La plus grande exposition monographique de Paul Gauguin au Museum of Modern Art de New York

NEW YORK. Le MoMA de New York accueillera la plus grande exposition monographique de l’artiste français Paul Gauguin «Métamorphoses». La principale caractéristique de l’exposition est qu’elle met l’accent sur les différents types d’œuvres de l’artiste : gravures, sculptures, dessins et, bien sûr, peintures. Au total, l’exposition compte environ 160 œuvres, dont quelque 130 œuvres sur papier. L’exposition aura lieu du 8 mars au 8 juin 2014 dans la Galerie d’exposition spéciale du Conseil international des musées d’art contemporain.

De nouvelles données sur les causes possibles de la mort de l’artiste ont également suscité un intérêt supplémentaire pour l’exposition. Ainsi, quatre dents humaines trouvées dans une bouteille près du site de la hutte de l’artiste aux Marquises ont été analysées. Les scientifiques ont comparé l’ADN des dents trouvées avec celui du petit-fils de l’artiste, Marcel Ty Gauguin. Les tests ont montré que la probabilité que les dents appartiennent à l’artiste était de 90% à 99%. L’analyse de la composition des dents a montré une absence totale de mercure, qui, au XIXe siècle, traitait la syphilis (considérée comme la véritable cause de la mort de l’artiste). Gauguin n’a donc pas souffert de cette maladie ou n’a pas été traité pour elle.

«Métamorphoses» est le résultat d’une coopération entre des musées, des galeries et des collectionneurs privés, tant au niveau national qu’international. Nombre des œuvres exposées sont rarement accessibles au public, et l’occasion de les voir toutes ensemble est unique. L’exposition a été organisée par Star Faiga, conservateur, Lote Johnson, conservateur adjoint, et le département de dessin et de gravure du Musée d’art moderne.

Paul Gauguin, plus que quiconque, a puisé son inspiration dans l’observation de gens ordinaires occupés à des tâches quotidiennes. Bien que l’artiste soit considéré avant tout comme un pionnier de la peinture moderniste, il a consacré, à différents moments de sa vie, une attention considérable à la sculpture sur bois, à la céramique, à la lithographie, aux gravures sur bois, aux monotypes et aux estampes, autant d’activités qui ont alimenté son génie créatif.

Gauguin, qui n’a reçu aucune formation artistique formelle, passe beaucoup de temps à s’isoler dans diverses parties du monde, loin de Paris. Son lieu d’exil volontaire «» le plus célèbre est Tahiti, où l’a conduit sa recherche incessante de cultures et de civilisations épargnées par l’influence européenne. La soif de connaissance et de nouveauté de Gauguin l’attire vers des contrées lointaines et nourrit son intérêt pour des formes et des techniques méconnues dans son œuvre. Il s’efforce de maîtriser des méthodes inconnues afin de créer des œuvres entièrement nouvelles. L’exposition «Métamorphoses» se concentre, entre autres, sur ces aspects moins connus mais peut-être encore plus novateurs de la pratique créatrice de Gauguin. Elle s’intéresse en particulier aux rares lithographies qu’il réalise périodiquement de 1889 jusqu’à sa mort en 1903. Ces remarquables œuvres sur papier reflètent l’expérimentation de l’artiste avec différents médiums, des gravures sur bois radicalement «primitives» aux précieux monotypes à l’aquarelle, en passant par de grands dessins expressifs peints selon sa propre technique, unique en son genre. Ces œuvres sont aujourd’hui les plus grands chefs-d’œuvre de l’histoire des beaux-arts.

Dans le processus de création, Gauguin a souvent répété certains motifs clés, les laissant évoluer d’une œuvre à l’autre. On assiste ainsi à la métamorphose des images clés de l’artiste au fil du temps et des différentes techniques, dont l’estampe.

C’est dans la technique de l’estampe que Gauguin a pu transmettre très subtilement des surfaces texturées, des nuances de couleurs et des marques aléatoires qui, grâce à des procédés chimiques inhabituels inventés par l’artiste lui-même, traduisent parfaitement sa vision sombre, mystérieuse et onirique de l’existence dans le Pacifique Sud, où il a passé la majeure partie des 12 dernières années de sa vie. Par le biais de la gravure, Gauguin a souvent essayé de combiner différentes techniques. Ses gravures sur bois, par exemple, rappellent ses sculptures, et ses monotypes contiennent souvent des combinaisons de dessin et de dessin.

Pour comprendre comment Gauguin a progressé dans l’exploration et la combinaison de différentes techniques, l’exposition du MoMA suit une chronologie stricte, sauf pour certains groupes d’œuvres. Par exemple, une série d’œuvres réalisées pour le Café Volpini à Paris. Gauguin a reçu cette commande de son marchand Theo Van Gogh alors qu’il avait déjà 41 ans et qu’il avait atteint sa maturité artistique. Il s’agit d’une série d’eaux-fortes exécutées sur des plaques de zinc. Les 11 œuvres de la série, qui se caractérisent par un choix provocateur de sujets et de techniques, seront présentées dans la nouvelle exposition. Gauguin a réalisé ces gravures, les premières de sa carrière, sur des plaques de zinc au lieu des traditionnelles plaques de calcaire utilisées pour la lithographie. Il a expérimenté des compositions figuratives non conventionnelles, des détails qui dépassent les limites de l’image et un passage texturé expressif. Gauguin les a imprimées sur du papier jaune vif, couramment utilisé pour les affiches.

Sept des onze estampes pour Volpini ont été interprétées plus tard par l’artiste dans ses peintures et ses céramiques. Il s’agit d’images inspirées par le récent voyage du maître en Bretagne, à Arles et en Martinique. Trois de ces céramiques très imaginatives créées par Gauguin entre 1886 et 1888 seront exposées à côté des gravures pour Volpini. Il s’agit d’un gobelet décoré d’une figure de baigneuse (1887-88), d’un vase avec une figure de baigneuse sous un arbre (1887-88) et d’un vase avec une scène en breton (1886-87). Ce dernier, en particulier, reflète la texture et les couleurs lumineuses que Gauguin était capable d’obtenir grâce au processus de fabrication et de cuisson du verre.

Parmi les œuvres sur bois, une série d’œuvres «de Noa Noa» (1893-94), novatrice pour l’époque, est particulièrement remarquable et une partie importante de l’exposition lui est consacrée. Les premières gravures sur bois de l’artiste représentant la vie à Tahiti se concentrent sur le cycle de la vie, les origines de la culture des habitants et leur vie quotidienne, l’amour, la superstition, la religion et la mort. La partie de l’exposition «Métamorphose» consacrée à cette série comprend non seulement des gravures sur bois et des monotypes, mais aussi des œuvres grandeur nature au fusain, au pastel et des sculptures en bois.

Anna Sidorova © Gallerix.ru