Comment apprécier la sculpture moderne Automatique traduire

Ressources additionnelles

Comment évaluer l’art moderne 3D

En termes très simples, l’expression "art moderne à trois dimensions" désigne sculpture de l’ère moderne, qui a commencé vers 1850. C’était le moment où les principes traditionnels de l’art étaient soumis à de sérieuses pressions de la part des modernistes, qui commençaient à remettre en question certaines des conventions pédantes de l’art académique, enseignées dans les grandes académies européennes des beaux-arts. arts. Dans le même temps, des mouvements comme l’impressionnisme, l’expressionnisme, le cubisme et le futurisme ont introduit sculpteurs du XXe siècle à une variété d’idées révolutionnaires. le esthétique de la sculpture moderne se caractérisaient avant tout par l’abandon de la simple copie de la nature (par exemple dans les portraits de style traditionnel, les scènes de groupe) au profit d’œuvres plus empreintes de message – d’attitude! Les règles classiques de composition, de perspective et de présentation ont été écartées, tandis que le type de matériel utilisé s’est considérablement élargi. Afin d’apprécier les énormes changements introduits par la modernité Art plastique rappelez-vous que la plupart des écoles de sculpture n’enseignaient que le dessin de la vie et la sculpture sur pierre, avec peut-être quelques moulages de bronze et de sculpture sur bois. Ils étaient totalement mal équipés pour répondre à la demande de nouvelles idées, de nouvelles méthodes et de nouveaux matériaux.

Pour vous aider à apprendre (ou à enseigner aux étudiants) à évaluer des œuvres de sculpture moderne, cette page Web contient des explications fournies par la plupart des grandes écoles, du milieu du XIXe siècle à nos jours. Il comporte des références à d’importantes artistes modernes avec leurs œuvres, avec des explications individuelles, le cas échéant. Cela dit, aucun article écrit sur l’appréciation de l’art en 3D n’est aussi instructif qu’une visite d’une galerie de sculptures, d’un jardin ou d’un musée, où vous pouvez vous promener ou même «entrer» dans les expositions et les étudier de près, sous différents angles. Alors s’il vous plaît visitez notre guide à la meilleurs musées d’art. N’oubliez pas que la sculpture est un art en trois dimensions et qu’elle ne peut être pleinement appréciée que dans la chair.

Comment apprécier la sculpture du XIXe siècle (1800-1900)

Sculpteurs du XIXe siècle eu un moment difficile. Le favoritisme religieux s’était effondré, tandis que le favoritisme de l’État était incertain et se limitait en grande partie aux statues commémoratives de monarques, d’hommes d’État patriotes et de clercs. Ce n’est qu’au tournant du siècle que les sculpteurs ont pu refléter les nouvelles tendances de l’art moderne. Le grand sculpteur français a fait exception à la règle. Auguste Rodin (1840-1917). Rodin se considérait comme le successeur naturel de son héros Michelangelo – même si le Florentin était un sculpteur sur pierre alors que Rodin était avant tout un modeleur en bronze. Les styles individuels des deux hommes étaient également aux antipodes. Michelangelo incarne la noblesse intemporelle de l’Antiquité classique, tandis que les œuvres de Rodin sont indéniablement modernes, avec un naturalisme dramatique et expressif. Les vrais prédécesseurs de Rodin sont sûrement les sculpteurs gothiques, dont il était un admirateur passionné. Voir notamment ses chefs-d’œuvre tels que: L’âge de bronze (1876, Musée d’Orsay, Paris), Le Penseur (1881, Musée Rodin, Paris), Le Baiser (1888-1989, Musée Rodin, Paris) et Les Bourgeois de Calais (1889, Musée Rodin, Paris).

Parmi les autres sculpteurs de cette période qui valent la peine d’être étudiés, citons: les romantiques François Rude (1784-1855) et Auguste Preault (1809-1879); le très talentueux, le cœur léger Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) et son disciple Jules Dalou (1838-1902); ainsi que le classique Alfred Stevens (1817-1875) et le polyvalent George Frederick Watts (1817-1904).

En outre, le 19ème siècle a produit plusieurs chefs-d’œuvre de la sculpture architecturale. Il s’agit notamment de: Nelson’s Column (1840-3), le monument de 185 pieds à Lord Nelson (surmonté d’une statue de Nelson de 17 pieds de haut) conçu par EHBaily et situé à Trafalgar Square; le Statue de la Liberté (1886, Liberty Island, port de New York), la statue emblématique haute de 302 pieds conçue par le sculpteur français Bartholdi (1834-1904); et le monument parisien, le fer forgé haut de 1000 pieds tour Eiffel (1885-9), conçu par l’ingénieur Gustav Eiffel et l’architecte Stephen Sauvestre. En 1922, le sculpteur américain Daniel Chester français (1850-1931) atteint l’immortalité avec une autre sculpture monumentale publique – la figure assise de Lincoln au Lincoln Memorial à Washington DC.

Pour les biographies de critiques et de commentateurs, comme John Ruskin et d’autres, voir: Critiques d’art: Critique des arts visuels (1750-présent).

Autres sculptures du XIXe siècle à évaluer

Comment apprécier la sculpture du vingtième siècle (1900-1945)

Le nouveau siècle a vu l’émergence du premier des grands sculpteurs modernes Constantin Brancusi (1876-1957) et Umberto Boccioni (1882-1916). Dans The Kiss (1907, Hamburgerkunsthalle, Hambourg) et Sleeping Muse (1910, Metropolitan Museum of Art, New York), Brancusi réduit les formes naturelles à leur essence ultime, sans perdre leur humanité essentielle. Le Baiser, en particulier, transmet une profonde primitivisme, mais qui illustre la foi de Brancusi dans le pouvoir de l’émotion humaine. En regardant le monde avec un accent plus politico-historique, les formes uniques de continuité dans l’espace de style futuriste de Boccioni (1913, Museum of Modern Art, New York) incarnent le mouvement et le dynamisme de l’ère des machines. Il personnifie le nouvel homme technologique, parcourant puissamment l’espace, et symbolise son triomphe sur la nature. Les deux sculpteurs illustrent la tendance à l’abandon du représentationnalisme, à un idiome plus ambitieux dans lequel le conceptualisme et le formalisme se confondent.

Cubisme, le style révolutionnaire de art moderne initié par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963), a déclenché une vague d’expérimentation dans sculpture abstraite. Quelques exemples d’art en trois dimensions cubiste: Woman Walking (1912, Denver Museum of Art) de Alexander Archipenko (1887-1964); Grand Cheval (1914, Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris) par Raymond Duchamp-Villon (1876-1918); Man With Guitar (1915, MoMA, New York) de Jacques Lipchitz (1891-1973); Tête de femme (1917, MoMA, New York) de Naum Gabo (1890-1977); Assiette de fruits aux raisins (1918) d’Henri Laurens (1885-1954); et Torso (1924-6, MoMA, NY) d’Antoine Pevsner (1886-1962).

Le carnage de la Première Guerre mondiale a conduit à des sculptures déchirantes telles que Fallen Man (1916, nouvelle galerie nationale, Berlin) et Seated Youth (1918, Stadel Art Institute), tous deux de Wilhelm Lehmbruck (1881-1919), l’artiste expressionniste qui s’est suicidé après ses expériences dans un hôpital de la Première Guerre mondiale. Cela a également conduit directement à Dada, dont le concept de junk art a été bien illustré par Fountain (1917, répliques dans plusieurs musées) par Marcel Duchamp (1887-1968), et l’unique merzbau de Kurt Schwitters (1887-1948).

Pendant l’entre-deux-guerres, l’art plastique a évolué suivant un certain nombre de lignes, que nous pouvons caractériser simplement:

Comment apprécier la sculpture de la fin du XXe siècle (1945-2000)

Cette période a été témoin de l’évolution continue des six styles de sculpture énumérés ci-dessus, ainsi que d’une quantité d’innovation réelle.

Sculpture technologique
Ce style est le seul dont l’avancement semble définitivement avoir diminué. À l’heure actuelle, il ne subsiste que dans la sculpture architecturale: l’exemple du 21e siècle est The Spire of Dublin, connu sous le nom de «the spike», conçu par Ian Ritchie RA. Cependant, ce type de sculpture va se reproduire, sans doute dans un nouvel environnement (par exemple, dans l’espace ou sur l’eau).

Abstraction
Ce style a été porté à de nouveaux sommets par le Minimalisme école dans les années 1960. Sculpteurs américains – tel que Sol LeWitt (b.1928), Donald Judd (1928-94), Walter de Maria (né en 1935), et Carl Andre (B.1935) – axé sur la création d’un type d’art intellectuel ramené à ses fondamentaux. Difficile à comprendre ou à discuter, à moins d’avoir un doctorat en esthétique. Notons au passage que l’expert en art contemporain et collectionneur Charles Saatchi attache une signification profonde au travail de Donald Judd. Parmi les sculptures minimalistes célèbres, citons: Cage II (1965, MoMA, New York) de Walter de Maria; Equivalent 1 (1969, Kunstmuseum, Basel) de Carl Andre; et Stack (1967, MoMA, New York) de Donald Judd.

Mouvement / Décomposition
Relief Mobile 5 (1954, Musée d’Art Moderne, Saint-Etienne) est un exemple de la sculpture cinétique d’après-guerre de Pol Bury (1922-2005); Signal: insecte animal de l’espace (1956, Tate London) de Takis (né en 1925); et les extraordinaires engins autodestructeurs rassemblés par l’artiste suisse d’avant-garde Jean Tinguely (1925-1991), tels que Hommage à New York (1960, Musée d’art moderne de New York). Les œuvres de Tinguely combinent la sculpture, les procédés et la performance dans un festin visuel unique. On pourrait également soutenir que les sculptures environnementales temporaires (par exemple en neige) d’Andy Goldsworthy (né en 1956) appartiennent également à cette catégorie.

L’absurde ou surréaliste
Cette tradition a été renouvelée par les membres de la Pop Art mouvement. Les exemples incluent le giganticisme de Claes Oldenburg (b.1929), voir par exemple Giant Fag-Ends (1967) et Apple Core (1992); ainsi que l’humoristique Joe Sofa (1968) des Italiens Jonathan De Pas (1932-91), Donato D’Urbino (né en 1935) et Paolo Lomazzi (né en 1936). En outre, les œuvres de César (1921-98), (voitures écrasées); et la sculpture de jonque de Arman (b.1928) (des tas de téléphones cassés) qualifient clairement d’absurde, comme le font les sculptures en araignée de maman de Louise Bourgeois (1911-2010); et les chiffres uniques en forme de bâton de Alberto Giacometti comme Tall Woman II (1960, Musée d’art moderne de New York). En février 2010, Walking Man I (1961), un bronze grandeur nature de Giacometti, a été vendu chez Sotheby’s à Londres au prix de 65 millions de livres sterling (104 millions de dollars), le prix le plus élevé jamais remporté pour une sculpture.

Formes organiques
Ce genre a été activement poursuivi par Henry Moore et Barbara Hepworth, avant (sans doute) de réapparaître dans les œuvres abstraites monumentales de Richard Serra (b.1939). En étudiant le serpent de Serra (1994-1997) au musée Guggenheim de Bilbao, on ne peut s’empêcher de le considérer comme une entité vivante. Divided Head (1963, Fiorini, Londres) de Cesar Baldaccini est une autre œuvre remarquable de cette catégorie.

Matériaux Industriels
Cette catégorie a été développée depuis la guerre par des artistes tels que Tony Smith (1912-1981), voir son Die (1962, MoMA, New York); Barnett Newman (1905-1970), voir son Broken Obelisk (1963-1939, MoMA, New York); Alexander Calder, voir son livre Le Hallebardier (1971, Sprengel Museum, Hanovre);
et Mark Di Suvero (b.1933), voir son Storm Angel (1974, Chalon-sur-Saône).

NOTE: Les sculptures mémorielles émotive commémorant la Shoah (1933-1945) constituent une catégorie à part. Cette forme de Art de l’Holocauste Les mémoriaux de Treblinka et de Dachau en sont un exemple.

Les innovations

Les nouvelles formes de sculpture apparues au cours de la seconde moitié du 20e siècle sont les suivantes:

Assemblage
Lancé par Jean Dubuffet (1901-1985), art d’assemblage comprend des œuvres fabriquées à partir de fragments d’objets naturels ou fabriqués par l’homme, tels que des débris ménagers ou domestiques. Les exemples incluent les "murs sculptés" de Louise Nevelson (1899-1988), généralement fabriqués à partir de caisses en bois, peints à la bombe de peinture noire ou dorée et disposés sur des étagères en forme de boîte. Voir aussi les œuvres du sculpteur allemand d’avant-garde Joseph Beuys (1921-1986). Assemblage a bénéficié d’un formidable élan promotionnel grâce à un important spectacle intitulé "The Art of Assemblage" – organisé en 1961 au Museum of Modern Art de New York.

Superréalisme
Émergeant du Pop Art et Photoréalisme, C’est un genre figuratif basé aux États-Unis dans lequel certains individus stéréotypés sont recréés jusqu’au dernier détail réaliste, en utilisant du polyester / fibre de verre et d’autres matériaux, notamment des cheveux. Le style est illustré par des œuvres comme Young Shopper (1973, collection privée) de Duane Hanson (1925-96); et Couple (1971, Centre Georges Pompidou, Paris) par John De Andrea (b.1941). Voir aussi les nageurs hyperréalistes de Carole Feuerman (b.1945).

Gigantisme
Les traditions monumentales de Joseph Staline et d’Albert Speer en matière de design ont été préservées grâce aux œuvres colossales du lauréat du prix Turner Antony Gormley (B.1950) – Voir son Ange du Nord (1997-8, Gateshead, UK); et gagnant du prix Turner Anish Kapoor (B.1954) – voir son Marsyas (2002, Tate Modern Exhibition). Certains types de sculptures en terre ou d’art terrestre, entrent également dans cette catégorie.

Britart (Jeunes artistes britanniques)
Quelques oeuvres de l’école anglaise de art postmoderniste, dirigé par Damien Hirst (b.1965), Rachel Whiteread (1963) et Tracey Emin (b.1963), pourraient facilement être classés dans The Absurd, mais, en toute équité, ils méritent une catégorie spéciale qui leur est propre – on pourrait l’appeler «complètement et totalement absurde». Ce type de art contemporain est caractérisé par L’impossibilité physique de la mort dans l’esprit de quelqu’un de vivant (requin mort, 1991) et de Flock (agneau mort, 1994) de Hirst; et par Whiteread’s Untitled (House) (1993). Pour l’art en 3D en Irlande, voir: Sculpture Irlandaise: Histoire, Sculpteurs.