Ecole de peinture de Moscou (c.1500-1700): icônes, peintures murales Automatique traduire

Avant et après l’école de Moscou
Pour les styles antérieurs de Peinture médiévale en Russie, veuillez consulter notre article sur le Tableau de l’école d’icônes de Novgorod (1100-1500). Pour les styles de peinture ultérieurs du 17ème siècle, voir: Art pétrine (1686-1725) à Saint-Pétersbourg, sous le tsar Pierre le Grand. Cette introduit Peinture Russe (18ème siècle) , dominé par des peintures murales religieuses et des portraits. Après cela, l’école moderne a émergé: s’il vous plaît voir Peinture Russe (19ème siècle) .

introduction

De Kiev, la maison de Peinture médiévale russe, le centre de gravité de Art russe déplacé à Novgorod (ainsi que Yaroslavl, Vladimir-Suzdal, Pskov et Tver) avant de s’installer à Moscou. Dès le XVIe siècle, le grand intérêt que portaient les Moscovites aux affaires ordinaires relâcha les liens qui unissaient jusqu’à présent le peuple russe et l’église en une seule entité. La religion était toujours à la base de la vie moscovite, mais désormais tant la Couronne que le peuple ont tendance à réagir aux événements différemment des clercs. Bien que tous soient restés inconscients de la scission, l’effet de la vision plus mondaine du profane peut être clairement perçu dans la diminution de l’intensité religieuse moscovite peinture d’icônes. L’apparition à Moscou d’un grand nombre de gravures religieuses occidentales a également eu un impact important sur les peintres d’icônes, ce qui les a amenés à douter de la nécessité des limitations sévères imposées par la vieille tradition iconographique à leurs peintres. art.

NOTE: Pour les plus grands peintres d’icônes avant l’école de Moscou, voir: Théophane le Grec, Fondateur de l’école de Novgorodian; Andrei Roublev, noté pour le Icône de la Sainte Trinité (c.1416); et autre Artistes médiévaux (1100-1400).

Peinture d’icônes moscovite

Ces doutes ont pris fin au XVIe siècle à la suite d’un incendie qui a dévasté Moscou en 1547. Il a détruit tellement d’icônes de la capitale que le tsar a dû emprunter des icônes à Novgorod, Smolensk, Dmitrov et Zvenigorod. il était impatient de les renvoyer chez eux le plus tôt possible, il renforçait les rangs des peintres emblématiques de Moscou en empruntant aussi des artistes de Novgorod et de Pskov. À eux deux, les peintres qu’il employait produisaient d’excellents panneaux, qui auraient peut-être encore bien fonctionné. avec l’avenir de la peinture d’icônes, mais sans l’intervention d’un prêtre fanatique, clerc du conseil du tsar et lui-même un peintre avisé , nommé Viscovati . Il est tentant d’attribuer l’intervention de Viscovati à la jalousie professionnelle, aggravée par un esprit déformé et préjugé qui ressemble un peu à celui de John Knox, le prédicateur de la Réforme écossaise. Quelle que soit sa raison, Viscovati a critiqué les panneaux de Art chrétien produits par ses contemporains pour des motifs religieux, affirmant qu’ils s’écartaient de la tradition iconographique. Il a demandé que le deuxième conseil de Stoglav soit convoqué pour siéger avec Silvester, le clerc préféré d’Ivan IV, afin d’examiner les icônes d’un point de vue éthique. Le respect de cette demande introduisit un contrôle officiel, distinct du contrôle traditionnel, sur les peintres d’icônes, qui étaient désormais censés adhérer aux versions autorisées des scènes religieuses, telles qu’elles étaient consignées dans les anciens manuels appelés " Podliniki " (versions authentiques).

L’irritation de Artistes russes à devoir ainsi échanger le respect des opinions traditionnelles pour obéir à une législation ecclésiastique rigide se transforma en agacement quand ils trouvèrent que les clercs les plus consciencieux qui appliquaient avec le plus grand soin le respect du "Podliniki", non religieux peintures de portrait connu sous le nom de Parsunas), et même le patriarche Nikon , bien qu’il s’est farouchement opposé au naturalisme occidental. art religieux et continuellement confisqué et incendié des exemples de peinture religieuse occidentale, il resta pourtant plus d’une fois son portrait.

Le premier équivalent russe d’une Académie des Beaux-Arts a pris la forme d’ateliers établis dans le Palais des Armes par Ivan IV, surnommé le Terrible (1533-1584). Les plus belles peintures, enluminures et ferronneries moscovites ont été créées par les artistes qui y travaillaient, dont beaucoup étaient fortement attirés par le naturalisme occidental. Néanmoins, ces artistes ont réussi à produire suffisamment d’icônes de qualité au cours de la seconde moitié du XVIe et du premier quart du XVIIe siècles pour constituer une école distincte et hautement crédible d’iconographie moscovite.

Caractéristiques des icônes moscovites

Celles-ci peintures sur panneaux – typiquement exécuté dans détrempe plutôt que les plus âgés encaustique peinture, ou des huiles plus modernes – sont facilement reconnaissables par la profusion de détails dans leurs fonds extrêmement décoratifs. L’abondance d’éléments architecturaux est particulièrement caractéristique, de même que le fait que ces bâtiments reproduisent les tendances architecturales contemporaines au lieu de contours imaginaires. Par ailleurs, des éléments non russes, comme par exemple les montagnes, sont traités de manière purement décorative et non pas de manière naturaliste ou traditionnelle. Les saints ont les visages arrondis des moscovites, mais les couleurs de leurs robes, bien que toujours agréables, ne peuvent se comparer à la magnifique vitalité des Couleur Les schémas utilisés par l’ école de peinture d’icônes de Novgorod sont généralement ternes et métalliques. D’une manière générale, toute la palette de couleurs de Moscou s’étend du rouge sang au jaune en passant par le brun en passant par les ombres noires.

Atelier de Stroganov, Solvychegodsk

C’est vers la fin du XVIe siècle que deux neveux du premier Stroganov à s’installer à Solvychegodsk ont ​​décidé d’y créer leur propre atelier de peinture d’icônes. Les deux frères Stroganov étaient de talentueux peintres d’icônes amateurs et tous deux d’excellents goûts. Il leur incombait de fournir l’incitation qui a inspiré la dernière grande poussée de la peinture d’icônes en Russie. Les frères étaient de grands admirateurs de la peinture novgorodienne et les artistes qu’ils employaient tiraient probablement leur sens du style et de la couleur, leur amour des reflets blancs et l’allongement élégant de leurs personnages d’une étude du travail novgorodien. La production de l’atelier a rapidement attiré l’attention et l’admiration, car à l’époque, aucune icône plus fine n’était produite en Russie. Néanmoins, le savoir-faire qui les a inspirés place ces icônes dans une classe à part, car si les peintres Stroganov ont abordé leurs tâches avec un esprit pieux, leur sophistication et leur souci de l’esthétique ne laissent aucune place à la ferveur religieuse intense qui était aussi essentielle pour le futur. la production d’une véritable icône, de même que la finition de premier ordre. La compétence technique est le principal attrait des icônes de Stroganov; pour être appréciés, ils doivent être examinés de près, comme une miniature persane. Dans leur masse de détails minuscules, ils ressemblent au médiéval manuscrits enluminés de l’Europe de l’Ouest, mais ils n’ont pas l’esprit direct de telles miniatures et peuvent peut-être être comparés plus justement aux détails de l’œuvre des peintres préraphaélites.

Muratov date la sortie de l’atelier de Stroganov entre 1580 et 1620, estimant que le style s’est terminé avec la mort en 1621 de son plus grand exposant, Procopius Chirin . Bien que Chirin soit le maître reconnu de l’école, Nicéphorus Savin n’est pas loin de lui. L’icône de ce dernier, Saint Jean dans le désert, est un superbe morceau de peinture précise. Un examen attentif de son arrière-plan élaboré – qui peut résister à l’agrandissement de toutes les tailles – révèle une scène aussi fascinante que celle créée par le peintre néerlandais, Hieronymus Bosch.

Le frère de Savin, Nazarius, avec son assistant Arafiev, ont été les premiers artistes de Stroganov à attirer l’attention de Moscou par le biais de fresques qu’ils ont produit en 1580 pour la cathédrale de Solvychegodsk. En conséquence, de nombreux artistes de l’atelier ont été convoqués à Moscou pour travailler pour le tsar, notamment Simon Borozdin , Ivan Sobelev , Mihailov , Emilyan Moskvitin et les frères Nicephorus et Nazarius Savin et Istom Savin , pour n’en nommer que quelques-uns. Nombre d’entre eux ont reçu le titre de "Peintres royaux d’icônes", l’un d’eux étant généralement attribué aux artistes du Palais des Armes.

Patronage des tsars

Boris Godunov (1551-1605) appréciait pleinement la qualité décorative du travail des artistes de Stroganov. En 1591, il employa Nazarius Savin, Procopius Chirin et John Parseni pour décorer des scènes séculaires de sa chambre à coucher et de sa salle à manger à Kolomenskoe. Il est à regretter qu’aucune trace de cette œuvre ne subsiste, car l’art russe est donc plus pauvre en perdant certaines de ses plus anciennes peintures, et probablement ses plus réussies. Boris Godunov et son fils Fedor étaient tous deux de grands amateurs d’images, qui les estimaient pour des raisons esthétiques, et pas seulement pour leur contenu. C’est eux qui ont fait en sorte que le Palais des facettes soit décoré par les peintres du Palais des Armes. Encore une fois, il est à déplorer que ces peintures aient également péri; tout ce qu’on sait à leur sujet, c’est que leur sujet allait du biblique à l’allégorique et comprenait des scènes de l’histoire russe.

En plus de parrainer art décoratif, Boris et Fedor encouragés portrait d’art. Les portraits ne sont pas inconnus de la Russie médiévale, car dès le XIIe siècle, des figures de donateurs apparaissent parfois dans les fresques de Novgorod. Dans l’ensemble, cependant, ils étaient considérés comme profanes et, bien que Sophia Paleologus ait envoyé son futur mari à sa ressemblance, Ivan IV fut le premier tsar à être fasciné par le portrait. Cependant, il a satisfait son intérêt par des moyens indirects plutôt que par favoritisme – c’est-à-dire en rassemblant autour de lui les portraits des différentes redevances européennes qu’il jouait avec l’idée de se marier, ce qui a été laissé à Godunov d’être le premier sponsor royal du portrait à Moscou.

Avec le second Romanov, le tsar Alexis (1645-1676), le portrait est devenu coutumier, mais les peintres russes n’ont pas pu se libérer de l’ancienne tradition et leurs rendus de ressemblances ont encore fortement goûté à l’iconographie. Un désir de complète naturalisme était cependant en croissance et, de ce fait, vers le milieu du dix-septième siècle, un certain nombre d’étrangers s’étaient inscrits dans les studios du Palais des Armes. Hans Detterson , l’allemand talentueux , a formé les deux plus grands peintres russes de l’époque, Abramov et Stepanov . Un charlatan polonais a également été embauché pour réussir à s’imprégner de Moscou pendant un certain temps. Les jeunes espoirs prometteurs, Ivan Bezmin et Ermolin , ont eu la malchance de faire leur apprentissage. Les Hollandais Daniel Vuchters, Hans Waiter de Hambourg, le peintre décoratif Peter Engels, le peintre de perspective suédois Gul et GE Grube de Hambourg sont les occidentaux les plus remarquables qui enseignèrent à Moscou entre 1667 et 1694. En même temps, le palais des ateliers d’armes maintenu en contact avec Art byzantin en employant comme enseignants un Arabe renégat qui se fait appeler Sasha Yakovlev, un Arménien appelé Saltanov et deux Grecs, connus sous les noms de Yuriev et Salomoriov.

Simon Ouchakov et le naturalisme dans la peinture russe

Mais aucun de ces professeurs n’exerçait la même influence que les eaux-fortes qui se répandaient à Moscou en provenance d’Europe occidentale. Le plus important d’entre eux est apparu dans la Bible de Piscator , publiée à Amsterdam en 1650. Elle a été illustrée par près de trois cents gravures sur bois copié par Piscator, alias Jan Visscher , à partir d’œuvres d’artistes occidentaux. Les gravures sur bois ont révélé aux moscovites un nouveau monde, révélant toute la puissance de la peinture naturaliste, et leur influence est manifeste dans les travaux de plusieurs peintres.

Simon Ouchakov (1626-1686) fut le plus remarquable des peintres ainsi affectés. Il était évidemment fasciné par Western peintures religieuses, car il était tenté de s’essayer à la production d’illustrations naturalistes pour les Écritures. Ses réalisations dans ce domaine ont été couronnées de succès. S’ils étaient mieux connus, Ushakov serait certainement compté parmi les grands dessinateurs européens. Sa gravure sur bois illustrant les sept péchés capitaux de Man est pleine de la vigueur et de la conviction qui font malheureusement défaut dans ses icônes. Pourtant, Ushakov est principalement connu pour ses icônes, qui ont toujours été très admirées en Russie. En effet, ses contemporains avaient un tel respect pour son génie qu’Ouchakov eut l’honneur d’être nommé «peintre de la cour» à l’âge inhabituellement précoce de vingt et un ans. Cela signifiait malheureusement qu’il devait consacrer beaucoup de temps à la peinture d’icônes. Son icône de la Vierge de Vladimir (1652); Son Christ (1657) et son Annonciation (1659), bien que classés comme ses meilleures icônes, sont entachés d’un humanisme excessif et d’un sentimentalisme excessif et suggèrent qu’Ouchakov était trop préoccupé par le naturalisme pour pouvoir se consacrer corps et âme à la peinture d’icônes. Ses panneaux sont strictement iconographiques, mais ils prouvent qu’Uthakov était un peintre du compromis, et cette capacité même de compromis a permis à ses icônes de servir de modèles à la perfection du début du XVIIe siècle jusqu’au milieu du siècle. dix-neuvième.

Le plus ancien morceau d’écriture russe qui ait survécu esthétique indique que les carences d’Ousshakov en tant que peintre d’icônes n’étaient pas dues à une incompétence ou à un manque de sincérité, mais à sa sympathie pour le naturalisme occidental. Cet important document a été écrit par un peintre d’icônes appelé Joseph et dédié par lui à Ouchakov à la mémoire de leurs nombreux discours sur des questions d’art. Joseph a écrit en tant que défenseur passionné de l’art religieux occidental, attaquant le clergé rétrograde pour avoir tué l’inspiration des artistes créatifs tout en encourageant les peintres hack. "Voudriez-vous vous coucher, " leur demanda-t-il vivement, "que seuls les Russes soient autorisés à peindre des tableaux religieux et que l’icône russe est le seul à être vénéré, tandis que les icônes occidentales sont méprisées et jamais utilisées à des fins de culte? Le Christ et la Vierge sont représentés de manière réaliste, mais leurs traits sont soigneusement reproduits sur des feuilles de papier, et chaque fois que nous peignons des icônes, nous voyons soit des portraits imprimés ou habilement peints du Christ ou de la Vierge, soit en possession d’étrangers ou de notre pays. Nos yeux sont remplis d’amour et de bonheur, nous ne sommes pas enflammés de jalousie, nous ne révolons pas les étrangers parce que nous les voyons en possession d’images religieuses bien peintes. Au contraire, nous estimons ces objets bénis au-dessus de tous les biens matériels et nous les achetons avec amour ou les mendions pour des cadeaux d’une valeur inestimable, et nous recevons l’image de Christ avec vénération et nous l’embrassons avec amour. maintenant chargé de représenter tous les saints visages comme sombres et sombres? Est-ce que la race humaine est moulée dans un seul moule? Tous les saints avaient-ils l’air sombre et hagard? "Joseph demanda l’autorisation de présenter des saints physiquement beaux, et rappela aux clercs que Dieu se référait au" bien juste et charmant, le mal sombre et sanglant et émacié ", et se rappela que lorsque Moïse descendit du Sinaï après avoir entendu les paroles de Dieu, "personne ne pouvait le regarder, tel était le rayonnement de son visage".

Bien que nous ne sachions pas comment Ouchakov a réagi à cet appel, ses superbes gravures sur bois montrent qu’il partageait les vues de Joseph et il a été suggéré qu’il appréciait chaque opportunité de travailler sur autre chose que des icônes. Il semble avoir passé une bonne partie de son temps à concevoir des vases d’église en or et émail dans les ateliers de métallurgie du Palais des Armes. On sait également qu’il a décoré des armes à feu et dessiné des cartes et des plans. Certains contemporains se réfèrent à ses peintures sur papier, mais ne donnent aucune information sur leurs sujets ou leur style. La réputation d’Ousshakov en tant qu’artiste repose aujourd’hui sur ses panneaux, ses fresques et ses gravures sur bois.

Peintures murales d’église: Yaroslavl et Kostroma

Les cathédrales et les églises de Moscou étaient somptueusement décorées de peintures murales exécutées par ses principaux peintres d’icônes dans un style si proche de leurs icônes qu’il n’est pas nécessaire de les examiner de près dans un aperçu général. Il faut cependant attirer l’attention sur un groupe important de peintures murales curieuses et attrayantes réalisées entre 1670 et 1695 dans les centres de province de Yaroslavl et Kostroma. Les vastes églises de ces quartiers, telles que l’église de Tolchkovo (1694) ou celle de Romanov Borisoglebsk (1692), étaient entièrement recouvertes de peintures murales. Les églises étaient si nombreuses et si grandes que la plupart des peinture murale a été précipité et le résultat est souvent rugueux et non poli, mais il est en même temps si individuel et si attrayant que ces fresques murales ne peuvent être considérées comme sans valeur. Le meilleur du style de Moscou La peinture se mêle aux nouvelles conceptions évoquées par les gravures sur bois de Piscator, dominées par le superbe sens des couleurs et de la décoration et le sens inné de l’espacement et de la présentation si caractéristiques du travail de Yaroslavl, à voir de la même manière dans les jouets, broderie, céramique et la peinture produite dans ce centre. Comme les anciennes icônes moscovites, ces peintures murales regorgent d’arrière-plans architecturaux élaborés comprenant des bâtiments de style moscovite. Les saints ont des visages ronds et de Russie centrale. Leurs robes ainsi que leurs arrière-plans sont brillamment et gaiement colorés.

L’espace mural que les peintures devaient couvrir était si vaste qu’un certain nombre de nouvelles scènes iconographiques ont dû être créées pour fournir aux peintres le sujet nécessaire. Le fait que beaucoup de nouvelles scènes soient extraites de la Bible de Piscator est un indication de l’intérêt que la Russie dans son ensemble, les provinces non moins que Moscou, a pris à la fois Peinture début Renaissance (c.1400-1490) et Peinture haute renaissance (c.1490-1530). Mais bien que les peintres de Yaroslavl et de Kostroma aient puisé leurs matériaux dans Piscator, ils ne se sont jamais imaginés de reproduire ses gravures sur bois dans leur forme originale, car aucun d’entre eux n’était un copiste servile. Tous transposèrent automatiquement les scènes de Piscator dans des compositions essentiellement russes peintes dans un style qui révèle une étonnante parenté avec les dessins produits aujourd’hui dans les ateliers de Palekh en papier mâché parrainés par le gouvernement soviétique. Si l’espace était disponible, il serait intéressant de discuter de cette ressemblance inattendue entre les interprétations byzantines du XVIIe siècle de l’art religieux occidental et les scènes laïques du XXe siècle produites par la dernière communauté survivante de peintres en icônes héréditaires. Tout ce que nous pouvons faire ici, cependant, est d’attirer l’attention sur la ressemblance. C’est par exemple ce qui ressort clairement d’une peinture murale de 1691 représentant David combattant l’Ours dans l’église de Saint-Jean le précurseur à Yaroslavl, qui est tirée du rendu par Piscator gravure par Bonse, daté de 1608. La similitude est encore plus marquée dans une scène de la vie d’Élisée datée de 1681 dans l’église du prophète Élie à Yaroslavl. La gravure sur bois de Piscator, datée de 1640, est inspirée de la vie d’Élisée de Martin de Foss. La version de Yaroslavl diffère nettement de celle de Piscator, mais son regroupement et sa coloration, en particulier la juxtaposition du maïs brillamment jaune, du ciel intensément bleu et des chemisiers rose et rouge vifs des faucheurs, auraient pu être produits par un artiste moderne de Palekh illustrant Pouchkine.

Pourtant, malgré leur charme et leur intérêt, ces peintures murales sont aussi peu inspirantes que les icônes délicates, accomplies et sophistiquées de Stroganov et les panneaux décoratifs remarquables exécutés dans les ateliers du Palais des Armes. Nous devons en conclure que, bien que Moscou ait formé une classe d’amateurs d’art dont les normes élevées et la capacité d’appréciation rapide ont joué un rôle dans le développement étonnamment rapide de l’art occidentalisé du XVIIIe siècle en Russie, elle n’était pas psychologiquement capable d’inspirer un travail de la même qualité. comme Novgorod.

On peut voir des peintures reflétant le style de l’école de Moscou des XVIe et XVIIe siècles dans meilleurs musées d’art en Russie, notamment le musée des arts de Novgorod et le Galerie Tretiakov, Moscou.