Peinture hollandaise, XVIIe siècle Automatique traduire
Pour une liste des dates importantes concernant l’évolution de l’artisanat d’art,
s’il te plait regarde: Chronologie de l’histoire de l’art (2, 5 millions avant notre ère).
introduction
De temps en temps, un pays connaît une période de croissance artistique spectaculaire. Dans le cas de la Hollande, cela s’est passé à l’époque de Art baroque hollandais au 17ème siècle, avec l’émergence de peintres de génie comme Rembrandt et Vermeer. En particulier, cet âge d’or de la peinture hollandaise est célèbre pour ce qui est devenu " Réalisme hollandais "- une forme très détaillée de la vie réelle portrait d’art et peinture de genre, qui s’est avéré très populaire auprès de la classe moyenne aisée du pays. Les plus grandes collections d’œuvres de Artistes réalistes hollandais sont dans le Rijksmuseum Amsterdam et le Mauritshuis à La Haye.
Contexte historique
Le 17ème siècle a vu l’émergence de la Hollande en tant que puissance européenne majeure. À la signature de la trêve de douze ans en 1609, les États du nord des Pays-Bas deviennent indépendants de la domination espagnole et entrent dans une période de riche développement culturel, économique et social. Amsterdam avait déjà pris la place d’Anvers dans le commerce et l’économie européens; il est maintenant devenu un centre bancaire. De belles maisons de marchands ont été construites le long de ses nombreux canaux et la classe montante de commerçants et de bourgeois prospères a créé une demande pour des produits de luxe modestes. La culture des bulbes est devenue une source de richesse importante. Vers le milieu du siècle, la marine néerlandaise commençait à menacer la maîtrise des mers par l’Angleterre. Malgré le recul de l’art résultant de la rupture du catholicisme avec le pays, les peintres néerlandais – provenant notamment des écoles d’Amsterdam, de Delft, de Dordrecht, de Haarlem, de Leiden et d’Utrecht – ont apporté une contribution essentielle à la histoire des arts au cours de ce siècle.
L’effet du protestantisme sur La peinture était au début catastrophique. En Allemagne, en Hollande et en Angleterre, il semblait que cela ne pourrait pas survivre. De nombreux protestants considéraient les images ou les images de saints d’églises comme des idolâtres de Popish et les peintres de ces pays perdaient leur source de revenus la plus fiable et la plus lucrative – retable. Les artistes ne pouvaient pas non plus (du moins en Hollande) trouver d’emploi dans la décoration de somptueux palais, car les bourgeois hollandais étaient des citoyens sobres qui n’aimaient pas ce qu’ils considéraient comme la pompe ostentatoire du sud catholique. Illustration du livre et le portrait semblait offrir le seul moyen pour un artiste de gagner sa vie, et il ne semblait pas y avoir de marché important pour les deux.
Portrait néerlandais
Néanmoins, avec une prospérité croissante, la demande de portraits s’accroissait: un digne bourgeois qui était devenu bourgmestre serait fier de se faire peindre sous l’insigne de son bureau; Les gouverneurs d’institutions caritatives ou les membres d’organismes civiques – nombreux en Hollande républicaine – cherchaient des portraits de groupe pour leurs salles de conseil ou les lieux de rencontre de leurs corporations et sociétés. Les artistes dont le travail a plébiscité le public peuvent espérer survivre sur ce type de peinture.
Frans Hals (1582-1666) était l’un de ces artistes. Bien que flamand de naissance, Hals a déménagé en Hollande avec ses parents protestants et y a passé la majeure partie de sa vie. Les dettes que Hals a contractées auprès de son boulanger et de son cordonnier démontrent les conditions de travail difficiles pour un peintre néerlandais. Au cours de son grand âge (il avait plus de 80 ans lorsqu’il est décédé), il était soutenu par une somme dérisoire donnée par une hutte municipale, dont le conseil des gouverneurs avait été ravi par son portrait de groupe. Le grand cadeau de Hal était pour le portrait, en particulier pour sa manière impressionnante, «instantanée», de saisir l’expression d’une sitter. L’atmosphère optimiste et joviale dans laquelle il décrit nombre de ses compatriotes représente peut-être la confiance de cette première génération de Hollandais libres.
Un artiste hollandais était comme un marchand vendant les produits que le public voulait acheter. S’il n’avait pas de patron, il devait compter sur le public. Sans talent pour les portraits, il ne pouvait pas compter sur des commandes et devait se tourner vers d’autres sujets et méthodes de travail. Il doit d’abord peindre son tableau et ensuite essayer de trouver un acheteur. Il proposerait ses peintures en vente sur les marchés de l’image ou se rendrait chez un marchand d’images. Comme la concurrence était féroce, il avait tendance à se spécialiser et à se concentrer sur un type ou un genre de peinture qu’il pourrait bien faire ou que le public en était venu à attendre de lui. Paulus Potter (1625-54), par exemple, s’est taillé une réputation de premier peintre des vaches et des autres animaux.
Parmi les autres spécialistes figurent des peintres comme Adriaen van de Velde (1636-72) ou Jan van de Cappelle (1642-79) qui – reflétant peut-être l’importance croissante de la puissance marine néerlandaise – sont devenus célèbres pour leurs paysages marins; Jacob van Ruisdael (1628-82) et Meindert Hobbema (1638-1709) qui a fait des paysages. Jan Steen (1626-79) à un niveau populaire et Gerard Terborch (1617-81) avec plus de sophistication et d’élégance, proposant au public des intérieurs domestiques avec des personnages généralement impliqués dans quelques incidents mineurs. Ce type de scène de tous les jours, connu sous le nom de peinture de genre, est devenu l’un des grands traits de l’art néerlandais du XVIIe siècle.
Rembrandt: peintre du peuple
Mais le plus grand peintre de l’époque, Rembrandt van Rijn (1606-69) ne se limitait à aucun de ces genres de peinture – sa vision couvrait de nombreux sujets, des portraits de toutes sortes aux peinture d’histoire et art biblique. Cela dit, Rembrandt reste essentiellement un peintre de personnes: un peintre de visages, d’émotions et de personnalités.
Sa carrière était pleine de contrastes: marié heureux, prospère et connu bien au-delà des frontières de sa Hollande natale, son succès semblait assuré dans les années 1620, mais quand il mourut en 1669, il ne laissa d’autre propriété que ses vieux vêtements et quelques outils de peinture. Rembrandt n’a pas peint les prélats et les princes contemporains, mais les habitants d’Amsterdam, membres de sa famille et surtout lui-même. Sa remarquable série de autoportraits nous en dit long sur cet homme, depuis sa jeunesse et son succès jusqu’à sa vieillesse solitaire, lorsque son visage trahissait la tragédie de la faillite et de la souffrance humaine.
Rembrandt n’est jamais allé en Italie, ni n’a beaucoup voyagé, mais il connaissait bien l’art du Renaissance italienne et la peinture baroque de Caravage et d’autres peintres italiens. À l’époque de sa prospérité, il possédait également des peintures italiennes. Pourtant, il ne s’intéressait pas aux belles formes de l’art italien; En effet, ses personnages – comme ceux du Caravage – sont parfois choqués par leur laideur inattendue. Dans son utilisation de la lumière et de l’ombre (voir la technique de clair-obscur , illustré par son chef-d’œuvre Le suicide de Lucretia , 1666, Minneapolis Institute of Arts), et dans son regroupement de personnages dans une composition, Rembrandt révèle qu’il n’a pas vraiment rompu avec la tradition Art de la Renaissance, mais rien ne pourrait être plus différent (par exemple) du tableau de Raphaël de la Haute Renaissance que le tableau de Rembrandt Art chrétien avec sa vraie vie naturalisme. (Pour en savoir plus sur les deux approches de base, voir: Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle 1600-1700.)
En tant que protestant fervent, Rembrandt connaissait très bien la Bible et pénétra jusqu’au cœur de ses sujets religieux, adhérant étroitement au texte, faisant ressortir le sens profond des événements qu’il décrivait et ne manquant jamais de révéler la véritable humanité du peuple. figures bibliques, leur apportant sa profonde perspicacité psychologique. Voir, par exemple, sa photo monumentale Retour du fils prodigue (1666-1639, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) et Bethsabée tenant la lettre du roi David (1654, Louvre, Paris).
Dès le début, il a démontré un talent naturel pour le portrait. En 1631, il quitta Leyde, où il était né, fils d’un meunier et d’une fille de boulanger, pour se rendre au centre commercial animé d’Amsterdam. Peu après, il se fit connaître avec son premier portrait de groupe à grande échelle. La leçon d’anatomie de Dr. Nicolaes Tulp (1632, Mauritshuis, La Haye). La composition puissante du tableau, dans laquelle les personnages se profilent sur un fond sombre, et sa présentation dramatique et directe de la scène témoignent de l’influence de son maître Pieter Lastmann, qui avait travaillé en Italie. Le fait que Rembrandt considère ces personnages comme un groupe tendu et étroitement uni distingue ce tableau des autres portraits de guildes contemporains, souvent ternes. (Pour en savoir plus sur la technique de peinture dramatique de Rembrandt, voir Ténébrisme et la tendance italienne connue sous le nom Caravagisme 1600-50, qui ont tous deux fortement influencé son travail.)
NOTE: Rembrandt plus grands portraits inclure également un certain nombre de portraits individuels sublimes. Parmi eux, le portrait d’Agatha Bas (1641, Collection royale britannique) et Portrait de Jan Six (1654, Collection privée, Amsterdam).
La célébrité de Rembrandt s’accroît jusqu’à la fin de la décennie. Parallèlement à son succès professionnel, sa position sociale grandit rapidement grâce au mariage de Saskia van Uylenburg, membre d’une riche famille de patriciens. Rembrandt a acheté une maison et a adoré son goût extravagant de collectionneur pour les objets bizarres.
Après la mort de Saskia en 1642, des objections à l’utilisation croissante du clair – obscur par Rembrandt et à sa rupture avec la tradition dans la composition de son grand portrait de groupe de la Compagnie du capitaine Frans Banning Cocq – plus communément appelée La veille de nuit (1642, Rijksmuseum, Amsterdam) – a contribué à une baisse de sa popularité auprès du public. Il s’est endetté et 14 ans plus tard, en 1656, il a été déclaré en faillite. Sa maison a été vendue et sa collection mise aux enchères. Seuls l’aide de son nouveau compagnon de vie, Hendrickje Stoffels, et de son fils Titus l’ont sauvé de la ruine totale, mais les deux sont morts avant lui et il a vécu, un homme solitaire, jusqu’à l’âge de soixante-trois ans.
Après la mort de Saskia, Rembrandt se tourna vers art religieux, à des paysages et à des études sur les Juifs de son quartier, dont il s’est souvent servi dans ses scènes bibliques. Son contact avec la nature a entraîné un grand nombre de dessins et eaux-fortes de la campagne néerlandaise dans laquelle il développa une méthode d’enregistrement sténographique de ses impressions qui contraste de manière frappante avec la manière fréquemment baroque de ses paysages peints.
Les travaux ultérieurs de Rembrandt acquièrent cette simplicité naturelle, cette profondeur et cette pénétration psychologique pour lesquelles il est réputé et révéré. Sa montre de nuit de 1642 marque le passage à un style tardif. dans cette peinture, il rompt avec les conventions du portrait de groupe en subordonnant certaines des figures individuelles dans l’intérêt d’une composition plus dramatique et unifiée. Rembrandt choisit le moment où la percussion sonne l’appel aux armes et la compagnie des bourgeois s’élance de tous les côtés pour rejoindre leurs dirigeants. De cette manière, il transforme un portrait de groupe statique en un assemblage animé. Un autre portrait de groupe remarquable est Syndique de la guilde des drapiers (Les Staalmeesters) (1662, Rijksmuseum, Amsterdam). Cette commission a été attribuée à Rembrandt à la suite de sa faillite, ce qui témoigne du respect qu’il avait toujours.
Les interprétations tardives de Rembrandt des scènes bibliques s’éloignent également fortement de la tradition. Le spectaculaire et orné cède la place à un souci exclusif du sens intérieur et spirituel de l’événement, comme dans son Retour du fils prodigue peint entre 1668 et 1669. L’accent est mis sur la rencontre entre le père et le fils, le La pose du père, alors qu’il se penche sur son fils agenouillé, communique le plus grand pardon et la plus grande tendresse.
La même communication profonde du sentiment humain et des valeurs spirituelles de tendresse et de confiance se produit dans une autre peinture tardive – La mariée juive (Rijksmuseum, Amsterdam) – peint en 1665. L’amour entre les époux se traduit de manière émouvante dans leurs expressions et dans le simple geste de la dame qui serre la main de son mari contre son cœur.
NOTE: La peinture historique de Rembrandt comprend plusieurs merveilleuses œuvres profanes. Ils incluent Aristote contemplant le buste d’Homère (1653, Metropolitan Museum of Art, New York) et La conspiration de Claudius Civilis (1661, Nationalmuseum, Stockholm).
Jan Vermeer: peintre d’intérieurs froids
Rien ne pourrait être plus différent de l’art de Rembrandt que les intérieurs contrôlés, moralistes et froids créés par Jan Vermeer de Delft (1632-1675). L’objectivité et la qualité passive de Vermeer sont l’antithèse de la chaleur et de l’implication humaine de Rembrandt; Tandis que Rembrandt avait une production prodigieuse, Vermeer était lent dans ses méthodes de travail et avait une très petite production. Pourtant, la manipulation est superbe: le travail des deux peintres est commun. Vermeer est aujourd’hui considéré comme le membre dirigeant du École réaliste néerlandaise de peinture de genre et un personnage clé Art de la réforme protestante d’Europe du Nord. Mais rien de tout cela n’était apparent de son vivant. En effet, il était un peintre ayant connu un succès modéré de son vivant et, à sa mort, son travail était en grande partie oublié. C’est jusqu’à la publication d’un essai en 1866 du critique d’art Thore Burger, qui a élevé Vermeer hors de l’obscurité.
Les plus grandes peintures de genre de Vermeer incluent: La laitière (1660, Rijksmuseum, Amsterdam); Jeune femme avec une cruche d’eau (1662, Metropolitan Museum of Art, New York); L’art de la peinture: une allégorie (1666-1673, Kunsthistorisches Museum, Vienne), également appelé l’artiste dans son atelier et l’allégorie de la peinture; et La dentellière (1669-1670, musée du Louvre, Paris). Certains des plus beaux intérieurs de Vermeer représentent des femmes dans l’intimité de leur chambre. Voir, par exemple, Femme tenant une balance (1663, National Gallery of Art, Washington); et Femme avec un collier de perles (1663, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin).
Vermeer est né à Delft lorsque Rembrandt avait 26 ans. il appartenait ainsi à la troisième génération de la grande époque de la peinture néerlandaise. Vers le milieu du siècle, les Hollandais s’étaient habitués à la paix et la vitalité optimiste d’un peintre antérieur comme Hals céda la place à un raffinement discret. Le plaisir culturel de la musique et de la peinture est un thème récurrent du travail de Vermeer. Peintures à l’huile telles que Femme jouant du luth près d’une fenêtre (1664, Metropolitan Museum, NY); Le concert (1665, musée Isabella Stewart Gardner, Boston); La leçon de musique (1665, Collection royale) (également appelée Dame et monsieur au Virginals); et Fille avec une flûte (env.1666, National Gallery, Washington DC); tous indiquent la nature plus sophistiquée de la vie sociale néerlandaise.
Presque toutes les œuvres de genre de Vermeer incluent un élément figuratif – une exception est La petite rue (1658, Rijksmuseum, Amsterdam) – et quelques-uns sur le point de portrait. Voir, par exemple, une fille avec une boucle d’oreille (1665, Mauritshuis, La Haye) connue sous le nom de "Mona Lisa du Nord"; et Fille au chapeau rouge (1667, Galerie d’art nationale, Washington DC).
Parmi les autres peintres de genre néerlandais importants: Adriaen Brouwer (1605-38) Adriaen van Ostade (1610-1685) et David Teniers le Jeune (1610-90), tous notés pour leurs "scènes de tavernes" moralisantes; Gabriel Metsu (1629-67) a noté pour ses scènes domestiques intimes; Samuel van Hoogstraten (1627-78), célèbre pour ses intérieurs dotés d’une perspective linéaire profonde; et Pieter de Hooch (1629-1783) qui peignirent des intérieurs pareillement impersonnels. Hendrik Terbrugghen (1588-1629) produit également d’excellents travaux de genre, bien qu’il soit surtout connu pour ses peintures religieuses.
Nature morte hollandaise
Comme indiqué ci-dessus, à la suite de la révolte de Luther contre l’Église de Rome (c.1517), la demande de peintures religieuses La République hollandaise protestante nouvellement indépendante subit un grave déclin. Comme nous l’avons vu, cela a entraîné une augmentation de la peinture de genre et des portraits. En outre, il a ouvert un troisième genre – à savoir Nature morte peinture – un genre qui a été encouragé par la popularité parmi les artistes de peinture à l’huile, ce qui a permis une plus grande retouche de l’image et donc des détails plus fins.
À bien des égards, la nature morte était la forme la plus pure de l’art protestant, du moins en Hollande. Il s’agissait d’une peinture réaliste, qui séduisait les propriétaires d’habitations hollandaises industrieuses et qui contenait un mélange complexe de symbolisme religieux. Une forme particulière de nature morte (appelée peinture de vanité) consistait en divers arrangements d’objets domestiques conçus pour rappeler au spectateur le caractère éphémère de la vie sur Terre.
Parmi les principaux peintres de natures mortes aux Pays-Bas, citons: l’artiste anversois Frans Snyders (1579-1657); Pieter Claesz (1597-1660), connu pour ses natures mortes au petit déjeuner ) ontbijtjes); Willem Claesz Heda (1594-1680), Jan Davidsz de Heem (1606-183) et Harmen van Steenwyck (1612-56), tous célèbres pour leurs peintures vanitas; et Willem Kalf (1619-93), connu pour ses natures mortes ostentatoires ) pronkstilleven).
Intérieurs d’église néerlandais
Un autre type de peinture devenu populaire au cours de l’âge d’or hollandais est la représentation des intérieurs d’église. Le plus grand, ou du moins le plus pur, exposant de ceci était le bossu Pieter Jansz Saenredam (1597-1665), qui fut le premier artiste à produire des représentations architecturales fidèles à l’architecture, plutôt que les «inventions» plus imaginatives popularisées par d’autres. Un autre exposant exceptionnel était Emanuel de Witte (1615-1692), mieux connu pour sa compréhension de perspective linéaire et son sens de l’atmosphère, plutôt que l’architecture précise de ses compositions. Gérard Houckgeest (1600-161) et Hendrick Corneliszoon van Vliet (1611-1675) figuraient parmi les praticiens mineurs.
En 1672, le roi français Louis XIV envahit la Hollande. L’avance française est contrôlée par Guillaume III mais, malgré ce succès, la Hollande est déjà en train de décliner en tant que puissance mondiale. Ce déclin se reflétait dans son travail artistique et à la fin du siècle, «l’âge d’or» de la peinture néerlandaise était terminé.
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