Peintures de figures néoclassiques de Picasso:
le naturalisme classique Automatique traduire

Pour un guide général sur l’évolution de la peinture,
voir: Histoire des arts (2, 5 millions avant notre ère).

Le néoclassicisme de Picasso

En 1914, à la hauteur de Cubisme synthétique, son co-inventeur Pablo Picasso a recommencé à dessiner et à peindre de manière naturaliste. Trois ans plus tard, alors qu’il travaillait pour Diaghilev sur le ballet "Parade", le nombre de ces œuvres naturalistes a augmenté. Ce fut cependant la deuxième période "classique" de Picasso, car la période Rose de 1905-1906 fut à bien des égards une première manche. En effet, l’évolution particulière de Picasso classicisme rappelle que «l’ordre du temps» datant de la guerre et de l’après-guerre n’était pas un phénomène nouveau, produit par la guerre, mais un resurgissement dans l’avant-garde d’un mouvement classiciste dominant au début du siècle, et dont les origines remontent à l’appel à l’ordre post-impressionniste des années 1880. Vu sous cet angle, Picasso’s Cubisme pourrait être considéré comme une sorte d’interruption temporaire dans la continuité de son classicisme. Moins perversement, il pourrait être perçu comme une autre forme de classicisme – une forme révolutionnaire «abstraite» de classicisme. C’était en fait la ligne adoptée par les critiques et les artistes, tels que les Purists, qui voulaient apporter système et ordre au cubisme en se référant aux «constantes» de Art grec et ses adeptes romains. Pour plus, s’il vous plaît voir: Renaissance classique dans l’art moderne (c.1900-30).

Formation académique classique

Picasso avait une formation approfondie en art académique très jeune. Son premier professeur fut son père, lui-même peintre, mais en 1892, Picasso s’inscrivit à l’école d’art de La Corogne où la famille avait déménagé l’année précédente. En 1894, il exécuta des dessins académiques réalisés à partir d’anciens moulages. Lorsque son père accepta un poste d’enseignant à l’école d’art La Llotja à Barcelone l’année suivante, il ne manqua pas de difficulté pour accéder aux classes avancées. «Science and Charity» (1897, Museu Picasso, Barcelone) était un essai précoce de narration morale académique, qui lui a valu les honneurs officiels lors de son exposition à Madrid et à Malaga. Après une brève période à l’Académie royale de San Fernando à Madrid, Picasso abandonne ses études et, au printemps 1899, de retour à Barcelone, il est devenu un habitué du café bohème et du centre d’art Els Quatre Gats. La peinture et dessin dans le style abstrait et symboliste d’artistes modernistes catalans tels que Santiago Rusinol et Ramon Casas. Il y rencontra le critique et philosophe Eugeni d’Ors, futur théoricien du noucentisme catalan, et entre autres Julio Gonzalez et Manolo. À travers ces contacts, Picasso s’est familiarisé avec les parisiens art moderne, et son travail a commencé à ressembler à celui de Toulouse-Lautrec, Forain et Steinlen.

Du blues aux sujets arlequin et saltimbanque

En octobre 1900, Picasso effectue son premier voyage à Paris. L’année suivante, il présente une première exposition à la galerie de Ambroise Vollard et a rencontré le poète et critique Max Jacob, qui est devenu un ami de toujours. À Barcelone, en 1902, la tonalité bleue dominante de ses récentes toiles est confirmée et les sujets de la nuit parisienne cèdent la place à des scènes tragiques de mendiants et de prostituées. Au printemps 1904, Picasso quitta Barcelone et s’installa dans un immeuble en ruine de Montmartre, surnommé le Bateau-Lavoir, où vivait une communauté d’artistes florissante. À partir de ce moment, il revint relativement rarement en Espagne et, même s’il continua de se mêler au groupe important d’Espagnols expatriés à Paris, il devint également un ami proche de Apollinaire André Salmon et Maurice Raynal. Il se rendit fréquemment au Cirque Medrano, à proximité, et peu à peu la tonalité bleue de son travail céda la place à un rose prédominant, et les sujets Arlequin et Saltimbanque commencèrent à dominer son répertoire. Simultanément, le caractère «gothique» de sa période bleue cède la place à un style dérivé de l’art classique, un changement qui doit beaucoup à ses contacts avec Apollinaire et avec Jean Moreas, fondateur de l’ École Romane, consacrée à la renaissance du art de l’antiquité classique.

Nus Classiques

Vers la fin de 1905, une nouvelle objectivité entra dans le travail de Picasso, remplaçant la sentimentalité de ses peintures de Saltimbanque. Ce développement a été encouragé par le JADIngres exposition rétrospective tenue dans le célèbre 1905 Salon d’Automne et par le travail néoclassique d’artistes émergents tels que Aristide Maillol (1861-1944). Au cours de 1906, notamment durant son séjour de quatre mois dans le village de Gosol dans les Pyrénées, cette tendance classique de Picasso se confirme. Ses peintures ont pris une tonalité de terre cuite et de gris, les formes ont été traitées de façon plus volumétrique, et les références à la classique Sculpture grecque, à Ingres, et maintenant aussi à Cézanne, a augmenté. (Voir par exemple Deux nus , 1906, Museum of Modern Art, New York.) Son sujet est simplifié, car il se concentre sur des thèmes intemporels et traditionnels dérivés de l’antiquité, tels que nus masculins avec des chevaux et des femmes se coiffant. De retour à l’automne à Paris, ses peintures de nus féminins revêtit une forme plus monumentale et plus primitive: l’influence des sculptures ibériques archaïques qu’il avait vues lors d’une exposition au Louvre se reflétait maintenant dans le traitement stylisé des visages et s’intégrait à une influence plus prononcée des peintures à la fin Cézanne (1839-1906), et les peintures et sculptures tahitiennes de Gauguin (1848-1903). Toutes ces sources, ainsi que des éléments de Art africain et Art océanique, fusionné dans l’extraordinaire Les Demoiselles d’Avignon (1907, Musée d’art moderne de New York). Cette immense toile, qui occupa Picasso pendant plusieurs mois en 1907, était révolutionnaire au niveau de l’abstraction informelle, mais ne faisait néanmoins pas référence aux traditions académiques de représentation du nu. En réalité, c’était sa réponse à l’appel en faveur d’un classicisme artistique renouvelé et anti-universitaire, bien que son caractère expressionniste «Dionysiaque» indique clairement le rejet de Picasso de l’équation généralement acceptée du classicisme avec la sérénité «Apollonienne». Voir, par exemple, son dernier ouvrage néoclassique sur le thème dionysiaque – Deux femmes qui courent sur la plage (The Race) (1922) Musée Picasso, Paris.

Influence de Braque

Georges Braque (1882-1963) avait été emmené à l’atelier de Picasso à la fin de 1907. Au cours de l’année suivante, les deux hommes se rencontrèrent souvent. L’assimilation par Braque des aspects conceptuels de l’œuvre de Cézanne affecta Picasso, qui réduisit les rapports conflictuels et dramatiques. ton des peintures "nègres" qui ont suivi Les Demoiselles d’Avignon. Des peintures telles que Trois femmes (musée de l’Ermitage, Leningrad), achevées après une révision considérable au cours de l’hiver 1908-1969, montrent l’influence des peintures de paysages géométriques récentes de Braque. Hors de leur collaboration au cours des cinq prochaines années Cubisme Analytique émergé. Peu à peu, Picasso est reconnu comme un leader de la politique parisienne art d’avant-garde Bien que, comme Braque, il n’ait jamais exposé aux salons annuels de Paris, il a montré ses dernières toiles cubistes à la Galerie Notre-Dame-des-Champs en mai 1910. Et, grâce au réseau de contacts internationaux de Daniel Kahnweiler, marchand de Picasso et de Braque, leurs peintures cubistes analytiques ont été incluses dans de nombreuses expositions importantes à l’étranger. Ainsi, l’influence du style s’étend rapidement. En 1912, Picasso fit sa première des collages, ou de constructions, et, à l’initiative de Braque, ses premiers papiers collés. Ces nouvelles méthodes, qui ont inauguré la phase "synthétique" du cubisme, ont eu pour effet d’abandonner l’abstraction et le mystère de leurs œuvres "hermétiques" récentes au profit d’une plus grande lisibilité et d’une plus grande clarté formelle.

Naturalisme Classique

Quand la guerre fut déclarée en août 1914, Picasso était à Avignon. Au cours de son séjour de cinq mois, son travail est devenu extrêmement varié: il a produit des peintures cubistes synthétiques décoratives aux couleurs riches, des dessins qui, avec le recul, semblent anticiper ses œuvres surréalistes de la fin des années 1920 et 1930, ainsi que de superbes dessins naturalistes dans un style liée à celle d’Ingres. Le peintre et son modèle (1914, Musée Picasso, Paris) était prophétique du classicisme de son art dans les années à venir. Deux ans plus tard, il accepta de collaborer avec son nouvel ami le poète et critique Jean Cocteau à Parade, un ballet expérimental sur musique d’Erik Satie, conçu par Cocteau pour Diaghilev. En février 1917, Picasso accompagna Cocteau à Rome pour rencontrer les Ballets Russes et de travailler sur ses dessins. Il resta en Italie pendant deux mois, visitant quelques-uns des principaux musées et églises et se rendant à Florence, Naples et Pompéi. Ce fut son premier voyage en Italie et cela contribua de manière significative à la résurgence du classicisme dans son travail. Bien que les décors de Parade et ses costumes pour les gérants soient de style cubiste, le rideau de rideaux gigantesque, représentant les artistes en coulisses, était dans un style «baroque». naturalisme dérivé ludique de l’art qu’il avait vu à Rome et à Naples. Il rappela aussi de loin les peintures d’Arlequin et de Saltimbanque de 1905. La première représentation du ballet au Théâtre du Châtelet à Paris en mai 1917 provoqua le scandale et la controverse et alerta critiques et artistes sur l’évolution de l’œuvre de Picasso.

À Rome, Picasso avait rencontré Olga Koklova, une ballerine de la compagnie de Diaghilev. En juin, il l’avait suivie en Espagne, où se produisaient les Ballets Russes. Ils sont restés à Barcelone jusqu’en novembre et Picasso a vu une grande partie de ses vieux amis catalans. L’esthétique classique du noucentisme catalan a contribué à confirmer les nouvelles tendances de son art. De même que ses contacts avec le monde du ballet et son entourage de la haute société, car il conçut d’autres ballets pour Diaghilev au cours des prochaines années. En juillet 1918, Picasso et Olga se sont mariés et ont passé leur lune de miel à Biarritz, où il a réalisé de nombreux portraits élégants d’Ingres. À partir de ce moment-là, il passa généralement l’été dans le sud de la France, affirmant que dans cette ambiance méditerranéenne, les sujets mythologiques lui venaient naturellement. En sa lune de miel, Picasso a rencontré Paul Rosenberg, qui deviendra son revendeur, trouvera un appartement pour lui et Olga juste à côté de sa galerie, rue La Boétie, et organisera régulièrement des expositions de ses dernières œuvres au cours des prochaines années.

Images mère et enfant

En février 1921, Olga donna naissance à un fils et Picasso fut occupée pendant de nombreuses années par de nombreuses images de mère et d’enfant, dans une grande variété de styles classiques. (Voir: Grand bain , 1921, Musée de l’Orangerie, Paris.) La famille passe l’été 1921 dans une villa de Fontainebleau, où Picasso peint plusieurs peintures néoclassiques monumentales en partie inspirées du Peintures Renaissance dans le palais. Parallèlement, toutefois, il a réalisé deux grandes toiles synthétiques cubistes éblouissantes représentant Trois musiciens (Museum of Modern Art, New York et Philadelphia Museum of Art). Sa capacité à travailler simultanément dans ces deux modes apparemment antithétiques a suscité de nombreuses controverses et, dans une interview accordée à Marius de Zayas, Picasso a commenté de manière assez détaillée la relation qui existe dans son travail entre humeur et sujet, ainsi que le choix de style:

Les différentes manières que j’ai utilisées dans mon art ne doivent pas être considérées comme une évolution ou comme des pas vers un idéal de peinture inconnu. Tout ce que j’ai fait, c’est pour le présent et avec l’espoir qu’il restera toujours dans le présent. Je ne crois pas avoir utilisé des éléments radicalement différents dans les différentes manières que j’ai utilisées en peinture. Si les sujets que j’ai voulu exprimer ont suggéré différentes manières d’expression, je n’ai jamais hésité à les adopter. Cela n’implique ni évolution ni progrès, mais une adaptation de l’idée que l’on veut exprimer et des moyens de l’exprimer. (Citation de "Picasso parle", The Arts, New York, mai 1923.)

NOTE: le camarade cubiste de Picasso Fernand Leger (1881-1955) a également participé au classique "Call to Order", avec des images comme: La mécanique (1920, Musée des beaux-arts du Canada, Ottowa); Trois femmes (Le Grand Dejeuner) (1921, MOMA, NY); Nus sur fond rouge (1923, Kunstmuseum, Basel); et son plus tard Deux soeurs (1935, Gemaldegalerie SMPK, Berlin). Voir aussi les motifs classiques et les images utilisées par Giorgio de Chirico (1888-1978), dans des ouvrages tels que: L’incertitude du poète (1913, Tate Collection, Londres), La chanson de l’amour (1914, Musée d’art moderne de New York) et Le mystère et la mélancolie d’une rue (1914, collection privée).

Impact du surréalisme

L’année de cette interview, 1923, est également l’année de l’amitié de Picasso avec le poète et théoricien surréaliste André Breton se rapprochait et, en décembre 1924, dans le premier numéro de La Revolution Surrealiste, Picasso était représenté avec une construction en tôle. Bien qu’il n’ait pas officiellement rejoint le Surréalisme mouvement, son travail a été inclus dans les expositions et les magazines des surréalistes et, à partir du milieu des années 1920, il a montré de nombreux signes de sa sympathie pour leurs préoccupations fondamentales. Son sujet ne change pas radicalement du fait de cette nouvelle allégeance, mais les déformations violentes et expressives auxquelles il soumet le corps humain sont d’une inventivité sans bornes, et des allusions métaphoriques et des symboles privés confèrent à son travail un caractère poétique, imaginatif et onirique.. Les Trois Danseuses de 1925 (Tate Collection, London) aux couleurs vives, délibérément laides et dérangeantes, inspirées du style de collage, enregistrent de façon dramatique la nouvelle orientation, car le sujet et la composition – directement issus du motif traditionnel des «Trois Grâces» – avaient été explorés. dans beaucoup de ses anciens dessins classiques élégants de danseurs.

Malgré les apparences, cependant, les liens avec la tradition classique ont été maintenus à la fin des années 1920 et 1930, lorsque Picasso était au plus près de Artistes surréalistes : nombre de ses figures les plus déformées et grotesques ont adopté des postures classiques et dans l’utilisation de la modélisation linéaire et tonale, il a pastiché des techniques académiques. En outre, certains de ses dessins contemporains ont été exécutés dans un style pur et linéaire, dérivé de la peinture de Poterie grecque car c’est principalement dans son travail graphique que s’intègre son idée du monde classique et de la mythologie classique. Il semble en effet que, plutôt que de décourager ce dialogue avec le classicisme, l’obsession du mythe et de la construction de mythes chez les surréalistes a stimulé le concept de plus en plus mythique de Picasso sur la relation entre l’artiste et son monde et son identification particulière avec le légendaire Minotaur. Ces préoccupations ont été exprimées dans le eaux-fortes il réalisa une nouvelle édition des Métamorphoses d’ Ovide (publiée par Albert Skira en 1931) et culmina dans la grande suite de gravures exécutées en 1933-1933 sur le thème de l’atelier du sculpteur et des amours du Minotaure., qui a été intégré à la célèbre «Suite Vollard». En 1930, Picasso avait acheté le château de Boisgeloup, au nord-ouest de Paris, où il avait pu installer de grands ateliers de sculpture. Les bustes et les nus qu’il créa au début des années 1933 variaient considérablement par leur degré de naturalisme, mais dans chacun d’entre eux, il poursuivit son exploration des nombreuses «voix» de la tradition classique, sans toutefois être tenté de travailler à aucun moment. une manière simple néoclassique.

Approche inventive du classicisme chez Picasso

Depuis la fin de la Première Guerre mondiale, Picasso a fait l’objet de nombreuses études critiques. (La première monographie substantielle, par son vieil ami Maurice Raynal, a été publiée à Munich en 1921 et à Paris l’année suivante.) Sa consécration comme grand maître vivant est venue en 1932 avec la grande exposition rétrospective tenue à Paris aux Galeries Georges Petit., qui s’est ensuite rendu au Kunsthaus de Zurich. La même année, le premier volume du catalogue raisonné de peintures et de dessins de Christian Zervos est publié. En 1933, Bernard Geiser publie un catalogue raisonné de gravures et de lithographies. En 1936, à l’éclatement de la guerre civile espagnole, Picasso est élu directeur du Musée du Prado à Madrid. Son opposition à Franco a été exprimée directement dans la série de gravures satiriques, "Le rêve et le mensonge de Franco", et en termes métaphoriques dans la grande peinture murale, intitulée Guernica , qu’il a peint pour le pavillon républicain espagnol à l’ Exposition internationale de 1937. À Guernica (Prado, Madrid), comme dans beaucoup d’autres de ses œuvres les plus importantes de l’entre-deux-guerres, l’approche typiquement libre et inventive de Picasso la tradition trouve son expression une fois de plus car, même si le style est essentiellement celui du cubisme synthétique, les images, la composition et même le dessin utilisent diverses sources classiques, notamment des peintures du Massacre des Innocents de Guido Reni (1575-1642) et Nicolas Poussin (1594-1665). La tradition classique reste pour lui un stimulant et une ressource; mais son immersion dans celui-ci n’a jamais impliqué d’imitation non critique, et ses propres pouvoirs de créativité n’ont jamais été paralysés par le poids de son autorité.