L’histoire du cinéma d’animation :
des premiers dessins animés aux chefs-d’œuvre en images de synthèse Automatique traduire

L’animation a évolué au cours du siècle et demi écoulé, passant de simples dispositifs optiques à des technologies informatiques sophistiquées. Les expérimentations avec les images animées ont commencé bien avant l’invention du cinéma, et aujourd’hui, les films d’animation engrangent des milliards de dollars au box-office et remportent les plus prestigieuses récompenses cinématographiques.

Contexte : Jouets optiques et premiers dispositifs

La théorie des images animées a émergé un demi-siècle avant l’avènement du cinéma. Les inventeurs victoriens créaient des appareils destinés à divertir les invités dans les salons et à réaliser des spectacles de magie utilisant des projections. Ils ont découvert le principe de la persistance rétinienne : si des images d’étapes de mouvement sont montrées en succession rapide, l’œil humain les perçoit comme un mouvement continu.

En 1833, le phénakistiscope, premier appareil d’animation utilisant le remplacement rapide et séquentiel d’images, fut introduit. Les images étaient disposées radialement sur un disque percé de petits trous rectangulaires sur son pourtour. L’animation pouvait être observée à travers des fentes pratiquées dans le disque en rotation, devant un miroir.

Praxinoscope et le théâtre d’optique

L’étape suivante fut le praxinoscope, inventé en 1877 par le Français Charles-Émile Reynaud. Son nom, issu du grec ancien, signifie «spectateur de l’action». Cet appareil utilisait des miroirs au lieu de fentes étroites, produisant une image plus lumineuse et moins déformée que le zootrope.

En 1888, Reynaud perfectionna son invention en créant un théâtre optique. Au lieu d’une simple séquence d’images à l’intérieur d’un cylindre, il utilisa un long film transparent illustré, enroulé entre deux bobines. Ceci permit la création de ce qui est considéré comme le premier film d’animation projeté. Le premier programme, en 1892, comprenait trois courts métrages : «Pauvre Pierrot», «Un bon bock» et «Le Clown et ses chiens».

La naissance du film d’animation

Premières expériences avec l’animation cinématographique

En 1906, James Stuart Blackton créa «Funny Faces in Funny Phases», probablement le premier film d’animation. La même année, il expérimenta la photographie image par image : il photographiait un objet, modifiait légèrement sa position, puis le photographiait à nouveau, créant ainsi une animation.

En 1908, le dessinateur français Émile Cohl créa Phantasmagorie, le premier dessin animé entièrement animé sans acteurs. Composé de 700 dessins, chacun exposé deux fois, ce film de deux minutes devint un exemple précurseur de ce que l’on appellera plus tard l’animation traditionnelle. Cohl plaçait chaque dessin sur une plaque de verre rétroéclairée, puis traçait le dessin suivant, avec des variations, par-dessus le précédent. Les personnages se transformaient sans cesse, démontrant les possibilités fantastiques de l’animation.

Avancées technologiques aux studios Fleischer

Max Fleischer a breveté la rotoscopie en 1915. Cette technique permettait aux animateurs de reproduire image par image des prises de vue réelles, créant ainsi des mouvements réalistes. Fleischer a projeté des images de son frère déguisé en clown et a soigneusement reproduit chaque image pour obtenir un mouvement naturel.

La rotoscopie a résolu le problème de l’animation des personnages humains. Cette technique a été largement utilisée par le studio Fleischer pour créer des mouvements réalistes et fluides dans les dessins animés. Elle a notamment servi à créer Gulliver dans Les Voyages de Gulliver et les scènes de danse de Betty Boop. Le court métrage d’animation de 1934, Pauvre Cendrillon, combinait rotoscopie et décors 3D pour créer l’illusion de profondeur.

L’âge d’or de Disney et l’innovation technologique

Caméra multiplan

Walt Disney s’efforçait de rendre ses dessins animés plus réalistes. Son équipe de cadreurs et d’animateurs créa un système d’animation multicouche. Ils utilisèrent un procédé traditionnel où des centaines d’éléments graphiques défilaient devant la caméra à des vitesses et des distances différentes les uns des autres. Cela créait une image en mouvement et une impression de profondeur.

La caméra, dirigée vers le bas sur les couches peintes, était actionnée par des mécanismes. Disney qualifiait l’ensemble du dispositif de «caméra de super-animation». La caméra pouvait être déplacée verticalement pour créer un effet de zoom. La rotation du disque permettait d’afficher successivement les images, créant ainsi une animation fluide. Le praxinoscope offrait une vision bien plus nette de l’image en mouvement que le zootrope.

Le système de caméras multiplans de Disney utilisait jusqu’à sept couches d’images et nécessitait des dizaines de techniciens pour manipuler les plans selon les instructions de l’opérateur. Les peintures à l’huile étaient montées sur des panneaux de verre distincts qui pouvaient se déplacer à différentes vitesses et distances de la caméra. Parfois, les plans d’arrière-plan et de premier plan se déplaçaient dans des directions opposées pour créer un effet de rotation.

Blanche-Neige et les Sept Nains

La légende raconte que l’idée de Blanche-Neige remonte à 1916, lorsque Walt Disney, alors âgé de quinze ans, vit une version muette du film. L’idée a évolué jusqu’en 1934, date à laquelle Walt a réuni des animateurs et leur a raconté une première version de l’histoire.

Sorti en 1937, Blanche-Neige et les Sept Nains fut le premier long métrage d’animation. Sa production contraignit l’équipe à réaliser une œuvre plus longue que jamais, et le budget du film fut multiplié par six environ, passant de 250 000 $ à un montant équivalent à 5,5 à 33 millions de dollars actuels. Succès commercial, ressorti en salles à plusieurs reprises les années suivantes, il imposa d’emblée la domination du long métrage d’animation sur le cinéma.

Diversité des studios et des techniques

L’âge d’or de l’animation américaine

En 1940, la MGM était en concurrence avec Walt Disney Productions et Leon Schlesinger Productions. Le premier court métrage de Tom et Jerry, « Puss Gets the Boot », fut un succès au cinéma et fut nommé aux Oscars dans la catégorie Meilleur court métrage. William Hanna et Joseph Barbera réalisèrent ensuite un total de 114 courts métrages de Tom et Jerry pour la MGM, de 1940 à 1958.

Le dessin animé «Puss Gets the Boot» n’a pas remporté l’Oscar du meilleur dessin animé en 1940, mais un autre dessin animé de la MGM, «La Voie lactée» de Rudolf Ising, l’a remporté, faisant de la MGM le premier studio à ravir un Oscar à Walt Disney.

Warner Bros. ferma le studio original de Termite Terrace en 1963 après plus de deux décennies de succès. La même année, Freling et DePatie formèrent leur propre studio, DePatie-Freleng Enterprises, qui reprit la production de la franchise Looney Tunes en vertu d’un accord avec Warner Bros.

UPA et animation limitée

Le studio UPA a mis au point une technique d’animation limitée nécessitant moins de dessins par seconde. Cela a permis une plus grande expérimentation et une focalisation sur la narration à travers l’atmosphère et la psychologie des personnages, plutôt que sur la simple précision des mouvements.

Cette technique se manifestait à l’écran par une esthétique singulière. Les arrière-plans étaient souvent abstraits et géométriques, plutôt que minutieusement détaillés. Le design des personnages était simplifié, utilisant des lignes et des formes audacieuses pour exprimer leur individualité. Au lieu de mouvements constants, un changement subtil d’expression, un geste spécifique ou un angle de caméra dynamique suffisaient à traduire l’action et l’émotion.

Le premier court métrage à succès d’UPA fut « Hell-Bent for Election », réalisé par Chuck Jones. Il fut suivi de « Brotherhood of Man » (1945), un dessin animé éducatif promouvant la tolérance. Son style graphique novateur, épuré et minimaliste, rompait avec les codes de l’animation Disney et devint la référence pour tous les dessins animés UPA suivants.

Animation en stop-motion de Ray Harryhausen

Raymond Frederick Harryhausen a créé l’une des premières animations en stop-motion réussies. Le stop-motion consiste à filmer image par image d’une maquette, à effectuer des ajustements, puis à filmer une autre image. Grâce à la vitesse de défilement de 24 images par seconde, l’illusion du mouvement est créée.

Harryhausen a mis au point une technique d’animation image par image appelée Dynamation. Dès 1949, avec Mighty Joe Young, il a travaillé sur de nombreux films de science-fiction populaires, créant des extraterrestres, des créatures préhistoriques et des bêtes mythiques. Il a finalement pris sa retraite après avoir terminé Le Choc des Titans en 1981.

Les créatures d’Harryhausen étaient réputées pour leur incroyable niveau de détail, un procédé appelé « Dynamation », qui leur permettait de se fondre parfaitement dans les prises de vue réelles. Leur comportement étrange leur donnait l’apparence de véritables créatures, et non de simples effets spéciaux éphémères. Harryhausen a également créé l’un des combats à l’épée les plus célèbres du cinéma, celui de Jason contre un groupe de squelettes dans Jason et les Argonautes.

École soviétique d’animation

Les studios Soyuzmultfilm devinrent le principal centre de production de l’animation soviétique et le pôle créatif de l’animation en URSS. À ses débuts, le studio adopta la technologie du celluloïd, plus précisément la méthode dite « à la chaîne » de Disney, adaptée à la production en série de dessins animés traditionnels.

Yuri Norshteyn a mis au point une nouvelle approche technologique – l’animation en coupe multiplan – pour donner à ses films d’animation une apparence tridimensionnelle et, en collaboration avec le directeur de la photographie Alexandre Joukovski, a introduit plusieurs techniques novatrices. Ses films « Le Renard et le Lièvre » (1973), « Le Héron et la Grue » (1974) et « Le Conte des contes » (1979) ont été acclamés dans le monde entier.

« Le Hérisson dans le brouillard » est un film d’animation soviétique de 1975 réalisé par Youri Norshteyn et produit par Soyuzmultfilm à Moscou. Le scénario russe est de Sergueï Grigorievitch Kozlov, qui a également publié un livre du même titre.

L’animation japonaise et le développement de l’anime

Osamu Tezuka est souvent surnommé le «dieu du manga» et le «père de l’anime». Inspiré par le film d’animation chinois La Princesse à l’éventail de fer, Tezuka a lancé ce qui est devenu la révolution du manga au Japon avec la publication de Nouvelle Île au trésor en 1947.

En 1961, Tezuka fait son entrée dans l’industrie de l’animation japonaise en fondant la société de production Mushi Productions, concurrente de Toei Animation. Sa première adaptation animée, « Saiyuki », est une réinterprétation du conte chinois « Le Voyage en Occident », produite par Toei Animation.

Tezuka n’appréciait guère son passage chez Toei, notamment le sentiment de n’avoir aucun contrôle sur « son » histoire ni sur sa fin. Ce film est considéré comme un tournant majeur dans l’histoire de l’animation. Il a été le premier à utiliser un style graphique simplifié et une animation limitée afin de réduire les coûts et la main-d’œuvre.

Tezuka a fondé Mushi Production, l’un des premiers studios d’animation japonaise, où il a créé la première série télévisée d’animation japonaise, Astro Boy, en 1963. L’émission est devenue une étape importante dans l’histoire de l’animation japonaise, tant pour son succès que pour l’établissement de la pratique de l’animation limitée, qui est devenue la norme dans l’industrie.

La Renaissance Disney

La Renaissance Disney désigne la période de 1989 à 1999 durant laquelle Walt Disney Feature Animation a renoué avec le succès commercial et critique de ses longs métrages d’animation. Parmi les dix films emblématiques de cette période figurent La Petite Sirène (1989), Bernard et Bianca au pays des kangourous (1990), La Belle et la Bête (1991), Aladdin (1992), Le Roi Lion (1994), Pocahontas (1995), Le Bossu de Notre-Dame (1996), Hercule (1997), Mulan (1998) et Tarzan (1999).

La Petite Sirène est considérée comme le véritable point de départ de la Renaissance Disney, mais ses origines remontent bien avant le début de sa production en 1985. Dans les années 1930, Disney avait envisagé d’adapter le classique de Hans Christian Andersen.

La Belle et la Bête (1991) a connu un immense succès critique et commercial. Il fut le premier film d’animation à être nommé à l’Oscar du meilleur film et le seul film d’animation à avoir été nommé dans cette catégorie durant une période où seulement cinq films ont été nommés (1944-2008). Le film a remporté le Golden Globe du meilleur film (comédie ou comédie musicale) et deux Oscars : celui de la meilleure musique originale et celui de la meilleure chanson originale (pour « La Belle et la Bête »).

En plus d’être devenu le film d’animation Disney le plus lucratif à ce jour, La Belle et la Bête a été le premier film d’animation à franchir la barre des 100 millions de dollars de recettes au box-office américain. En 1994, il est devenu le premier film de la Renaissance Disney à bénéficier d’une adaptation à Broadway.

La révolution de l’infographie

Premières expériences avec les images de synthèse

Ce n’est qu’après avoir vu des images de test d’un T. rex sur un écran d’ordinateur au studio d’effets visuels Industrial Light & Magic (ILM), la productrice Kathleen Kennedy décida d’intégrer des dinosaures en images de synthèse au film. Jurassic Park ne comporte que 14 minutes d’effets visuels de dinosaures, dont environ quatre minutes générées par ordinateur, mais leur impact sur le cinéma fut considérable.

Steven Spielberg et son équipe ont commencé par des croquis et des maquettes de dinosaures dessinés à la main. La production a utilisé des images de synthèse pour les Vélociraptors, les Brachiosaures et les Tyrannosaures rex. Les données ont dû être modélisées à l’aide d’une structure filaire numérique : une structure qui permet au dinosaure de se tenir debout, de se déplacer et de courir.

Chaque image de la séquence de poursuite en jeep a nécessité environ 12 heures de rendu. L’animation de toutes les scènes où le T-Rex poursuit la jeep a pris quatre mois pour que la séquence de course fonctionne correctement.

Toy Story et le triomphe de Pixar

Le premier court métrage entièrement réalisé par ordinateur fut «Luxo Jr.», produit par les studios d’animation Pixar en 1986. Cette œuvre novatrice a démontré le potentiel de l’animation par ordinateur pour raconter des histoires complètes, et non plus seulement compléter des films en prises de vues réelles. En 1988, Pixar a poursuivi sur cette lancée avec son deuxième court métrage, «Tin Toy», qui a posé les bases technologiques du premier long métrage d’animation 3D, «Toy Story».

Sorti en 1995, Toy Story fut le premier long métrage d’animation entièrement réalisé par ordinateur. Véritable pionnier à bien des égards, il préfigurait les films d’animation actuels en présentant un univers tridimensionnel époustouflant, riche en jeux de lumière, d’ombres et de textures, ainsi qu’en personnages magnifiquement conçus, qu’ils soient humains ou jouets animés.

Disney, en partenariat avec Steve Jobs et Pixar, a sorti Toy Story le 22 novembre 1995. Premier long métrage entièrement réalisé en animation par ordinateur, il disposait d’un budget de production de 30 millions de dollars. Le film a engrangé 40 millions de dollars lors de ses cinq premiers jours d’exploitation, pour un total de 365 millions de dollars de recettes mondiales.

Le logiciel de rendu RenderMan a été utilisé pour gérer l’échelle visuelle. Le temps de rendu total a dépassé 800 000 heures machine sur une ferme de rendu composée de 117 ordinateurs Sun Microsystems. Toy Story a prouvé la viabilité commerciale des images de synthèse. Avec un budget de plus de 30 millions de dollars, l’avenir de l’animation par ordinateur reposait sur son succès financier. Le film a rapporté 373 millions de dollars dans le monde entier, démontrant le potentiel de profit des images de synthèse et ouvrant la voie à leur domination.

Toy Story a inauguré une ère sans précédent pour l’animation 3D grand public. En 2000, 50 % des films d’animation utilisaient l’animation par ordinateur, un chiffre qui a explosé pour atteindre 90 % en 2009. Pixar a ouvert la voie avec des suites révolutionnaires comme Toy Story 2 (1999) et Le Monde de Nemo (2003).

L’industrie de l’animation moderne

Animation en pâte à modeler par Nick Park

Nick Park anime des figurines en pâte à modeler depuis plus de 15 ans, et son incroyable succès est attesté par quatre nominations aux Oscars et trois victoires. Durant tout ce temps, il a été accompagné de deux personnages très sympathiques : Wallace et Gromit.

Wallace (doublé par Peter Sallis) est un inventeur attachant, passionné de fromage et d’étourderie. Gromit est son chien et, comme tout bon compagnon, il doit veiller à ce que Wallace ne fasse pas de bêtises. Park confie : « À l’origine, Gromit devait être un chat, mais il s’est avéré plus facile de travailler la pâte à modeler avec un chien. » Gromit devait également parler, mais Park a trouvé l’animation de la gueule d’un chien trop complexe et s’est donc concentré sur les expressions faciales de Gromit pour communiquer.

Éclairage et nouveau modèle de production

Universal Studios a engagé Chris Meledandri pour diriger son nouveau studio indépendant, Illumination Studios, après que ce dernier ait introduit un nouveau modèle de production de films d’animation à petit budget chez 20th Century Fox. Meledandri a fondé Illumination le 17 janvier 2007.

Meledandri était convaincu que « la maîtrise des coûts et le succès des films d’animation ne sont pas incompatibles ». À la tête d’Illumination, il a continué d’utiliser des techniques d’animation économiques, estimant que la qualité de l’histoire primait sur la précision du rendu de chaque brin d’herbe et de chaque ride.

Illumination, société basée à Santa Monica, ne produit pas ses films en interne mais sous-traite la production d’animation à d’autres studios. La plupart de ses films sont animés par Illumination Studios Paris, une filiale créée suite à l’acquisition de Mac Guff (qui a animé le premier «Moi, moche et méchant»).