Peinture indienne post-classique:
Gujarat, Vijayanagar Automatique traduire

ART PIERRE
Pétroglyphes de Bhimbetka à
l’Auditorium et Daraki
Chattan rock shelters.
Cupule Art dans le Madhya
Région du Pradesh en Inde.
Pour plus d’informations sur l’Inde
et le premier grand Pakistan
Culture néolithique, voir:
la civilisation de la vallée de l Indus
(3, 300-1300 AEC).

introduction

Au 11ème siècle, des musulmans d’origine turco-afghane entrèrent dans le Haut-Pendjab par les passages du nord-ouest et cent ans plus tard s’établirent dans le nord du Deccan. L’infiltration islamique a entraîné une rupture de la société indienne traditionnelle et la fin de la période classique art et de la culture. La situation instable des communautés indiennes dans le nord empêchait le développement de La peinture à grande échelle, bien qu’une école de peinture miniature a été fondée qui a comblé le fossé entre le peinture murale de la période classique et les miniatures Rajput. Au sud, un groupe de princes du Deccan se sont réunis pour fonder Vijayanagar, le dernier empire indien, qui allait devenir un centre de refuge pour la culture hindoue. Le reste du sous-continent est retombé dans le genre de provincialisme contre lequel tous les empires du passé avaient lutté. Le brillant du classicisme indien, qui avait créé l’unité dans la peinture, était terminé et l’art ne se développait désormais que dans l’atmosphère protégée des provinces. Différentes écoles ont commencé à résoudre leurs problèmes artistiques par leurs propres moyens et avec leurs propres méthodes. Cet isolement a favorisé l’ajout d’éléments locaux qui ont modifié les formes culturelles et religieuses traditionnelles et ont conduit à une expression plus populaire de la pensée et de la conviction.

Pour voir comment la peinture indienne post-classique s’inscrit dans l’évolution de l’art en Asie, veuillez consulter: Chronologie de l’art chinois (18 000 AEC – présent).

Vijayanagar Peinture (1336-1565)

Confrontés à l’entrée victorieuse des musulmans dans le Deccan, les royaumes du sud firent une trêve politique et fondèrent ensemble, en 1336, un empire qui prit son nom de la capitale, Vijayanagar ("ville de la victoire"). Pendant plus de deux cents ans, malgré une succession constante de guerres contre des sultans voisins, l’empire put rester indépendant. Même après sa défaite, sa culture unique a été préservée. Lorsque les États musulmans se sont unis et ont mis fin à leur résistance en 1565, la capitale a été pillée et incendiée, mais aucun raid punitif n’a été mené plus au sud. À ce moment-là, leurs longues années de contact avec la civilisation hindoue les avaient rendus moins durs, moins fanatiques. Au sud du Deccan, l’art indien a pu se développer sans entrave, produisant de belles et vigoureuses œuvres jusqu’au 19e siècle.

La "Cité de la Victoire" s’étendait sur plusieurs kilomètres carrés au détour d’une rivière, le Tungabhadra. Sa grandeur passée se reflète dans les ruines. C’est le seul site archéologique qui fournit d’importants exemples de civisme indien. architecture du jour. Encore une fois, hélas, tous les tableaux qui décoraient les maisons, les palais et les temples de cette immense métropole – très appréciés par tous les voyageurs contemporains – ont disparu.

Les seules fresques subsistantes de même style datent de 1535 et recouvrent le plafond de la salle de la cathédrale du grand temple de Lepakshi. Ce sont des scènes consacrées au dieu Shiva. le dessins au fusain montrer une grande habileté, en particulier dans les détails, mais l’effet global n’est pas si heureux. La sensation de mouvement est raide, parfois maladroite. Cependant, l’élégance ne manque pas et la peinture fait preuve d’une spontanéité brillante. Bien que la conception soit quelque peu aride, il y a un certain degré d’observation. Ici la stylisation, en tout état de cause, triomphe. L’artiste a pu donner une illusion de volume à travers ses dessin mais ne fait aucune tentative d’effet tridimensionnel. Tous les visages sont représentés de profil, avec leurs nez pointus proéminents et leurs "yeux de poisson", sans paupières. L’autre œil est projeté sur le front, donnant l’impression d’un profil étrange aux trois quarts. Ces mêmes caractéristiques se retrouvent également dans les œuvres enluminées de l’Inde occidentale. Les couleurs sont rares mais très fines, rappelant que l’Inde du Sud est riche en pigments de couleur de toute sorte. Outre les verts et les ocres bruns, les peintres de Lepakshi modifient subtilement l’utilisation des couleurs dominantes. Un motif formel, représentant de jeunes filles lors d’un festival, illustre à merveille la beauté des femmes du Sud, avec leurs saris somptueux, des bijoux sur leurs fronts et leur tête nue, révélant de longues tresses noires. Lepakshi offre un dernier aperçu de la peinture classique.

Après l’effondrement de Vijayanagar, l’empire se désintégra bien que son influence culturelle fût encore présente dans les œuvres ultérieures du sud de l’Inde, en particulier les scènes colorées, bien que relativement chauves, dépeintes dans les temples d’Anegundi (XVIIe siècle) et de Tiruparutikundram. couleurs vives, effets décoratifs des peintures de Cochin et Travancore.

REMARQUE: pour des exemples de la meilleure architecture en Asie et en Asie du Sud-Est, veuillez consulter: Temple d’Angkor Wat Khmer (Cambodge); Temple Kandariya Mahadeva (Khajuraho, Inde); et Taj Mahal (Uttar Pradesh, Inde).

Manuscrits enluminés du Gujarat (XIIe-XVIe siècles)

Gujarat, au sud du Rajasthan, est l’une des provinces les plus riches d’Inde. Les rivières arrosent ses vallées fertiles et il existe de bons ports qui, même depuis le début de l’ère chrétienne, étaient en contact commercial avec la Perse et l’Europe. La classe marchande importante qui a grandi là-bas était tous des adeptes du jaïnisme. Du Xe au XIIIe siècle, le Gujarat a été gouverné par les Chalukyas et a connu une période de grande prospérité que la conquête musulmane de 1299 n’a pas interrompue. Les Gujaratis étaient des armuriers et des banquiers et parvenaient à contrôler le commerce de la région. Cela a permis à la province de conserver une certaine indépendance face à la menace islamique et de préserver les anciennes traditions artistiques.

Cependant, devant la menace constante de piller les musulmans, les peintres recherchaient un moyen d’expression qui serait moins lourd et facile à conserver: illustration du livre rempli les deux conditions. De plus, le jaïnisme attribue un grand prestige à la parole écrite, et tous les bons croyants savaient que le fait de commander un livre saint leur permettrait de faire un pas de plus vers le salut. De cette façon, une grande quantité de manuscrits enluminés ont été produits, principalement des kalpasutras, des textes sacrés de la foi jaïniste qui énumèrent les sacrifices et régissent les rituels, ainsi que La vie des saints. Plusieurs d’entre eux nous sont parvenus. Les plus anciens, des XIIe et XIIIe siècles, ont été exécutés, comme des manuscrits de Pali, sur des feuilles de palmier; la plus grande partie de la surface est consacrée à l’écriture scrupuleuse, tandis que l’illustration est limitée à un petit cadre dans lequel un ou deux chiffres sont entourés d’une manière étroite et anguleuse sur un fond rouge. Il n’y a absolument aucun réalisme dans ces peintures. Les poses sont assez conventionnelles, mais elles ont une force et une noblesse et une intensité incroyable. Les autres couleurs utilisées sont le bleu, le jaune et le vert. Les visages apparaissent majoritairement de profil et ont des nez pointus, des yeux extrêmement exagérés sans couvercle du côté proche, l’autre faisant saillie vers l’avant, comme les visages de Lepakshi.

À partir du XIVe siècle, l’introduction du papier a modifié le format des manuscrits. Ils sont devenus plus grands et, à mesure que de plus en plus d’espace a été consacré à l’illustration, le peintre a pu ajouter plus de détails à son travail, y compris la décoration, les éléments architecturaux et les plantes. Le dessin était encore plus stylisé et complexe et ne perdait rien de son extraordinaire précision. Des frises bordent les pages ainsi que les textes, avec des motifs variés tels que des animaux, des fleurs et des arabesques, qui évoquent l’influence de Art persan de l’ouest. De l’or et de l’argent ont été utilisés, ajoutant un lustre supplémentaire à l’écriture ainsi qu’au tableau et donnant un effet somptueux à l’ensemble. Cependant, son objectif premier étant d’illustrer les textes sacrés, la peinture jaïnienne reste essentiellement narrative et intellectuelle plutôt que intellectuelle. esthétique en conception.

En dehors des kalpasutras et d’autres œuvres saintes, c’est à l’école du Gujarat que nous devons le plus ancien de tous les manuscrits laïques, le Vasanta-Vilasa, une description du printemps faite par un mari très amoureux de sa jeune femme. Ce manuscrit du XVe siècle nous amène naturellement aux premières illustrations de Mewar, illustrant les amours mystiques et printaniers du grand dieu Krishna, ainsi que la littérature et la peinture consacrées à l’amour qui se sont nourries au cours des siècles suivants.

Illustrations de Mewar et Malva (XVe et XVIe siècles)

Au XIVe siècle, Timur (1336-1405), roi de Transoxiana, envahit Delhi, laissant la ville en ruine, et l’Inde du Nord divisée en un certain nombre de sultanats qui luttaient tous pour atteindre l’hégémonie. Malva en fait partie et ne joue aucun rôle dans l’histoire de la peinture miniature indienne. Dans le même temps, les petites principautés du Pendjab et du Rajastan ont profité de la situation politique; une famille Rajput du clan Sisodiya a ainsi réussi à maintenir l’indépendance de l’État de Mewar pendant un certain temps.

Mewar a connu deux siècles de prospérité malgré la guerre acharnée. Cela était dû à la vision éclairée de ses monarques, les Sisodiyas, qui fréquentaient les arts et faisaient de leur cour le centre de la nouvelle école des Indes occidentales. La première œuvre connue est un manuscrit, écrit sur papier, qui date du début du XVe siècle; pour la première fois, nous avons des illustrations en pleine page. Vers 1500, suivirent une série de six manuscrits qui confirmaient l’originalité du nouveau style. Ils comprennent deux Vaghavata-Puranas, un Gita-Govinda (poème dramatique) et un Chaurapanchasika (un poème d’amour) du 12ème siècle du poète sanscrit Bilhana. La qualité de ce dernier travail est telle que le nom du livre a été donné, par extension, à l’ensemble de ce petit groupe de peintures. Dans l’ensemble, elles sont consacrées à Krishna et à l’amour, et les illustrations, libérées de la forme restrictive du manuscrit, montrent une richesse d’inspiration énorme. Le peintre a rompu avec des idées du passé qui ne correspondaient pas à l’esprit du présent. Il est vrai qu’ils doivent encore quelque chose aux peintures de Lepakshi et aux miniatures jaïnes, mais si à Vijayanagar, nous avons assisté à un classicisme en décomposition et au Gujarat à une dépendance à la tradition statique et peu aventureuse, les créations Mewar ont un air d’une extraordinaire fraîcheur. On a l’impression que l’artiste a atteint une liberté de forme et Couleur pas connu avant. Sur un fond de bleu nuit, de rouges sombres et de verts appliqués en surface et parfois entrecoupés d’éléments architecturaux stylisés, nous avons des silhouettes schématiques de personnages. Les femmes portent des jupes et des corsages brillants, la tête et les seins drapés d’orhni, des étoles transparentes qui servent de prétexte aux plus ravissantes arabesques peintes. Malgré un style quelque peu hiératique peinture de la figure, les personnages sont pleins de spontanéité et de fantaisie. Il y a un certain naturalisme encore dans l’observation étroite des hommes et de la nature. Les œuvres baignent dans une atmosphère de tension lyrique.

En 1436, une dynastie musulmane indépendante est fondée à Malva et sa capitale à Mandu. Les dirigeants ont dédaigné les arts pour eux-mêmes mais ont toléré l’activité artistique locale. Un kalpasutra, sur papier, a été copié et illustré à Mandu en 1439. Le style est celui du Gujarat, mais les détails de la composition sont plus subtils et la richesse de la composition plus riche, différents épisodes de la même scène étant placés côte à côte sur le même tableau. mais séparés par des cadres délicats. Cette idée d’absorber la narration d’un seul coup d’œil se répète dans les miniatures de Malva et Mewar au XVIIe siècle. Le fait que Art islamique très peu d’influence sur la peinture indienne avant l’époque moghole peut s’expliquer par le fait que les premiers envahisseurs musulmans, grands bâtisseurs, inspirés par la splendeur de la Perse seldjoukide, n’ont pas de tradition picturale. Pendant longtemps, les travaux de l’école de peinture miniaturiste persane étaient inconnus dans les sultanats indiens, bien qu’au 15ème siècle, une influence se fit sentir. Au XVIe siècle, un sultan de Malva commanda un livre de recettes ) Nimat-Nameh) qui, dit-on, renonce à toutes les responsabilités du gouvernement afin de se consacrer entièrement à l’éducation de ses seize mille épouses. Il y a clairement une inspiration persane dans les arrière-plans, parsemés de petites bouquets de fleurs, dans les vêtements et les personnages, montrés à demi-profil avec des yeux fendus. Mais la représentation des femmes, de profil, aux joues arrondies, au nez pointu et aux yeux grands ouverts est purement indienne. Ce travail est le seul exemple que nous ayons de la période pré-moghole; avec le kalpasutra de Mandu, il prouve l’existence, à Malva, d’un essor artistique qui devait avoir un effet important deux cents ans plus tard.

Art hindou en Orissa (XVIe-XVIIe siècles)

Bien que la plupart des peintures d’Orissa datent des XVIIe et XVIIIe siècles, elles devraient être comprises dans la période antérieure à l’ère Mughal, car art religieux dans ce bastion traditionnel de la culture hindoue était pratiquement négligeable.

Du 7ème au 13ème siècle, il y avait une riche production d’art en Orissa. Son style était puissant et voluptueux et les temples de Buvaneshvara, Puri et Konarak en sont de merveilleux exemples. Une fois encore, cependant, les peintures murales ont disparu, détruites par le temps ou dissimulées sous des peintures postérieures dans les grands sanctuaires toujours en usage. Néanmoins, nous avons une idée de la nature de cette fresque, grâce à la découverte récente de quelques peintures datant de la seconde moitié du 16ème siècle. Leur originalité et la haute qualité technique du travail présupposent une tradition de peinture avancée. On peut les voir aujourd’hui au musée Asutosh de Calcutta, des feuilles de papier de bonne taille, montées sur du matériel. Le plus célèbre d’entre eux représente une ambassade de dignitaires musulmans à la cour du roi d’Orissa. La scène est d’une composition monumentale et on peut facilement l’imaginer accrochée à un mur. Les couleurs – rouge, bleu et vert – sont riches et intelligemment équilibrées. Le dessin est habile et met en valeur les caractéristiques individuelles de chaque personnage. Cette collection comprend quatre pages de Gita-Govinda, également peintes sur papier, d’une qualité exceptionnelle. Ils sont divisés en deux groupes. les gopis drapés portent des saris d’une telle transparence que l’on est très conscient de leur chair nue alors qu’ils attendent sur les rives éclairées par la lune du Jamuna pour leur vacher divin. Les coups de pinceau enveloppent délicatement et délicatement les jeunes filles dans des toiles d’araignées. De la même manière, les arbres vaporeux qui les entourent sont peints avec ce toucher délicat et précis pour faire ressortir leur forme essentielle. Biches et paons finement observés jouent à leurs pieds. Cette peinture sobre, élégante et allusive doit peu aux peintures de Vijayanagar ou du style indien occidental. Il semble plus probable qu’il s’agisse de la floraison finale d’un art associé aux grandes peintures murales d’Orissa: cela rappelle aussi particulièrement sculpture de Konarak.

Après cet éclat éblouissant, les illustrations des siècles suivants sont un peu un anti-climax. Les figures deviennent lourdes, la composition aride, avec une multitude de tourbillons décoratifs réduisant l’espace pictural à néant. Elles ressemblent à bien des égards aux peintures murales du sud de l’Inde des 18ème et 19ème siècles. Dans l’ensemble, les peintures ont un effet indéniablement sensuel et exotique; mais les illustrations stéréotypées appartiennent à l’imagerie populaire, rien de plus, et ne sont pas de grandes œuvres d’art. Au 17ème siècle, des papiers peints ont été produits qui semblaient s’être inspirés de la Perse et de l’Europe. Voir également: Histoire des manuscrits enluminés (600-1200).

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