Eva Hesse:
sculpteur minimaliste Automatique traduire

Biographie

La peintre et sculpteur américaine Eva Hesse était un pionnier de la art postmoderniste, dont la courte vie s’est terminée tragiquement au moment où elle commence à être reconnue dans le monde de l’art américain. Bien qu’elle ait commencé sa vie créative en La peinture, à 28 ans, elle est passée à sculpture, un support dans lequel elle a acquis une réputation importante au cours des 6 années qui ont précédé sa mort, grâce à des travaux novateurs tels que "Hang-up" (1966, Art Institute of Chicago), Ishtar (1965, Collection privée) et "Untitled" (Corde Pièce) (1970, Whitney Museum, NY). Bien que son travail ait été décrit comme Art minimaliste, son utilisation inventive de nouveaux matériaux (caoutchouc, latex, fibre de verre, ficelle) ainsi que ses formes sexuellement suggestives confèrent à son travail un pouvoir émotionnel qui échappe à d’autres artistes contemporains de premier plan, tels que Donald Judd (1928-94) Robert Morris (b.1931) et Richard Serra (b.1939) et l’a amenée à être qualifiée de "post-minimaliste". Sa mort prématurée d’une tumeur au cerveau lui a peut-être ajouté une signification supplémentaire. art contemporain, mais sa concentration intense en a fait l’une des plus imaginatives Sculpteurs américains à New York. Parmi les autres œuvres de Hesse, citons: "Une oreille dans un étang" (1965, Musée d’art moderne de San Francisco); "Ringaround Arosie" (1965, MOMA, New York); "Tomorrow’s Apples" (5 en blanc) (1965, Tate Modern, Londres); "Addendum" (1967, Tate Modern, Londres); "Repetition Nineteen I" (1968, MOMA, New York) et "Untitled" (pièce murale) (1970, Des Moines Art Center). Reconnu comme l’un des plus prometteurs Sculpteurs du 20ème siècle, Hesse a fait l’objet de grandes rétrospectives en 1972 (New York, Chicago et ailleurs), et en 1979 (Londres, Otterlo et Hanovre). La décrivant art d’avant-garde peu de temps avant sa mort, elle a déclaré: "L’absurdité est le mot clé. Il s’agit de contradictions et d’oppositions."

REMARQUE: Pour d’autres sculpteurs et installistes importants en Amérique à la fin des années 1960, voir: Louise Nevelson (1899-1988), Louise Bourgeois (1911-2010), Judy Chicago (b.1939) et Carole Feuerman (b.1945).

Jeunesse

Née dans l’Allemagne nazie au sein d’une famille juive, Eva Hesse a été envoyée dans un orphelinat à Amsterdam, avant d’être réclamée deux mois plus tard par ses parents, qui l’ont emmenée (avec sa sœur) à New York. Bien que cette émigration la sauve des camps de concentration, ses parents divorcent rapidement et en 1946, sa mère se suicide. Cette première histoire d’abandon a laissé derrière elle un héritage d’anxiété et de dépression graves que Hesse explorera continuellement dans son art. (Voir également Art de l’Holocauste.)

Hesse est diplômé de la Cooper Union et plus tard, en 1959, de la Yale School of Art. En 1961, elle rencontra et épousa un sculpteur nommé Tom Doyle. Trois ans plus tard, en juin 1964, ils allèrent travailler en Allemagne pendant un an. À son arrivée, Hesse, âgée de vingt-huit ans, se voyait toujours comme peintre. Ce fut une année remplie d’inquiétude et de doute de soi: «Je ne peux pas être autant de choses», confie-t-elle à son cahier: «… Une femme, belle, artiste, femme de ménage, femme de ménage, cuisinière, vendeuse, tout cela. ne peut même pas être moi-même. "

Bascule vers la sculpture

Néanmoins, les 12 mois passés en Allemagne marquèrent un tournant dans le développement de Hesse en tant qu’artiste. Elle se concentra sur Art plastique et à la fin de leur séjour, elle a eu sa première exposition personnelle au prestigieux Dusseldorf Kunstverein. Doyle et Hesse vivaient près de Düsseldorf, où les influences des deux principaux artistes de la ville, Gunter Ucker et Joseph Beuys, semblent avoir eu un effet formateur sur le caractère de sa transformation stylistique.

Hesse a créé les vingt hémisphères mammaires (son association) qui la composaient sculpture abstraite "Ishtar" (1965, Collection privée), en enroulant et en collant avec précaution des spirales de cordons autour des formes, en les peignant et en les fixant à la surface du gesso aux poignées évocatrices. Les ficelles en plastique noir, sortant approximativement des centres de chaque monticule, établissent un lien sensuel et fragile avec cette image maternelle réitérée de façon rituelle. Les orbes érotiques de «Ishtar», les formes phalliques pendantes de «Plusieurs» (1965, Collection Saatchi) et les autres formes ouvertement sexuelles qui imprègnent la sculpture de Hesse de 1965 à 1976 ont un caractère fétichiste non seulement dans le processus obsessionnel de leur fabrication mais dans leur répétition. En effet, le titre et la composition d’Ishtar évoquent l’ancienne fétiche aux multiples poitrines, Diana d’Ephèse, qui est apparentée à la déesse sémitique de l’amour, de la fertilité et de la guerre, pour laquelle Hesse a baptisé son travail.

La structure en série des formes ressemblant à la poitrine dans "Ishtar" fait également directement allusion au caractère systémique de la sculpture contemporaine minimaliste, que Hess s’est approprié et personnalisé avec succès dans des œuvres telles que celle-ci. Elle a vu jusqu’au contenu expressif généralement non reconnu du minimalisme et en a été émue, comme en témoigne sa réponse au travail de Carl Andre (b.1935). "Je me sens très proche de Carl Andre", a-t-elle déclaré. "Je me sens, disons, émotionnellement connecté à son travail. Cela me fait quelque chose à l’intérieur. Ses plaques de métal ont été le camp de concentration pour moi." (Voir également Junk Art.)

Abandon

Peu après le retour de Hesse à New York fin 1965, son mari la quitta et un an plus tard, son père mourut. Elle était affolée par le sentiment inévitable d’abandon. En même temps, des expositions influentes telles que «Eccentric Abstraction» (organisée par son amie Lucy Lippard à l’automne 1966), «Nine at Leo Castelli» de Robert Morris, «Nine at Leo Castelli» (le soi-disant «Warehouse Show» de décembre 1968), et L’anti-illusion: procédure / matériaux du Whitney Museum (que Marcia Tucker et James Monte ont mis en scène à l’été 1969) a créé une trajectoire croissante pour la réputation de Hesse en tant que figure centrale de l’émergence d’un nouveau art abstrait (postminimalism), et potentiellement l’un des meilleurs artistes contemporains à New York. La réception publique de plus en plus positive de son travail et d’un groupe d’amis exceptionnellement favorables, parmi lesquels Mel Bochner, Lucy Lippard, Robert Smithson et surtout Sol LeWitt, ont favorisé une confiance en soi artistique croissante qui a maintenu Hesse émotionnellement à flot.

La sensualité directe de la fibre de verre et du latex

En 1967, le travail de Hesse s’est éloigné de l’imagerie ouvertement érotique au profit d’une sensualité plus directe, immédiatement présente dans les matériaux eux-mêmes, plutôt que comme un symbole pour autre chose. Sa décision de commencer à travailler dans la fibre de verre et le caoutchouc latex au début de 1968 était liée à la translucidité et à la luminescence, à la matérialité pratique de la constitution du corps du travail en couches ressemblant à une peau et à la sensibilité au toucher des deux matériaux.. Les séquences en chaîne d’unités simples qui servent de principe de composition à nombre de ces œuvres récentes résument délibérément la structure sous-jacente des polymères eux-mêmes – Hesse a cherché à relier, de manière fondamentale, la nature invisible de ses matériaux. (Voir également: Art Féministe.)

À la fin du printemps de 1968, Hesse avait commencé à travailler avec une entreprise de fabrication de plastique à Staten Island. À l’instar de nombreux artistes des années 1960, elle a constaté que l’aide de fabricants extérieurs et d’assistants de studio pouvait accélérer le rythme de production et le développement d’idées, tout en lui permettant d’élargir la portée de son travail, lui donnant ainsi la possibilité de passer à autre chose. installation d’art en créant un «environnement» plus vaste pour les spectateurs. Doug Johns, l’un des propriétaires de la société de plasturgie, était devenu si absorbé par son travail avec Hesse qu’il avait fermé son entreprise en septembre pour se consacrer à elle à plein temps. Le fait que Johns ait résolu les problèmes structurels au fur et à mesure a permis à Hesse une beaucoup plus grande spontanéité et la capacité de générer et de concrétiser rapidement des idées.

Dans des œuvres de 1969 telles que "Expanded Expansion", "Contingent" et "Untitled (Ice Piece)", Hesse a exploré l’idée d’une expansion infinie. Ils "prennent position sur l’absurdité", comme elle l’a dit, en cherchant l’incompréhensibilité d’une extension infinie dans l’espace, la transformation improbable de surfaces répulsives en beaux effets de lumière et de forme, et la contradiction entre la force de la fibre de verre et la fragilité du latex. Elle a même choisi de créer une impermanence dans le travail en employant le latex de manière à nuire à son durcissement.

Note sur l’appréciation de la sculpture
Pour apprendre à évaluer des sculpteurs américains postmodernes comme Eva Hesse, voir: Comment apprécier la sculpture moderne. Pour les travaux antérieurs, voir: Comment apprécier la sculpture.

Le sentiment d’absurdité de Hesse

"L’art et le travail, l’art et la vie sont très liés et toute ma vie a été absurde", a déclaré Hesse à Cindy Nemser. "Il n’y a rien dans ma vie qui soit arrivé qui ne soit pas extrême – santé personnelle, famille, situation économique… J’ai toujours été conscient que je devrais prendre l’ordre contre le chaos, le string contre la masse, l’énorme contre le petit, et j’essaierais de trouver les opposés les plus absurdes ou les opposés extrêmes. "

Cet attrait entre les polarités est à la base de l’érotisme et de l’humour conscient de l’œuvre de Hesse. Dans le Untitled ("pièce murale") de 1970, les quatre boîtes en fibre de verre aux cordes ténues pendantes établissaient clairement un ordre global. Pourtant, l’excentricité anthropomorphique attachante de chaque unité se moque de la conformité de la régularité en série.

Au début d’avril 1969, Hesse s’est effondrée d’une tumeur au cerveau puis a subi trois opérations avant de décéder en mai 1970, à l’âge de trente-quatre ans. Le fait qu’elle ait déjà mis au point un système de travail avec des assistants en 1968 lui a permis de continuer à travailler jusqu’à la fin. Elle a même réalisé son plus grand travail cette dernière année. Le "Untitled (Rope Piece)" de 1970, par exemple, mine les notions de forme fixe et d’échelle. Comme pour le champ gestuel d’un Pollock, les détails de cette œuvre entraînent le spectateur, mais le désorientent toutefois du fait de son manque de familiarité avec les matériaux et la forme. "Je voulais me lancer totalement dans une vision à laquelle je devrais m’adapter et apprendre à comprendre", a-t-elle déclaré. "… Je veux étendre mon art peut-être dans quelque chose qui n’existe pas encore."

Les œuvres de Hesse se trouvent dans plusieurs des meilleurs musées d’Amérique, notamment: Whitney Museum of American Art, New York; musée d’art moderne, New York; et le Institut d’art de Chicago. À l’étranger, elle est représentée dans plusieurs collections d’art contemporain, dont la Saatchi Gallery, et le Collection Tate, Londres.

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RÉFÉRENCES
Nous remercions chaleureusement Jonathan Fineberg (2000, Laurence King Publishing) d’avoir utilisé "Art Since 1940", un ouvrage de référence exceptionnel destiné à tout étudiant sérieux en art contemporain.