Sculpture Baroque: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire
introduction
le Baroque période ne manquait pas de sculpteurs, même si peu d’entre eux étaient remarquables – peut-être que Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), qui était encore plus grand en tant que sculpteur qu’en tant qu’architecte. Les sculpteurs qui occupaient le premier rang dans leur profession étaient employés avec une intensité sans précédent, car malgré l’importance de Architecture baroque, la sculpture était la plus caractéristique Art chrétien forme baroque et était certainement la plus répandue. Non seulement at-il réussi, contrairement à l’architecture et La peinture, dans la création d’un langage artistique largement répandu dans toute l’Europe, mais qui a affecté l’apparition de presque tous les artefacts artistiques produits au cours de cette période. En bref, la première caractéristique reconnaissable de la sculpture baroque est son omniprésence.
Art plastique produits au cours de cette période peuvent être divisés en deux grandes catégories: ceux destinés à la décoration, pour apporter la touche finale à l’architecture; et la sculpture au sens habituel du terme, en tant qu’article en soi.
Sculpture architecturale
L’architecture a utilisé la sculpture décorative de trois manières typiques. Le premier était sous la forme d’une ligne horizontale de statues ou d’autres sculptures pour compléter le sommet d’un bâtiment. Encore une fois, il ne s’agissait pas d’une invention baroque, mais c’est à la période baroque qu’elle est devenue une caractéristique stylistique conventionnelle, une méthode systématique. Il découle de la coutume devenue à la mode au XVIIe siècle de surmonter un bâtiment par un "grenier". En réalité, il s’agissait d’un bas parapet dissimulant les pentes d’un toit, ce qui donnait au bâtiment vu de dessous l’apparence d’une ligne horizontale. Cette caractéristique a presque toujours été décorée d’une rangée de statues placées régulièrement et se détachant du ciel. Les exemples comprennent Basilique Saint-Pierre de Rome, dont la colonnade ovale était l’oeuvre de Bernini lui-même et du palais de Versailles, où la place des statues est occupée par d’énormes urnes et des frises. Depuis le grenier ou le toit d’un bâtiment, la pratique a été étendue à d’autres horizontaux – les murs entourant des jardins, les parapets de ponts, etc.
Remarque: L’un des principaux représentants de la sculpture de jardin était l’Italien Carlo Bartolomeo Rastrelli, père de Bartolomeo Rastrelli (1700-71), arrivé à Saint-Pétersbourg de Paris en 1716 à l’époque des Art pétrine en Russie (1686-1725). Il a été chargé d’embellir les terrains de plusieurs palais appartenant au tsar Pierre le Grand.
Une autre utilisation architecturale d’éléments sculptés, tels que des statues, consistait à remplacer les colonnes comme éléments de support, qu’il s’agisse de cariatides (montants dans la forme féminine) ou de télamons (ceux dans la forme masculine). Cette utilisation avait une histoire remontant à la Grèce classique et est devenue une mode surtout dans le baroque autrichien et allemand.
La troisième et la plus typique des utilisations de la sculpture en combinaison avec l’architecture concernait les frises, les regroupements de blasons, de rouleaux, de trophées et d’éléments similaires. La combinaison de la sculpture avec architecture atteint même le point où la sculpture semble être, ou est en train de devenir, une architecture, comme dans le baldacchino du Bernin à Saint-Pierre, dans lequel les rôles des deux formes se mêlent dans une mesure très proche du goût baroque.
Telles étaient donc les relations entre l’architecture et la sculpture.
Note sur l’appréciation de la sculpture
Pour apprendre à évaluer la sculpture baroque, voir: Comment apprécier la sculpture. Pour les travaux ultérieurs, s’il vous plaît voir: Comment apprécier la sculpture moderne.
Sculpture traditionnelle
Les œuvres traditionnellement réalisées par le sculpteur sur les tombes, les autels, les monuments commémoratifs, etc., ont continué à être produites à l’époque baroque. Ses conceptions abordaient généralement la scénographie avec une approche théâtrale s’apparentant à la mise en scène, peut-être même à une époque où le mélodrame et le théâtre moderne avaient pris de l’ampleur. Ainsi, dans une chapelle latérale, le Bernin présente l’extase d’un saint comme un événement théâtral. Les membres de la famille qui ont commandé l’œuvre, grandeur nature, sont assis dans des cartons comme si ils étaient dans un théâtre pour regarder le spectacle. (L’Ectasy de Sainte Thérèse (1647-52) Marbre, Capella Cornaro, Rome – VOIR CI-DESSOUS.)
La sculpture baroque traditionnelle avait généralement deux caractéristiques exceptionnelles. Tout d’abord, c’était techniquement parfait. L’habileté du Sculpteurs baroques constitue une véritable virtuosité, par exemple, en rendant l’apparence de la peau humaine selon qu’il s’agisse d’un homme ou d’une femme, âgé ou jeune. Les boucles, les draperies, différents tissus tels que la laine et la soie, la texture de l’armure, tout était imité avec précision. La maîtrise des matériaux sur les matériaux était telle que, dans les statues en marbre sculpté, il est impossible de déduire ou d’imaginer la forme originale du bloc. Michelangelo, incarnant les idéaux de Sculpture Renaissance italienne, avait dit qu’une statue devait donner l’impression de pouvoir rouler de haut en bas d’une colline sans se faire mal. Rien de tel n’aurait pu être dit des sculptures baroques. Ils ont ce qu’on pourrait appeler un objectif photographique: perpétuer un mouvement. Cela implique l’utilisation de formes libres et lâches, ainsi que de formes pour la forme humaine bien plus fines que celles considérées souhaitables par Sculpteurs de la Renaissance.
En sculpture, l’autre caractéristique particulière de la période – et la plus importante – est l’apparence du mouvement. Les personnages ne sont jamais représentés ni dans le calme, ni dans des attitudes de repos, mais toujours en mouvement, et le plus souvent à ce moment de moindre équilibre qui est le point culminant d’un mouvement, moment imperceptible mais dramatique, par exemple, quand un cacheur ne se lève plus mais n’a pas encore commencé à descendre et est immobile, dans une attitude de potentiel, en plein vol. Quand il a voulu représenter Apollon à la poursuite de Daphne, Bernini a choisi le moment le plus dramatique, celui où Daphne est transformée en laurier pour échapper au dieu: le moment fort de l’action. ) Apollon et Daphné (1622-1755) Marbre, Galerie Borghèse, Rome.)
C’est à cause de la préférence pour le mouvement que le contour connu sous le nom de figura serpentinata jouissait d’une telle vogue au XVIIe siècle. En tant que représentation de la figure humaine, elle s’est d’abord manifestée dans la seconde moitié du XVIe siècle, la période qui a immédiatement précédé le baroque. Cette forme facilite la représentation du corps lors de l’exécution d’un mouvement en spirale ou d’une rotation rapide, comme dans le cas d’un athlète lançant le discus, ou d’une lutte – voir: Le viol des femmes sabines (1581-3, Marbre, Piazza della Signora, Florence) de Giambologna.
Remarque: pour l’analyse d’une statue grecque dont le caractère émotif, ainsi que son mouvement, a eu un impact considérable sur les sculpteurs baroques, voir: Laocoon et ses fils (c.42-20 AEC, Musées du Vatican).
Parfois, la composition devenait exagérée, suggérant plus d’agitation que de mouvement. L’artiste était parfois tellement épris des effets qu’il produisait, de son habileté technique, qu’il perdit de vue l’harmonie de la composition totale. Cependant, un tel effet était toujours probable lorsque nous passons du travail des maîtres à celui des compagnons. Un des mérites du baroque était de créer des conditions dans lesquelles le travail de deuxième ordre pouvait être assimilé à l’exécution d’œuvres complexes d’une plus grande valeur artistique: les grandes fontaines habitées par des personnages barbus, des satyres, des nymphes, des dauphins et des monstres assortis qui ornaient les piazzas et les avenues des villes et des jardins baroques, la décoration des grands escaliers dans les palais de l’époque, jusqu’au stuc et autres ornements abondants de galeries, salons, églises, dans tous les intérieurs. Dans ces œuvres, l’impression d’ensemble créée était parfois simplement orgiaque; généralement, le style baroque a eu un effet de triomphe.
Bernini’s Extase de Sainte Thérèse (Chapelle Cornaro)
La chapelle Cornaro est la pièce maîtresse de l’église baroque richement décorée de Santa Maria della Vittoria à Rome. C’est l’une des œuvres les plus ambitieuses du Bernini. Extase de Sainte Thérèse, conçu et créé pour ressembler à un mini-théâtre. Commandée par le cardinal Federigo Cornaro, cette chapelle occupe un espace situé du côté de l’église, dans un mélange incroyable de peinture, de sculpture et de décoration d’intérieur. Illuminées de manière théâtrale par une fenêtre cachée à l’arrière de l’autel, des rayons de lumière divine descendent sur la Thérèse évanouie et évanouie au plus fort de son extase spirituelle. Sculptée en marbre blanc, elle est entourée de "rayons" en bronze doré qui reflètent symboliquement la lumière divine. S’élevant de Teresa sculptée et masquée, un ange en marbre s’apprête à plonger une flèche dans le cœur de Teresa. Les images suivent le récit de sainte Thérèse d’Avila, d’un ange transperçant son cœur avec une flèche d’amour divin, symbolisant ainsi son union mystique avec Jésus-Christ. En relief peu profond, observant le spectacle des boîtes d’opéra du premier rang, sont des groupes sculptés de la famille Cornaro. Au total, un étonnant amalgame d’art et d’architecture baroques, illustrant nombre des traits principaux du baroque: inspiration religieuse dramatique, mouvement, illusionnisme et sculpture virtuose.
Liste de célèbres sculpteurs baroques
Parmi les plus grands sculpteurs de l’ère baroque sont les suivantes:
ITALIE
Stefano Maderno (1576-1636)
Premier sculpteur maniériste / baroque à Rome avant Bernini.
Statue de Sainte Cécile (1600) Église de Sainte Cécile, Trastevere.
Francesco Mochi (1580-1654)
Premier sculpteur baroque; l’égal sculptural de Caravaggio et Carracci.
Angel Annunciate (1605-08) Musée de l’Opéra du Duomo, Orvieto.
François Duquesnoy (1594-1643)
Artiste flamand, l’un des plus grands sculpteurs de Rome. (Voir Baroque flamand).
Statue de saint André (1629-1633), marbre, basilique Saint-Pierre, Vatican.
Alessandro Algardi (1595-1654)
Principal représentant du classicisme du haut baroque.
Tombeau du pape Léon XI (1634-1644), Rome Saint-Pierre.
Bernini (1598-1680)
Le plus grand architecte et sculpteur baroque de tous les temps.
L’Ectasy de Ste Thérèse (1647-52) en marbre, Capella Cornaro, Rome.
Voir également: Artistes baroques italiens.
FRANCE
Pierre Puget (1620-94)
Le plus grand sculpteur français du 17ème siècle.
Milo de Crotone (1671-82) Marbre, Louvre, Paris.
Gaspard et Balthazar Marsy (1624-1681)
Sculpteurs français employés par le roi Louis XIV au château de Versailles.
Les chevaux du soleil (1668-1670) Jardins du Château, Versailles.
François Girardon (1628-1715)
Avec Coysevox, le meilleur sculpteur du règne de Louis XIV.
Le viol / Enlèvement de Proserpine (1693-1710) Bronze, Château de Versailles.
Jean Baptiste Tuby (1635-1700)
Cour sculpteur à Versailles.
Fontaine d’Apollo (1671) en pierre, château de Versailles.
Antoine Coysevox (1640-1720)
Cour sculpteur du roi Louis XIV.
Portrait en buste de Charles Le Brun (1676) Collection Wallace, Londres.
Guillaume Coustou (1677-1746)
Sculpteur français de la fin du baroque.
Cheval retenu par un palefrenier ("Le Cheval de Marly") (1745) Louvre, Paris.
Voir également: Artistes baroques français.
ALLEMAGNE / AUTRICHE
Jorg Zurn (1583-1638)
Sculpteur sur bois baroque du sud de l’Allemagne.
Autel de la Vierge (1613-1616), église d’Uberlingen.
Balthasar Permoser (1651-1732)
Premier sculpteur baroque tardif, sculpté dans le bois, l’ivoire, la pierre, le marbre.
Apollo (1715) Staatliche Kunstsammulungen, Dresden.
Andreas Schluter (1664-1714)
L’un des plus grands sculpteurs allemands du baroque.
Statue équestre de Frédéric-Guillaume le Grand (1703) Schloss Charlottenburg.
Voir également: Artistes baroques allemands.
ESPAGNE / PORTUGAL
Juan Martinez Montanes (1568-1649)
Sculpteur espagnol de Séville, surnommé "le dieu du bois".
Le Christ Miséricordieux (Le Christ de Clémence) (1603) Cathédrale de Séville.
Alonso Cano (1601-1667)
Sculpteur, peintre, architecte – surnommé «l’espagnol Michelangelo».
L’Immaculée Conception (1655), cathédrale de Grenade.
Pedro Roldan (1624-1699)
Artiste espagnol, maître de la sculpture sur bois polychrome.
Mise au tombeau (1673) Hôpital de la Caridad, Séville.
Pedro de Mena (1628-1688)
Sculteur baroque espagnol célèbre pour ses compétences techniques incomparables.
La Marie-Madeleine pénitente (1664), musée de Valladolid.
Voir également: Artistes baroques espagnols et Art baroque espagnol.
EUROPE CENTRALE
Adriaen de Vries (1560-1626)
Sculpteur hollandais actif à Prague, (voir: Baroque hollandais).
Mercure et Psyché (1593) Louvre, Paris.
Les plus grandes sculptures baroques
Voici une courte liste de certains des plus grandes sculptures (statues, reliefs et autres œuvres traditionnelles) sculptées ou modelées pendant le baroque, répertoriées par le sculpteur.
L’extase de sainte Thérèse (1647-52, Marble, Capella Cornaro, Rome)
Pluton et Proserpine (1621-2, Marbre, Galleria Borghese, Rome)
Apollo et Daphne (1622-5, Marble, Galleria Borghese, Rome)
Par Giovanni Bernini (1598-1680).
Tombe du pape Léon XI (1634-1644, marbre, Rome de saint Pierre)
L’extase de saint Philippe Neri (1638, Santa Maria in Vallicella, Rome)
Le pape Léon conduisant Attila depuis les portes de Rome (1646-53, Rome Saint Pierre)
Par Alessandro Algardi (1598-1654).
Statue de saint André (1629-1633, marbre, basilique Saint-Pierre, Vatican)
Par François Duquesnoy (1594-1643).
Milo de Crotone (1671-82, marbre, musée du Louvre, Paris)
Par Pierre Puget (1620-1694).
Apollon soigné par les nymphes de Thetis (1666-72, marbre, château de Versailles)
Le viol / enlèvement de Proserpine (1693-1710, Bronze, Versailles)
Par François Girardon (1628-1715).
Fontaine d’Apollo (1671, pierre, château de Versailles)
Par Jean Baptiste Tuby (1635-1700).
Cheval retenu par un palefrenier ("Le cheval de Marly") (1739-1745, Louvre, Paris)
Par Guillaume Coustou (1677-1746).
Mercure attachant sa Talaria (1753, plomb, musée du Louvre, Paris)
Voltaire (1776, marbre, musée du Louvre, Paris)
Par Jean Baptiste Pigalle (1714-1785).
Monument à Pierre le Grand ("Le cavalier de bronze") (1766-1778, Place Decembrist, Saint-Pétersbourg)
Par Etienne-Maurice Falconet (1716-1791).
Sculpture sur bois d’une cravate (c.1690, Limewood, Victoria & Albert Museum)
Par Grinling Gibbons (1648-1721).
Apollo (1715, marbre, Staatliche Kunstsammulungen, Dresden)
Balthasar Permoser (1651-1732).
Statue équestre du prince électeur Friedrick William The Great (1689-1708, Bronze, Schloss Charlottenburg, Berlin)
Par Andreas Schluter (1660-1714).
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