Wassily Kandinsky:
peintre expressionniste russe du groupe Blue Rider Automatique traduire

L’un des plus grands artistes russes du XXe siècle et l’un des principaux représentants de l’expressionnisme, Wassily Kandinsky était à la fois un artiste et un théoricien de l’art. Avec d’autres artistes munichois, il a fondé le mouvement artistique Der Blaue Reiter, l’un des groupes les plus influents de l’expressionnisme allemand .

Connu comme le plus grand coloriste du 20e siècle, il avait une forte sensibilité physique à certaines couleurs, qu’il pouvait non seulement «entendre», mais aussi «voir» : cette condition est appelée synesthésie. On lui attribue également la création des premières œuvres abstraites du 20e siècle. Parmi ses œuvres les plus remarquables figurent «Blue Rider» (1903, collection privée), «Black Frame» (1922, Musée national d’art moderne, Paris) et «Several Circles» (1926, Musée Guggenheim). Il est considéré comme l’un des principaux peintres expressionnistes et peut-être le plus grand des premiers artistes abstractionnistes. De nombreuses peintures de Kandinsky sont aujourd’hui disponibles sur Internet sous forme d’impressions , d’affiches .

Les débuts de la vie

Kandinsky est né à Moscou, fils d’un riche marchand de thé, mais il a passé la plus grande partie de son enfance à Odessa. Enfant, il apprend à jouer de plusieurs instruments ; la musique a une grande influence sur ses peintures, jusqu’à leurs titres «composition» et «improvisation».

En 1886, il entre à l’université de Moscou pour étudier le droit et l’économie. Après avoir réussi ses examens, il se voit proposer le poste de professeur de droit, qu’il accepte. En 1889, il est envoyé en voyage d’affaires à Vologda, où, comme le montre son journal, il s’intéresse à l’art, à l’architecture et au folklore des paysans, ainsi qu’à l’étude des lois locales, ce qui était la raison officielle de son voyage. Au cours de ce voyage, sa première entrée dans une isba (maison paysanne) est restée dans sa mémoire : à la vue des images folkloriques aux couleurs vives et primitives qui ornaient les murs, il eut le sentiment «d’entrer dans un tableau».

En 1895, il assiste à une exposition d’impressionnisme à Moscou et, peu de temps après, il décide de quitter son emploi et de s’installer à Munich pour y étudier le dessin. Il a alors 30 ans. Il a toujours été fasciné par la couleur, même lorsqu’il était enfant. Il a dit un jour que ses souvenirs d’enfance de Moscou étaient des souvenirs de soleil se fondant «en une seule tache de couleur : vert pistache, maisons rouge feu, églises - chaque couleur comme une chanson à sa manière». Ces taches «» apparaissent sans cesse dans ses œuvres.

Pour une analyse de l’œuvre des peintres expressionnistes comme Kandinsky, voir : Analyse de la peinture moderne (1800-2000).

L’Académie des arts de Munich

Arrivé à Munich à la fin de l’année 1896, Kandinsky s’inscrit à l’école d’art Azbe, dirigée par Anton Azbe (1861-1905). Il y rencontre Alexei von Jawlensky (1864-1941) et Marianne von Verefkin (1870-1938). Cependant, les cours de dessin à l’école ne l’intéressent pas, et pendant un certain temps il travaille seul, notamment sur des études de paysages.

En 1900, il suit les cours de l’Académie de Munich avec Franz von Stuck (1863-1928), qui désapprouve ses «couleurs extravagantes», et rencontre Paul Klee (1879-1940), qui devient son ami intime. Le père de Kandinsky fournit à son fils une généreuse allocation mensuelle, et il s’installe avec sa femme à Schwabing, une banlieue bohème de Munich.

En 1901, il cofonde la société d’exposition «Phalanx» ; pour sa première exposition, il dessine une affiche dans un style proche de l’Art nouveau, qui est le style dominant à Munich à l’époque. L’année suivante, il enseigne dans une école d’art dirigée par le groupe. Gabriele Münter (1877-1962), l’une de ses élèves, devient sa compagne jusqu’à leur séparation pendant la Grande Guerre.

Voyage avec Gabriele Münter

Entre-temps, en 1903, désillusionné par le conservatisme inébranlable des milieux artistiques munichois, Kandinsky quitte Munich avec Gabriele pour Venise, puis Odessa et Moscou (1903), Tunis (1904), Dresde, Odessa à nouveau, puis l’Italie (1905), avant de s’installer pour un an à Sèvres, près de Paris. Pendant cette période, Kandinsky expérimente diverses méthodes et techniques. Sa ville natale, Moscou, lui sert souvent de source d’inspiration, tant dans ses peintures de mémoire que dans ses études ou croquis sur le vif. Ces dernières, réalisées dans le vieux quartier de Schwabing à Munich, où l’intensité de la lumière rappelle à Kandinsky les couleurs de Moscou, le déçoivent car elles lui semblent «une tentative infructueuse de capturer la puissance de la nature». Il est également influencé par l’art populaire russe et le mouvement du symbolisme .

Les meilleurs de ses premiers tableaux de cette période comprennent : Promenade (1901, collection Goldberg, Zurich) ; Vieille ville (1903, Stadtische Galerie, Munich) ; Vieille ville II, 1903 (Musée national d’art moderne, Paris) ; Golden Sail (1903, Stadtische Galerie, Munich) ; Blue Rider (1903, collection privée) et Singer, (1903, Stadtische Galerie, Munich) Panic (1907, Stadtische Galerie). Leur style est à la fois médiéval et russe, une influence que l’on retrouve dans ses gravures sur bois et gravures (146 entre 1902 et 1912). Comme ses «Poèmes sans paroles» (douze gravures sur bois, 1904, Moscou) et «Gravures sur bois» (cinq gravures sur bois, 1906, Paris), elles sont similaires à ses peintures en ce qui concerne le sujet «», mais révèlent un plus grand intérêt pour la couleur en tant que telle.

Peinture «Cavalier bleu»

L’une des plus importantes peintures expressionnistes de Kandinsky de cette époque est «Cavalier bleu», qui montre un petit personnage vêtu d’une cape et chevauchant un cheval dans une prairie rocailleuse. La cape du cavalier est bleue et ses ombres sont bleu foncé. Le cheval a une allure peu naturelle et on ne sait pas si le cavalier porte un enfant dans ses bras. Kandinsky voulait impliquer le spectateur dans le tableau et indiquer le mouvement par une série de couleurs plutôt que de peindre des détails spécifiques. Il s’agit là d’une première indication de la direction que prendra sa peinture au cours des années suivantes.

Parmi les premiers exemples de portraits de Kandinsky, citons Peinture de Münter à Kallmunz (1903) et Gabriele Münter (1905), tous deux à la Stadtische Galerie, Munich ; d’autres exemples de ses peintures de paysages comprennent : Dans la forêt (1904), Paniers de plage en Hollande (1904), Couple à cheval (1906) - tous à la Stadtische Galerie, Munich - et Chant de la Volga (1906, Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris, France).

Kandinsky a été fortement influencé par les écrits de la spiritualiste et penseuse russe controversée Helena Blavatsky (1831-1891), cofondatrice de la Société théosophique, qui a promu la théosophie, un système philosophique et religieux qui affirme (entre autres) que toute la création est une progression géométrique commençant en un seul point. Il affirme également que l’aspect créatif de la forme s’exprime par une série de cercles, de triangles et de carrés. Kandinsky lui-même a écrit plusieurs livres basés sur cette théorie.

Murnau

Après son retour à Munich en 1908, Kandinsky s’installe à Murnau avec Gabriele Münter. C’est là qu’il fait son «saut dans l’abstraction». En rentrant un soir dans son atelier, il aperçoit dans la pénombre «un tableau d’une beauté indescriptible, imprégné d’une flamme intérieure». Ne voyant d’abord «que des formes et des couleurs dont le sens était incompréhensible», il reconnut bientôt une de ses propres toiles posée sur le côté. Cette découverte lui fait comprendre que les sujets nuisent à ses tableaux et, à la recherche de moyens d’expression, il commence peu à peu à remplir simplement «les formes subjectives» de couleurs, donnant à la couleur sa fonction expressive propre : ) Rue de Murnau avec femmes, 1908, Collection Nina Kandinsky, Paris ; Paysage avec clocher, 1909, Musée National d’Art Moderne, Paris).

Une autre œuvre importante est «Montagne bleue» (1908, Musée Guggenheim, New York). Dans ce tableau, une montagne bleue est entourée de deux arbres colorés, rouge et jaune. Plusieurs cavaliers traversent la partie inférieure de la scène, leurs corps et leurs vêtements n’étant indiqués que par une touche de couleur. La couleur vit presque sa propre vie, au point que les objets du tableau ne jouent finalement aucun rôle. Il va jusqu’à ce qu’il ne reste plus que des ombres et des formes, qui ne ressemblent plus à la réalité. Parmi les autres tableaux de cette époque, citons Cimetière et vicaire à Kochel, 1909 et Grüngasse à Murnau, 1909 (tous deux à la Stadtische Galerie, Munich).

À la même époque, il participe à une exposition graphique organisée à Dresde par le groupe expressionniste Die Brucke (1909). Parmi les membres de Die Brucke figuraient Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Karl Schmidt-Rothluff (1884-1976), Erich Haeckel (1883-1970), ainsi que Emil Nolde (1867-1956), Max Pechstein (1881-1955), Otto Müller (1874-1930) et le Néerlandais Kees van Dongen (1877-1968). La même année, Kandinsky fonde avec son ami Jawlensky la société Neue Kunstlervereinigung . Mais après un désaccord fondamental sur le sens même de l’art, qui aboutit au rejet d’une de ses peintures par la société, il quitte le groupe et forme une organisation rivale, Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), dont il prépare l’almanach en collaboration avec Franz Marc (1880-1916).

Par ailleurs, en 1910, Kandinsky participe à une exposition d’art d’avant-garde européen et russe organisée par le groupe Nez de tambourin «» à Moscou. En revanche, il ne participe pas à une exposition organisée par une société plus fermée d’artistes russes appelée «Donkey’s Tail» en mars 1912.

Groupe «Cavalier bleu» (1911-14)

Les cinq principaux membres du groupe «Cavalier bleu» étaient Kandinsky et Marc, ainsi que Paul Klee (1879-1940), August Macke (1887-1914) et «Matisse russe» Alexei von Jawlensky (1864-1941). Parmi les autres artistes ayant participé aux expositions du Blaue Reiter figurent le peintre néerlandais Heinrich Campendonck (1889-1957), les fauves André Derain et Maurice de Vlaminck, le graphiste allemand Lionel Feininger (1871-1956), les artistes russes d’avant-garde David Burliuk (1882-1967), Natalia Goncharova (1881-1962) et Mikhail Larionov (1881-1964), ainsi que la compagne de Kandinsky, Gabriele Münter (1887-1914). Le nom du mouvement provient d’une peinture de Kandinsky datant de 1903, mais il est également lié à l’amour de Mark pour les chevaux et à l’amour de Kandinsky pour la couleur bleue. Il n’y a pas de manifeste central et les objectifs du groupe sont variés. Ce qu’ils avaient en commun, cependant, c’était un engagement en faveur de l’utilisation symbolique de la couleur et une approche spontanée et intuitive de la peinture. Ils étaient influencés par le primitivisme, qui était populaire en Europe à l’époque.

La première exposition Der Blaue Reiter s’ouvre à Munich à la galerie Tannhauser en décembre 1911. En mars 1912, elle se rend à Berlin (où elle ouvre Galerie Sturm, une galerie influente fondée par Gerwarth Walden), puis à Cologne et à Francfort. Une deuxième exposition a lieu en février 1912 à la galerie Hans Goltz à Munich. Il n’y a pas eu d’autres «expositions officielles» du groupe, mais les cinq membres principaux ont été représentés à la grande exposition du Sonderbund à Cologne en 1912 et à la célèbre Première exposition allemande Salon d’automne à la galerie Sturm à Berlin en 1913.

En 1912, une rétrospective de Kandinsky est organisée par la galerie Der Sturm de Berlin, haut lieu du mouvement expressionniste en Allemagne. En 1913, il est représenté à l’ Armory Show de New York, écrit une autobiographie, Ruckblicke (Souvenirs), et un recueil de poèmes illustré de six gravures sur bois, Klange (Sons).

L’art abstrait

Entre 1910 et 1914, Kandinsky se tourne de plus en plus vers l’art abstrait, car son expressionnisme fusionne avec le fauvisme (fl. 1905-7), le cubisme (fl. 1907-14) et l’ orphisme (fl. 1910-13), ce qui l’amène à abandonner les éléments figuratifs. Les surfaces colorées, distinctes des formes subjectives et bordées de noir, deviennent des «signes» ) Improvisation III, 1909, Musée national d’art moderne, Paris ; Composition d’esquisses II, 1909, Musée Guggenheim, New York).

Puis, abandonnant la tradition de l’illusion spatiale, il affirme le caractère bidimensionnel de la toile et l’arbitraire simultané de son espace. Progressivement, les contours noirs deviennent des éléments graphiques autonomes, en nombre croissant, et les couleurs commencent à couler sur les bords «du sujet» ) Église, 1910, Stadische Galerie, Munich ; Composition IV, 1911, Kunstzammlung Nordrhein-Westfallen, Düsseldorf ; Arche noire, 1912, Musée national d’art moderne, Paris ; Improvisation, 1912, Musée Guggenheim, New York).

Sa première aquarelle abstraite (Musée National d’Art Moderne, Paris) date d’environ 1910 et s’avère être un support expérimental idéal pour lui. Il lui faut cependant attendre un an avant de réussir à séparer complètement le sujet de la peinture à l’huile. Dès lors, si ses Impressions sont encore des représentations expressives de la nature, les Improvisations, et plus encore les Compositions, se transforment peu à peu en pures créations de formes et de couleurs. Parmi les autres œuvres de cette période, citons Traits noirs I (1913, musée Guggenheim) ; Improvisation dans les gorges (1914, Stadische Galerie, Munich) et Fugue, 1914 (collection privée).

Pour en savoir plus sur la contribution de Wassily Kandinsky à l’expressionnisme, voir : Histoire de la peinture expressionniste (c. 1880-1930).

Retour en Russie

Entre 1914 et 1921, Kandinsky enseigne la théorie de l’art à l’Institut de la culture artistique de Moscou, le nouveau contrôleur de l’art russe . En 1918, il devient membre de la section artistique du Commissariat au progrès intellectuel, enseigne à l’Académie des arts et fonde l’année suivante le Musée de la culture à Moscou. Mais après avoir fondé l’Académie des sciences de l’art en 1921 et vu l’enthousiasme initial pour l’art moderne disparaître progressivement (le gouvernement communiste avait interdit tout art abstrait), il quitta Moscou avec Nina de Andreenky, qu’il avait épousée en 1917, et retourna en Allemagne.

L’école de design du Bauhaus

En 1922, il est nommé professeur à l’école de design du Bauhaus, où travaille déjà Klee. Bien que le volume de travail de Kandinsky pendant son séjour en Russie soit faible (manque de matériel), il met à profit cette période pour développer précisément sa théorie de la science de l’art, qu’il avait élaborée à Weimar.

L’entrée de Kandinsky au Bauhaus marque une nouvelle phase dans son œuvre, caractérisée par ce qu’il appelle lui-même «le géométrisme lyrique». Il y enseigne un cours d’initiation au dessin et un cours avancé de théorie de l’art. Il est désormais convaincu que chaque forme, chaque couleur et leur disposition dans l’espace ont une fonction précise. Il apprend à ses étudiants «à observer et à représenter avec précision non pas l’aspect extérieur d’un objet mais les éléments de sa composition». Il a publié certaines de ces réflexions dans son livre Punkt and Linie zu Flache (Point, ligne et surface) en 1926, ainsi que dans diverses études théoriques.

Son séjour au Bauhaus fut une période d’intense activité au cours de laquelle son génie fut le plus apprécié. Les cercles, les lignes droites, les courbes et autres éléments géométriques occupent une place de plus en plus importante dans ses peintures. Il développe une nouvelle association entre les trois formes de base - cercle, triangle et carré - et un code de couleurs dans lequel chaque ligne représente une tension et la couleur confirme son dynamisme ) Composition VIII, 1923, Guggenheim New York ; Jaune-Rouge-Bleu (1925, Musée national d’art moderne, Paris) ; et Emphase sur le rose, 1926, Musée national d’art moderne, Paris). Dans le tableau «Jaune-Rouge-Bleu» en particulier, l’agencement minutieux des cercles, des arcs et des lignes crée une harmonie remarquable. A cette époque, il utilise de la peinture en tube, mélangeant parfois du sable à la peinture pour donner à la toile une texture granuleuse.

En 1923, il forme avec Klee, Jawlensky et Lionel Feininger le groupe «Blue Four». Ils donnent des conférences et exposent ensemble en Amérique en 1924.

À Dessau, où le Bauhaus s’est installé en 1925, Kandinsky fête son 60e anniversaire. De nouvelles nuances de couleurs apparaissent dans son œuvre. Tandis que la géométrie de ses formes s’accentue ) Carré [Квадрат] 1927, Paris, collection Maeght et Point sombre, 1930, collection A Bloc, Paris) ou, au contraire, disparaît pour laisser place à des formes plus souples, plus «organiques» ) Osier, 1927, Paris, collection Nina Kandinsky ; Noir pointu 1931, collection M. Hagenb, Bâle).

Poursuivant dans la voie de la «synthèse des arts», Kandinsky conçoit les décors et les costumes de la version scénique «des Tableaux d’une exposition» de Moussorgski (1928) et exécute diverses grandes fresques et panneaux de céramique pour le Music Hall conçu par Mies van der Rohe (1886-1969) lors de l’Exposition internationale d’architecture de Berlin (1931). En 1933, le Bauhaus, qui s’était installé à Berlin l’année précédente, est fermé par les nazis. La peinture de Kandinsky est qualifiée d’art dégénéré ) entartete kunst).

L’un des collectionneurs les plus prolifiques d’œuvres de Kandinsky fut le philanthrope américain Solomon Guggenheim (1861-1949).

Dernières années de vie : Neuilly-sur-Seine

En 1933, lorsque le Bauhaus est contraint de fermer ses portes, Kandinsky s’installe à Paris, où il restera jusqu’à la fin de sa vie. L’installation à Neuilly-sur-Seine avec sa femme marque le début «de la troisième période», souvent considérée comme une volonté de retour à un style symbolique. Les formes tendent à se réduire et les toiles sont divisées pour rapprocher les différents idéogrammes ) Sweet Nothings, 1937 ; Thirty 1937 ; tous deux Paris, Collection Nina Kandinsky).

Il n’est pas étranger à la controverse, et ses dernières œuvres restent controversées, mais sont admirées par des artistes contemporains plus jeunes , tels que Joan Miró (1893-1983) et Alberto Magnelli (1888-1971). Sa réputation est solidement établie lorsqu’il est présenté à Solomon Guggenheim, qui devient l’un de ses meilleurs soutiens. Entre 1936 et 1939, il peint ses deux dernières grandes compositions, Composition IX, 1936 (Musée national d’art moderne, Paris) et Composition X, 1939 (Kunstsammlung Nordrhein-Westfallen, Düsseldorf).

Dans ses dernières peintures, des formes fluides partagent l’espace avec des éléments géométriques définitivement simplifiés («Joie» , 1939 ; «Impulsion modérée», 1944 ; toutes deux Paris, Collection Nina Kandinsky). Il continue à travailler jusqu’à sa mort en 1944. Sa recherche incessante de nouvelles formes l’a conduit aux extrêmes de l’art abstrait géométrique. Ceci, ainsi que sa contribution à la théorie et à la pratique de la couleur en peinture, fait de Kandinsky l’une des figures les plus importantes de l’histoire de l’art du début du XXe siècle.

Les peintures du XXe siècle de Kandinsky sont exposées dans les meilleurs musées d’art du monde, notamment le Musée national d’art moderne, le Centre Pompidou à Paris et le Samuel Guggenheim Museum à New York. La période antérieure à 1914 est bien représentée à la Stadtische Galerie im Lenbachhaus, Munich, Allemagne, principalement grâce au legs de Gabriele Münter.