Ferronnerie Grecque Ancienne, Orfèvrerie 
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Apparus à l’époque de l’art égéen, le travail décoratif du métal et l’orfèvrerie étaient pratiqués par de grands artistes, tels que Phidias, et étaient considérés comme l’un des arts majeurs. Elle permettait la lisibilité aiguë nécessaire aux figures et aux ornements, était précieuse pour son matériau et, contrairement à la sculpture grecque et à l’architecture, pouvait toujours être accessible aux particuliers, avec le plaisir supplémentaire de la propriété personnelle.
Comme tous les métaux peuvent être réutilisés avec profit et que, à l’exception de l’or, ils sont sujets à la corrosion, la survie des objets était de courte durée et dépendait principalement d’un enfouissement délibéré ou accidentel et d’un contexte chimique adéquat. C’est pourquoi, bien que les musées et autres collections contiennent un bon nombre d’objets grecs en métal, ils ne sont pas représentatifs.
Les métaux tels que l’or, l’électrum, l’argent et le bronze étaient régulièrement utilisés. L’or, toujours le plus précieux, est surtout utilisé pour la bijouterie, du moins jusqu’au milieu du IVe siècle, lorsque les royaumes macédoniens, puis les autres royaumes hellénistiques, commencent à émettre régulièrement des pièces d’or.
L’électrum, alliage d’or et d’argent que l’on trouve à l’état naturel en Lydie, était considéré comme un or de qualité inférieure. C’est aussi la monnaie principale de certaines cités grecques d’Asie, de la fin du VIIe au IVe siècle. L’argent, moyen de circulation standard dans le reste du monde grec, avait une valeur relativement plus élevée qu’aujourd’hui. Il servait à fabriquer des bijoux bon marché et des articles de toilette et de table plus coûteux. Le bronze, alliage artificiel de cuivre et d’étain avec un peu de plomb, était beaucoup plus courant et, étant beaucoup plus malléable que le fer, il est resté un métal courant pour les armures, les récipients et les supports, les miroirs, les plaques sur les meubles et les statuettes.
En valeur, le rapport entre l’or et l’argent variait entre 15:1 et 10:1, et le rapport entre l’or et l’électrum dépendait de sa composition supposée ; le bronze était beaucoup moins cher - à la fin de la période hellénistique, sur laquelle nous avons quelques informations, il coûtait entre 1:100 et 1:150 d’un poids égal d’argent.
Les techniques observées sont le martelage, l’estampage et l’impression, le relief, la ciselure (ou gravure), l’incrustation, l’émaillage, la dorure et l’argenture, la fonte pleine et creuse, et - pour les bijoux seulement - le filigrane et la granulation. Les assemblages sont réalisés par pliage, soudure ou rivetage. Le marteau, longtemps principal mode de fabrication des récipients et des armures, sera d’un usage constant à partir de la fin de l’âge du bronze, où l’art du métallurgiste est très développé, de même que la gravure et la fonte massive.
D’autres techniques décoratives réapparaissent ou se perfectionnent à la fin du IXe ou au VIIIe siècle sous la tutelle directe ou indirecte d’artisans orientaux. Le travail du métal doit bien sûr rester poli et brillant. L’admiration pour la patine du bronze, qui, par sa matité, masque les détails et rend incidemment les miroirs inutiles, n’est pas apparue avant la période romaine, et c’est l’un des cas les plus évidents où l’estimation moderne du caractère de l’art et de l’architecture antiques se montre décevante, provisoire et incomplète.
Bijoux
Dans les premières œuvres, la granulation revêt une importance particulière. Au Ve siècle, les formes des figures et des ornements s’appuient sur le filigrane et l’émail ; à l’époque hellénistique et plus tard encore, l’incrustation de pierres précieuses devient populaire. En général, pour les figures, le style de l’orfèvrerie ressemble à celui des autres beaux-arts, bien que sur certaines bagues en or du huitième siècle, le style oriental apparaisse plus tôt que dans la peinture de vase. Mais dans les couronnes et les pendentifs, à partir de la période classique, on observe souvent une copie beaucoup plus proche et plus sensible des formes végétales.
Dans l’ensemble, les bijoux grecs témoignent d’une grande finesse d’exécution, d’un bon sens de la conception et de la finesse des détails, mais dans le développement général de l’art, leur importance est secondaire : l’échelle était trop petite pour utiliser pleinement la figure humaine.
La grande métallurgie
Lorsque la métallurgie grecque renaît au début du VIIIe siècle, ses productions les plus impressionnantes sont de grandes coupes tripodes en bronze. Ces objets, qui semblent avoir été destinés à l’exposition plutôt qu’à l’utilisation, ont trois longs pieds droits et deux poignées verticales en forme d’anneau attachées au bord d’un bol ouvert peu profond.
Le décor consiste généralement en d’étroites bandes d’ornements géométriques - en particulier des zigzags et de petits cercles concentriques joints tangentiellement (ce qui n’est pas sans rappeler la métallurgie celtique) - qui courent le long des pieds et autour des poignées. Dans certains exemples élaborés, les poignées comportaient également des chevaux ou des oiseaux montés sur le dessus et des figures humaines sur le dessus ou soutenant les côtés. À la fin du siècle, ces bols tripodes ont été remplacés par un nouveau type de bol, moins ouvert et doté d’un support séparé.
Les modèles et peut-être certains des fabricants venaient d’Orient, probablement de Syrie du Nord, mais leur style a été rapidement imité localement et, comme le style oriental grec a trouvé ses propres canons, il a été presque aussi rapidement adapté. Les bols étaient munis de deux anses circulaires, toujours fixées au bord, chacune tournée dans une douille sur le dos d’un oiseau humanoïde (ou «d’une sirène») qui, selon le goût grec, devait être de sexe féminin. Mais les têtes et les cous d’animaux, généralement des griffons, sont beaucoup plus visibles : six ou quatre d’entre eux s’élancent vers le haut depuis l’épaule de la coupe.
Les attaches des anses étaient coulées en une seule pièce, les têtes de griffon étaient d’abord martelées, puis coulées en creux, avant d’être bien sûr travaillées à froid. Sur le plan décoratif, la combinaison n’est pas facile et les Grecs abandonnent rapidement les sirènes, mais les griffons permettent une élégance inventive et sont encore produits au début du VIe siècle.
Au VIIe siècle, avec l’évolution des méthodes de combat et la facilité d’obtention du bronze, les casques, corsets, grègues et autres protections en métal deviennent plus recherchés, et certains de ceux qui en ont les moyens veulent les décorer en s’inspirant des figures humaines et animales existantes ; mais si la facture est bonne, les formes sur le terrain sont souvent maladroites et deviennent rares au VIe siècle.
Au début du VIe siècle, les fabricants de vases en bronze ont commencé à couler des poignées et parfois des pieds et des bords, et comme ces pièces étaient d’une seule pièce, elles résistaient beaucoup mieux aux dommages et à la corrosion que le toulos mince forgé. La fonte de tulle pour les grands récipients a été beaucoup plus lente et n’a pas été courante avant le troisième siècle. En général, les formes des récipients en bronze étaient basées sur des courbes harmonieuses, car les méthodes grecques de travail du métal fin n’encourageaient pas les angles aigus sur le corps, mais en revanche, les lourdes poignées et les jantes étaient souvent coulées et ciselées de façon très distincte.
Le bord et, s’il est d’une certaine hauteur, la tige, peuvent avoir des bandes d’ornementation simple en relief - comme des œufs, des langues ou des perles. Le tulle n’avait pas besoin de tels ornements pour définir sa forme et restait souvent, mais pas toujours, simple. La profusion décorative tend à se concentrer sur les anses et surtout sur les plaques qui les fixent, bien que parfois l’anse elle-même prenne «une forme humaine».
Les miroirs à main, d’un diamètre d’environ 6 à 8 pouces, étaient un autre produit important des ateliers de bronze. Pendant une grande partie des VIe et Ve siècles, le type standard était un disque de bronze coulé lisse, légèrement convexe d’un côté et concave de l’autre, avec un bord perlé. Pour l’anse et le support, on utilisait une figure humaine solidement moulée, généralement féminine et drapée, qui se tenait de face dans des poses plus ou moins connues dans la sculpture de l’époque.
Pour éviter que la transition entre la tête du personnage et l’anse ne paraisse trop chétive, un petit jeune ou un animal ailé était souvent ajouté de chaque côté, monté sur l’épaule du personnage ou sur le rebord du disque, ou les deux. La patera, objet ressemblant à une petite poêle à frire, témoigne d’un sens du design similaire, bien que son manche ait généralement la forme d’un jeune homme nu. À la fin du Ve siècle, un nouveau type de miroir est apparu, dont le disque était protégé par un couvercle souvent fixé sur des charnières. Pour la décoration, une tête ou un groupe doucement érotique en relief était fixé à l’extérieur du couvercle, et l’intérieur pouvait être gravé.
Pour plus d’informations sur la poterie grecque antique, notamment sur les techniques géométriques, les figures noires, les figures rouges et les figures blanches, voir l’article Poterie grecque : histoire et styles .
Figurines
En dehors de leur fonction d’attachement à d’autres objets, les figurines en métal étaient le plus souvent fabriquées en tant qu’objets autonomes. Elles étaient, bien sûr, le plus souvent en bronze et, à moins qu’elles ne soient de grande taille, coulées d’une seule pièce ou presque. Elles étaient destinées à être dédicacées dans des sanctuaires et, de plus en plus, à être possédées par des particuliers. Les statuettes en bronze, de finition grossière et de conception maladroite, semblent avoir été fabriquées sur une base ad hoc tout au long du premier âge du fer.
Puis, à partir du huitième siècle, la production est devenue beaucoup plus importante, l’artisanat s’est amélioré et un style cohérent, parallèle à celui des figurines géométriques peintes sur vase, s’est établi. Les principaux types sont les hommes nus debout et les chevaux debout. Au VIIe siècle, les artisans du métal adoptent la formule daedalique pour leurs figures humaines et, au fur et à mesure que la sculpture s’impose, suivent généralement son développement pour les formes anatomiques, tout en se laissant toujours une grande liberté dans le choix des types et des poses
.Par exemple, les femmes nues et les groupes intégrés apparaissent régulièrement parmi les figurines de la sculpture grecque archaïque, bien qu’ils ne soient pas acceptés en sculpture avant le IVe siècle. Et dans la sculpture grecque hellénistique, les dos bossus n’étaient représentés avec une laideur totale que sur des œuvres de petite taille. Les raisons en sont assez évidentes. Tout d’abord, il était beaucoup plus rapide et moins coûteux de fabriquer des figurines que des statues, ce qui permettait d’expérimenter plus facilement. Deuxièmement, elles n’étaient pas aussi exposées au regard du public et donc aux règles de la bienséance. Enfin, leur petite taille ne posait pas de problèmes d’équilibre esthétique ou mécanique.
D’une manière générale, l’art de la figurine en métal a atteint son apogée au VIe siècle et au début du Ve siècle, lorsque les formes de la sculpture étaient encore simples et solides. Bien que d’excellentes pièces aient été réalisées par la suite, la qualité moyenne a baissé. La petite taille ne permettait pas le traitement de surface fin qui commençait à prendre de l’importance dans le style hautement classique de la sculpture grecque . La Danseuse au boulanger, réalisée à la fin du IIIe siècle, est une œuvre exceptionnelle pour l’époque ; il n’est pas surprenant que sa taille soit plus grande que la moyenne.
Influence
À partir du VIIe siècle, le bronze grec exerce une forte influence sur l’Étrurie, bien que les Étrusques (qui disposent de leurs propres réserves de cuivre) soient techniquement très compétents et maintiennent leurs propres traditions. En Espagne, la métallurgie locale, comme la sculpture, témoigne finalement d’une influence grecque peu marquée. Ailleurs en Europe, le long de la frontière septentrionale du monde grec, il y avait un marché pour les produits grecs, mais le style local était trop étranger pour être hellénisé, bien que certains ateliers grecs aient apparemment tenté d’incorporer des éléments de l’art scythe dans des objets destinés à être vendus en Ukraine.
En Orient, on trouve quelques éléments grecs dans l’art persan de la cour achéménide de la fin du VIe à la fin du IVe siècle, mais à part cela, il n’y a eu que de petites exportations occasionnelles jusqu’aux conquêtes d’Alexandre. Ensuite, lorsque les nouveaux royaumes hellénistiques ont imposé la culture grecque à leurs sujets, le goût pour la métallurgie grecque s’est également imposé.
Une preuve curieuse, bien que datant de la période romaine, est la découverte à Begram en Afghanistan d’un stock de moulages en plâtre à partir desquels des artisans ont fabriqué des fac-similés de sculptures grecques en bronze et d’objets antérieurs pour des clients locaux. On ne sait pas dans quelle mesure la tradition grecque a survécu dans ces régions, mais son influence principale s’est exercée dans les pays méditerranéens, où le style de l’époque romaine a directement continué ou développé les modèles hellénistiques.
A la Renaissance, la nouvelle étude de l’art grec et de l’art romain, basée sur la culture de l’Italie centrale, n’avait pas de modèles grecs à étudier ; et lorsque des objets métalliques hellénistiques furent découverts à Pompéi et à Herculanum au milieu du dix-huitième siècle, on n’y trouva qu’une imitation peu soignée.
Ressources :
Autres articles sur l’art de l’antiquité classique, voir :
Sculpture de la Grèce antique
Architecture grecque (900-27 av. J.-C..)
Peinture grecque classique (~480-323 BC)
Statues et reliefs hellénistiques (~323-27 BC.)
Peinture grecque hellénistique (~323-27 av. J.-C.)
Sculpture romaine (à partir de 55 av. J.-C.)
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