Nouvelles premières mondiales de 2023 en citations de journalistes occidentaux Automatique traduire

Que nous offre le cinéma en cette période difficile? Toutes les nouveautés de cette année ne pourront pas apparaître dans nos cinémas et sur les services de streaming russes, mais nous en discuterons quand même. Et dans les commentaires, ils suggèrent où vous pouvez chercher, ici : https://legalkino.net/movies/dramy/.

Proximité

Drame ⭐⭐⭐⭐ ⋅

Ce drame d’initiation belge "sophistiqué" a remporté le Grand Prix à Cannes et mérite une nomination aux Oscars, écrit Deborah Ross dans The Spectator. Mais soyez prévenu - "vous aurez besoin de mouchoirs, et peut-être de plus d’une boîte." Le scénariste/réalisateur Lucas Dont raconte l’histoire de deux garçons de 13 ans (Gustav De Waele et Eden Dambrin) qui passent leurs vacances d’été à courir à travers des champs de "fleurs à hauteur d’épaule", à faire de la course à vélo et à dormir chez l’autre, avec "membres enlacés".

Cependant, leur "amour simple et innocent" est mis sous pression lorsqu’ils commencent le lycée, puis s’effondre. C’est un spectacle déchirant qui est en grande partie dû aux productions "merveilleusement naturalistes" au cœur du film. Tout cela rappelle le film de Rob Reiner Stay with Me (1986) et la célèbre dernière ligne du narrateur : «Je n’ai jamais eu d’amis comme j’en avais quand j’avais 12 ans. Seigneur, quelqu’un en a-t-il?

"Ce film merveilleusement subtil a un pouvoir émotionnel impressionnant", a reconnu Robbie Collin dans The Daily Telegraph. "Chaque battement sonne absolument vrai", ce qui n’est peut-être pas surprenant puisque Dont écrit que l’intrigue a été inspirée par sa propre expérience. Même les scènes qui "exigent l’impossible presque dramatique de la part des acteurs" sont filmées avec "un mouvement confiant mais sans effort". "C’est un grand film sur l’amitié, mais peut-être un film encore plus grand sur la solitude." Selon AO Scott dans le New York Times, la production a une "précision déchirante", mais à mesure que l’amitié des garçons commence à s’effilocher, le film perd sa beauté "tendre" et devient "plus conventionnel". Cependant, la "pourriture" qui s’ensuit ne peut pas dissiper la "perception raffinée des premières scènes".

Credo III

Drame ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

Creed III est le neuvième volet de la franchise Rocky, mais "le premier sans Rocky lui-même": Sylvester Stallone a refusé d’agir, estimant que le ton du film était trop sombre pour lui plaire, écrit Larushka Ivan-Zade dans Metro. Heureusement, même sans sa présence, le film s’est avéré plutôt bon. Michael B. Jordan revient en tant qu’ancien champion poids lourd Adonis Creed, qui vit heureux avec sa famille à Los Angeles jusqu’à ce que son ami d’enfance Damian (Jonathan Majors), un ancien adolescent prodige de la boxe, se présente après 18 ans de prison.

Ce qui suit est le «film de boxe» prévisible – «il y a un outsider arrogant qui cherche sa chance à la célébrité, un entraîneur sage et blasé, un combat décisif et, bien sûr, un montage d’entraînement» – mais Jordan, faisant ses débuts en tant que réalisateur, «avec enthousiasme décide d’apporter un nouveau genre d’énergie», et pour la plupart, il réussit.

Ce film n’atteindra jamais "les sommets du Creed original, qui était "un équilibre quasi parfait du cœur, de la tête et des poings", écrit Benjamin Lee dans The Guardian, mais il offre tout de même une dose satisfaisante de gros et de grande envergure". Divertissement Imax." Les scènes de boxe sont "très excitantes, nous emmenant dans et autour d’une série de coups de poing brutaux et bien capturés" et Majors est "un antagoniste incroyablement complexe". Le problème, c’est qu’il est tellement bon qu’il lui vole la plupart des scènes qu’il partage avec Jordan, «déséquilibrant un peu le film au passage», écrit Matthew Bond dans The Mail on Sunday. Il y a d’autres problèmes : le rythme est décalé ; vous devez bien connaître la trame de fond de Creed»pour comprendre ce qui se passe ; et tandis que les « scènes de boxe cacophoniques » sont excellentes comme toujours, Stallone manque ici :

Qu’est-ce que l’amour ici?

Rom-com (comédie romantique) ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

"Peut-être injustement, Jemima Khan a été définie par les hommes de sa vie", de son riche et défunt père, Sir James Goldsmith, à son ex-mari, joueur de cricket et politicien Imran Khan, écrit Matthew Bond dans The Mail on Sunday. Mais maintenant, elle a écrit et coproduit son propre film - "et c’est vraiment, vraiment bien".

Lily James joue le rôle de Zoe, une réalisatrice de documentaires en herbe qui décide de faire un film sur les mariages de complaisance modernes, en suivant son bel ami et voisin Kazim (Shazad Latif) alors qu’il se prépare à voyager de Londres à Lahore pour rencontrer la jeune femme pakistanaise ses parents l’ont choisi pour être sa femme. Maintenant, on l’appelle «mariage d’assistance», explique-t-il. Mais, malgré l’expérience de rencontre infructueuse, Zoe doute. Le résultat est une "rom-com imaginative" qui parvient à être "intelligente, perspicace, sensible et drôle" - et bien que la composante romantique de l’histoire ne soit pas "totalement convaincante", elle est "trop ​​ringard".

Je crains que rien de tout cela ne nous ait convaincus, écrit Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Lateef et James ont "zéro chimie" et leurs reprises sont "maladroites", jonchées de "métaphores culturelles maladroites" ("Ce n’est pas un voile sur vos péchés", a lâché James à un moment donné, "c’est une putain de grosse burqa enveloppant tout votre réalité!"). Le film a été réalisé par Shekhar Kapur avec "toute la vivacité d’une publicité de Halifax" et pas même Emma Thompson en tant que "mère buveuse de pinot grigio" de Zoe ne peut le sauver. L’intensité sexuelle du film ne "fait pas bouillir un œuf», a convenu Charlotte O’Sullivan du Evening Standard. Mais il est «parfois touchant» et mérite le mérite de s’être aventuré en «territoire dangereux» pour la comédie romantique, de l’islamophobie à l’hypocrisie des yeux blancs.

ours de cocaïne

Comédie d’horreur ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

Vous abordez un film comme Cocaine Bear "dans l’esprit du thrash love glee", en espérant qu’il fournira 90 minutes de divertissement léger et "low-brow", écrit Deborah Ross dans l’Observer. Mais, hélas, malgré la promesse d’une "blitzkrieg publique" - ce n’est pas un "ours sur la cocaïne" - c’est en fait juste un autre film "animal sur les nerfs". L’intrigue a été inspirée par l’événement de 1985, lorsqu’un ours noir de 80 livres a été retrouvé mort dans une forêt du sud des États-Unis avec des millions de dollars de cocaïne dans l’estomac. Dans cette version, l’animal dessiné par les animateurs dévore de la cocaïne puis devient fou en essayant d’en avoir plus. En cours de route, il rencontre un certain nombre de personnages "ordinaires", dont une mère (Keri Russell) à la recherche de sa fille, et une "garde forestière passionnée" (Margo Martindale). L’ours rejoue le moins, laissant le sentiment que vous êtes plutôt un "ours d’équipe" - et bien que le film soit présenté comme une "comédie d’horreur", ce n’est en fait ni l’un ni l’autre. Tout cela ressemble à un "concept marketing porté à l’écran".

Si vous pensez qu"un ours drogué n’est pas un sujet de divertissement, alors je sauterais ce film", écrit Brian Viner dans le Daily Mail. Mais si vous êtes d’accord avec l’idée générale, Cocaine Bear offre "l’expérience cinématographique la plus folle de l’année, non seulement plus drôle que Babylone de Damien Chazelle" mais, à 95 minutes, "la moitié du temps". Il présentera également, incidemment, l’apparition à l’écran d’adieu de feu Ray Liotta, et ce n’est peut-être pas trop gênant de dire qu’il part dans un style effrayant et inoubliable. "Le film n’est pas aussi bon que sa bande-annonce ou son titre", écrit Mark Kermode dans The Observer, mais c’est "sporadiquement amusant, un carnaval en lambeaux de membres coupés" et "des déversements d’intestins", tempéré par "seulement parodique, familial- sensibilités Spielbergiennes orientées.

Luther : Soleil déchu

Drame ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

"Treize ans après qu’Idris Elba ait enfilé pour la première fois ce pardessus gris sale, le détective de télévision peu orthodoxe John Luther est de retour", écrit Kevin Maher dans The Times. "Et cette fois, il est accompagné d’un budget de luxe Netflix, de nombreux plans d’hélicoptère au-dessus du centre de Londres et d’une histoire (de l’écrivain Neil Cross) si explosive et survoltée que des rires involontaires sont toujours présents."

L’histoire commence avec notre héros "purgeant une peine de prison pour crimes contre les procédures policières", cependant, il parvient rapidement à s’échapper et trouve un digne adversaire dans le méchant d’Andy Serkis, David Robie, "un ancien marchand mégalomane avec des projets de meurtres". Tout cela est assez ridicule - à un moment donné, tout en interrogeant le tatoueur, Luther crie : "C’est la partie où je te fais quelque chose de terrible, comme te tatouer ton putain de globe oculaire!" - mais Elba joue ce rôle "avec charme et charisme haussier".

Le problème est que la série Luther de la BBC s’est "raisonnablement bien" terminée en 2019, et le film "n’a jamais fourni de raison impérieuse de recommencer l’histoire", écrit Ollie Richards dans Empire. Alors que "l’échelle a augmenté et qu’il y a quelques séquences d’action raisonnables, cela ne fait pas grand-chose pour développer le personnage et manque de la sombre créativité de la série. Au lieu d’être sinistre, c’est fondamentalement juste un mélange mouvementé de maladroit et d’odieux "- et si vous n’avez jamais regardé la série, vous serez "complètement perdu". Selon Peter Bradshaw dans The Guardian, le film "met l’accent sur "l’horreur pure et simple" était plutôt ennuyeuse. Serkis "fait tout son possible" en tant que "méchant sournois et souriant" et Elba montre sa "présence puissante" habituelle, mais cela ne se compare tout simplement pas à la série télévisée.

plus net

Drame ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

"Si vous aimez les drames tordus d’escrocs, vous adorerez Sharper", écrit Alex Godfrey dans Empire. Le film est présenté sous la forme de plusieurs chapitres, dont chacun se concentre sur un personnage différent de l’histoire, épluchant toutes les nouvelles couches de l’oignon et révélant des niveaux de tromperie en spirale. Dans le premier chapitre, nous rencontrons Tom (Justice Smith), un libraire solitaire de New York dont la vie change pour le mieux lorsqu’une cliente nommée Sandra (Briana Middleton) entre dans son magasin.

Bientôt, une relation heureuse se développe entre eux, et lorsque Tom découvre que le frère de Sandra a un besoin urgent d’une grosse somme d’argent, il est heureux de l’aider. À ce stade, notre romance romantique se transforme en un drame dans lequel "personne n’est ce qu’il semble être, tout le monde est pris pour des imbéciles et les gens traversent la route deux, trois fois, quatre fois à un degré vertigineux". Tout cela est bon, amusant et, bien sûr, excitant, mais il ne faut rien attendre de plus. Il y a de grands acteurs ici qui apprécient leurs rôles, mais il y a trop peu de personnages qui vous tiennent vraiment à cœur.

"J’ai aimé ça", écrit Richard Lawson dans Vanity Fair. Le scénario est "tordu et intelligent", il est magnifiquement filmé et comporte de superbes séquences. Julianne Moore excelle en tant que mondaine élégante, et elle a une chimie incroyable avec Sebastian Stan jouant l’escroc séduisant. Le réalisateur Benjamin Caron gère le film avec une "brillante panique de vendeur de Tiffany", selon Tim Robey dans The Daily Telegraph, tout en proposant "une demi-thèse sur la richesse, l’amertume, la confiance et le droit". La fin est un peu plate - il y a un canular sophistiqué qui est trop facile à comprendre. Mais d’une certaine manière, cela convient à un film qui s’intéresse plus aux fissures dans l’armure de ses personnages qu’aux "trucs suffisants".

les femmes parlent

Drame ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

"Sur le papier, Talking Women est difficile à vendre", écrit Deborah Ross dans The Spectator. "Ce sont des femmes qui parlent et parlent et parlent après avoir vécu leur expérience la plus horrible aux mains d’hommes" - ce qui ne semble pas tout à fait "cinématographique" et certainement pas divertissant. Mais le film de la scénariste/réalisatrice Sarah Polley est captivant, puissant et "tendu comme un thriller" - et vaut vraiment 104 minutes de votre temps.

L’histoire, basée sur un incident de la vie réelle qui a eu lieu dans la communauté mennonite ultra-conservatrice de Bolivie dans les années 2000, tourne autour de huit femmes (jouées par un casting de stars comprenant Claire Foy et Jessie Buckley) qui ont deux jours pour négocier sur la façon d’agir. Ils ont appris que plusieurs hommes de leur colonie avaient pulvérisé du tranquillisant pour vaches à travers les fenêtres des chambres pour endormir les femmes et les filles «à des fins d’abus sexuels et de viol». Que doivent-ils faire maintenant, jusqu’à ce que les hommes reviennent dans la colonie depuis la ville voisine? Partir? Rien à faire? Rester et combattre? Pensez-y comme "The Twelve Angry Men", mais dans ce cas, c’est plus comme "Eight Angry Women". Et bien que le film soit indéniablement "sombre", il est aussi "étonnamment drôle" et plein d’espoir.

"Il y a un ou deux moments magnifiquement joués", écrit Matthew Bond dans The Mail on Sunday. Malgré cela, le film semblait "lourd". Il a été adapté d’un roman de 2018 de Miriam Tows, mais a l’atmosphère suffocante d’une pièce de théâtre se déroulant en un seul endroit et est trop "statique" pour capturer pleinement un thème "important". Avec sa "palette de couleurs morne, ce film ressemble plus à un slogan" mangez vos légumes "", écrit Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Mais si vous pouvez dépasser cela, c’est un "film d’évasion de prison" qui capture d’une "manière moelleuse, nuancée et contemplative" et est soutenu par un jeu d’acteur de premier ordre.

Baleine

Drame ⭐⭐⭐

"Il n’y a pas eu de nouveaux films de Brendan Fraser dans les cinémas britanniques depuis plus d’une décennie, mais son dernier film sera certainement le retour le plus important et le plus inattendu de cette année", écrit Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Dans The Whale, adapté de la pièce de 2012, Fraser (mieux connu pour le film d’action The Mummy) joue Charlie, un professeur d’anglais obèse qui se mange à mort dans son appartement sombre de l’Idaho et cherche à construire des ponts avec sa fille séparée.

Vous pourriez penser que "The Whale" serait un "spectacle de monstres", mais c’est "quelque chose de beaucoup plus rare et de plus merveilleux : une parabole poignante mais compatissante de la grâce et du salut racontée avec une puissance véritablement biblique". La performance de Frazier fonctionne «en partie parce que nous pouvons encore reconnaître notre personnage préféré sous le bagage de chair – mais aussi parce que sa performance n’est jamais pitoyable. Son Charlie est complexe, imparfait, drôle et autrement complètement et radieusement humain : c’est un personnage complet à plusieurs égards.

"Le retour de Fraser sur grand écran attire certainement l’attention", écrit Kevin Maher dans The Times, "mais ce film est une atrocité grossière et grossière." L’apparition de la malbouffe est traitée avec "une telle horreur sinistre" qui était réservée à l’aileron de requin dans Jaws. "Attention! Derrière! Boîte à pizza!" est une séquence de suralimentation dégoûtante qui se glisse dans le territoire explosif de M. Creosote de Monty Python. La baleine est peut-être en lice pour un prix, mais elle est "motivée par la même dynamique de pointage du doigt sans scrupules" que l’on retrouve dans les Fattest Men de Channel 4 en Grande-Bretagne. écrit Deborah Ross dans The Spectator. Dans tous les cas, vous "ne pouvez pas quitter Frazier des yeux", peu importe à quel point vous le souhaitez.

Saint-Omer

Drame ⭐⭐⭐⭐ ⋅

"Cet excellent film en français s’inspire de la propre expérience de la réalisatrice Alice Diop lors de son procès en 2016", écrit Wendy Yde dans The Observer. Kayijé Kagame incarne Rama, une écrivaine enceinte qui se rend dans la ville de Saint-Omer, dans le nord de la France, pour superviser un procès pénal dans le cadre de ses recherches pour un livre. L’accusée dans cette affaire est une immigrée sénégalaise (brillamment interprétée par Guslagy Malanda) qui est accusée d’avoir tué son bébé de 15 mois. Diop "dépeint astucieusement les deux femmes comme des images miroir déformées l’une de l’autre" et l’histoire devient "une exploration méditative du lien complexe entre la femme sur le banc des accusés et le témoin". Tout cela aboutit à un film aussi "intellectuellement rigoureux" qu"intrigant".

Essentiellement, Saint-Omer est un "drame de procès", écrit Danny Lee dans le Financial Times, "mais il ne présente aucun des ’clichés martelés’ habituels". Au lieu de cela, c’est un film "complexe" et "en couches" qui fait bien plus que simplement recréer sans réfléchir ce que Diop a vu au tribunal (bien qu’une partie du dialogue soit tirée plus ou moins textuellement de ce processus). Et même en posant les questions les plus sombres - comment une mère pourrait-elle tuer son propre enfant - il insiste sur le fait que "nous nous efforçons d’obtenir l’image la plus complète, aussi nuancée et contradictoire soit-elle".

"J’ai bien peur d’avoir trouvé Saint-Omer sec, terne et sans effusion de sang", écrit Kyle Smith dans le Wall Street Journal. Oui, le film est sans cliché et "s’accroche à ce que les critiques aiment appeler" l’austérité formelle "", mais cela se traduit par une expérience vraiment douloureuse pour le spectateur moyen. Puis, lorsque la finale arrive enfin, "l’histoire se dissout dans le néant".

Fabelmans

Drame ⭐⭐⭐⭐ ⋅

La lettre d’amour cinématographique de Steven Spielberg à ses parents, l’art du cinéma et, très franchement, à lui-même, frappe le grand écran avec de multiples nominations aux Oscars. Et ils sont bien mérités. Le livre de Fabelmans a été qualifié de "semi-autobiographique", mais il s’agit plutôt d’un "sept huitièmes" et offre un "regard convaincant" sur la façon dont le cinéaste le plus prospère de tous les temps a été captivé par le médium qui l’a rendu célèbre.

L’histoire commence en 1952, lorsqu’un jeune Sammy Fabelman (le clinquant Spielberg) se rend pour la première fois au cinéma pour regarder The Greatest Show on Earth. Il est "à la fois hypnotisé et horrifié par la scène de l’accident de train" et la reproduit chez lui avec son petit train. Finalement, sa mère artiste (Michelle Williams) lui propose de filmer l’accident avec la caméra 8 mm de son père au lieu de le répéter à l’infini.

La passion perdure et nous suivons Sammy au cours des dix prochaines années alors que lui et sa famille déménagent du New Jersey à l’Arizona et enfin à la Californie, perfectionnant leurs talents de cinéaste en cours de route. Le film est "imprégné de chaleur, de tendresse et de charme", il a "beaucoup d’humour doux", ainsi que quelques excellents rôles, notamment, Gabriel LaBella (sammy adolescent) et Williams.

Le film pourrait facilement être "sentimental et vulgaire", écrit Deborah Ross dans The Spectator, "un autre film magique". Heureusement, c’est bien plus que cela. "C’est un film sur la famille, sur la complexité de la famille, c’est très personnel, touchant, excitant et plein d’amour." Le film n’a pas d’intrigue en tant que telle, mais consiste plutôt en une série de flashbacks - et cela fonctionne bien, car chaque scène "augmente sa puissance cumulative". C’est "un peu vulgaire" mais vous "repartirez du théâtre avec le sourire jusqu’aux oreilles".

Au cours des 52 années écoulées depuis le premier film de Spielberg, Duel, "les maisons détruites sont devenues un incontournable de son travail", tout comme l’image récurrente d’un "visage choqué, à l’envers et aux yeux de soucoupe à la lumière", écrit Robbie Collin dans The Daily. Télégraphe. Ce film sert d’histoire d’origine "à couper le souffle" pour les deux. Dans ce document, Spielberg révèle qu’à 76 ans, il est toujours "un garçon tenant tout un médium dans ses mains".

"Cependant, je crains que ce ne soit l’un de ces films qui soit un autre exemple de lauréats ne correspondant pas au goût populaire", écrit Mark Kermode dans The Observer. Ce n’est pas que «je ne peux rien dire de mal sur les Fabelman, bien sûr, je les ai aimés - je suis critique de cinéma! Mais c’est aussi sans doute le film amateur le plus luxueux jamais réalisé." C’est finalement à la fois "sa grande force et sa faiblesse fatale".

mariage sous la menace d’une arme

Romcom ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

"Quand j’entends les mots" comédie romantique sur le thème du mariage avec Jennifer Lopez ", je sors mon arme", écrit Leslie Felperin dans le Financial Times. "Néanmoins, c’est une agréable surprise." Lopez joue Darcy, une mariée d’âge moyen qui est sur le point d’épouser son fiancé Tom (Josh Duhamel) dans une station balnéaire de luxe aux Philippines lorsqu’un groupe de pirates - "pas des plus amusants" - se présente et prend les invités en otage. La mise en scène de Jason Moore (Pitch Perfect) est "nette comme un coupe-gâteau, et le scénario de Mark Hammer ne manque pas une seule erreur". Mais ce qui donne vraiment de l’élan au film, c’est "le casting d’agents dormants dans des seconds rôles comme la divine Jennifer Coolidge et le protéiné D’Arcy Carden".

La comédie romantique a une apparence "dure" et "cynique", ce qui crée quelques problèmes, selon Tim Robey dans The Daily Telegraph. Par exemple, "lorsque toute la distribution essaie de chanter avec émotion, c’est tellement inapproprié que vous préférez grimacer plutôt que de vous évanouir". D’un autre côté, le film "ne s’ennuie pas des mariages", ce qui est rafraîchissant, et a "un point culminant aérien percussif bien meilleur que la première danse habituelle". Dans le "genre nauséabond-sucré", "Shot Wedding" est "une aigreur presque revigorante".

Selon Calum Marsh du New York Times, il y a beaucoup de choses à ne pas aimer dans ce film : il essaie trop d’être drôle, et une grande partie du dialogue semble "conservée et fausse". Mais Lopez est magnifique, la relation amour-haine entre elle et Duhamel est "délicieuse" et convaincante, et tout est agréablement simple.

Avion

Action ⭐⭐ ⋅ ⋅ ⋅

Dans ce film d’action bourré d’action, Gerard Butler incarne un ancien pilote de la RAF qui gagne désormais sa vie en volant des routes commerciales en Asie du Sud-Est, écrit Wendy Yde dans The Observer. Son prochain voyage est plus important que la plupart : c’est le réveillon du Nouvel An, et si tout se passe comme prévu, il retrouvera sa fille à la fin. Malheureusement pour lui, les choses ne se passent pas comme prévu car il doit faire face au mauvais temps ainsi qu’à un prisonnier enchaîné à bord (Mike Colter) qui est extradé pour être jugé pour meurtre. Le film est peut-être "gros, pugnace et quelque peu inélégant dans son approche", mais il est indéniable que c’est aussi "un bon moment sur le kérosène". Pensez à Die Hard et Big Jet TV (ou Flying Stout, si vous préférez).

"J’ai bien peur de ne pas l’avoir aimé", écrit Kevin Maher dans The Times. "D’un côté, l’action est mal organisée, et le scénario ressemble un peu à un film de série B" ("J’ai une fille, et j’ai bien l’intention de la serrer à nouveau dans mes bras et de rentrer à la maison!" Notre héros jure sur un indiquer). "En revanche, pour un film intitulé Airplane, il passe trop peu de temps dans un avion."

Le film, co-écrit par le romancier d’espionnage Charles Cumming, est "absurdement macho", écrit Matthew Bond dans The Mail on Sunday, et est une horrible publicité de voyage en Asie du Sud-Est. Mais c’est aussi du pur plaisir de mitrailleuse. Si vous vous détendez, vous constaterez peut-être que le film est "étonnamment efficace malgré son manque évident de budget".

Babylone

Drame ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

"La fin des années 1920 à Hollywood était une période d’excès narcissiques exagérés", écrit Brian Viner dans le Daily Mail, il est donc "tout à fait approprié" que Babylone de Damien Chazelle soit "grande ouverte à la même accusation". Cependant, "il y a beaucoup à apprécier au cours des trois heures et plus, y compris un début de bravoure et une finition brillante."

Le film se déroule en 1926 à Bel Air, où un immigrant mexicain travailleur (Diego Calva) essaie d’amener un éléphant à une fête hollywoodienne tumultueuse, préparant le terrain pour "l’une des défécations les plus bruyantes que vous verrez jamais sur le grand filtrer." C’est dans cette "orgie de décadence" que nous rencontrons Nellie (Margot Robbie), la starlette en herbe "téméraire, téméraire", et Jack (Brad Pitt), l’idole fatiguée des matinées. À partir de ce moment, le film passe d"un décor visuellement époustouflant" à un autre, avec peu ou pas de lien d’intrigue entre les deux. Le film contient de superbes scènes, dont Tobey Maguire en tant que "chef de gang", mais le film "ressemble trop souvent à un long sketch".

"Cette épopée peu appréciée de Tinseltown est l’équivalent cinématographique d’un tour de montagnes russes à travers un repaire de drogue de l’âge du jazz, avec hystérie, suicide, orgies et décharge humaine", écrit Kevin Maher dans The Times. "Mais ne te laisse pas rebuter." Robbie n’a jamais été aussi bon, et le film a une merveilleuse "ambiance étourdie et remplie d’endorphines".

Il a fait un flop aux USA mais avec un peu de chance trouvera son public en Europe car "ça vaut le détour". Il n’est pas certain que ce soit le cas, écrit Manohla Dargis dans le New York Times. "La meilleure chose à dire à propos de ce non-sens ’auto-indulgent’ est qu’il montre que les studios hollywoodiens ont encore de l’argent à brûler." Malgré toute son action frénétique, le film semble être "dépourvu de jutosité", tout y est "en phase avec le même tempo monotone et accéléré".

Dave Banque

Drame ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

Inspiré de faits réels, Dave’s Bank de Netflix est "un conte hilarant de gens ordinaires s’attaquant à l’élite financière éduquée à Eton", écrit Wendy Yde dans The Observer. Rory Kinnear incarne Dave Fishwick, un propriétaire millionnaire d’un concessionnaire de fourgonnettes à Burnley qui, en 2011, en réponse à la réticence des banques à prêter aux petites entreprises après la crise, a créé son propre modèle axé sur la communauté. "En raison de son régionalisme flagrant (le mot" Londres "est prononcé avec un tel dédain que s’il avait été plongé dans un égout humide), le film partage de nombreuses similitudes avec le film sur la cabane de mer de Cornouailles Fisherman’s Friends, dont le réalisateur Chris Foggin." L’intrigue secondaire romantique impliquant la nièce de Dave (Phoebe Dynevor) est "redondante", mais Kinnear offre une "performance solide et jolie,

"Cela ne m’a pas vraiment saisi", écrit Deborah Ross dans The Spectator. "Le film est présenté comme une histoire" vraie "et bien que Dave Fishwick soit une personne réelle, Google montre que l’histoire n’est pas du tout vraie." Il y a tellement "d’éléments fictifs" dans le film - la romance, les procès et, plus bizarrement, l’apparition de Def Leppard - que le film devient "distrait et perd souvent de vue son personnage principal". Bien sûr, "il y a du charme", mais "tout est assez unidimensionnel, comme le scénario". Les personnages secondaires ont l’impression d’être "générés par un algorithme", écrit Kat Clark dans The Guardian. Cependant, il existe aussi des compensations. C’est une histoire déchirante avec un message "la cupidité est mauvaise" que peu de gens peuvent contester, et Kinnear est "génial". Il y a une formule ici,

chère Alice

Thriller ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

"Anna Kendrick est surtout connue pour ses comédies musicales Pitch Perfect, mais son dernier projet, Alice, Darling, est curieusement hors sujet", écrit Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Elle joue Alice, une jeune professionnelle "dont le partenaire maniaque du contrôle Simon (Charlie Carrick) la fait constamment marcher sur la pointe des pieds sur du verre brisé". Lorsqu’il a une journée difficile au travail, elle doit immédiatement passer en "mode apaisant", lorsqu’elle sort avec des amis, "son téléphone gazouille toujours" et Simon la harcèle avec "un harcèlement intrusif et des demandes de photos explicites". Le week-end, cependant, lui donne l’occasion de "se désintoxiquer" - et bientôt ses amis remarquent que quelque chose ne va pas. L’actrice Kendrick "a toujours été d’humeur à s’amuser par défaut", alors c’est un choc de la voir si "paranoïaque et vitreuse". Entre-temps, "Les éléments de thriller s’accumulent tranquillement mais de manière taquine" jusqu’à ce que le film atteigne son point culminant "intelligent", quoique soigné. C’est un drame "modeste", mais "poli".

Dear Alice est le premier film de Mary Nighy, fille des acteurs Bill Nighy et Diana Quick, écrit Matthew Bond dans The Mail on Sunday. Pour un premier film, c’est une réalisation "impressionnante" - mais le film est aussi un "vieux film lourd" et, en particulier, il est sûr de tester "toute personne ayant un trouble de l’alimentation ou un problème d’automutilation".

"J’ai trouvé ça vraiment assez morne", écrit Kyle Smith dans le Wall Street Journal. Le film est plein de "musique morne" et de "gros plans de l’expression hagarde d’Alice", et son "humeur de découragement devient monotone". À la fin, comme les amis toujours suppliants d’Alice, "le spectateur reste coincé dans ses sables mouvants émotionnels".

Le goudron

Drame ⭐⭐⭐⭐ ⋅

Dans ce film "passionnant", Cate Blanchett joue le rôle d’un chef d’orchestre de renommée mondiale sur le point d’enregistrer la Cinquième Symphonie de Mahler, écrit Deborah Ross dans The Spectator. Il y a beaucoup d’autres musiques classiques dans le film - un peu d’Elgar, "un peu de Bach" - mais dire que c’est un film sur la musique "c’est comme dire que Citizen Kane est un film sur la luge". Le film parle «du pouvoir» et de la possibilité de «séparer l’art de l’artiste». Si cela semble décent, n’ayez crainte : alors que Tar dure 158 minutes, il "ne traîne pas une seconde".

Nous rencontrons Lydia Tar dans la fleur de l’âge lorsqu’elle est interviewée sur scène par Adam Gopnik du New Yorker. "Sa vie a l’air géniale": L’appartement qu’elle partage avec sa femme (Nina Hoss) "pourrait être une galerie d’art", ses jets sont privés et "sa garde-robe est exquise". Mais il devient vite clair que tout n’est pas comme il semble. "Est-ce qu’elle est une prédatrice sexy?" Qui est vraiment Tar? Au fur et à mesure que l’histoire progresse, le film devient "tendu comme un thriller" grâce à la performance "incroyablement géniale" de Blanchett. Si elle n’obtient pas d’Oscar pour ça, "je mangerai mon chapeau".

Blanchett est "électrisante", a reconnu Wendy Yde dans The Observer, mais le "brillance" de Tar est la façon dont "le cinéma reproduit la nature traîtreusement séduisante et matérialiste de son protagoniste". Le réalisateur Todd Field (Little Kids, In the Bedroom) fait en sorte que vous ne sachiez jamais ce que vous regardez, qu’il s’agisse d’un "accident de voiture au ralenti" dans un drame d’annulation #MeToo ou d’un "thriller surnaturel". Quoi qu’il en soit, les résultats sont "phénoménaux". C’est l’un de ces films qui "n’est pas intéressé à offrir une partie de plaisir à qui que ce soit", écrit Andy Lee dans le Daily Express. Et bien qu’il puisse être "prétentieux" et "corrosif", vous pouvez le trouver sous votre peau."

M3GAN

Horreur ⭐⭐⭐⭐ ⋅

M3GAN est un ajout extrêmement divertissant au sous-genre d’horreur "mauvais jouets". Selon Alistair Harkness dans The Scotsman, M3GAN est un film sur une marionnette contrôlée par l’IA qui s’emporte. M3GAN (abréviation de "Model 3 Generative Android") a été développé par un ingénieur d’une entreprise de jouets de Seattle qui s’est retrouvée sous la garde de sa nièce de 11 ans (Violet McGraw) lorsqu’elle est soudainement devenue orpheline. L’ingénieure (Allison Williams) n’est pas très douée avec les enfants, alors elle ramène le prototype M3GAN à la maison pour faire du babysitting. Il s’avère bientôt, bien sûr, que M3GAN est une "version à quatre pieds" tueuse du Terminator, bien qu’elle ressemble plus à Taylor Swift qu’à Arnold Schwarzenegger. Elle a de bonnes qualités en tant que baby-sitter : par exemple, elle encourage son pupille à utiliser le support ; mais quand elle voit qu’elle est victime d’intimidation, elle s’emporte et arrache les oreilles de l’intimidateur. "C’est un film très ’stupide’, mais c’est très drôle, il y a beaucoup de bonnes blagues et quelques ’histoires d’horreur sautantes’."

"Le grand réalisateur Gerard Johnston et le scénario plein d’esprit d’Akela Cooper n’est pas tout à fait un film d’horreur, pas tout à fait un slasher et pas tout à fait une comédie noire, mais un mélange terriblement agréable des trois", écrit Brian Viner dans le Daily Mail. Peut-être plus que tout, c’est "une satire espiègle de l’intelligence artificielle avec des échos grondants du monstre de Frankenstein".

«Je ne m’attendais pas à aimer ça, mais j’ai beaucoup aimé. M3GAN a des moments d’horreur éphémères», écrit Kevin Maher dans The Times, mais en son cœur se trouve une «horreur familiale» à l’ancienne qui explore «l’impact néfaste de la technologie moderne» sur la parentalité. "Tout se termine par une fin complètement hallucinante et une intrigue évidente pour une suite. Ce qui, pour une fois, sera le bienvenu.

Les gens d’Enis

Horreur ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

"Avec son film révolutionnaire de 2019 The Decoy, le cinéaste cornouaillais Mark Jenkin s’est révélé être le créateur d’un" cinéma expressionniste audacieux et étrange ", écrit Peter Bradshaw dans The Guardian. Maintenant, il a perfectionné son "style unique et effilé pour un poème en prose effrayant sur la solitude".

Situé en 1973, Anis’s People met en vedette Mary Woodwin dans le rôle d’une femme anonyme vivant sur une île éloignée des Cornouailles, où elle veille sur une vue de fleurs sauvages poussant sur une falaise. Chaque jour, elle regarde les fleurs, la nuit, elle lit et écoute la radio. Cependant, cet "état stable d’ermitage est rompu" lorsqu’elle voit un lichen apparaître sur l’une des fleurs - et découvre qu’il pousse également sur sa peau. "Ce n’est pas un film d’horreur au sens conventionnel du terme, mais il y a quelque chose de troublant dans le simple spectacle d’être seul : pas de compagnie, pas de télé, pas de shopping, pas de divertissement." Le film "vous fait regarder à l’intérieur de vous-même et vous emmène vraiment au bord de quelque chose comme la folie". Il s’agit d’un film atypique tourné avec un «vrai talent artistique».

"Si vous avez des ’goûts traditionnels’, vous trouverez peut-être ce film ’trop expérimental", écrit Matthew Bond dans The Mail on Sunday. "Mais j’ai trouvé en lui une joie "étrange et atmosphérique". Délibérément laissé rugueux sur les bords, il présente également la meilleure utilisation des imperméables rouges depuis Don’t Look Now. Il est vrai que «certains seront désorientés – voire déçus – par un récit qui glisse habilement entre rêve et réalité», écrit Mark Kermode dans The Observer. «Je pense que la meilleure approche est de simplement laisser les Enys Men vous noyer dans leurs charmes sensoriels intenses ; sentir, pas voir.

Empire de lumière

Drame ⭐⭐ ⋅ ⋅ ⋅

"L’Empire of Light tentaculaire et déchiqueté de Sam Mendes flotte avec de nombreux thèmes, mais peu d’idées cohérentes pour les lier ensemble", écrit Wendy Yde dans The Observer. Le film se déroule dans une ville balnéaire anglaise dans les années 1980. Olivia Colman joue Hilary, une gérante troublée dans un cinéma miteux qui devient amoureuse de Stephen, un travailleur noir beaucoup plus jeune (Michelle Ward). «Colman est un talent phénoménal et Ward montre un potentiel», mais le film «juxtapose inconfortablement les problèmes de santé mentale et la violence à motivation raciale», puis tente de lier le tout avec «une thèse bavarde sur le pouvoir unificateur du cinéma». Malgré les efforts du directeur de la photographie vétéran Roger Deakins, qui donne au film un "flair visuel" bienvenu, ce n’est tout simplement pas si bon.

Dans Empire of Light, nous obtenons enfin la réponse à la grande question : Olivia Colman peut-elle sauver n’importe quel film dans lequel elle est? "Malheureusement", écrit Deborah Ross dans The Spectator, "la réponse est non". Le film, "particulièrement sans âme, piéton et lent", a été appelé "une lettre d’amour au cinéma" - mais presque personne ne semble regarder les films, encore moins les aimer, et vous avez le sentiment que l’histoire "pourrait ont également été installés dans une boucherie." Le scénario aurait pu être meilleur. Lors d’un contact sexuel, on entend : "Ton cul est si bon dans mes mains." C’est le premier projet de Mendes en tant qu’auteur unique, "et je ne dis pas qu’il devrait être retiré du clavier, mais peut-être que ses amis et sa famille pourraient le dissuader avec tact?" J’attendais avec impatience "Empire of Light", mais elle a été "une légère déception" pour moi", écrit Brian Viner dans le Daily Mail. Vous ne croirez jamais qu’il existe un "lien sexuel et émotionnel" entre Hilary et Stephen. Cependant, il est "tout à fait regardable".

Un homme nommé Otto

Drame ⭐⭐

"The Man Called Otto, dans lequel Tom Hanks fronce les sourcils dans des anoraks en tant que veuf sur le point de mourir, pourrait bien prétendre être le film le plus inoffensif jamais réalisé", écrit Tim Robey dans The Daily Telegraph. "Une simulation de comédie dramatique où aucune des deux parties ne fait grande impression", le film est un remake du tube suédois "A Man Called Ove" (2015) qui avait un joli "niveau de morosité scandinave mortelle" qui manque ici. Hanks joue Otto, un retraité ennuyeux dont la routine quotidienne rigide est perturbée lorsqu’une famille déménage dans sa rue et tente de se lier d’amitié avec lui. Si vous avez vu Gran Torino d’Eastwood ou Weather Man de Nicolas Cage, vous savez avec quel type d’arc de rédemption nous nous retrouvons, mais c’est une version plate et décousue,

"Le problème est que Hanks n’est tout simplement pas convaincant en tant qu’ennuyeux", écrit Peter Bradshaw dans The Guardian. Il est trop mignon. Et avec «sa féroce coupe de cheveux courte et son visage vide et ouvert, il a l’air très familier. Pas un grincheux, mais un Gump. Plus troublantes encore sont les scènes "provocantes et déroutantes" dans lesquelles il tente de se suicider. Ces scènes ne sont pas assez sérieuses pour "rendre justice au thème" mais ne sont pas non plus "assez sombres pour une comédie noire et noire", donc elles atterrissent très maladroitement.

"Le film est stéréotypé et souvent usé", écrit Thomas Floyd dans The Washington Post, "mais j’ai trouvé quelque chose d’apaisant dans sa vision sincère d’une famille "trouvée"" et de ses vertus. Le film A Man Called Otto est "un divertissement agréable pour le public" - et il n’y a "rien de mal à cela".

Je veux danser avec quelqu’un

Drame ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

"Le voyage tragique de Whitney Houston, de chérie de toute l’Amérique à toxicomane, a été documenté de manière exhaustive pendant des années", écrit James Mottram dans Metro. Mais le film I Want to Dance with Someone, qui a été licencié par les héritiers de la chanteuse et qui fait largement appel à sa musique, "évite largement de pelleter de la terre, préférant plutôt célébrer son talent".

Houston a joué Naomi Eki, qui, bien qu’elle soit originaire du nord-est de Londres, a réussi à incarner la fille du New Jersey qui voulait juste créer de "grosses grosses chansons" dès le début. Le film raconte comment Houston est devenue une sensation pop avec l’aide du producteur Clive Davis (Stanley Tucci), et bien qu’il raconte sa mort prématurée à l’âge de 48 ans, il ne provoque jamais de dépression, ce qui est la "grande réussite" du réalisateur Kasi Lemmons. Certes, il s’agit d’une "version raffinée de 12 pouces" de son histoire, mais elle offre un regard "décent" et très regardable sur "l’une des plus grandes divas que nous ayons jamais eues".

Il y a suffisamment de paillettes et de strass pour remplir "l’aire de jeux de paillettes pour tous les petits du monde", écrit Leslie Felperin du Financial Times, mais "quel est l’inconvénient, demandez-vous". Eh bien, le film "ne fait pas grand-chose pour montrer pourquoi vous devriez admirer, encore moins aimer et pleurer le défunt chanteur". Ne représentant rien de plus qu"un long montage frénétique", il ne comprend pas "ce qui était si spécial dans le talent musical de Houston". Et cela ne nous dit pas grand-chose sur elle en tant que personne, écrit Brian Wiener dans le Daily Mail. Il a été suggéré que Houston a été agressée sexuellement dans son enfance et a eu une relation difficile avec sa mère, mais aucune de ces questions n’est abordée ici. Mais si vous "avez juste besoin d’une raison pour réécouter cette voix incroyable", I Wanna Dance With Somebody est "

Oeil bleu pâle

Thriller ⭐⭐⭐ ⋅ ⋅

Situé dans l’Amérique des années 1830, le détective Augustus Landor (Christian Bale), fatigué, est convoqué dans une académie militaire pour résoudre un mystère dans ce "drame à suspense gothique étoilé" qui se déroule dans l’Amérique des années 1830, écrit Matthew Bond dans The Mail on Sunday. Le cadet semble s’être suicidé, mais son cadavre a été mutilé et son commandant veut que Landor découvre pourquoi. Il est réticent au début, mais est "ragaillardi" lorsqu’il rencontre un étrange jeune cadet - "un certain Edgar Allan Poe, pas moins" joué par Harry Melling (Dudley Dursley dans les films Harry Potter) - qui a des idées utiles sur ce qui peut arriver. Le réalisateur Scott Cooper crée une "atmosphère sombre et venteuse" et "attire une gamme intéressante de performances" d’un casting qui comprend Toby Jones, Gillian Anderson et Charlotte Gainsbourg. Cependant,

La "police de la représentativité" ne manquera pas de détester ce film "tordu, tordu", puisque les personnages féminins qui y sont représentés sont pour la plupart "des prostituées, des haridans, des mères folles ou des victimes", écrit Kevin Maher dans The Times. Mais si vous pouvez y survivre, alors vous aurez quelque chose à apprécier. Le scénario est "magnifique" et la performance sans faille, "chaque acteur joue avec un dévouement qui ne fait qu’ajouter au sens de l’horreur existentielle du film". Le film "a l’air incroyablement atmosphérique" mais "j’ai bien peur de ne pas l’avoir aimé", écrit Wendy Yde dans The Observer. Pendant la première heure, c’est un "mystère délicieusement morbide" seulement déçu par "l’accent américain légèrement bâclé" de certains acteurs de soutien britanniques, mais ensuite l’histoire s’effondre en un "acte final désordonné et plutôt stupide".

Corsage

Drame ⭐⭐⭐⭐

"Corsage" est un drame "strict" en allemand, représentant la vie domestique de l’impératrice des Habsbourg Elisabeth d’Autriche en 1877, l’année de ses 40 ans, écrit Peter Bradshaw dans The Guardian. Kaiserin (Vicky Krieps) est dépeinte comme "une femme passionnée et mécontente" qui a fait face au "rejet glacial de la cour et de la famille de son mari infidèle Franz Joseph" (Florian Teichtmeister), et était une figure solitaire dans "d’immenses salons froids et salles à manger sombres» dans lesquelles elle a vécu son existence. À bien des égards, une "étude de la colère", le film de la réalisatrice Marie Kreutzer s’appuie sur la performance "enivrante et furieuse" de Krips et explore avec succès "comment les femmes sont isolées et limitées par le statut qu’elles ont réussi à acquérir".

Corsage n’est pas "un autre film sur une femme victime d’intimidation par de mauvais rois", écrit Deborah Ross dans The Spectator. "C’est plus un regard sur la culture des célébrités et sur la façon d’arrêter d’être désirable" - et je l’ai trouvé "d’une tristesse envoûtante". Le film est plutôt "métaphorique" (il y a beaucoup de pièces qui s’effondrent et de clips d’Elizabeth portant des corsets si serrés qu’elle "peut à peine respirer"), mais il est "magnifiquement photographié" et se présente comme un "portrait complexe d’un esprit agité".

Selon Robbie Collin dans The Daily Telegraph, il y a eu des films sur la vie d’Elizabeth auparavant, mais aucun d’entre eux n’a été réalisé dans un registre aussi "ironique et glacial" que The Corsage. Krips joue l’impératrice avec une "raffinement délicieux" mais l’éclat de sa performance "est en partie dans la façon dont elle rend ce personnage épineux sympathique". Vous serez "indéfectible" du côté d’Elizabeth - même si "vous ne pouvez jamais être sûr qu’elle sera de votre côté".