Henry Moore:
sculpteur anglais, biographie Automatique traduire

Biographie

Henry Moore, longtemps considéré comme le plus grand sculpteur d’Angleterre, est en grande partie responsable de l’émergence progressive de la Grande-Bretagne. sculpture du provincialisme dans le grand public de art moderne. Ironiquement, c’est dans les années 1930, lorsque la presse a attaqué si violemment le travail de Moore, que lui et ses contemporains Ben Nicholson (1894-1982) et Barbara Hepworth (1903-1975) ont jeté les bases de sculpture abstraite en Angleterre – le nouveau modernisme – après les innovations précédentes de la bohème Jacob Epstein (1880-1959).

En 1946, lors de sa première grande exposition rétrospective au Museum of Modern Art de New York, l’école de sculpture britannique moderne était fermement établi et Moore était devenu l’un des plus admirés et des plus influents sculpteurs abstraits dans le monde.

Premiers jours et formation

Né à Castleford, dans le Yorkshire, septième enfant d’un mineur, Henry Moore avait alors décidé, à l’âge de 10 ou 11 ans, de devenir sculpteur. Il a reçu ses premières leçons de dessin Alice de Gostick, maîtresse des beaux-arts du Castleford Grammar School, dont le soutien et les encouragements ont beaucoup compté pour lui. Après avoir passé deux ans dans l’armée, Moore reçut une bourse d’ancien militaire de la Leeds School of Art et fut inscrit au cours de deux ans en septembre 1919. Il fut rejoint en 1920 par Barbara Hepworth qui devint amie et proche associé au cours des 20 prochaines années.

À Leeds, il rencontra Sir Michael Sadler, dont la collection remarquable comprenait des peintures de Paul Cezanne (1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903) et Henri Matisse (1869-1954), les premiers exemples d’art moderne vus par Moore. À l’époque, il lisait Vision and Design de Roger Fry et était particulièrement influencé par les chapitres sur "l’Art américain antique" et "La sculpture noire".

Années 1920

En 1921, Moore commence le cursus de trois ans au Royal College of Art de Londres. Un conflit se développa bientôt entre le travail académique et son désir de suivre sa propre direction en sculpture, sur la base des connaissances acquises lors de nombreuses visites au British Museum. Là, il étudia la sculpture à différentes époques: préhistorique, égyptienne, assyrienne, sumérienne, Grec archaïque, aussi bien que Art africain, et Océanique ; mais il était surtout attiré par l’art mexicain, qui allait devenir la principale influence sur son travail au cours des années vingt. Il a réussi un compromis, tirant et modelant de la vie pendant la période scolaire, avec des soirées et des vacances libres de poursuivre ses propres intérêts.

En 1922, lors du premier de ses nombreux voyages à Paris, il découvrit la collection Pellerin, composée de Grandes Baigneuses de Paul Cezanne (maintenant dans le Musée d’art de Philadelphie). Il a écrit: "Voir cette photo, pour moi, c’était comme voir la cathédrale de Chartres. C’était l’un des gros impacts." En 1924, il obtint une bourse de voyage et fut nommé instructeur en sculpture au Royal College of Art pour une période de sept ans. Il partit pour la France et l’Italie en janvier 1925. Il admira grandement la monumentalité de celle de Masaccio. Fresques de la chapelle Brancacci à Florence. À son retour à Londres à l’été 1925, il achève la pierre de Hornton Mother and Child de 1924-1925 (galerie d’art de la ville de Manchester).

Presque toutes ses sculptures entre 1921 et 1939 étaient des sculptures. Comme Amedeo Modigliani (1884-1920), Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915), Constantin Brancusi (1876-1957) et Sir Jacob Epstein (1880-1959), Moore s’intéressait à la taille directe; il croyait en la doctrine de la vérité aux matériaux, à la compréhension et à la sympathie pour les qualités du bois ou de la pierre. Dans la sculpture de Manchester, les formes ne sont pas libérées du matériau et restent quelque peu enfouies dans le bloc de la pierre. La sculpture est, comme le genre de sculpture que Moore admire le plus, "pas parfaitement symétrique, elle est statique et elle est forte et vitale, dégageant quelque chose de l’énergie et du pouvoir des grandes montagnes". Contrairement à Hepworth, par exemple, Moore n’est pas concerné par un idéal, une beauté et une pureté classiques. Il vise le pouvoir de l’expression en donnant à sa sculpture une énergie refoulée, une vie à part.

La première exposition personnelle de Moore a eu lieu à la Warren Gallery, à Londres, en 1928. La même année, il a reçu sa première commande publique, un soulagement intitulé North Wind pour le nouveau siège du London Passenger Transport Board. Reclining Figure of 1929 (galerie d’art de la ville de Leeds), sans doute la sculpture la plus importante de Moore dans les années 1920, a été la première œuvre à refléter la formidable influence de la figure allongée mexicaine Chac Mool. Bien que la sculpture de Leeds ait le même caractère massif et le même poids qu’il admirait dans le prototype mexicain et que la tête en forme de masque, tournée vers l’angle perpendiculaire au corps, garde la position allongée, elle est tout à fait différente. La figure repose sur le côté, le bras gauche levé derrière la tête et la jambe gauche au-dessus de la droite.

Moore avait trouvé dans la figure inclinée un sujet qui lui permettait d’expérimenter de nouvelles idées formelles, d’explorer des variations infinies sur un seul thème. À la fin des années 1920, le thème de la mère et de l’enfant et la silhouette allongée sont devenus les deux principales obsessions de l’œuvre de Moore. En 1929, Moore épouse Irina Radetsky, étudiante à la faculté de peinture du Royal College of Art. Ils ont déménagé à Parkhill Road, Hampstead, Londres, où ils ont vécu jusqu’en 1940. Le premier de deux chalets ruraux dans le Kent, destiné à être utilisé pendant les vacances, a été acheté en 1931. L’énigmatique œuvre abstraite Composition of 1931 a marqué un nouveau départ radical qui Les travaux de Moore sur les abstractions biomorphiques actuelles chez Arp, Mira, Tanguy et surtout Picasso.

Années 1930

La sculpture et les dessins créés par Picasso (1881-1973) à la fin des années 1920 a exercé une influence directe sur la sculpture et les dessins de Moore au début des années 1930. Comme Hepworth et Nicholson, Moore a visité l’atelier de Picasso ainsi que les studios parisiens de Georges Braque (1882-1963) et Brancusi. La composition illustre à quel point Moore avait assimilé de manière rapide et intuitive l’image imagée du travail de Picasso.

Note sur l’appréciation de la sculpture
Pour apprendre à évaluer des sculpteurs modernes de l’abstraction organique comme Henry Moore, voir: Comment apprécier la sculpture moderne. Pour les travaux antérieurs, voir: Comment apprécier la sculpture.

En 1932, il créa le département de sculpture de la Chelsea School of Art. L’année suivante, il est élu membre de "Unit One". La première de ses compositions à deux, trois et quatre pièces est apparue en 1934 et est liée au travail de Jean Arp (1886-1966) et Alberto Giacometti (1901-166). Il a souvent utilisé l’idiome surréaliste de l’objet trouvé et a réalisé plusieurs gravures à l’aide de cailloux en pierre de fer. En 1932, il réalisa une série de dessins d’os et de coquillages, transformant des formes de la nature en formes humaines. Dans les sculptures en plusieurs parties de 1934, le corps humain a été divisé en fragments et rassemblé. Ce n’est qu’à la fin des années 1950 et dans les années 1960 qu’il revint au thème des figures à deux et trois pièces.

Les sculptures carrées de Moore de 1935 et 1937, parmi ses œuvres les plus abstraites, reflètent l’influence des reliefs de Ben Nicholson de l’époque. Durant ces années, alors qu’il vivait à Hampstead près de Hepworth, Nicholson et le critique Herbert Read, il y a eu un échange d’idées fructueux entre ces artistes aux objectifs largement similaires. Le travail de Moore n’est jamais devenu totalement abstrait. il y a toujours une référence aux formes humaines ou organiques. En effet, il est probablement mieux connu pour la abstraction biomorphique de ses «chiffres inclinables».

Il participa à "l’exposition internationale surréaliste" à Londres en 1936 et, l’année suivante, contribua à Circle: enquête internationale sur l’art constructif. L’idée de la figure féminine inclinable en tant que métaphore du paysage est apparue pour la première fois dans la figure inclinable de 1929 (City Art Gallery, Leeds), puis dans la femme allongée de 1930 (Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa). Le langage du paysage, dans lequel poitrine et genoux sont comme des collines ou des montagnes et des trous comme des grottes dans une colline, est magnifiquement résolu dans Recumbent Figure of 1938 (Tate Gallery, Londres). Les rythmes doucement ascendants et descendants font écho aux South Downs, où la sculpture a été initialement située.

De 1937 à 1939, Moore exécuta une série de dessins de personnages à cordes et de sculptures, un bref intermède dans son travail. Sa première "sculpture de casque" est apparue en 1939-1940. Entre 1921 et le milieu des années 1950, la genèse de presque toutes les sculptures de Moore se trouve dans les carnets de croquis et les dessins plus grands. Les dessins pour la sculpture étaient un moyen de générer des idées pour la sculpture, d’enregistrer le trop-plein d’idées trop nombreuses pour être explorées directement dans le bois ou la pierre.

Années 1940

En septembre 1940, Moore commence à travailler sur ses dessins d’abris, scènes de Londoniens protégés du Blitz dans les stations de métro londoniennes. Le mois suivant, son studio à Hampstead fut gravement endommagé par une bombe et les Moores s’installèrent dans une ferme du XVIIe siècle située à Much Hadham, à 30 miles au nord de Londres. En tant qu’artiste de guerre, il passe l’année suivante à dessiner des dessins d’abris. Il se rendait dans les abris une ou deux fois par semaine et réalisait les dessins de mémoire à son retour chez lui. En 1942, il réalisa une série de dessins de mineurs au travail à la mine. La Vierge à l’enfant de 1943-4, commandée pour l’église Saint-Matthieu de Northampton, reflète l’influence des dessins d’abris dans l’utilisation des draperies et l’emphase humaniste.

La tradition méditerranéenne qui, lors de son voyage en Italie en 1925, avait été en conflit avec son intérêt pour art primitif, était revenu une fois de plus à la surface. En 1946, année de sa première rétrospective à la musée d’art moderne, New York, sa fille Mary est née. Deux ans plus tard, il remporte le Prix international de sculpture de la 24e Biennale de Venise. Sa première rétrospective à la Tate Gallery a eu lieu en 1951. La réputation mondiale de Moore en tant que sculpteur et grand représentant de Organic Abstraction était désormais fermement établie.

Années 1950

Au cours des années 1950, les deux commandes les plus importantes concernaient un écran pour la façade et la figurine drapée drapée en bronze (1952-1935) pour le nouveau bâtiment Time-Life à Londres, ainsi que la grande figurine allongée romaine en marbre travertin (1957-1980) pour Siège de l’UNESCO à Paris.

Bien que l’intérêt de Moore pour la sculpture ait persisté tout au long de sa vie, plusieurs de ses sculptures d’après-guerre les plus connues – telles que Family Group (1948-9; Musée d’art moderne de New York), King and Queen (1952-1935), Joseph Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC), Warrior with Shield (1953-1954; Musée des beaux-arts de l’Ontario, Toronto), Reclining Figure (1963-1965; Lincoln Center, New York) et Énergie nucléaire (1964-1966; University of Chicago) – ont été réalisés en plâtre et coulés en bronze. On peut voir une belle collection de pansements au Musée des beaux-arts de l’Ontario, à Toronto.

Parmi les sculptures les plus impressionnantes des deux dernières décennies figurent les figures inclinables à deux et trois pièces de 1959-1962 (des exemples sont illustrés à la Galerie d’art Albright-Knox de Buffalo; au Museum of Modern Art de New York; etc.). La métaphore du paysage, source d’inspiration de Moore depuis la fin des années 1920, est inversée: les sculptures sont plus paysagères que humaines. Des éléments fragmentaires d’un paysage accidenté composé de rochers, de falaises et de grottes deviennent la figure féminine.

Au milieu des années 1950, comme son Art plastique devenait de plus en plus en trois dimensions, ayant une complétude organique à tous les points de vue, le dessin ne servait plus à développer des idées pour la sculpture. Le point de départ de la plupart de ses sculptures subséquentes a été les os, les coquillages et les pierres de silex qui abondent dans l’atelier de maquette à Much Hadham.

Période tardive

Après 1968, Moore manifesta un regain d’intérêt pour le dessin en tant qu’activité indépendante de la sculpture et gravure, produisant plus de 260 lithographies et gravures, notamment les portfolios Elephant Skull, Auden, Stonehenge et Sheep.

La grande rétrospective au Tate Gallery en 1968, a été suivie en 1972 par une magnifique exposition au Forte di Belvedere de Florence. Beaucoup de grands bronzes et de moulages en fibre de verre ont été placés sur les terrasses; l’architecture de Florence et les collines au-delà en ont fait l’un des sites les plus splendides au monde pour exposer la sculpture à l’échelle énorme de la dernière œuvre de Moore. En octobre 1974, le centre de sculpture Henry Moore à Toronto est inauguré. Le Centre abrite le cadeau que Moore a fait au Musée des beaux-arts de l’Ontario de plus de 500 emplâtres, bronzes, dessins et estampes originaux.

Moore continua à travailler pendant la majeure partie de l’année à Much Hadham et passa un été ou deux chaque été en Italie à sculpter les œuvres sur marbre de Querceta de MM. Henraux. De sa petite maison voisine à Forte dei Marmi, il pouvait voir les montagnes de Carrare où Michelangelo (1475-1564) aurait sélectionné de grands blocs de marbre pour ses sculptures. L’humanisme essentiel de Moore art s’est nourrie de sources aussi disparates que la sculpture paléolithique et le travail de Picasso. Avec la figure humaine comme sujet central de son travail, il a utilisé des éléments de paysage, des formes d’os, de coquillages et de galets pour élargir le langage tridimensionnel de la sculpture. Henry Moore figure désormais parmi les plus grands Sculpteurs du 20ème siècle en Europe, ayant bâti et prolongé la tradition à laquelle son travail appartient.