Francisco Zurbaran:
peintre religieux espagnol, caravagiste Automatique traduire

Biographie: Petite enfance et œuvres

L’un des plus fervents d’Espagne Maîtres Anciens et créateur de certaines des images les plus intenses de Peinture espagnole Francisco Zurbaran est né à Fuente de Cantos, une ville de l’ouest de l’Espagne, dans la province de Badajoz (Estremadura), fils d’un commerçant prospère d’origine basque. En 1614, il devint apprenti du peintre Pedro Diaz de Villanueva à Séville. Trois ans plus tard, il s’installe à Llerena, la ville la plus importante de la région, où il épouse Maria Paez , une héritière âgée de neuf ans. Après avoir eu trois enfants, son épouse est décédée et en 1623, il épouse une autre femme de Llerena, Beatriz de Morales , une veuve. Zurbaran est resté à Llerena pendant onze ans et pendant son séjour, il a été fortement influencé par le quiétisme espagnol, un mouvement catholique promouvant la compréhension de Dieu par le silence soumis et un programme de tâches pénitentielles, qui ont naturellement naturellement peinture d’art. Il reste l’un des plus actifs
contributeurs à Art de la contre-réforme catholique en Espagne.

En 1626, il accepta une commande du monastère dominicain de San Pablo el Real de Séville pour peindre une série de peintures à l’huile pour sa chapelle oratoire. Une de ces œuvres, Christ sur la croix (1627, Art Institute of Chicago), a fait sa réputation. Influencé par la lumière et l’ombre dramatiques du peintre italien Caravage (1573-1610), le tenebroso espagnol Francisco Ribalta (1565-1628) et la modélisation de l’espagnol Baroque Artiste Juan Martinez Montanes (1568-1649), le tableau présente un Christ naturaliste dont l’impact sculptural est renforcé par un fond sombre et une forte illumination. Bien que l’immobilité limpide du corps indique la mort, une tension dramatique est introduite par son affaissement qui fait tomber la tête de Jésus contre son épaule. Un chef d’oeuvre de catholique Art chrétien, c’est un parfait exemple du naturel et de la clarté exigés par la campagne de propagande de la Contre-Réforme.

Atteindre la maturité à Séville

En 1629, Zurbaran déménage à Séville, où il s’établit (jusqu’à environ 1640) en tant que peintre de premier plan en Andalousie. Pendant ce temps, il a reçu des commandes pour des retables et d’autres peintures religieuses pour les monastères et couvents de divers ordres (chartreux, capucins, dominicains, jéronymites, entre autres), ainsi que pour les cathédrales et autres autorités ecclésiastiques. La plupart des commissions impliquaient la représentation des célèbres saints des ordres monastiques concernés. Par exemple, pour le monastère de la Merced Calzada à Séville, il a produit une série d’œuvres (par exemple, l’apôtre Pierre, 1628, Prado, Madrid) illustrant la vie de saint Pierre Nolasco, fondateur de l’Ordre.

Ses premières œuvres montrent souvent la simplicité sans fioritures de la sculpture en bois. Les figures, placées près de la surface de l’image, sont fortement modelées par une illumination dramatique sur des fonds sombres. Dans les années 1630, son style réaliste est illustré dans son célèbre apothéose de saint Thomas d’Aquin (1631), l’un de ses meilleures peintures baroques – cède la place à une expression plus mystique dans des œuvres telles que l’ Adoration des bergers (1638), influencée par la figuration et les coups de pinceau rapides du grand artiste napolitain espagnol Jose Ribera (1591-1652), et l’intimité de Velazquez (1599-1660).

Peintre au roi

En 1634, Zurbaran se rendit à Madrid pour compléter une commission royale qui lui avait été remise à l’instigation de Velazquez (1599-1660), désormais peintre à la cour du roi Philippe IV, qui supervisait la décoration du nouveau palais royal de Madrid. Pour la salle des royaumes du palais du Buen Retiro, Zurbaran a créé dix peintures d’histoire représentant les travaux d’Hercule et une scène de bataille, La Défense de Cadix contre les Anglais, cette dernière faisant partie d’une série qui comprenait celle de Velazquez Reddition de Breda (1635). Contrairement à la tradition du XVIIe siècle qui consistait à modeler des héros mythologiques sur des figures classiques, Zurbaran a choisi de faire d’Hercule un individu robuste et terreux d’une force exceptionnelle. Son succès a été dûment reconnu avec le titre honorifique de peintre du roi.

Outre ses nombreuses séries de peintures, Zurbaran a également exécuté de nombreuses œuvres uniques, dont plus de quarante peintures de saint François d’Assise. L’extase mystique de ces images est parfaitement illustrée par les yeux tournés et la bouche ouverte de saint François en méditation (1635-1640). Dans le même temps, Zurbaran a produit un certain nombre d’exquis natures mortes, comme Nature morte aux citrons, oranges et une rose (1633), et son chef-d’œuvre Nature morte aux oranges (1633).

Déclin et chute

À la fin des années 1630, malgré le fait qu’il était au sommet de ses pouvoirs créateurs, la fortune de Zurbaran est restée lettre morte. D’abord, en 1639, Zurbaran fut profondément affecté par la mort de son épouse Beatriz de Morales. Cela a été suivi par l’effondrement soudain de l’économie espagnole: une récession qui a sévèrement limité les revenus et les dépenses de ses principaux patrons, les ordres religieux espagnols. En même temps, son style de peinture austère devenait de moins en moins adapté à la tendance religieuse grandissante à la piété tendre, qui commençait à favoriser la sentimentalité floue du maître né de Séville. Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682).

Pour tenter de compenser ces pertes, Zurbaran a commencé à exporter vers le marché sud-américain, notamment des centres religieux comme Lima et Buenos Aires. Il a également incorporé davantage d’émotionalisme manifeste dans des peintures telles que Christ portant la croix (1653). Cependant, après un troisième mariage (en 1644) et quatre enfants supplémentaires à soutenir, il a de plus en plus de difficultés à joindre les deux bouts. En 1658, il s’installe à Madrid, où il imite le style de Velazquez portrait d’art comme docteur en droit (c.1658-1660). Malheureusement, son art n’est plus apprécié et il meurt sans ressources en août 1664.

L’Art de Zurbaran. Un petit guide

L’austérité du réalisme religieux en Espagne est mieux représentée par Francisco de Zurbaran. Les ordres religieux ascétiques l’ont naturellement fait peintre et son meilleur travail est associé aux légendes monastiques. Son style est paradoxalement serré, linéaire et pourtant totalement peintre. Il utilise librement l’ombre large et sombre des Caravaggiens, mais la maintient en harmonie avec son positif Couleur. Il module ses surfaces lisses pour qu’elles expriment toutes les textures. Son art est à la fois emphatique et réticent, complètement d’un autre monde, même lorsqu’il semble le plus spécifique. Il est à sa manière l’un des peintres les plus sérieux du monde, catholiques et catholiques, et de tous les temps. Baroque espagnol peintres du dix-septième siècle, peut-être le plus espagnol.

Champion du monachisme ascétique

Francisco de Zurbaran est né en 1598 d’une famille paysanne du village de Fuente de Cantos, au nord de l’Andalousie. De là, il s’est rendu à Séville, où il a d’abord étudié auprès d’un disciple de Morales, puis de Juan de Roelas et d’un obscur créateur de broderie, Pedro Diaz de Villanueva. Certains historiens pensent que le lustre discret de fils de soie très rapprochés aurait pu fournir des suggestions pour le traitement très subtil de sa peinture par Zurbaran. Il est rapidement devenu le peintre préféré des ordres monastiques les plus anciens et les plus ascétiques – Augustins, Dominicains, Chartreux, Franciscains. Il convient de rappeler que les réformes instituées par le concile de Trente ont eu un double effet sur les formes de la piété catholique. Dans les ordres monastiques, qui ont été largement enrôlés dans les cruautés de la Sainte Inquisition, la Contre-Réforme a mis un nouvel accent sur la foi et un retour à une discipline sévère. De ce monachisme régénéré et durci, Zurbaran est le chroniqueur visuel, unique par sa puissance et sa véracité.

Le pieux sentimentalisme de son rival

Mais parmi les laïcs, en particulier les femmes, la Contre-Réforme, secondée avec talent par l’ordre des jésuites, favorisa un nouveau piétisme, très émotionnel, pour ne pas dire le sentimentalisme. Que ce soit dans la Nativité ou dans son Assomption au milieu des nuages, la Mère de Dieu doit être une fille très jolie et attrayante, des saints monastiques câlinent l’enfant-Christ ou resserrent avec passion les pieds du Christ crucifié. L’attaque contre les sensibilités est impitoyable. Bien sûr, Murillo est le peintre qui visualise le mieux ce piétisme sentimental. Zurbaran fait de temps en temps des concessions à ce sujet et, lorsqu’il le fait, dans ses Madones, sa Sainte Famille, ses jeunes Marys en prière ou en tricot, il est souvent sentimental au point de devenir idiot.

Saint Bonaventure renvoyant saint Thomas d’Aquin au crucifix

Étant donné que le style de Zurbaran est très peu développé, nous pouvons omettre des œuvres relativement peu importantes au début et passer à un chef-d’œuvre de sa maturité précoce, tel que Saint-Bonaventure, renvoyant Saint-Thomas d’Aquin au Crucifix (Berlin). Il a été peint en 1629 et fait partie d’une série destinée à un couvent franciscain. Comme toutes les séries de ce genre, elle a été dispersée lorsque les ordres religieux ont été supprimés et les images uniques dispersées dans de nombreuses galeries. La légende derrière cette image est que le grand maître dominicain de la théologie, Thomas d’Aquin, visitant la cellule du théologien franciscain Bonaventura à Paris, lui a demandé la source de sa sagesse divine. Bonaventura, tournant le dos aux étagères chargées des livres des grands pères de l’Église, tire un rideau et pointe un crucifix. Thomas d’Aquin lève les mains avec étonnement. Derrière lui, un groupe de quatre franciscains observe la scène avec édification et ravissement.

C’est l’une des images les plus dramatiques d’une époque et d’une race qui valorisait le dramatique. Mais le drame est réservé et noble. Sans la connaissance de la légende, on se sentirait comme une urgence morale. Cette impression ne fait que s’approfondir lorsque nous réalisons qu’un esprit trop rationalisateur est rappelé à la source véritable de toute connaissance valable. Techniquement, il existe peu de Zurbarans plus fins que cela. C’est dur, ou dans la phrase du peintre "serré", mais sa tension est très expressive et précieuse. Une grande partie de l’effet dépend de la modulation subtile des bords apparemment durs et uniformes. C’est peut-être là que réside la supériorité technique de Zurbaran sur Ribera. La composition des taches sur les zones sombres et claires – la chaise, les livres de Bonaventura sur la table et les étagères, les rideaux, le crucifix, la main de Thomas Aquinas et la manche blanche, l’ouverture de la porte – est brillante et même excitante, introduisant un élément de animation dans une conception généralement très statique. Là encore, les larges zones apparemment peintes à plat sont très soigneusement variées pour suggérer la texture de lainage, de la soie, de la chair, du bois, du vélin – le tout avec des indications minimales du plus grand raffinement, tel Peintre de genre hollandais que dans un peintre espagnol de légendes religieuses. C’est ce paradoxe d’une finesse de travail très semblable à celle d’un peintre qui semble tout à fait dépourvu de peintre et constitue en grande partie l’attrait esthétique d’un beau Zurbaran.

Apothéose de saint Thomas d’Aquin

L’ apothéose de saint Thomas d’Aquin (1631, Séville) est la composition la plus grandiose et la plus renaissance des compositions de Zurbaran. Au-dessous, dans un cloître, huit moines ou membres du clergé régulier regardent vers le haut une vision où saint Thomas avec son stylo et son livre se tient sur un nuage qui soutient les quatre docteurs latins assis. La disposition des cinq personnages est un demi-cercle raccourci, qui est répété haut et loin par quatre figures saintes dans les cieux supérieurs. Dans ses grandes lignes, la composition renvoie à une composition symétrique de la Renaissance, comme celle de Dispute concernant le sacrement de Raphaël. La mise au tombeau du comte Orgaz, à Tolède, par El Greco aurait pu être l’intermédiaire, même si les compositions de Raphaël étaient entièrement accessibles sous forme de gravure.

L’effet de l’ apothéose de saint Thomas d’Aquin repose en grande partie sur le succès avec lequel des figures réalistes s’intègrent dans une composition qui nécessiterait naturellement une stylisation des figures. Peu d’images expriment autant de spiritualité à travers des éléments terreux. Zurbaran situe sa vision dans une loggia à travers les arches donnant sur une place de la cathédrale espagnole. Même les nuages ​​qui soutiennent ses saints glorifiés semblent aussi capables de supporter le poids que le toit d’une caverne de calcaire. Il n’existe aucune poésie conventionnelle qui caractérise habituellement de tels sujets et compositions; à la place, juste une prose de dévotion virile et sonore.

St. Hugo entrant dans le refectorium

Les tableaux peints en 1636 pour un monastère de Chartreux sont de beaux Zurbarans, libres de Renaissance influence. Le plus frappant de la série est St. Hugo qui entre au Refectorium (Séville). Sept chartreux sévères sont assis autour d’une table au moment de dire grâce. De droite, Saint-Hugo, co-fondateur de l’ordre, âgé et décrépit, trébuche inaperçu sauf par le serveur. La sévérité générale et la rigidité de la composition sont égayées par la grande image sur le mur et par l’aperçu à travers une porte à droite. L’effet dépend moins des caractéristiques stylistiques que de l’énergie de caractérisation et des perfectionnements du travail que nous avons déjà décrits.

Travaux d’Hercule

En 1637, Zurbaran fut appelé à Madrid pour peindre les travaux d’Hercule pour le palais royal de Buen Retiro. Le travail, auquel les assistants ont sans doute participé, révèle ses limites. Il a utilisé des modèles vulgaires, a exagéré tous les efforts musculaires, et en général a fait à peu près aussi mal avec le thème que n’importe quel amateur italien de la génération avant lui. D’ailleurs, un Espagnol a-t-il jamais peint un sujet classique avec une conviction – pour ne pas dire une poésie? Le sentiment d’une jeunesse plus belle et plus grande du monde semble tout simplement manquer du tempérament national.

Portrait de Suso

Le Dr Kehrer écrit que le principal objectif de Zurbaran était de peindre la figure unique de la manière la plus monumentale. Ceci étant, il est peut-être mieux représenté par ses meilleures figures que par ses compositions. Parmi les nombreux portraits idéaux, citons celui du mystique allemand Suso, Séville. Il est remarquable par la douceur avec laquelle l’extase religieuse s’exprime et cette tendresse se répercute dans un paysage idyllique. Parmi les quelques portraits purs, aucun n’est plus fin que celui d’un chartreux à la lecture (Hispanic Society, New York). Comme d’habitude, Zurbaran souligne, peut-être un peu trop, la conscience du spectateur. Mais la peinture est du genre le plus sobrement somptueux, les modulations des ombres du plus grand raffinement, et tout ce qui est dit pour un caractère à la fois mélancolique et inébranlable.

Portraits de femmes saints

Les Zurbarans les plus célèbres et les plus populaires sont probablement ses portraits en pied, idéaux, des saints féminins les plus aimés. Il les représente en tant que grandes dames de son propre Espagne. Ainsi, leurs riches costumes lui donnent des opportunités en tant que coloriste que ses sujets monastiques ne peuvent se permettre. Choisir parmi eux est difficile. Le plus vif et le plus décoratif est le St. Elizabeth. Encore mieux, pour sa fierté espagnole, le St. Mathilda à Strasbourg. Afin de donner toute sa valeur au personnage et au riche costume, toutes les images de ce type sont peintes sans accessoires et avec le fond le plus simple. Il convient de noter que l’effet est aussi massif que riche.

Nature morte peinture

Le technicien exquis de Zurbaran est peut-être encore plus apparent dans quelques natures mortes que des recherches récentes lui ont restituées. En représentant les rangées de vases de métal et de poterie disposés en un long oblong, Zurbaran commande l’emphase spectrale de nos surréalistes modernes, tandis que, contrairement à eux, il suggère les textures variées avec réticence, mais complètement. L’œuvre montre le peintre pur libéré de la pression religieuse.

Portrait de saint François

À propos des dernières années de Zurbaran, il n’ya rien à noter, si ce n’est une intensification de son sentiment religieux et une expression de celui-ci qui s’écarte parfois de sa déclaration ordinaire et s’enroule mystérieusement. C’est le cas du St. Francis (National Gallery, Londres), où même avec le visage et les yeux presque cachés dans l’ombre, règne le sens le plus profond de la prière passionnée. La manipulation des bords de la figure est toujours forte et délicate.

Dans les dernières années, Murillo, jeune émerveillement juvénile, laisse entrevoir une influence malheureuse sur certaines Madones très sentimentales. Le dernier et le plus remarquable mémorial de lui-même est peut-être l’étrange image d’une collection privée de Madrid qui représente un artiste âgé et hagard, regardant le Christ crucifié. C’est une image très douloureuse, en un sens, une image mauvaise, mais c’est aussi une image très impressionnante pour l’expression d’une compassion profondément religieuse. Peu de temps après sa peinture, en 1664, à l’âge de soixante-six ans, Zurbaran décède.

Héritage

Sur sa propre Espagne, il a laissé une impression durable. À l’ère victorienne Gustave Courbet le considérait comme une merveille. Quand à la fin du dix-huitième siècle les ordres religieux espagnols furent proscrits, les musées du monde furent heureux d’acheter ses tableaux dispersés, avec pour résultat qu’il était peut-être le meilleur Artistes baroques espagnols le plus accessible aux amateurs d’art en général. Son incisif art religieux est une déclaration claire et complète et aucun peintre n’a besoin de moins de commentaires critiques. Il est facile de voir ses limites. Il serait insensé de les considérer comme des défauts, car de ces limitations même, il apportait des qualités positives dans son illustration vraiment tout à fait merveilleuse du thème de la piété ascétique.

On peut voir des œuvres de Francisco Zurbaran dans meilleurs musées d’art à travers le monde.