Henri Matisse:
peintre fauviste Automatique traduire

Henri Matisse (1869-1954)

Pour l’analyse d’œuvres de peintres coloristes comme Henri Matisse,
voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

introduction

Le leader du groupe Fauves, un mouvement très influent du début du 20ème siècle Peinture française, Matisse était un exposant clé de Post-impressionnisme, noté pour son utilisation de Couleur comme moyen d’expression plutôt que de description. En effet, la couleur a joué un rôle central tout au long de sa carrière de peintre, comme en témoignent son Portrait de Madame Matisse, Le Dessert – Harmonie dans le rouge, sa série Nu Bleu de nus bleus et le papier vibrant collages il a produit dans ses dernières années. Plusieurs de ces œuvres et d’autres de Matisse sont disponibles sous forme de copies sous forme de art de l’affiche. Matisse était également reconnu pour son mépris créatif des règles classiques du dessin et de la perspective, ainsi que pour son dessin fluide et innovant. Il n’a pas peint ce qu’il a vu, mais ce qu’il a ressenti à propos de ce qu’il a vu : voir, par exemple, Capucines et la ’danse’ (1912, Metropolitan Museum of Art). Même après la disparition de Le fauvisme, Matisse est resté une figure importante au sein de mouvement expressionniste, continuant de s’appuyer sur les couleurs pour communiquer sa vision joyeuse de motifs audacieux et d’ornements saisissants (par exemple, dans The Moorish Screen et Lady in Blue). Il est considéré comme l’un des plus importants français peintres expressionnistes.

En 1909, Matisse avait acquis une renommée mondiale. Ses méthodes d’avant-garde ont suscité une controverse considérable, mais – avec le soutien du collectionneur d’art Ambroise Vollard (1866-1939), ainsi que des patrons de la famille Stein et des Russes Shchukin et Morosov – Matisse conserva sa position de membre éminent de la Peinture post-impressionniste mouvement et est maintenant considéré comme l’un des plus influents et toujours innovants peintres du vingtième siècle. Voir, par exemple, Peintures de Mark Rothko (1938-1970). Ceci malgré l’avènement de Picasso et du cubisme au début des années 1900, qui sont devenus la pointe de l’art moderne à l’époque.

Biographie de Henri Matisse (1869-1954)

Henri Matisse, né au Cateau-Cambresis (Nord, France), était l’un des chefs de file de l’avant-garde art moderne avant la première guerre mondiale. Il était célèbre pour son utilisation brillante et expressive de la couleur et pour ses innovations audacieuses. Son identité artistique a évolué lentement et avec une difficulté apparente. Bien qu’il ait 30 ans au début du siècle, ce n’est qu’en 1905 qu’il découvre sa propre vision. Par la suite, il devint rapidement notoire en tant que chef du groupe de peintres connus sous le nom de Fauves. Il a vécu pour devenir, à un âge avancé, un maître internationalement reconnu.

À 17 ans, Matisse devait étudier le droit chez son père, un marchand de maïs. On raconte que lorsqu’il avait 20 ans et qu’il était en convalescence après une appendicectomie, sa mère lui a donné une boîte à peinture et il a donc commencé à peindre. Ses premières œuvres, les natures mortes de 1890, sont remarquablement assurées d’une manière académique conventionnelle. Dans d’autres, il a exploré les deux Impressionnisme et Néo-impressionnisme. Il est rapidement devenu techniquement habile et a pu pendant plusieurs années compléter sa maigre indemnité en faisant des copies officielles de Maîtres Anciens au Louvre, pratique qu’il a maintenue pendant de nombreuses années.

Il n’a jamais été officiellement accepté comme étudiant à l’Ecole des Beaux-Arts. En 1891, il fut autorisé à quitter le bureau de l’avocat à St Quentin et à se rendre à Paris où il assista à la Académie Julian sous Bouguereau, mais il a vite été transféré officieusement dans les classes du grand peintre symboliste Gustave Moreau à l’ Ecole des Beaux-Arts. Parmi ses camarades, se trouvaient Marquet, Manguin, Camoin et Rouault, tous plus jeunes que lui.

En 1896, Matisse semble être au seuil de sa carrière professionnelle. Son tableau représentant une femme lisant dans un intérieur de lampe, dans la tradition de Henri Fantin-Latour, a été montré au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts et a été acheté par l’Etat pour Rambouillet; la Société Nationale elle-même l’a élu membre associé et il a été présenté à Pissarro et à Rodin. L’année suivante, il montra The Dinner Table (collection privée) au salon. Cette grande toile, représentant un serviteur arrangeant des fleurs sur une table somptueusement répartie pour un repas en famille, a été peinte dans des couleurs impressionnistes impressionnistes. Sa première composition majeure, il a été mal accroché et sévèrement critiqué.
À partir de ce moment, le cours de la carrière de Matisse a radicalement changé. Pendant sept ans, il travailla constamment. Mais ses toiles étaient davantage des recherches que des réalisations: c’est-à-dire des croquis grossièrement posés puis abandonnés ou des exercices laborieux mis à mort par le surmenage. Il n’a développé aucun style cohérent, mais a mené diverses expériences sur l’utilisation de la couleur brillante.

En 1898, il se maria et l’année suivante, il acheta avec de l’argent de la dot de sa femme un petit tableau, Trois baigneuses, de Cézanne. Bien qu’il n’ait jamais imité directement le style de Cézanne, ce tableau est devenu pour lui un talisman qu’il a chéri pendant de nombreuses années, jusqu’en 1936, puis il l’a présenté au musée d’art moderne de la ville de Paris.

Mais les années d’études et de difficultés ont continué. En 1900, Matisse a suivi des cours du soir à sculpture et a ensuite sculpté de nombreuses œuvres importantes bronze. Il peint des décorations d’exposition pour gagner sa vie et, en 1902, Madame Matisse ouvre une boutique de chapellerie.

Pointillisme

En 1904, Matisse travaille avec Paul Signac à St Tropez et adopte sa propre version intuitive de pointillisme (un type de divisionnisme). Dans cette technique, il peint un fantasme idyllique de femmes se baignant sur une plage (1905; collection privée). Son titre, Luxe, Calme et Volupte, il tire du poème de Baudelaire "L’invitation au voyage", une invitation à un être cher dans un pays de rêve où tout est harmonie et beauté, "luxe, tranquillité et volupté". La photo et son titre annoncent l’arrivée de Matisse à sa propre vision de art.

Mais sa propre version de Divisionnisme était trop rigide pour lui. En 1905 à Collioure, où il passa l’été avec les plus jeunes André Derain, il a peint de petites toiles avec un abandon apparemment insouciant qu’il n’avait jamais osé auparavant. Open Window, Collioure (1905; Collection de John Hay Whitney, New York), audacieux dans son calligraphie et indifférent aux couleurs originales du motif, capture l’étincelle de lumière qui jette un coup d’œil sur les ondulations du port animées par des bateaux flottants. Il a peint deux portraits de Madame Matisse ) femme au chapeau, serveur A. Haas Collection, San Francisco; Madame Matisse: la ligne verte, State Art Museum, Copenhague) qui n’étaient pas moins audacieux, et il a rivalisé avec Derain pendant qu’ils peignaient chacun portraits d’autrui (Andri Derain, 1905; Tate Gallery, Londres).

Le fauvisme

Au Salon d’Automne cette année-là (1905), les nouvelles toiles de Matisse, ainsi que d’autres œuvres de violence optique similaire de Derain, Maurice de Vlaminck (1876-1958), Albert Marquet (1875-1947), Othon Friesz (1879-1949), Louis Valtat (1869-1952), le polyvalent Henri-Charles Manguin (1874-1949), Charles Camoin (1879-1964) et Jean Puy (1876-1960) ont été suspendus ensemble dans une pièce. Le public était horrifié par des barbouillards aussi crus et les peintres étaient appelés "Fauves" – ce qui signifiait des bêtes sauvages. La salle d’exposition a été baptisée "La Cage aux Fauves". De toutes les peintures, La femme au chapeau a fait sensation.

Mais ce nouveau style avait aussi des admirateurs et un frère et une sœur américains fortunés vivant à Paris, Leo et Gertrude Stein, ont rencontré Matisse et ont acheté cette œuvre. L’année suivante, à la Salon des Indépendants Matisse montre une composition ambitieuse, Joy of Life (1906; Barnes Foundation, Merion, Pennsylvanie). C’était une scène arcadienne avec des nymphes et des bergers nus, dessinés avec une nouvelle audace calligraphique et la couleur claire d’un tapis oriental. Leo Stein l’a acheté immédiatement.

Leo resta l’ami, l’admirateur et le patron de Matisse (Gertrude préférait Picasso) et d’autres collectionneurs commencèrent bientôt à se disputer les nouvelles œuvres de Matisse. À partir de 1906, ses patrons comprenaient les soeurs Cone de Baltimore, après 1908 le marchand russe Sergei Shchukin et à partir de 1912, Ivan Morozov. En 1909, Chtchoukine a commandé deux importants peintures expressionnistes, Danse (étude, 1909, Musée d’art moderne de New York; huile, 1910, Musée de l’Ermitage) et Musique (1910; Musée de l’Ermitage). Entre eux, les Russes ont acheté près de 50 œuvres; ceux-ci ont été acquis par l’état russe en 1923.

Grâce à ce parrainage, Matisse put se rendre en Algérie en 1906 (il s’intéressait vivement à l’art africain et à d’autres formes de culture). Primitivisme / Art Primitif.) Au cours des dernières années, il a beaucoup voyagé en Italie, en Espagne, en Allemagne, en Russie et aux États-Unis; mais ses visites les plus importantes ont été en Afrique du Nord en 1906, en 1911, en 1912 et en 1913 (avec son ami proche Albert Marquet, 1875-1947), et à Tahiti en 1930 pour étudier Art océanique.

En 1908, Matisse fut encouragé à ouvrir une petite école, l’ Atelier Matisse, où il enseigna pendant une courte période. La même année, il publie son premier essai théorique "Notes de peintre" dans La Grande Revue (25 décembre 1908). Il a également eu son premier one-man-show en Amérique, grâce au revendeur Alfred Stieglitz (1864-1946) et son ami parisien Edward Steichen (1879-1973), à leur galerie "291" à New York.

Il a été refusé pour le service militaire en 1914; il a passé les années de guerre à peindre à Issy, à Paris et à Nice. Il passera la majeure partie de son temps à Paris ou à Nice.

Renommée d’après-guerre

Avec le retour de la paix, Matisse devint de plus en plus reconnu comme le maître du monde Ecole de Paris et de la peinture moderne. En 1925, il est fait chevalier de la légion d’honneur. Il a travaillé dans une variété croissante de médias. En plus de peinture d’art et la sculpture, il a conçu pour le ballet et conçu des éditions illustrées: des poèmes pour Skira de Mallarme (1932), Ulysse de Joyce (1935), Fleurs du Mal de Baudelaire (1943) et le Florilège des Amours de Ronsard (1941). Son livre le plus important était Jazz (1947), qui combinait ses dessins colorés et un essai poétique sur l’art dans son propre scénario. C’est au lendemain de la Première Guerre mondiale que Matisse a nommé Paul Rosenberg (1881-1959) en tant que son agent et revendeur.

En 1930, l’éminent critique d’art anglais et champion de Post-Impressionsm Roger Fry (1866-1934) a publié une importante monographie sur Matisse et son art. En 1931, le grand collectionneur américain Dr Albert C. Barnes Commande de peintures murales pour le hall de la Barnes Foundation, Merion, USA. Lorsque Matisse a terminé les panneaux dans son atelier parisien, ils se sont avérés être de la mauvaise taille. Il a donc peint de nouvelles versions qui ont été installées avec succès.

La dernière commission de Matisse, malgré son manque de conviction religieuse auparavant, était la petite chapelle du Rosaire des moniales dominicaines, Vence, commencée en 1948 et consacrée en 1951.

Après 1941, le Matisse vieillissant souffre de plus en plus de problèmes de santé et travaille souvent au lit. Il meurt le 3 novembre 1954 à Nice, peu de temps avant son 85e anniversaire.

Le développement de Matisse en tant que peintre

Dans ses couleurs et sa technique, les premiers travaux de Matisse ont été influencés par une génération plus ancienne de ses collègues artistes, comme Edouard Manet (1832-1883) et Paul Cezanne (1839-1906). À l’été de 1904, alors qu’il visitait la Provence, Matisse découvrit la lumière vive du sud de la France et commença à utiliser une palette beaucoup plus lumineuse. En outre, il est devenu familier, à travers Paul Signac (1863-1935) et Henri-Edmond Cross, avec la technique de Pointillist de petits points de couleur (points), lancée par Georges Seurat (1859-1891) dans les années 1880. En conséquence, Matisse a produit son chef-d’œuvre pointilliste Luxe, Calme et Volupte ) 1904-1957) et a exposé, avec d’autres Peintres fauvistes au Salon d’Automne à Paris (1905) et le Salon des Indépendants (1906), acclamés. Pendant deux ans, le fauvisme a acquis une influence considérable et a eu un impact majeur sur les artistes parisiens, y compris les expatriés comme le Coloristes écossais (c.1904-30). Cependant, pas tous critiques d’art admiré son travail. Après avoir visionné les peintures aux couleurs vives de Matisse, le critique d’art Louis Vauxcelles de manière insultante a décrit les peintures comme étant le travail de bêtes sauvages (fauves), et le nom est resté.

Matisse a écrit pour la première fois à propos de son art en 1908 dans "Notes de peintre". 44 ans plus tard, à 82 ans, il a insisté sur le fait qu’il était resté inchangé, car "tout ce temps, j’ai cherché les mêmes fins, que j’ai peut-être atteint de différentes manières ". Sa fin a toujours été expressionnisme. Pour en savoir plus sur sa contribution à l’expressionnisme du début du XXe siècle, voir: Histoire de la peinture expressionniste (c.1880-1930).

L’expression était un exploit ardu et paradoxal, le résultat de la réponse picturale intuitive de l’artiste à son expérience de l’objet. Ainsi, il a peint de nombreuses façons différentes à première vue peu cohérentes, modelant fortement les formes sur une toile et peignant avec la simplicité plate d’un enfant sur une autre. Il évitait tout système de représentation dépendant de compétences appliquées, mais cherchait l’expression pure et spontanée de chaque expérience unique. Néanmoins, on peut voir que les métamorphoses de son style suivent une longue séquence de développement.

Immédiatement après les abstractions sophistiquées de La joie de vivre, il peint plusieurs toiles (notamment Le Luxe I, 1907, Musée national d’art moderne, Paris; et Le Luxe II, 1907, Musée des Beaux-Arts, Copenhague) dans lesquelles il développé une simplicité de ligne enfantine ou primitive. (Matisse a été parmi les premiers à collectionner l’art nègre.) Cette recherche d’une forme et d’une couleur sans compromis "pures" a abouti à la danse et à la musique du musée de l’Ermitage (1909-1910). Dessinées avec un contour primitif épuré et peintes dans les trois couleurs de base du ciel bleu, de la terre verte et de la chair écarlate, elles sont aussi théoriques que toutes les toiles ultérieures de Kandinsky ou Mondrian, mais restent représentatifs. L’autre œuvre présentant un esprit doctrinaire similaire est une nature morte de 1914 intitulée Citrons: Nature morte de citrons dont les formes correspondent à celle d’un dessin d’un vase noir accroché au mur (Museum of Art, Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island).

Les abstractions austères de la danse et de la musique ont été suivies peu après par les fruits de sa première visite en Afrique du Nord, une série de grandes scènes de la vie islamique étincelantes de couleurs sensuelles. Ils semblent spontanément spontanés et leurs contours simples pourraient être confondus avec une authenticité naïve. Celles-ci ont été suivies d’une nouvelle avancée vers art abstrait Dans Fenêtre ouverte, Collioure (1914; collection privée) dans laquelle des volets verticaux de vert, de gris et de bleu pâle sont les volets qui encadrent un rectangle noir uni, un ciel nocturne entièrement opaque. Composition: Le rideau jaune (1915; collection privée) est trop grand pour en être le pendant, mais il est, formellement, son équivalent le jour.

En 1914, Matisse a montré l’influence du cubisme. Dans Mademoiselle Yvonne Landsberg (1914; Philadelphia Museum of Art), le masque du négroïde et les arcs en expansion rayés à la peinture paraissent peu convaincants. Mais les Marocains (1916; Museum of Modern Art, New York), bien qu’ils reflètent sans aucun doute une abstraction post-cubiste, sont l’une de ses images les plus mystérieuses et les plus puissantes. Ses formes aux silhouettes audacieuses anticipent les qualités de ses propres compositions en papier découpé vingt ans plus tard.

Alors que la guerre continuait, Matisse, dans l’isolement de son atelier parisien, peignait plusieurs grandes toiles: des images sombres et nobles de l’atelier, avec Paris entrevu par la fenêtre; ils rappellent par leur échelle et leur qualité spatiale certaines des grandes toiles de Manet.

En 1919, dans une chambre d’hôtel à Nice, Matisse peint un artiste et son modèle totalement différents (Collection du Dr et Mme Harry Bakwin, New York). L’artiste, de par la qualité de son trait et ses timides lavages de couleurs, pourrait bien être un amateur âgé confronté à son premier modèle nu. Mais ironiquement, ce gentilhomme naïf est inclus dans l’image; et la photo elle-même, malgré ses marques de pinceau fragmentaires, est tendue et délicatement précise dans ses relations spatiales. Pendant dix ans encore, Matisse a peint une séquence de scènes de genre aussi petites de l’hédonisme d’hôtels méditerranéens baignés de soleil, dans lesquelles les qualités de l’impressionnisme ou la vision intime de son ami Bonnard étaient associées à une simplicité énigmatique.

En revanche, les peintures murales de Barnes étaient peut-être les inventions les plus polies de la carrière de Matisse. Les formes plates des danseurs, anticipant son utilisation ultérieure du papier découpé, sautent dans les lunettes avec une vitalité fragile. Néanmoins, ils indiquent le retour du peintre à une imagerie plus monumentale. Au cours des vingt dernières années de sa longue vie, Matisse a perfectionné son dernier mode de représentation, le plus cohérent. Il travaillait avec une peinture fine et fluide, lavait les essais inacceptables et recommençait sur la toile nettoyée, préservant ainsi la qualité vitale de la spontanéité. Il dessinait avec de grands gestes, en évitant les raccourcis et en remplissant la toile de grandes arabesques qu’il chargeait de combinaisons éblouissantes de couleurs éclatantes. Bien que beaucoup de ces toiles soient petites, elles ont une qualité monumentale.

Après la Seconde Guerre mondiale, Matisse a commencé à travailler de plus en plus en papier découpé. Il avait lavé d’immenses feuilles de papier avec gouache couleurs et ensuite découper ses formes et les coller ensemble (par exemple, The Snail, 1953; Tate Gallery, Londres). Il a dit: "Couper dans la couleur vivante me rappelle la sculpture directe du sculpteur." Bien qu’il ait souvent découpé des formes végétales banales, il les a composées en de splendides harmonies qui constituent le point culminant de sa carrière. Pendant qu’il était, il a continué à expérimenter avec la couleur pour le reste de sa vie. Au début des années 1950, il crée une série de découpes à la gouache, parmi lesquelles Blue Nude I, 1952; Blue Nude II, 1952; Blue Nude III, 1952; Blue Nude IV, 1952; Corde à sauter Blue Nude, 1952; Nu bleu avec des bas verts, 1952; Standing Nude, 1952. Les critiques d’art considèrent qu’ils représentent le type ultime de résumé peinture de la figure et figurent parmi les images les plus populaires et les plus souvent copiées du histoire des arts du 20ème siècle.

Son dernier chef-d’œuvre est la chapelle dominicaine de Notre-Dame du Rosaire (1947-1951) à Vence, un petit espace inoccupé rendu grand et noble par l’équilibre subtil d’éléments simples: les contours noirs délibérément schématiques sur les murs carrelés blancs, illuminés par les couleurs abstraites inondant exultant à travers les fenêtres.

Les tableaux d’Henri Matisse sont accrochés au meilleurs musées d’art à travers le monde.