Art cinétique Automatique traduire

Dans les arts visuels , le terme «art cinétique», dérivé du mot grec kinesis, fait référence aux œuvres qui impliquent un mouvement réel ou visible. Il explore l’aspect des choses lorsqu’elles bougent. Dans sa définition la plus large, l’art cinétique englobe donc un grand nombre de formes d’art, de types de médias et de styles différents.

Ainsi, par exemple, il peut inclure l’art cinématographique et l’art de l’animation, les happenings et d’autres types d’art de la performance, tels que le mime, les figures d’horlogerie, l’art stroboscopique ou l’art de la lumière (Lumino Kinetic art), le land art ou tout artefact qui disparaît (bonhomme de neige) ou qui subit un processus de changement visuel, l’art robotique, le motion graphics et d’autres œuvres d’art créées à l’aide des technologies des nouveaux médias. Il comprend également l’op art les peintures, dessins et gravures, «dont le mouvement» n’est qu’une illusion d’optique. Les œuvres d’art cinétique les plus connues sont cependant les différents types de sculptures manuelles ou motorisées de Jean Tinguely, et les mobiles inventés par Alexander Calder dont le mouvement est provoqué par les courants d’air.

Histoire et développement

Bien que le futurisme doit être reconnu pour son introduction conceptuelle du mouvement dans l’art, le mot «cinétique» a été appliqué pour la première fois aux arts visuels par les frères Antoine Pevzner (1884-1962) et Naum Gabo (1890-1977) dans leur Manifeste réaliste (1920) qui proclamait les idéaux du constructivisme . L’une des premières œuvres de Gabo, Kinetic Sculpture (Standing Wave) (1919-20, Tate, Londres), était une bande de fil alimentée électriquement qui oscillait rapidement d’un côté à l’autre, créant l’illusion d’une matière solide et simulant ainsi la substitution du volume à l’espace.

Il est rejoint par Alexander Rodchenko (1891-1956), qui s’éloigne de la peinture et crée une série d’objets en contreplaqué suspendus de forme géométrique, tels que «Suspended Structure No. 12» (1919, George Kostakis Collection). Ces œuvres montrent comment la masse peut se dissoudre dans de subtils effets de mouvement et de lumière. Pendant ce temps, à l’école de design du Bauhaus en Allemagne, le designer hongrois László Moholy-Nagy crée son Modulateur espace-lumière (1922-30, Busch-Reisinger Museum, Harvard University) et d’autres œuvres avec des mouvements mécaniques, et à New York (1920), Marcel Duchamp (1887-1968) - ayant déjà créé des prototypes rudimentaires tels que la Roue de bicyclette (1913, Centre Georges Pompidou) - explore également le mouvement dans ses Plaques tournantes (Plaque de verre tournante et Hémisphère tournant) en collaboration avec Man Ray .

Alexander Calder : Mobiles et stabilisateurs

Après l’anticipation théorique des futuristes, le fil vibrant de Gabo, le contreplaqué suspendu de Rodchenko et le junk art de Duchamp, Alexander Calder (1898-1976) a fait du mouvement le cœur de son esthétique . Influencé par le surréalisme tardif et les artistes du XXe siècle tels que le Néerlandais Piet Mondrian et l’Espagnol Juan Miró, Calder, ingénieur de formation, a créé un monde de sculptures linéaires en apesanteur (mobiles et stabiles) qui se déplacent, tournent et dansent dans l’air. En effet, pendant près de deux décennies, il a été le principal représentant de la sculpture en mouvement.

Croissance des années 1950

Les années 1950 marquent un regain d’intérêt pour le mouvement artistique, comme en témoigne l’exposition Le Mouvement en 1955 à la Galerie René, à Paris, qui présente des œuvres de grands noms tels que Calder et Duchamp, ainsi que de nouveaux venus comme l’artiste israélien Yaacov Agam (né en 1928) (un pionnier de la sculpture en mouvement), qui se distingue par la qualité de son travail. 1928) (pionnier du mouvement spectatoriel), l’artiste et designer belge Paul Bury (1922-2005), l’artiste expérimental vénézuélien Jesús Rafael Soto (1923-2005), le sculpteur suisse Jean Tinguely (1925-1991) et l’artiste hongrois Viktor Vasarely (1906-1997). Parmi les autres artistes cinétiques, le sculpteur grec Takis (Panayiotis Vassilakis) (né en 1925) et le constructiviste d’origine hongroise Nicholas Schoffer (1912-1992) occupent une place de choix.

L’âge d’or (1960-75)

L’art cinétique s’épanouit tout au long de cette période (c. 1960-1975). En 1960, Jean Tinguely crée sa sculpture autodestructrice «Hommage à New York» (1960, Museum of Modern Art, New York). En 1961, une grande exposition muséale internationale d’art cinétique intitulée «Le mouvement dans l’art» attire un public nombreux dans toute l’Europe.

En 1964, la Galerie «René» a organisé une exposition «Mouvement II» à Paris, et en 1965, le Museum of Modern Art de New York a organisé une grande exposition d’art cinétique et d’op art «Responsive Eye» . L’art cinétique a également connu un succès considérable à la Biennale de Venise, à la Biennale de São Paulo et à la Biennale de Paris au cours des années 1960. Pour maintenir son élan, le mouvement emprunte aux premiers modernistes ainsi qu’aux styles, matériaux et médias high-tech contemporains. De nouvelles variantes ont vu le jour, notamment l’art cinétique Lumino et l’art optique.

L’art cinétique : de 1970 à nos jours

Vers 1970, on peut dire qu’il y avait quatre mouvements influents qui constituaient l’essentiel de l’art cinétique : Premièrement, l’art de pacotille, commencé par Duchamp et poursuivi par Jean Tinguely ; deuxièmement, les mobiles et leurs dérivés, fondés par Calder et poursuivis par George Rickey (1907-2002), Paul Bury et Jesús Rafael Soto ; troisièmement, les constructions lumineuses, commencées par László Moholy-Nagy et d’autres, et poursuivies par des expérimentateurs tels que Nicolas Schoffer, Luis Tomasello (né en 1915), Nino Kalos (né en 1915), et d’autres encore. 1915), Nino Kalos (né en 1926), Marta Boto (née en 1925), François Morellet (né en 1926), Hugo Demarco (1932-1995) et György Kepes ; quatrièmement, l’op art illusionniste, une forme de peinture en trompe-l’œil fondée par Vasarely et popularisée par Bridget Riley (née en 1931).

Outre les artistes et groupes déjà cités, on peut citer le Gruppo N, fondé à Padoue en 1959, qui compte parmi ses membres Alberto Biasi, Ennio Chigio, Toni Costa, Eduardo Landi et Manfredo Massironi ; le GRAV, groupe français fondé à Paris en 1960 sous la direction de l’artiste argentin Julio Le Parc (né en 1928) ; le ZERO, dirigé par l’artiste français J.L.P. (né en 1928), qui compte parmi ses membres des artistes et des groupes d’artistes. 1928) ; ZERO, dirigé par l’artiste argentin Julio Le Parc (né en 1928) ; ZERO, dirigé par les artistes allemands Otto Piene (né en 1928) et Heinz Mack (né en 1928).) et Heinz Mack (né en 1921) ; et le groupe néerlandais NUL, dirigé par Jan Schoonhoven (1914-1994).

Le mouvement continue d’attirer les artistes contemporains. Par exemple, les installations LED de Tatsuo Miyajima (né en 1957), les robots de Chico McMurtry (né en 1960) et les piles lumineuses changeantes d’Angela Bullock (née en 1964).