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Explication, interprétation et signification des peintures à l’huile, des fresques et des aquarelles des maîtres anciens. Il s’agit d’une série d’articles éducatifs consacrés à l’analyse et à l’interprétation de fresques, d’huiles et d’aquarelles significatives, avec de nouveaux essais ajoutés régulièrement. Ajoutez cette page à vos signets pour en savoir plus sur les magnifiques portraits, les peintures historiques, les paysages et les peintures de genre des grands maîtres des époques baroque, rococo et néoclassique.

Analyse des peintures créées aux 19e et 20e siècles, voir : Analyse de la peinture moderne (1800-2000).

Comment analyser un tableau

Pour apprendre à analyser et à interpréter un tableau, il est utile de se familiariser avec les évaluations rédigées par d’autres. C’est pourquoi nous avons dressé une liste d’interprétations de tableaux célèbres. Nous ne voulons pas vous imposer notre subjectivité - nous attendons de vous que vous vous fassiez votre propre opinion sur tous les tableaux ci-dessous - mais nos analyses peuvent vous donner matière à réflexion et vous aider à démarrer.

L’appréciation de l’art n’est pas comme la résolution d’équations mathématiques, car il y a rarement une opinion «correcte» sur
❶ ce qu’un artiste particulier essayait de réaliser,
❷ s’il y est parvenu, ou
❸ à quel point sa peinture est parfaite. De plus, ce n’est pas la conclusion sur le tableau qui importe, mais votre raisonnement : en d’autres termes, POURQUOI vous l’aimez, ou ne l’aimez pas, ou y êtes indifférent.

Comment interpréter un tableau - quelques conseils simples

Lorsque vous analysez un tableau, n’oubliez pas qu’il s’agit simplement de peintures disposées d’une certaine manière. Ni plus ni moins. Ouvrez donc les yeux et observez attentivement des éléments tels que :
❶ la façon dont l’artiste utilise les lignes pour dessiner les figures ;
❷ les couleurs utilisées (rouge, jaune, etc.) ;
❸ les nuances ou les tons de certaines couleurs (bleu clair, bleu moyen, bleu foncé, etc.) ;
❹ la texture de la surface créée par l’artiste - est-elle très lisse, par exemple, avec peu de coups de pinceau visibles, ou s’agit-il d’une peinture épaisse et de marques de pinceau évidentes?
❺ Comment l’artiste attire-t-il votre attention - par exemple, y a-t-il des éléments qui attirent votre regard et conduisent votre attention à travers la composition?
❻ L’artiste essaie-t-il de représenter quelque chose de réel, comme une personne ou une scène? Dans l’affirmative, essaie-t-il simplement de reproduire la réalité ou essaie-t-il de dire quelque chose à ce sujet?
❼ Certains objets figurent-ils dans le tableau pour des raisons symboliques? Autrefois, par exemple, si un artiste incluait un chien dans le portrait d’une femme mariée, cela signifiait que la femme était fidèle à son mari. De nombreux tableaux contiennent des symboles similaires ;
❽ si un tableau est complètement abstrait, observez attentivement les types de figures qu’il contient et demandez-vous si elles vous rappellent quelque chose.

Quelle est l’intention de l’artiste?

Maintenant, à partir des informations que vous avez obtenues en analysant le tableau à l’aide de ces 8 points, demandez-vous quelle était l’intention de l’artiste dans chaque cas. Par exemple, si vous remarquez (point 3) que l’artiste a utilisé beaucoup de peinture rouge vif, demandez-vous : pourquoi? Qu’est-ce que l’artiste voulait obtenir? Ou encore, si vous remarquez que votre attention est attirée par un objet dans le tableau, demandez-vous pourquoi l’artiste a voulu attirer votre attention à cet endroit précis. Si vous parvenez à formuler votre opinion sur l’intention de l’artiste par rapport aux points susmentionnés, vous serez probablement en mesure d’évaluer assez bien le tableau lui-même.

Analyser des tableaux célèbres

Artistes inconnus (c.800)

Page du monogramme du Christ (Chi/Rho) dans le Livre de Kells (v.800)
Trinity College Library, Dublin
Un exemple exquis de décoration élaborée dans le style celtique.
Diptyque de Wilton (1395-99)
National Gallery, Londres
Créé pour le roi Richard II d’Angleterre et nommé d’après Wilton House, l’ancienne demeure des comtes de Pembroke.

Angelico, Fra (1400-1455)

Annonciation (vers 1450)
Fresque, Musée San Marco, Florence
Cette fresque murale, commandée par la famille Médicis, fait partie d’un ensemble décoratif peint par Fra Angelico pour le monastère dominicain de Florence, l’un des plus importants complexes de fresques de la Renaissance florentine.

Antonello da Messina (1430-1479)

Le Christ à la couronne d’épines (Ecce Homo) (1470)
Metropolitan Museum of Art, New York
Certains historiens de l’art considèrent ce portrait comme la quintessence de l’œuvre humaniste de la Renaissance italienne, dans laquelle l’homme est Dieu est homme.

Bellini, Giovanni (1430-1516)

Extase de saint François (1480)
Frick Collection, New York
Scène complexe de Bellini tirée de la vie de saint François et représentant celui-ci recevant les stigmates.
Portrait du doge Leonardo Loredan (1502)
National Gallery, Londres
Le puissant portrait du chef et premier magistrat de Venise par Bellini.
Retable de San Zaccaria (1505)
Église de San Zaccaria, Venise
Exquise Madone à l’enfant et saints Pierre, Catherine, Lucie et Jérôme par Giovanni Bellini.

Bosch, Hieronymus (1450-1516)

Jardin des délices terrestres (1500-05)
Huile sur bois, Museo del Prado, Madrid
Ce triptyque sur le thème de la piété est l’une des œuvres les plus énigmatiques et visionnaires de l’art de la Renaissance néerlandaise du XVIe siècle.
Triptyque «Botte de foin» (1516)
Huile sur panneau, Museo del Prado, Madrid
Un autre chef-d’œuvre religieux traitant des conséquences du péché.

Botticelli, Sandro (1445-1510)

Printemps, La Primavera (1482-3)
Peinture à la détrempe sur panneau de peuplier, Offices, Florence
Commandée par la famille Médicis, cette œuvre allégorique complexe allie l’élégance linéaire de l’art gothique à la narration humaniste de la Renaissance italienne. Un des plus beaux exemples de peinture mythologique de la Renaissance italienne.
Naissance de Vénus (1484-6)
Tempera sur toile, Uffizi, Florence
Commandé par le mécène humaniste Laurent de Médicis, ce tableau est le premier nu profane depuis l’Antiquité classique . Il appartient à une série de tableaux mythologiques peints par Botticelli à son retour de la chapelle Sixtine à Rome.

Brederlam, Melchior (1350-1411)

Retable de Dijon (1394-99)
Musée des Beaux-Arts, Dijon
Combine la décoration et le symbolisme du gothique international avec le naturalisme de la peinture italienne du XIVe siècle avant la Renaissance.

Bronzino, Agnolo (1503-1572)

Allégorie avec Vénus et Cupidon (1540-50)
National Gallery, Londres
Peinture maniériste expressive, érudite et complexe commandée par Cosimo de’ Medici pour la cour de François Ier à Fontainebleau

Bruegel l’Ancien, Pieter (v. 1525-1569)

Pays-Bas Paraboles (1559)
Huile sur panneau de chêne, Gemäldegalerie, GMPK, Berlin
Exécutée dans le style du grand prédécesseur néerlandais de Bruegel, Hieronymus Bosch, elle illustre la folie universelle de l’homme et l’importance suprême du Créateur et du Sauveur.
Mad Meg (Dulle Griet) (1562)
Huile sur bois, Musée Meyer van den Berg, Anvers
L’un des trois panneaux peints par Pieter Bruegel l’Ancien à la manière de Jérôme Bosch, il s’agit d’une œuvre d’art religieux puissante et apocalyptique, personnifiée par les pitreries de la grotesque Griet.
Tour de Babel (1563)
Huile sur panneau, Kunsthistorisches Museum, Vienne
Commandée par le collectionneur anversois Niklas Jongelink, il s’agit de la deuxième des trois versions du même sujet. Une expression picturale étonnante de l’idée que sans le salut divin, les travaux de l’homme dans le monde sont vains et dénués de sens.
Chasseurs dans la neige (1565)
Huile sur panneau de chêne, Kunsthistorisches Museum, Vienne
L’un des paysages les plus célèbres de l’histoire de la peinture, il contient - comme toutes les œuvres de Bruegel - un témoignage significatif du comportement rural des Néerlandais du XVIe siècle.
Massacre des Innocents (v. 1565-7)
Huile/panneau, Musée d’histoire de Vienne
Il existe deux versions de cette œuvre d’art biblique qui fait froid dans le dos : l’une se trouve au Musée d’histoire de Vienne, l’autre dans la collection royale du palais de Hampton Court.
Noces de paysans (1568)
Huile sur panneau de chêne, Musée d’histoire de Vienne
Cette célèbre illustration flamande de la vie paysanne est un exemple du style italien tardif de Bruegel pour la peinture de figures. Elle contient de nombreuses références symboliques et un sous-texte moral incontestable.
Parabole des aveugles (1568)
Huile sur panneau de chêne, Museo Nazionale di Capodimonte
L’un des exemples les plus connus de disposition spatiale diagonale, ce tableau est un mélange typiquement breughelien de peinture de genre, de prédication religieuse et de peinture de paysage.

Campen, Robert (v. 1378-1444)

Triptyque «Enterrement» (1410)
Huile et or, Courtauld Institute
La plus ancienne œuvre conservée de Robert Kampen, maître flamand, illustre la préférence des peintres flamands pour l’observation - afin de créer un nouveau réalisme pour mieux expliquer la religion - plutôt que pour l’utilisation gothique des apparats formels.
Retable de Mérode (triptyque «Annonciation») (vers 1425.)
Huile/panneau, Cloisters, Metropolitan Museum of Art, New York
Également appelée «Triptyque de l’Annonciation», cette peinture à l’huile flamande du début du XVe siècle a été commandée par le riche marchand flamand Jan Engelbrecht en tant que retable domestique.

Le Caravage (1571-1610)

L’appel de saint Matthieu (1599-1600)
Chapelle Contarelli, église San Luigi dei Francesi, Rome
Cette œuvre, peinte comme un tableau de genre, saisit la fraction de seconde après que l’appel du Christ est suspendu dans les airs, mais que Lévi n’a pas encore eu le temps de répondre. En une seconde, il se lève, devient l’apôtre Matthieu et suit le Christ hors de la pièce.
Martyre de saint Matthieu (1599-1600)
Capella Contarelli, San Luigi dei Francesi, Rome
Caravage a représenté ici la scène précédant le martyre de saint Matthieu. L’œuvre est accrochée à côté de deux tableaux apparentés du Caravage : «L’appel de saint Matthieu» et «L’inspiration de saint Matthieu».
Crucifixion de saint Pierre (1601)
Cappella Cerasi, Santa Maria del Popolo, Rome
Ce qui choque le plus dans ce tableau, ce sont les efforts banals de ceux qui sont chargés d’exécuter Pierre. Derrière toutes les poussées et les soulèvements, on perd presque de vue qu’un homme est en train d’être exécuté.
Conversion sur le chemin de Damas (1601)
Chapelle Cerasi, Santa Maria del Popolo, Rome
Un des deux tableaux commandés par Monseigneur Tiberio Cerasi (1544-1601), trésorier du pape Clément VIII, pour sa chapelle familiale.
Dîner à Emmaüs (1601-2)
National Gallery, Londres
Un des plus beaux exemples de la peinture religieuse réaliste du Caravage, marquée aussi par les effets de raccourci, de clair-obscur et de trompe-l’œil au bord du plan pictural.
Mort de la Vierge (Morte della vergine) (1601-6)
Louvre, Paris
Le Caravage évite l’émotion manifeste caractéristique de la peinture maniériste, préférant souligner le chagrin des endeuillés en dissimulant leurs visages, avec un usage minutieux du ténébrisme dramatique pour mettre en valeur les pleureuses et pour éclairer le corps de Marie d’une lumière céleste.
L’enterrement du Christ (Deposizione) (1601-3)
Pinacoteca Vaticana, Rome
Un chef-d’œuvre de tendre fidélité lorsque Nicodème, Jean l’évangéliste, Marie Madeleine, la Vierge Marie et sa sœur Marie de Clopas descendent Jésus dans le tombeau.
Amor Vincit Omnia («Cupidon victorieux») (1602)
Gemaldegalerie SMPK, Berlin
Ce qui frappe dans cette œuvre, c’est la joie du jeune modèle qui pose pour le tableau. Il s’agit donc du portrait d’un garçon (Cecco) plutôt que d’une représentation du Cupidon classique.

Carracci, Annibale (1560-1609)

Fresques de la galerie Farnèse «L’amour des dieux» (1597-1608)
Palais Farnèse, Rome
Forte influence du style classique de la fresque monumentale.

Christus, Petrus (1410-1475)

Portrait d’une jeune fille (1470)
Gemaldegalerie, Staatliche Museen, Berlin
Un chef-d’œuvre de portrait novateur par le plus grand disciple de Jan van Eyck.

Le Corrège (1494-1534)

Assomption de la Vierge (cathédrale de Parme) (1526-30)
Un exemple étonnant de peinture quadra sur la face inférieure de la coupole.
Jupiter et Io (1533)
Kunsthistorisches Museum, Vienne
L’un des plus grands chefs-d’œuvre mythologiques de la Haute Renaissance.

Cortona, Pietro da (1596-1669)

Allégorie de la providence divine et de l’autorité des Barberini (1633-39)
Palazzo Barberini, Rome
Impressionnante fresque-carrée sur la vie du pape Urbain VII.

David, Jacques-Louis (1748-1825)

Le serment d’Horace (1785)
Huile sur toile, Musée du Louvre, Paris
Un chef-d’œuvre de la peinture mythologique néoclassique.
Mort de Marat (1793)
Huile sur toile, Musée royal des Beaux-Arts, Bruxelles
Une peinture totalement propagandiste dans laquelle un révolutionnaire impitoyable est transformé en martyr laïque.

Duccio di Buoninsegna (v. 1255-1319)

Vierge à l’enfant de Stroganoff (1300)
Tempera/or sur bois, Metropolitan Museum of Art New York
Ce chef-d’œuvre religieux précoce de l’école siennoise de peinture, également connu sous le nom de Vierge de Stoclet, est un jalon dans la transition entre la peinture médiévale et la peinture de la Renaissance.
Retable de Maesta (1308-1311)
Tempera/gilt/bois, Musée de la cathédrale de Sienne
Exemple du style gothique de l’école siennoise de peinture, cette Vierge à l’enfant, aux anges et aux saints a été créée pour le maître-autel de la cathédrale de Sienne.

Dürer, Albrecht (1471-1528)

Autoportrait au collier de fourrure (1500)
Alte Pinakothek, Munich
Cet autoportrait est une façon pour Dürer de dire qu’il veut être considéré comme un artiste de la Renaissance plutôt que comme un artisan du nord de l’Europe.

Jeune lièvre (1502)
Albertina, Vienne
Une des premières études de nature à constituer un tableau indépendant

Grand morceau de gazon (1503)
Albertina, Vienne
Un exemple de la synthèse unique de Dürer des détails et de l’humanisme de la Renaissance du Nord et des détails de la Renaissance italienne.

Le Greco (1541-1614)

Enterrement du comte d’Orgaz (1586-88)
Église de Santo Tomé, Tolède, Espagne
La plus grande et la plus célèbre peinture de l’artiste représentant les funérailles légendaires de Don Gonzalo de Ruiz, auxquelles assistent Saint Étienne et Saint Augustin.
Vue de Tolède (1595-1600)
Metropolitan Museum of Art, New York
Cette peinture atmosphérique de Tolède, la ville préférée du Greco, est l’un des premiers «paysages purs» au monde.
La nudité du Christ (El Espolio) (1577)
Cathédrale de Tolède
Représentation très dramatique de la scène où le Christ est déshabillé avant la crucifixion. Dominée par la figure centrale de Jésus vêtu d’une riche robe écarlate.
Le Christ chassant les marchands du temple (1600)
National Gallery, Londres
L’une des cinq versions du récit biblique de la purification du temple, qui apparaît dans tous les évangiles.
Portrait de Felix Hortensio Paravicino (v. 1605)
Museum of Fine Arts, Boston
Un exquis portrait monochrome de l’influent théologien royal, poète et moine trinitaire.
Portrait d’un cardinal (1600)
Metropolitan Museum of Art, New York
Portrait psychanalytique du cardinal Don Fernando Nino de Guevera, grand inquisiteur de l’Inquisition espagnole.

Eijk, Jan Van (1390-1441)

Retable de Gand (1425-32)
Huile sur bois, cathédrale Saint-Bavon, Gand
L’un des plus grands tableaux religieux de l’époque, ce polyptyque massif d’Hubert et Jan van Eyck est l’une des pierres angulaires de l’école flamande de peinture, acclamée pour ses couleurs vives, son réalisme stupéfiant et ses vastes sujets.
Homme au turban rouge (1433)
Huile sur bois, National Gallery, Londres
L’une des nombreuses peintures à l’huile de renommée internationale du chef de file de l’école flamande, qui illustre le nouveau réalisme émanant des Flandres au 15e siècle et qui a influencé un grand nombre d’artistes italiens de la Renaissance.
Portrait d’Arnolfini (1434)
Huile sur bois, National Gallery, Londres
Cette œuvre, peinte à Bruges et remplie d’un symbolisme complexe, est l’un des panneaux les plus célèbres de l’école flamande de peinture du XVe siècle.

Fouquet, Jean (1420-1481)

Portrait de Charles VII de France (1445-50)
Musée du Louvre, Paris
Considéré comme l’un des plus grands portraits de l’école française.

Diptyque de Melen (1450-55)
Huile/panneau, Koninklijk Museum ; Gemäldegalerie, SMPK, Berlin
Ce diptyque dédié à la piété, commandé par Etienne Chevalier, trésorier du roi Charles VII, pourrait facilement être confondu avec une œuvre d’art moderne plutôt qu’avec un exemple du gothique international.

Fragonard, Jean-Honoré (1732-1806)

Balançoire (Fragonard) (1767)
Wallace Collection, Londres
Un chef-d’œuvre de l’art érotique rococo français dans la tradition de Jean Watteau et de François Boucher.

Fuseli, Heinrich (1741-1825)

Cauchemar (1781)
Detroit Institute of Arts
Peinture fantastique/surréaliste fortement imaginée qui est devenue une image emblématique.

Gentileschi, Artemisia (1597-1651)

Judith décapitant Holopherne (1620)
Huile sur toile, Galerie des Offices, Florence .
Le sujet biblique préféré d’Artemisia, qui se représente généralement elle-même (Judith) et son violeur Agostino Tassi (Holopherne).

Ghirlandaio, Domenico (1449-1494)

Vieil homme et garçon (1490)
Musée du Louvre, Paris
L’œuvre de Ghirlandaio illustre les réalisations humanistes de l’art et de la culture du début de la Renaissance à l’époque du Quattrocento .

Giorgione (1477-1510)

La Tempête (1508)
Galerie de l’Académie de Venise
Un tableau complexe et allégorique du peintre le plus énigmatique de Venise.
Vénus endormie (Vénus de Dresde) (1508)
Gemaldegalerie Alte Meister, Dresde
Achevée par Titien, qui s’est inspiré de sa Vénus d’Urbino .

de Giotto (1267-1337)

Fresques de la chapelle Scrovegni (vers 1303-10
Capella degli Scrovegni, Padoue
Pierre angulaire de l’art de la Renaissance, le cycle de fresques de Giotto dans la chapelle Scrovegni ou chapelle de l’Arène marque une rupture importante avec le style plat de la peinture byzantine-gothique et ouvre la voie au naturalisme du Quattrocento…

de Giotto (1267-1337)

La trahison du Christ (Le baiser de Judas) (1305) Cappella Scrovegni/Arena
Le deuil du Christ (1305) Cappella Scrovegni/Arena

Goes , Hugo Van Der (1440-1482)

Retable Portinari (1476-9)
Huile sur bois, Galerie des Offices, Florence .
Chef-d’œuvre flamand commandé par Tommaso Portinari, directeur de la succursale brugeoise de la banque de la famille Médicis. A fortement influencé l’art de la Renaissance florentine .

Grünewald, Matthias (v. 1475-1528)

Retable d’Isenheim (vers 1515)
Huile sur panneau de bois, Musée Unterlinden, Colmar .
Le plus grand retable expressionniste de l’histoire de l’art ; il combine l’imagerie gothique inspirée de Bosch et les techniques les plus récentes de la peinture de la Renaissance allemande. Les historiens de l’art ne l’ont jamais entièrement compris.

Hals, Frans (1582-1666)

Cavalier riant (1624)
Huile sur toile, Wallace Collection, Londres .
Un exemple du style de portrait vif et spontané de Hals, bien que, ironiquement, le modèle ne soit pas un cavalier et ne rie pas.

Holbein, Hans (1497-1543)

Portrait d’Erasme de Rotterdam (1523)
National Gallery, Londres
Le premier grand portrait d’Holbein, qui fait de lui un artiste international.
Portrait de Sir Thomas More (1527)
Frick Collection, New York
Thomas More, proche d’Érasme, fut le principal mécène de Holbein lors de la première visite de ce dernier en Angleterre.
Portrait d’une dame avec un écureuil et un étourneau (1527-28)
National Gallery, Londres
Récemment identifiée comme Anne Lovell, épouse de Sir Francis Lovell, qui accompagna Henri VIII.
Portrait du marchand Georg Giese (1532)
Gemaldegalerie, SMPK, Berlin
Un des portraits d’une série de marchands de la Ligue hanséatique travaillant à Londres.
Portrait de Thomas Cromwell (1532-4)
National Portrait Gallery, Londres
Cromwell fut le principal commanditaire de Holbein lors de sa deuxième visite en Angleterre, et après la chute de Cromwell en 1540, sa carrière ne fut jamais complètement rétablie.
Ambassadeurs (1533)
National Gallery, Londres
Double portrait de Jean de Dinteville, ambassadeur de France, et de Georges de Selve, évêque de Lavaur.
Portrait d’Henri VIII (1536)
Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid
Un portrait conservé de Holbein, ainsi que des détails d’autres peintures, dont une fresque du palais de Whitehall.

Léonard de Vinci (1452-1519)

Madone aux rochers (Madone aux rochers) (1483-5)
Huile sur panneau, Louvre, Paris
Cette rare peinture de Léonard a été installée dans la chapelle de l’Immaculée Conception de l’église San Francesco Grande à Milan. Cependant, elle fut rapidement vendue au roi Louis XII de France, après quoi une deuxième version fut exécutée. Elle est aujourd’hui conservée à la National Gallery de Londres.
La Dame à l’hermine (1490)
Huile sur panneau, musée Czartoryi, Cracovie
L’un des rares portraits exécutés par le génie florentin Léonard de Vinci, ce tableau a été commandé par Ludovic Sforza, duc de Milan, principal employeur de Léonard entre 1482 et 1499.
La Cène (1495-98)
tempera/huile, Santa Maria delle Grazie, Milan
Connue en italien sous le nom de Il Cenacolo ou L’Ultima Cena, cette interprétation complexe du sujet biblique présente un symbolisme mathématique et narratif ainsi qu’une magnifique utilisation de la couleur et de la perspective.
Mona Lisa (La Gioconda) (1503-06)
Huile sur bois, Louvre, Paris
«La Gioconda», dont le coût est estimé à 1 milliard de dollars, est peut-être le plus grand tableau de la Renaissance italienne. C’est un exemple de la magnifique technique de peinture à l’huile de Léonard, y compris la technique du sfumato.

Les frères Limbourg (Paul, Herman, Jean) (vers 1390-1416)

Le magnifique livre de chapitres du duc de Berry (1413)
Gouache sur vélin, Musée Condé, Chantilly
Un des plus beaux exemples de miniature médiévale, ce manuscrit enluminé est un chef-d’œuvre du Musée Condé, Chantilly.

Lorenzetti, Ambrogio (v. 1285-1348)

Allégorie du bon et du mauvais gouvernement (1338-9)
Palazzo Pubblico, Sienne
Cette série de six fresques pour l’hôtel de ville de Sienne est le chef-d’œuvre d’Ambrogio.

Mantegna, Andrea (1431-1506)

Lamentation sur le Christ mort (v. 1470-80)
Tempera sur panneau, Pinacoteca di Brera, Milan
L’une des plus grandes peintures du début de la Renaissance réalisées en dehors de Florence, connue comme étant probablement l’exemple le plus célèbre de la technique illusionniste de la prévoyance dans le Quatrocento.
Fresques de la Camera degli Sposi (1465-74)
Fresque, Camera Picta, Palais Ducal, Mantoue
L’un des exemples les plus célèbres de peinture illusionniste du début de la Renaissance, les fresques du plafond et des murs de cette médiocre salle de réception du palais ducal de Mantoue se caractérisent par des effets visuels de trompe-l’œil avec des techniques picturales telles que le quadrillage .

Martini, Simone (1284-1344)

Triptyque «Annonciation» avec sainte Marguerite et saint Ansan (1333)
Galerie des Offices, Florence
La plus grande œuvre de Martini, ce retable gothique exquis a été créé pour la chapelle latérale de la cathédrale de Sienne.

Mazaccio (1401-28)

Fresques de la chapelle Brancacci (1424-8)
Santa Maria del Carmine, Florence
Connue comme la «chapelle Sixtine de la première Renaissance», la chapelle Brancacci a été peinte à fresque par Masolino da Panicale et son jeune assistant Mazaccio et est devenue le summum de l’art de la première Renaissance à Florence.
Expulsion du jardin d’Eden (1425)
Fresque, chapelle Brancacci
Connue en italien sous le nom de «Cacciata dei progenitori from Eden», cette peinture est peut-être la plus célèbre de toutes les fresques de la chapelle Brancacci.
Hommage en argent (1426)
Fresque, chapelle Brancacci
Une autre fresque du cycle des fresques de la chapelle Brancacci, caractérisée par sa perspective linéaire scientifique, son esthétique humaniste et ses figures tridimensionnelles.
Sainte-Trinité (1428)
Fresque, Santa Maria Novella, Florence
Œuvre phare de la peinture du début de la Renaissance, remarquable par son utilisation de la perspective linéaire en un seul point.

Memling, Hans (v. 1433-94)

Triptyque «Jugement dernier» (v. 1471)
Huile sur panneau, Musée Narodowe, Gdansk .
Peint quelques années avant le Triptyque de Donne (1475-80, National Gallery, Londres), il s’agit du tableau religieux le plus important de Memling, qui fait le lien entre l’art gothique et la Renaissance florentine.
Triptyque «Donne» (1477-80)
Huile sur panneau, National Gallery, Londres.
Petit retable en grisaille, commandé à Bruges par le noble gallois Sir John Donne of Kidwelly.

Michel-Ange (1475-1564)

Fresque «Genèse» (Genèse) (1508-12)
Plafond de la chapelle Sixtine, Rome
Sans doute le plus grand exemple de peinture figurative de l’histoire de l’art, cette impressionnante fresque couvre quelque 1 000 mètres carrés de plafond, illustrant des événements tirés du livre biblique de la Genèse.
Création d’Adam (1511-12)
Fresque, Chapelle Sixtine, Rome
Œuvre phare de l’art chrétien, c’est la plus célèbre des fresques du plafond de Michel-Ange du cycle de la Genèse dans la Chapelle Sixtine, commandée par le pape Jules II.
Fresque «Le Jugement dernier» (1536-41)
Retable mural de la chapelle Sixtine, Rome
Cette fresque, réalisée 25 ans après l’achèvement de la fresque «La Genèse», a été commandée par le pape Clément VII (1523-1534). Elle est considérée, avec la «Genèse», comme le plus grand chef-d’œuvre de l’art religieux.

Parmigianino (1503-1540)

Madone au long cou (1535)
Galerie des Offices, Florence
Madone à l’enfant avec message allégorique.

Pérugin, Pietro (1450-1523)

Christ remettant les clés à saint Pierre (1482)
Chapelle Sixtine, Cité du Vatican, Rome
L’une des plus grandes œuvres d’art biblique de la Renaissance italienne, renforçant le dogme de l’autorité papale et démontrant le concept de perspective linéaire.

Piero Della Francesca (1415-1492)

Affaiblissement du Christ (1450-60)
Tempera/huile sur panneau, Galleria Nazionale delle Marche, Urbino
Ce chef-d’œuvre du début de la Renaissance, reconnu par l’historien de l’art Kenneth Clark comme l’un des dix meilleurs tableaux de tous les temps, est célèbre pour son utilisation de la perspective linéaire.

Poussin, Nicolas (1594-1665)

Enlèvement des Sabines (1634-5)
Metropolitan Museum of Art, New York
La plus célèbre peinture mythologique de l’Antiquité classique de Poussin.
Et in Arcadia Ego (1637)
Musée du Louvre, Paris
Un memento mori allégorique, exécuté dans le style classique caractéristique de Poussin.

Pozzo, Andrea (1642-1709)

Apothéose de saint Ignace (1688-94)
Église jésuite de Sant’Ignazio, Rome
Peut-être la plus grande œuvre de fresque en trompe-l’œil de l’histoire.

Pucel, Jean (1290-1334)

Bréviaire de Belleville (1323-26)
Bibliothèque Nationale, Paris
Le plus célèbre bréviaire enluminé connu de la peinture française du XIVe siècle.
Horloge de Jeanne d’Heureux (1324-28)
Cloisters, Metropolitan Museum of Art, New York .
Livre de prières personnel créé pour la reine française Jeanne d’Évreux.

Quarton, Engerrand (1410-1466)

Pietà d’Avignon (1454-6)
Louvre, Paris
L’une des plus belles peintures religieuses du quinzième siècle. Un chef-d’œuvre de l’école provençale.

Raphaël (1483-1520)

École d’Athènes (Scuola di Atene) (1509-11)
Fresque, Stanza della Segnatura, Vatican
La fresque la plus célèbre des salles de Raphaël au Vatican, commandée par le pape Jules II (1503-13), est une synthèse picturale de l’humanisme grec et du christianisme de la Renaissance.
La Madone Sixtine (1513-14)
Huile/toile, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresde
L’une des dernières peintures achevées par Raphaël lui-même, et peut-être sa plus belle Madone, a été installée sur le maître-autel de l’église de l’abbaye bénédictine de San Sisto à Piacenza.
Portrait de Baldassare Castiglione (1514-15)
Huile/toile, Musée du Louvre, Paris
Ce portrait de la Haute Renaissance représente l’éminent lettré et penseur de la cour d’Urbino au début du XVIe siècle. On pense qu’il s’agit d’une œuvre commune de Raphaël et d’autres assistants tels que Giulio Romano.
Le pape Léon X avec les cardinaux (1518)
Huile sur panneau, galerie Palatine, palais Pitti, Florence
Comme le portrait du pape Jules II, ce chef-d’œuvre est une œuvre complexe de portrait politique qui a influencé de nombreux artistes de la Renaissance.
Transfiguration (1518-20)
Huile sur panneau, Pinacoteca Apostolica Apostolica, Cité du Vatican
Ce chef-d’œuvre de l’art biblique de la Haute Renaissance est un précurseur important du maniérisme.

Rembrandt (1606-1669)

Leçon d’anatomie du docteur Nicolaes Tulp (1632)
Huile/toile, Mauritshuis, La Haye
L’un des plus célèbres portraits de groupe du baroque hollandais, il s’agit de la première grande toile de Rembrandt et du tableau qui a contribué à asseoir sa réputation après son installation à Amsterdam en 1631-2.
Ronde de nuit (1642)
Huile/toile, Rijksmuseum, Amsterdam
Le portrait de groupe le plus célèbre de la période baroque est surtout connu pour sa composition révolutionnaire, qui transforme un sujet ordinaire en une œuvre d’art dynamique.
Aristote contemplant un buste d’Homère (1653)
Huile/toile, Metropolitan Museum of Art, New York
Ce portrait mythologique a été exécuté pour Don Antonio Ruffo de Messine (1610-1678), l’un des plus grands collectionneurs d’art de Sicile. En 1961, il a été acquis par le Metropolitan Museum of Art de New York pour 2,3 millions de dollars. Sa valeur estimée dépasse aujourd’hui les 100 millions de dollars.
Bethsabée tenant la lettre du roi David (1654)
Huile sur toile, Louvre, Paris
Cette œuvre biblique, qui compte parmi les plus grands portraits de Rembrandt, a été l’occasion pour lui de peindre un autre de ses nus féminins d’une expressivité exquise.
Portrait de Jan Sicks (1654)
Huile/toile, collection privée, Amsterdam
Peut-être le plus grand portrait individuel de Rembrandt, celui-ci est celui de son ami, homme d’affaires, juge et écrivain Jan Sicks (1618-1700).
La conspiration de Claudius Civilis (1661)
Huile sur toile, Musée national, Stockholm
L’une des œuvres les plus puissantes de la peinture hollandaise du XVIIe siècle, Elle fut installée dans le nouvel hôtel de ville d’Amsterdam jusqu’à ce qu’un différend survienne, à la suite duquel Rembrandt conserva le tableau, en réduisant sa taille pour le rendre plus facile à vendre.
Syndicat de la guilde des drapiers (Les Staalmeesters) (1662)
Huile sur toile Rijksmuseum, Amsterdam
Beaucoup moins connu que «La Ronde de nuit», ce tableau est un autre fabuleux portrait de groupe que Rembrandt a exécuté dans la dernière décennie de sa vie. La commande a été reçue par Rembrandt après sa faillite, ce qui montre la grande estime dont il jouissait encore.
Le suicide de Lucrèce (vers 1666)
Huile/toile, Minneapolis Institute of Art
Cette œuvre dramatique et poignante, qui démontre la maîtrise du clair-obscur par Rembrandt, témoigne également de son génie à insuffler un contenu émotionnel dans le portrait.
La Fiancée juive (v.1665-8)
Huile/toile, Rijksmuseum, Amsterdam
L’un des derniers doubles portraits de Rembrandt, cette œuvre biblique est l’une des rares expressions réelles de l’amour créées par un artiste baroque dans la Hollande du XVIIe siècle.
Le retour du fils prodigue (1666-69)
Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg
L’un des derniers tableaux de Rembrandt, il représente sa meilleure interprétation d’une scène biblique - en l’occurrence la célèbre parabole du fils perdu de l’Évangile de Luc.

Rubens (1577-1640)

Samson et Dalila (1609-10)
National Gallery, Londres
Chef-d’œuvre de l’art biblique, il montre toute l’influence de la Renaissance italienne et du baroque italien tardif sur l’art de Rubens.

Descente de croix (Rubens) (1612-14)
Cathédrale Notre-Dame, Anvers
La plus connue des versions de Rubens de cette composition du Nouveau Testament.

Enlèvement des filles de Leucippe (1618)
Alte Pinakothek, Munich
Une peinture mythologique complexe dont la signification reste controversée à ce jour.

Le Jugement de Pâris (1632-5)
National Gallery, Londres
Peut-être la meilleure des nombreuses illustrations de Rubens de ce mythe grec.

Rublev, Andrei (1360-1430)

Icône «Sainte Trinité» (1411-25)
Galerie Tretiakov, Moscou
La plus célèbre des icônes russes, peinte à l’origine pour le monastère de la Trinité-Serge, elle représente l’apogée de l’art médiéval russe.

Tiepolo, Giambattista (1696-1770)

Fresques de la Résidence de Würzburg (1750-53)
Kaiserhaal, Treppenhaus, Palais de Würzburg
Les plus grandes fresques du XVIIIe siècle du grand artiste rococo vénitien.

Tintoret (Jacopo Robusti) (1518-1594)

Crucifixion (1565)
Scuola Grande di San Rocco, Venise
Scène panoramique maniériste du Calvaire. Une version très inhabituelle et innovante du Christ en croix.

Titien (1488-1576)

Vénus d’Urbino (1538)
Galerie des Offices, Florence
Modelée sur la Vénus au repos «» (1518) de Giorgione, elle est l’une des figures féminines nues les plus célèbres de la Renaissance italienne.
Assomption de la Vierge (1516-18)
Sainte Maria Gloriosa dei Frari, Venise
Peut-être le retable le plus dramatique et le plus inspirant de l’histoire de l’art.
Le pape Paul III avec ses petits-enfants (1546)
Museo Nazionale di Capodimonte, Naples
Un portrait politique très complexe d’un pontife de la famille Farnèse, plein de symbolisme.
Bacchus et Ariane (1520-23)
National Gallery, Londres
Peinture mythologique vénitienne commandée par Alphonse Ier d’Este, duc de Ferrare, pour son palais ducal.
Bacchanales des Andriens (1523-5)
Musée du Prado, Madrid
Peinture mythologique de la Haute Renaissance connue sous le nom de poesia, d’après un récit de l’écrivain romain Philostrate.

Uccello, Paolo (1397-1475)

Bataille de San Romano (1438-55)
Tempera sur panneau, National Gallery London ; Uffizi Florence ; Louvre Paris
L’un des rares triptyques profanes de la Renaissance italienne, il fut «acquis» par l’avide Laurent de Médicis auprès de son propriétaire, la famille Bartolini Salimbeni. L’œuvre constitue une expérience importante de perspective linéaire.

Chasse dans la forêt (1470)
Ashmolean Museum, Oxford
Comme sa sœur La bataille de San Romano (1438-55), cette peinture démontre la maîtrise de la perspective linéaire par Uccello.

Velázquez (1599-1660)

Le marchand d’eau de Séville (1618-22)
Wellington Museum, Apsley House, Londres
La plus célèbre peinture de genre de Velázquez, ou bodegont.
Crucifixion du Christ (1632)
Prado, Madrid
Une représentation réduite et classique de la crucifixion.
Reddition de Breda (Las Lanzas) (1634-5)


Prado, Madrid
Une peinture historique complexe représentant la noblesse d’Ambrogio Spinola.
Vénus de Rokeby (1647-51)
National Gallery, Londres
Le plus grand nu féminin de Vélasquez.
Portrait du pape Innocent X (1650)
Galleria Doria Pamphilia, Rome
Le plus célèbre de tous les portraits de papes ; base du tableau de Bacon Screaming Popes .
Ménines (Dames d’honneur) (1656)
Museo del Prado, Madrid
La plus grande œuvre de Velázquez, un portrait de groupe complexe traitant des problèmes de la vérité et de l’illusion.

Vermeer, Jan (1632-1675)

Petite rue (Rue de Delft) (vers 1657-58)
Huile sur toile, Rijksmuseum, Amsterdam
Chef-d’œuvre du réalisme protestant hollandais, ce tableau est l’une des rares œuvres de l’artiste à ne pas contenir d’éléments figuratifs significatifs.
Soldat et jeune fille riant (vers 1658)
Huile/toile, Frick Collection, New York
Cette peinture de genre démontre la maîtrise de la lumière et de l’espace de Vermeer, ainsi que sa capacité à créer un sentiment d’intimité dans lequel nous nous immisçons.
La laitière (vers 1658-1660
Huile/toile, Rijksmuseum, Amsterdam
L’un des plus beaux exemples de peinture de genre réaliste hollandaise, pleine de symbolisme et de narration moralisatrice, a longtemps été un favori des artistes et des critiques.
Femme tenant une balance (1662-3)
Huile/toile, National Gallery of Art, Washington DC
L’une des plus grandes peintures de genre de l’histoire de l’art, cette œuvre ouvertement allégorique allie une technique méticuleuse à une profonde intimité - un style inégalé par tout autre peintre des écoles de Leyde, Haarlem, Utrecht, Dordrecht ou Delft.
Jeune femme à la cruche (vers 1662)
Huile/toile, Metropolitan Museum of Art, New York
L’une des cinq peintures de Vermeer conservées au Metropolitan Museum of Art, New York, et la première de sa série «de peintures perlées», elle illustre le travail de Vermeer sur la lumière ainsi que les tons nacrés de sa palette de couleurs bleues et jaunes.
Femme au collier de perles (vers 1663)
Huile sur toile, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin
Une autre des peintures de perles «de Vermeer», montrant la technique de peinture caractéristique de Vermeer, avec des bords de pinceau doux et une palette de couleurs jaune-bleu-gris.
Jeune fille à la boucle d’oreille perlée (Tête de jeune fille au turban) (1665)
Huile sur toile, Mauritshuis, La Haye
Connue sous le nom de «Mona Lisa du Nord», cette œuvre montre que Vermeer n’était pas seulement un maître du portrait, mais aussi un maître de la peinture de genre.
La jeune fille au chapeau rouge (vers 1666-1667)
Huile/panneau, National Gallery of Art, Washington DC
Portrait ou peinture de genre? Quelle différence! Ce chef-d’œuvre exquis est l’un des plus petits tableaux de Vermeer et l’une de ses rares œuvres sur panneau.
L’art de la peinture : Allégorie (v. 1666-73)
Huile/toile, Kunsthistorisches Museum, Vienne
Cette œuvre, également appelée «L’artiste dans son atelier» et «Allégorie de la peinture», est la plus grande de toutes les peintures de Vermeer et pourrait contenir son autoportrait en action.
La Dentellière (v. 1669-1670)
Huile sur toile, Louvre, Paris
Le plus petit tableau de Vermeer, il est considéré comme l’une des plus grandes peintures de genre produites pendant la période réaliste hollandaise.

Véronèse, Paolo (1528-1588)

Noces de Cana (1563)
Musée du Louvre, Paris
Illustration du miracle biblique de Jésus transformant l’eau en vin. Cette histoire religieuse a pour cadre la Venise du XVIe siècle.
Festin dans la maison de Lévi (1573)
Galerie de l’Académie de Venise
Une œuvre très controversée, à l’origine une «Cène». Véronèse changea le sujet en «Le Christ dans la maison de Lévi», pour se protéger de l’Inquisition.

Watteau, Jean-Antoine (1684-1721)

Pèlerinage à Cythère (1717)
Huile/toile, Louvre, Paris ; Charlottenburg, Berlin
En partie genre, en partie paysage, cette œuvre (il en existe deux versions) introduit un type de peinture entièrement nouveau connu sous le nom de «Festin galant».

Weyden, Roger van der (v. 1400-1464)

Enlèvement de la croix (Déposition) (v. 1435-40)
Huile sur panneau, Prado, Madrid
Ce chef-d’œuvre de l’art religieux flamand est la plus grande œuvre de Van der Weyden et l’une des plus influentes du milieu du quinzième siècle.

Joseph Wright of Derby (1734-1797)

Expérience d’un oiseau dans une pompe à air (1768)
National Gallery, Londres
Peinture de genre réaliste représentant une expérience scientifique. Eclairage caravagesque.

Ressources complémentaires sur la peinture

Grands peintres européens
Pour des biographies de peintres célèbres (c. 1250-1800), voir : Maîtres anciens .
* Grands peintres modernes
Sur la carrière des peintres modernes (1700-1900), voir : Peintres célèbres .
* Les plus grands artistes
Sur les plus grands artistes, voir : Les plus grands artistes de tous les temps .
* Les meilleurs tableaux historiques
Sur les meilleurs peintres narratifs, voir : Les meilleurs peintres historiques .
* Les meilleurs portraits
Sur les plus grands portraitistes, voir : Les plus grands portraits .
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* Les meilleurs paysages
Pour les plus belles vues, voir : Les meilleurs paysagistes .
Voir aussi : Peintures de paysages célèbres .
* Meilleurs tableaux de genre
Pour les plus belles œuvres de genre, voir : Les plus grands tableaux de genre .
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* Les meilleures natures mortes
Pour les meilleures natures mortes, voir : Les meilleurs peintres de natures mortes .

Conseils pour l’interprétation des beaux-arts voir :
L’appréciation de l’art
Comment apprécier les peintures