Gjel

La peinture de Gjel tire son nom de la région de Gjel, dans la province de Moscou, où se trouvait un centre de production de céramique et de porcelaine depuis le XVIIe siècle. Cette région est située sur le territoire de l’actuel district municipal de Ramenski, dans la région de Moscou.

Quiconque a déjà vu Gjel n’oubliera jamais ce monde féerique d’oiseaux et de fleurs bleus. Les traditions de la peinture de Gjel, ses techniques et ses éléments fondamentaux, ont été préservées depuis le XVIIIe siècle, laissant toujours libre cours à l’imagination des artistes.

L’apparition des couleurs bleu et blanc, caractéristiques de Gjel, remonte au début du XIXe siècle. Les chercheurs soulignent qu’à partir des années 1820, de plus en plus de produits de Gjel étaient peints exclusivement en bleu. Aujourd’hui, c’est ce motif caractéristique – peinture bleue sur fond blanc – qui définit le style de Gjel.

Le processus de création de la peinture de Gjel commence par la fabrication d’une pièce en porcelaine blanche, appelée « lin » dans le jargon professionnel. Les artisans commencent ensuite à peindre (« couvrir »), un travail manuel minutieux mais rapide. Les artistes appliquent avec précision et régularité les traits et les lignes qui forment l’ornement. Une seule couleur est utilisée : le noir de cobalt, dilué à l’eau comme l’aquarelle.

À ce stade, le dessin paraît monochrome. Mais une fois le produit placé dans un four chaud, le motif cobalt prend vie et se remplit d’un bleu bleuet profond. Après la cuisson, des nuances et des demi-teintes de la gamme bleu-bleu clair apparaissent. Un véritable maître de Gjel perçoit sans équivoque le juste équilibre des tons, distinguant plus de 20 nuances de bleu.

La porcelaine de Gjel est peinte selon un motif spécifique. Il existe trois types de peinture. Le premier est un motif végétal : bouquets et guirlandes de fleurs, feuilles et branches, herbe, baies et autres éléments. Les fleurs (roses, coquelicots, asters, marguerites, etc.) sont représentées de manière assez conventionnelle. L’un des motifs préférés et souvent répétés est la « rose de Gjel » ou « agashka ».

Une technique caractéristique de la peinture de Gjel est le « trait d’ombre ». Pour ce faire, l’artiste prélève de la peinture d’un côté du pinceau et, lors de l’application, celui-ci effectue une rotation circulaire. Ainsi, au début du trait, la peinture est plus épaisse, puis plus claire vers le milieu, et enfin très fine et fine à la pointe. C’est ainsi que sont peintes les feuilles et les fleurs volumineuses.

Peinture de Zhostovo

L’histoire de l’artisanat de Zhostovo remonte au début du XIXe siècle, lorsque dans un certain nombre de villages et de colonies de la région de Moscou de l’ancien volost Troitskaya (aujourd’hui le district de Mytishchi de la région de Moscou) - Zhostovo, Ostashkov, Khlebnikov, Troitskoye et d’autres - des ateliers de production de produits laqués peints à partir de papier mâché ont émergé.

L’origine du plateau peint de Zhostovo est liée au nom de famille des frères Vishnyakov. En 1830, la production de plateaux s’est intensifiée à Zhostovo et dans les villages environnants. Les premiers plateaux en métal décorés de peintures florales sont apparus. Les plateaux en fer ont progressivement remplacé les tabatières et autres objets en papier des ateliers du volost de la Trinité.

Le motif principal de la peinture de Zhostovo est un bouquet de fleurs. Dans l’art original des maîtres de Zhostovo, le réalisme des formes vivantes des fleurs et des fruits se conjugue à une généralisation décorative, proche de la peinture populaire russe au pinceau sur des coffres, des boîtes en écorce de bouleau, des rouets et autres objets.

Les compositions de Zhostovo s’inspirent d’anciens modèles de compositions florales décoratives, avec un ensemble de fleurs de jardin et des champs : « bouquet ramassé », « bouquet dispersé », guirlande, couronne. À l’aide d’un pinceau large, l’artiste esquisse la composition du bouquet sur la surface de travail du plateau. Lors de la création du bouquet, le maître veille à la beauté et à l’expressivité de la silhouette des fleurs, des boutons, des feuilles et des tiges, ainsi qu’à la disposition rythmique des taches colorées.

Outre le fond noir traditionnel, des couleurs rouge, bleu et vert sont utilisées, et le bord du plateau est décoré d’un léger ornement végétal ajouré. Le plateau Zhostovo se distingue par une exécution particulière : des fleurs éclatantes et luxuriantes sont peintes avec un réalisme saisissant, tout en préservant le caractère décoratif de la composition.

Peinture de Gorodets

La peinture de Gorodets est une technique artistique de peinture et de sculpture sur bois née au milieu du XIXe siècle dans la province de Nijni Novgorod. À l’origine, cet artisanat consistait à fabriquer des rouets sculptés. Le produit était découpé dans un bois présentant des évidements, et des figures étaient découpées dans un autre bois, insérées dans les évidements du rouet. C’est ainsi que divers ornements et motifs étaient créés.

Plus tard, les images sculptées ont commencé à être teintées de différentes couleurs, alliant l’éclat des couleurs à la nuance du bois. Initialement réservées aux fêtes, les œuvres entièrement peintes sont progressivement entrées dans la vie quotidienne. Progressivement, les artisans ont pratiquement abandonné la sculpture ; la technique de production est devenue plus simple et plus rapide. Les dessins ont commencé à orner coffres, meubles, traîneaux, objets d’intérieur et jouets.

Un style particulier s’est formé dans la peinture de Gorodets : les maîtres y ont représenté des animaux, des fleurs, des scènes quotidiennes et festives. Parmi les images les plus populaires figurent un cheval noir et un oiseau.

L’ornement floral dans la peinture de Gorodets est représenté par plusieurs types :

«Bouquet» est une composition représentée symétriquement, généralement utilisée pour peindre des planches à découper ou des plats.

La « guirlande » est un type de « bouquet » composé d’une ou deux grandes fleurs au centre, et de fleurs plus petites, ornées de feuilles, qui s’écartent sur les côtés. Cette composition peut s’insérer dans un cercle, une bande ou être disposée en faucille aux angles du produit. Ce type de bouquet est souvent utilisé pour peindre des planches à découper, des boîtes à pain, des boîtes, de la vaisselle et des meubles pour enfants.

Le « losange » est une variante de la « guirlande » : une ou plusieurs fleurs sont représentées au centre, formant le centre, tandis que des bourgeons et des feuilles, décroissant progressivement vers le sommet du losange, sont disposés le long de ses bords imaginaires. Cette composition peut être observée sur des planches à découper rectangulaires, des coffres, des bancs, des portes d’armoires et des boîtes à pain.

La « bande de fleurs » est préservée dans l’artisanat de Gorodets depuis l’époque des rouets peints, où elle séparait les niveaux supérieur et inférieur. Selon le produit, il peut s’agir d’une composition en rubans répétés de fleurs de même taille, séparées par des paires de feuilles, ou de fleurs alternées de tailles différentes.

Types de peinture nordiques

Plusieurs types originaux de peinture sur bois se sont développés dans le nord de la Russie, liés par leur territoire d’origine et les motifs utilisés. Ces types de peinture, partiellement empruntés les uns aux autres, sont apparus à peu près simultanément, mais chaque technique possède ses propres caractéristiques et particularités.

Peinture de Boretskaya

La peinture Boretskaya (également connue sous le nom de Borokskaya) est une peinture sur bois du nord de la Russie, apparentée au type Severodvinsk et appartenant au groupe Borok-Toyemsko-Puchug. Originaire de l’ancienne Novgorod, elle doit son nom à la famille des boyards.

Les couleurs principales de la peinture de Boretskaïa sont le rouge, le vert, le jaune et la nuance du bois brut. Les contours des éléments sont généralement soulignés de noir. Autrefois, la peinture de Boretskaïa était réalisée selon un style iconographique. Aujourd’hui, les fleurs et les formes géométriques sont devenues des ornements caractéristiques : losanges, triangles, petits cercles et gouttes.

La peinture de Boretskaya fait partie du groupe de peinture de Severodvinsk, ce qui explique sa similitude avec d’autres types de peinture de cette région, mais en même temps elle conserve son caractère unique et reconnaissable.

Peinture Rakul

La peinture Rakul doit son nom à la rivière Rakulka, un affluent de la Dvina septentrionale. Les plats peints présentent une prédominance de nuances vertes ou rouges. L’or a toujours joué un rôle majeur dans la peinture, étant souvent utilisé comme couleur principale.

Les principales caractéristiques de la peinture Rakul sont des images d’oiseaux, des branches à grandes feuilles, des boucles et un contour noir. Ces éléments créent un style reconnaissable qui distingue la peinture Rakul des autres arts décoratifs nordiques.

Les motifs végétaux de la peinture Rakul se distinguent par leur caractère décoratif et leur stylisation particuliers. Les maîtres associent habilement formes naturelles et éléments géométriques, créant des compositions originales chargées de sens symbolique.

Vieux Borok

Le Stary Borok est l’un des plus anciens types de peinture du Nord de la Russie. L’existence du village où cet art est né était connue dès le XVe siècle.

La différence entre Stary Borok et les autres types de peinture nordique réside dans son intrigue uniforme et son motif à trois niveaux, où le revêtement est appliqué en plusieurs couches. Le plus souvent, cette technique représente des oiseaux féériques de couleur rouge aux ailes vertes. Dans les grandes compositions, la place centrale est occupée par un arbre, réalisé dans les mêmes tons.

Les motifs végétaux du tableau de Stary Borok présentent des caractéristiques archaïques, remontant à des conceptions anciennes de la structure du monde. L’arbre, élément central de la composition, symbolise l’arbre-monde, axe de l’univers reliant les mondes souterrain, terrestre et céleste.

Peinture de Verkhneuftyug

La peinture de Verkhneuftyug est apparue à Verkhniaïa Ouftiouga. Elle se caractérise par un motif de fleurs et d’oiseaux classiques sur un fond de couleurs variées. Ce type de peinture se distingue par son caractère décoratif et expressif particulier, combinant des éléments du monde naturel et du monde fantastique.

Dans la peinture de Verkhneuftyug, les fleurs sont représentées de manière conventionnelle, avec un haut degré de stylisation, tout en conservant leur caractère reconnaissable et leur grâce naturelle. Les oiseaux sont souvent intégrés aux ornements végétaux, créant une composition harmonieuse, pleine de mouvement et de vie.

Mstera miniature

Le village pittoresque de Mstera et les miniatures laquées sont devenus indissociables. Ce coin de la région de Vladimir est depuis longtemps réputé pour son artisanat. Le style pictural unique de Mstera est un art local original, imprégné des traditions de peinture d’icônes des Vieux-croyants de la région, et se distingue par sa palette de couleurs exceptionnellement vives et variées.

Les miniatures de Mstera représentent des épopées, des contes de fées, des scènes de la vie paisible et tranquille d’un village russe ou de la vie des appartements royaux. Chaque phénomène représenté dans l’art populaire s’inspire de la perception d’un événement réel.

Une véritable innovation créative a été la transition des maîtres vers la peinture de coffres et de boîtes. Ces produits utilisent traditionnellement des motifs russes anciens. Chaque boîte de Mstera, encadrée d’un ornement ajouré en or fondu, représente des miniatures, des bouquets de fleurs ou des natures mortes reconnaissables, soulignant la couleur et la pureté du dessin.

Les motifs floraux occupent une place particulière chez Mstera Miniatures, comme en témoignent les collections thématiques dédiées aux fleurs en miniatures laquées. Les artisans travaillent avec soin chaque détail des plantes, créant ainsi une alliance harmonieuse entre réalisme et ornementation.

Motifs végétaux en broderie

Parmi les nombreux arts populaires russes, la broderie a toujours occupé une place importante. On cousait partout ; aucun équipement particulier n’était requis, et chaque foyer avait du tissu, des aiguilles et du fil. La broderie servait à décorer vêtements et objets ménagers : rideaux, nappes, serviettes, cantonnières, tabliers, coiffes, foulards, jupes et robes.

Le climat russe ne permet pas la culture massive du coton. Les principales sources de tissus étaient donc le lin et le chanvre. Ces matières servaient à tisser le lin. Du lin blanchi fin servait de base, et des fils de lin et de laine servaient à broder les motifs. Au XIXe siècle, les fils de laine servaient à broder les chemises et les serviettes de toilette.

La couleur principale de la broderie russe est le rouge, avec de nombreuses nuances allant de l’airelle rouge foncé à l’orange. La teinte dépendait de la matière des fils et du tissu, ainsi que des colorants utilisés (minéraux, végétaux, animaux). Outre le rouge, on privilégiait les nuances de bleu, de vert et de jaune. Le noir n’est pas typique de la broderie russe ; cette couleur était traditionnellement utilisée uniquement dans les régions de Tambov et de Voronej.

La broderie russe présente une grande variété de motifs, mais les motifs ornementaux les plus courants sont ceux d’un oiseau, d’un cheval et d’un arbre. Ce choix s’explique par les légendes et croyances des anciens Slaves concernant l’arbre céleste et l’oiseau-soleil qui le surplombait. Le cheval symbolisait le mouvement visible du soleil.

La broderie de plantes et d’arbres était réalisée dans un style géométrique strict, souvent avec deux ou plusieurs longues branches particulièrement mises en valeur, parfois avec des racines sur une base triangulaire.

À l’origine, la broderie en Russie avait une signification sacrée et était étroitement liée aux croyances dans les pouvoirs mystiques de la nature et des dieux. Des motifs et symboles protecteurs ornaient vêtements et objets ménagers. Avec l’adoption du christianisme, une nouvelle étape dans le développement de la broderie russe s’ouvrit. Malgré ses racines païennes, la broderie populaire réussit à associer d’anciens motifs slaves à de nouveaux motifs religieux.

Tissage de la paille

La paille est devenue un matériau unique pour les arts décoratifs et appliqués. Au cours des dernières décennies, le tissage de la paille a atteint un niveau professionnel.

Le tissage de la paille utilise de la paille provenant de diverses céréales, chacune ayant ses propres caractéristiques, avantages et inconvénients. La paille est un matériau accessible et peu coûteux. Cassante et cassante à l’état sec, elle devient souple et flexible une fois trempée, acquiert la capacité de se plier et, une fois sèche, conserve la forme que le maître lui a donnée.

La création de fleurs en paille occupe une place particulière dans le tissage de la paille. Contrairement aux fleurs artificielles naturalistes, elles conservent la chaleur du matériau naturel et séduisent par le caractère artisanal de leur création. Tissées dans une variété de formes et de variantes, les fleurs en paille allient les meilleures traditions de l’art populaire à la pensée artistique moderne.

La technique de création des fleurs de paille comprend plusieurs étapes : esquisse de la future fleur, confection des pétales, création des sépales et assemblage. Chaque fleur (pivoine, camomille, par exemple) possède ses propres spécificités techniques.

Pour réaliser une fleur de paille de type « Pivoine », les étamines sont attachées à la partie supérieure de la tige, tressée en chaîne avec deux brins de paille, puis repliée en boucle. De nombreuses boucles droites sont formées à partir de rubans de paille, noués à l’endroit où les étamines sont attachées et répartis en 5 ou 6 rangs. Les boucles sont enroulées une à une, en se chevauchant étroitement. Les points d’attache sont enduits de colle et fermés par les boucles du rang suivant. Progressivement, une corolle luxuriante se forme.

Couronnes et utilisation rituelle des plantes

Une couronne est une décoration en forme d’anneau, faite de fleurs, de feuilles, de branches ou de matériaux les imitant, profondément ancrée dans la culture russe. Dans les traditions populaires, elle sert de récompense, d’objet rituel, d’élément de la tenue des participants et de talisman. Les couronnes sont largement utilisées dans les costumes folkloriques en Ukraine et en Pologne.

Les couronnes sont fabriquées à partir de verdure fraîche et de fleurs, plus rarement de conifères, d’aiguilles de pin, de branches et de fleurs sèches, de paille, de papier et de lin. Le reste de l’année, on peut utiliser des fleurs artificielles. Les couronnes, comme d’autres types de verdure, servent à décorer les bâtiments résidentiels et commerciaux, les objets rituels et les animaux de compagnie.

La couronne de Kupala était un attribut obligatoire des jeux de Kupala. Elle était confectionnée avec de la verdure fraîche et des fleurs avant le début des festivités, près du feu. Son usage rituel est lié à la compréhension magique de sa forme, qui la rapproche d’autres objets ronds percés de trous (anneau, cerceau, kalach). Les coutumes consistant à traire ou à filtrer le lait à travers elle, à ramper et à traîner des objets à travers elle, à observer, à verser des liquides, à boire et à se laver à travers elle reposent sur ces propriétés.

Les propriétés des plantes utilisées pour réaliser la couronne (pervenche, basilic, rosier, géranium, mûre, fougère, branches de chêne et de bouleau), ainsi que la symbolique de l’acte de la créer – le tissage, le tressage – lui confèrent une sémantique particulière.

La couronne de mariage est l’un des principaux attributs de la cérémonie nuptiale slave, avec l’arbre nuptial, le pain et la bannière. Elle est un symbole du mariage.

La couronne de la moisson est un objet rituel (couronne ou couronne) fabriqué à partir d’épis de maïs, symbolisant la fin de la moisson et le transfert de la productivité du grain à la récolte future. Pendant la moisson, la couronne et la dernière gerbe sont transportées du champ à la maison, où elles sont conservées jusqu’à la prochaine récolte ou aux prochains semis.

Châles de Pavlovo Possad

Le célèbre châle de Pavlovo Possad est un accessoire populaire qui orne les femmes du monde entier depuis plus de 200 ans. C’est un accessoire traditionnel russe qui habille les tenues, tant folkloriques que modernes. Les châles en laine et en semi-laine vous tiennent chaud lors des fraîches soirées d’hiver, tandis que les châles en soie ou en batiste créent un effet rafraîchissant et vous protègent de la chaleur estivale.

Les foulards firent leur apparition dans la garde-robe des fashionistas au XVIIe siècle et devinrent un ornement privilégié des vêtements des riches marchands. Un siècle plus tard, le mot persan « châle » entra dans le lexique russe, désignant ainsi de grands foulards à motifs. Des cadeaux coûteux étaient généralement offerts aux mariées, puis transmis en héritage.

Des ornements célèbres sont nés de la vie quotidienne des paysans : des fleurs, des motifs sculptés de cadres de fenêtres et de rouets, des broderies faites maison, des éléments de peinture d’icônes.

Aux XVIIIe et XIXe siècles, la production de masse d’écharpes imprimées et à motifs débuta en Russie. Les bases de la future production industrielle furent posées par les fermes paysannes, équipées de métiers à tisser manuels et de teintureries. Plus tard, le travail manuel fut remplacé par les machines à vapeur et les machines à imprimer le calicot.

Les motifs floraux sont à la base de la création des châles de Pavlovo Possad. Par exemple, le châle « Roses blanches » est produit depuis 1953. Aujourd’hui, le motif le plus courant est celui de volumineuses guirlandes de boutons à moitié ouverts et d’un entrelacement hétéroclite de fleurs variées.

Aspect ethnobotanique

L’étude des interactions humaines avec les plantes est le sujet de l’ethnobotanique, une branche de l’ethnobiologie. L’objectif principal de l’ethnobotanique est de comprendre comment les plantes sont utilisées et perçues dans les sociétés humaines, notamment pour l’alimentation, la médecine, la divination, les cosmétiques, la teinture des tissus, la construction, comme outils, monnaie, vêtements, rituels, etc., et quel est le rôle des plantes dans la vie sociale.

L’histoire de l’ethnobotanique remonte bien plus loin que le terme lui-même, inventé en 1895 par le botaniste américain John William Harshberger. Dès 77 après J.-C., le médecin grec Dioscoride publiait De Materia Medica, un herbier illustré contenant des informations sur 600 plantes méditerranéennes et leur utilisation.

L’artisanat populaire russe témoigne d’un savoir ethnobotanique acquis par des générations de maîtres. Le choix des plantes à représenter, les méthodes de stylisation, la signification symbolique des éléments floraux : tout cela reflète une profonde compréhension de la nature et de son lien avec la culture humaine.

L’état actuel de la fleuristerie dans l’artisanat populaire

L’art et l’artisanat populaires russes trouvent leurs origines dans l’Antiquité et unissent des traditions culturelles héritées de plusieurs générations. La Russie est composée de nombreux districts et régions autonomes, chacun possédant ses propres formes d’artisanat, comme la peinture sur divers matériaux, la poterie, la fabrication de jouets traditionnels, la sculpture sur bois et sur os, le tissage de dentelle, la forge et bien plus encore.

Dans la Russie d’aujourd’hui, le soutien à l’artisanat populaire ancien est assuré par un programme d’État spécial. Les œuvres d’art russe ancien ont traversé de nombreuses épreuves et ont préservé des traditions ancestrales transmises de père en fils, de maître en maître.

La broderie folklorique russe conserve tout son charme au XXIe siècle. Les créateurs de mode s’inspirent de ses motifs pour créer de nouvelles collections, les symboles russes expriment le patriotisme dans le sport, et les entrepreneurs s’inspirent de la stylisation slave pour positionner leurs marques comme des produits nationaux. La broderie à la russe orne vêtements, serviettes et intérieurs, et nombreux sont ceux qui se tournent vers les origines de la culture slave.

Les produits peints sur bois, céramique et fer sont des objets précieux de l’artisanat populaire russe. Leur tradition de fabrication a perduré jusqu’à nos jours, et ces œuvres ravissent toujours l’œil par leur beauté et leur savoir-faire.