Peinture hollandaise du XVIIe siècle Automatique traduire

De temps à autre, un pays connaît une période de croissance artistique spectaculaire. Dans le cas de la Hollande, cela s’est produit à l’époque du baroque hollandais au XVIIe siècle, lorsque des artistes aussi brillants que Rembrandt et Vermeer sont apparus. Cet âge d’or de la peinture néerlandaise est notamment célèbre pour ce que l’on a appelé «le réalisme néerlandais», une forme d’art du portrait et de la peinture de genre très détaillée et fidèle à la réalité, qui s’est avérée très populaire au sein de la classe moyenne aisée du pays. Les plus grandes collections d’œuvres de peintres réalistes néerlandais se trouvent au Rijksmuseum à Amsterdam et au Mauritshuis à La Haye.

Contexte historique

Au XVIIe siècle, la Hollande est devenue une grande puissance européenne. Après la signature de la Trêve de douze ans en 1609, les terres septentrionales des Pays-Bas sont devenues indépendantes de la domination espagnole et sont entrées dans une période de riche développement culturel, économique et social. Amsterdam avait déjà pris la place d’Anvers dans le commerce et l’économie européens ; elle était désormais le centre bancaire. De riches maisons de marchands sont construites le long des nombreux canaux, et une classe croissante de marchands et de bourgeois prospères crée une demande pour des produits de luxe modestes. La culture des bulbes devient une source importante de richesse.

Au milieu du siècle, la marine néerlandaise commence à menacer la domination de l’Angleterre sur les mers. Malgré les dommages causés aux arts par la rupture du pays avec le catholicisme, les artistes néerlandais - en particulier ceux des écoles d’Amsterdam, de Delft, de Dordrecht, de Haarlem, de Leyde et d’Utrecht - ont apporté d’importantes contributions à l’histoire de l’art au cours de ce siècle.

L’influence du protestantisme sur la peinture est d’abord désastreuse. En Allemagne, en Hollande et en Angleterre, il semblait qu’il ne survivrait pas. De nombreux protestants considéraient les peintures ou les représentations de saints dans les églises comme de l’idolâtrie, et les artistes de ces pays perdirent leur source de revenus la plus fiable et la plus lucrative - le retable peint . Les artistes ne pouvaient pas non plus (du moins en Hollande) trouver du travail dans la décoration de palais luxueux, car les bourgeois hollandais étaient des citadins sobres qui n’aimaient pas l’opulence ostentatoire du sud catholique. L’illustration de livres et les portraits semblaient être les seuls moyens pour un artiste de gagner sa vie, et il ne semble pas y avoir eu beaucoup de marché pour l’un ou l’autre.

Le portrait hollandais

Frans Hals (1582-1666) est l’un de ces artistes. D’origine flamande, Hals déménage avec ses parents protestants en Hollande et y passe la plus grande partie de sa vie. Les dettes que Hals a accumulées auprès d’un boulanger et d’un cordonnier témoignent des conditions de travail défavorables du peintre hollandais.

Dans sa vieillesse (il avait plus de 80 ans lorsqu’il est mort), il a dû se contenter de l’allocation de l’hospice de la ville, dont le conseil d’administration a apprécié son portrait de groupe. Le grand don de Hal était le portrait, en particulier sa manière impressionniste, «instantanée» de capturer l’expression du visage de la personne assise. L’humeur optimiste et joyeuse dans laquelle il dépeint nombre de ses compatriotes reflète peut-être la confiance de cette première génération de Néerlandais libres.

Le peintre hollandais était comme un marchand qui vendait des marchandises que le public voulait acheter. S’il n’a pas de mécène, il doit compter sur le public. N’ayant aucun talent pour le portrait, il ne peut espérer de commandes et doit se tourner vers d’autres sujets et d’autres méthodes de travail. Il doit d’abord peindre un tableau, puis essayer de trouver un acheteur. Il mettait ses tableaux en vente sur les marchés de l’art ou s’adressait à des marchands d’art.

La concurrence étant très forte, il a tendance à se spécialiser et à se concentrer sur un type ou un genre de peinture qu’il sait bien faire ou que le public attend de lui. Par exemple, Paulus Potter (1625-54) a acquis la réputation d’être le meilleur peintre de vaches et d’autres animaux.

Parmi les autres spécialistes, on trouve des artistes comme Adrian van de Velde (1636-1672) ou Jan van de Kappel (1642-1679), qui - reflétant peut-être l’importance croissante de la puissance navale néerlandaise - sont devenus célèbres pour leurs marines ; Jacob van Reisdal (1628-1682) et Meindert Hobbema (1638-1709), qui peignaient des paysages. Jan Sten (1626-1679), qui travaille à un niveau populaire, et Gerard Terborch (1617-1681), caractérisés par plus de raffinement et d’élégance, offrent au public des intérieurs domestiques avec des personnages généralement impliqués dans un petit incident. Ce type de scènes domestiques, connu sous le nom de peinture de genre, est devenu une caractéristique majeure de l’art néerlandais du XVIIe siècle.

Rembrandt : peintre d’hommes

Mais le plus grand artiste de l’époque, Rembrandt van Rijn (1606-1669), ne se limite à aucun de ces genres - sa vision englobe une multitude de sujets, des portraits de toutes sortes à la peinture d’histoire et l’art biblique . Néanmoins, Rembrandt reste essentiellement un peintre de personnes : un peintre de visages, d’émotions et de personnalités.

Sa carrière est pleine de contrastes : heureux en ménage, prospère et célèbre bien au-delà de sa Hollande natale, son succès semble assuré dans les années 1620, mais lorsqu’il meurt en 1669, il ne laisse derrière lui que de vieux vêtements et quelques outils de peinture. Rembrandt n’a pas peint les prélats et les princes contemporains, mais les habitants d’Amsterdam, les membres de sa famille et, surtout, lui-même. Sa remarquable série d’autoportraits nous en apprend beaucoup sur l’homme, depuis les jours de sa jeunesse et de son succès jusqu’à sa vieillesse solitaire, où son visage reflétait la tragédie de la faillite et de la misère humaine.

Rembrandt n’est jamais allé en Italie et n’a jamais beaucoup voyagé, mais il connaissait l’art de la Renaissance italienne et du Baroque du Caravage et d’autres peintres italiens. À l’époque de sa prospérité, il possédait également des tableaux italiens. Cependant, il ne s’intéressait pas aux belles formes de l’art italien ; en effet, ses figures - comme celles du Caravage - sont parfois choquantes par leur laideur inattendue.

Dans l’utilisation de l’ombre et de la lumière (cf. technique du clair-obscur, illustrée dans son chef-d’œuvre «Le Suicide de Lucrèce», 1666, Minneapolis Institute of Art), ainsi que dans le regroupement des figures dans la composition, Rembrandt montre, qu’il n’a pas vraiment rompu avec les traditions de l’art de la Renaissance, mais que rien ne pouvait être plus différent dans l’esprit de la peinture de la Haute Renaissance de Raphaël (par exemple) que l’art chrétien mature de Rembrandt avec son naturalisme de la vraie vie . (Pour plus d’informations sur les deux approches principales, voir : Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle 1600-1700).

Protestant fervent, Rembrandt connaissait bien la Bible et pénétrait au cœur même de ses sujets religieux, s’en tenant strictement au texte, révélant le sens profond des événements dépeints et ne manquant jamais de révéler la véritable humanité des personnages bibliques, leur apportant son profond psychologisme. Par exemple, ses peintures monumentales «Le retour du fils prodigue» (1666-9, Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) et «Bethsabée tenant la lettre du roi David» (1654, Louvre, Paris).

Dès le début, il fait preuve d’un talent naturel pour le portrait. En 1631, il quitte Leyde, où il est né d’un meunier et d’une fille de boulanger, pour le centre commercial animé d’Amsterdam et devient peu après célèbre pour son premier grand portrait de groupe «Leçon d’anatomie du docteur Nicolaes Tulp» (1632, Mauritshuis, La Haye). La composition forte du tableau, dans laquelle les personnages se détachent sur un fond sombre, et la présentation dramatique et directe de la scène indiquent l’influence du maître Pieter Lastmann, qui a travaillé en Italie. Le fait que Rembrandt ait représenté ces personnages comme un groupe tendu et soudé distingue ce tableau d’autres portraits contemporains de guildes, souvent ternes. (Pour en savoir plus sur la technique de peinture dramatique de Rembrandt, voir Le ténébrisme et le mouvement italien connu sous le nom de Caravaggismo de 1600 à 1950, qui a fortement influencé son œuvre).

Les plus grands portraits de Rembrandt Les portraits de Rembrandt comprennent également un certain nombre de portraits individuels sublimes. Parmi ceux-ci, citons le Portrait d’Agatha Bas (1641, collection royale britannique) et le Portrait de Jean VI (1654, collection privée, Amsterdam).

À partir de ce moment et jusqu’à son apogée à la fin de la décennie, la renommée de Rembrandt grandit et, parallèlement à son succès professionnel, sa position sociale s’accroît rapidement grâce à son mariage avec Saskia van Uylenburg, membre d’une riche famille patricienne. Rembrandt achète une maison et commence à assouvir son goût extravagant de collectionneur pour les objets farfelus.

Après la mort de Saskia en 1642, les objections à l’utilisation croissante par Rembrandt du clair-obscur et à la rupture avec la tradition dans la composition de son grand portrait de groupe «La compagnie du capitaine Frans Banning Kock», communément appelé «La garde de nuit» (1642, Rijksmuseum, Amsterdam), ont contribué à la baisse de sa popularité auprès du public.

Il s’endette et après 14 ans, en 1656, il est déclaré en faillite. Sa maison est vendue et sa collection mise aux enchères. Seule l’aide de sa nouvelle compagne, Hendrickje Stoffels, et de son fils Titus le sauva de la ruine totale, mais tous deux moururent avant lui et il vécut, seul, jusqu’à l’âge de soixante-trois ans.

Au milieu des années qui ont suivi la mort de Saskia, Rembrandt s’est tourné vers l’art religieux, vers les paysages et vers l’étude des Juifs de son quartier, dont il a utilisé un grand nombre dans ses scènes bibliques. Son intérêt pour la nature s’est traduit par un grand nombre de dessins et gravures de la campagne hollandaise, dans lesquels il a développé une «méthode sténographique» d’enregistrement de ses impressions, qui contraste fortement avec la manière souvent baroque de ses paysages peints.

Les dernières œuvres de Rembrandt ont acquis cette simplicité naturelle, cette profondeur et cette pénétration psychologique pour lesquelles il est célébré et vénéré. «La Veille de nuit» de 1642 marque une transition vers son style tardif ; dans ce tableau, il abandonne la tradition du portrait de groupe, subordonnant certaines des figures individuelles dans l’intérêt d’une composition plus dramatique et plus unifiée. Rembrandt choisit le moment où le tambour sonne l’appel aux armes et où une compagnie de bourgeois se précipite de tous côtés pour rejoindre leurs chefs. Il transforme ainsi un portrait de groupe statique en une assemblée animée. Un autre portrait de groupe remarquable est Le Syndicat de la guilde des drapiers (Les Staalmeesters) (1662, Rijksmuseum, Amsterdam). Cette commande a été accordée à Rembrandt après sa faillite, ce qui indique qu’il était encore respecté.

Les interprétations ultérieures de Rembrandt des scènes bibliques s’écartent également fortement de la tradition. Le spectacle et l’apparat font place à une préoccupation exclusive pour la signification intérieure et spirituelle de l’événement, comme dans le tableau «Le retour du fils prodigue» , peint entre 1668 et 1669. Toute l’attention est centrée sur la rencontre du père et du fils, la pose du père penché sur le fils agenouillé exprimant un pardon et une tendresse extrêmes.

La même profondeur des sentiments humains et des valeurs spirituelles de tendresse et de confiance se retrouve dans un autre tableau tardif - La fiancée juive (Rijksmuseum, Amsterdam) - peint en 1665. L’amour entre les deux époux est exprimé de manière touchante dans leurs expressions et dans le simple geste de la dame pressant la main de son mari sur son cœur.

La peinture historique de Rembrandt comprend quelques œuvres profanes remarquables. Il s’agit notamment de «Aristote contemplant un buste d’Homère» (1653, Metropolitan Museum of Art, New York) et «La conspiration de Claudius Civilis» (1661, Natmuseum, Stockholm).

Jan Vermeer : peintre d’intérieurs froids

Rien n’est plus différent de l’art de Rembrandt que les intérieurs contrôlés, moralisateurs et froids créés par Jan Vermeer de Delft (1632-1675). L’objectivité froide et la passivité de Vermeer sont à l’opposé de la chaleur et de l’implication humaine de Rembrandt ; alors que Rembrandt a produit un grand nombre d’œuvres, Vermeer était lent dans ses méthodes de travail et n’avait que très peu d’œuvres. Néanmoins, une superbe maîtrise de l’ombre et de la lumière caractérise l’œuvre des deux artistes.

Aujourd’hui, Vermeer est considéré comme le principal représentant de l’école réaliste néerlandaise de peinture de genre et comme une figure clé de l’art de la Réforme protestante en Europe du Nord. Mais rien de tout cela n’est apparu de son vivant. En effet, de son vivant, il n’était qu’un artiste au succès modéré, et après sa mort, son œuvre a été pratiquement oubliée. Il en fut ainsi jusqu’à la publication, en 1866, d’un essai du critique d’art Tore Burger, qui sortit Vermeer de l’oubli.

Les plus grandes peintures de genre de Vermeer sont La laitière (1660, Rijksmuseum, Amsterdam) ; Jeune femme à la cruche (1662, Metropolitan Museum of Art, New York) ; L’art de la peinture : Allégorie (1666-73, Kunsthistorisches Museum, Vienne), également appelé «L’artiste dans son atelier» et «Allégorie de la peinture» ; et «La dentellière» (1669-70, Louvre, Paris). Certains des plus beaux intérieurs de Vermeer représentent des femmes dans l’intimité de leur chambre. Par exemple, Femme tenant une balance (1663, National Gallery of Art, Washington) ; et Femme au collier de perles (1663, Old Gallery, SMPK, Berlin).

Vermeer est né à Delft alors que Rembrandt avait 26 ans ; il appartient donc à la troisième génération de la grande époque de la peinture hollandaise. Au milieu du siècle, les Néerlandais s’étaient habitués à la tranquillité et la vitalité optimiste des premiers peintres, comme Hals, avait cédé la place à une sophistication tranquille. Le plaisir culturel de la musique et de la peinture est un thème fréquent dans l’œuvre de Vermeer. Des peintures à l’huile telles que Femme jouant du luth à une fenêtre (1664, Metropolitan Museum of Art, New York) ; Concert (1665, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston) ; Leçon de musique (1665, Royal Collection) (également appelée «Dame et cavalier au virginal») ; et Jeune fille à la flûte (c.1665, National Gallery, Washington, DC). 1666, National Gallery, Washington) ; tous ces tableaux témoignent du caractère plus raffiné de la vie sociale néerlandaise.

Presque toutes les œuvres de genre de Vermeer comportent des éléments figuratifs - à l’exception de «Petite rue» (1658, Rijksmuseum, Amsterdam) - et certaines frôlent le portrait. Par exemple, Jeune fille à la perle (1665, Mauritshuis, La Haye), connue sous le nom de «Mona Lisa du Nord» ; et Jeune fille au chapeau rouge (1667, National Gallery of Art, Washington).

Parmi les autres peintres de genre hollandais importants, on peut citer : Adriaen Brouwer (1605-1638), Adriaen van Ostade (1610-1685), et David Teniers le Jeune (1610-1690), tous connus pour leurs scènes de taverne moralisantes «» ; Gabriel Metsu (1629-1667), connu pour ses scènes domestiques intimes ; Samuel van Hoogstraten (1627-1678), connu pour ses intérieurs à la perspective linéaire profonde ; et Pieter de Hooch (1629-1683), qui a peint des intérieurs tout aussi impersonnels. Hendrik Terbruggen (1588-1629) a également produit quelques belles œuvres de genre, bien qu’il soit surtout connu pour ses peintures religieuses.

Les natures mortes hollandaises

Comme nous l’avons vu plus haut, après la révolte de Luther contre l’Église de Rome (vers 1517), la demande de peintures religieuses dans la nouvelle République néerlandaise protestante indépendante a fortement diminué. Comme nous l’avons déjà vu, cela a conduit à l’essor de la peinture de genre et du portrait. En outre, un troisième genre a vu le jour, à savoir la nature morte, un genre favorisé par la popularité parmi les artistes de la peinture à l’huile, qui permettait un traitement plus poussé de la peinture et donc une plus grande finesse des détails.

À bien des égards, la nature morte était la forme la plus pure de l’art protestant, du moins en Hollande. Il s’agissait d’une forme de peinture terre-à-terre qui plaisait aux ménages hollandais industrieux et qui contenait un mélange complexe de symbolisme religieux. Un type de nature morte (appelé vanitas) consistait en divers arrangements d’objets quotidiens destinés à rappeler au spectateur le caractère éphémère de la vie terrestre.

Parmi les principaux peintres néerlandais de natures mortes, citons : Frans Snijders (1579-1657), peintre anversois ; Pieter Claes (1597-1660), connu pour ses natures mortes au petit déjeuner ) ontbijtjes) ; Willem Claes Heda (1594-1680), Jan Davids de Hem (1606-1683) et Harmen van Steenwyk (1612-1656), connus pour leurs vanités ; et Willem Kalf (1619-1693), surtout connu pour ses natures mortes ostentatoires ) pronkstilleven).

Intérieurs d’église hollandais

La représentation d’intérieurs d’églises est un autre type de peinture qui connaît un grand succès au cours de l’âge d’or hollandais. Le plus grand, ou du moins le plus pur représentant de cette tendance est le bossu Pieter Jans Sanredam (1597-1665), qui est le premier artiste à produire des représentations architecturales exactes des bâtiments plutôt que les inventions plus fantaisistes «» popularisées par d’autres.

Un autre représentant important est Emanuel de Witte (1615-1692), plus connu pour sa compréhension de la perspective linéaire et son sens de l’atmosphère que pour l’architecture précise de ses compositions. Parmi les maîtres moins connus, citons Gerard Haukgest (1600-1661) et Hendrik Cornelizzon van Vliet (1611-1675).

En 1672, le roi de France Louis XIV envahit la Hollande. L’avancée française est stoppée par Guillaume III, mais malgré ce succès, la Hollande décline déjà en tant que puissance mondiale. Ce déclin se reflète dans sa production artistique et, à la fin du siècle «, l’âge d’or» de la peinture hollandaise est terminé.

Pour une liste des dates importantes liées au développement des arts et de l’artisanat, voir : Chronologie de l’histoire de l’art (2,5 millions d’années avant notre ère à nos jours).