Auguste Rodin:
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Figure centrale de l’histoire et du développement de la sculpture française , Auguste Rodin est probablement le dernier artiste de la tradition, qui a commencé avec Donatello (1386-1466) et s’est poursuivie avec Michel-Ange (1475-1564), le Flamand florentin Giambologna (1529-1608) et Giovanni Bernini (1598-1660). C’est Rodin qui a re-popularisé la sculpture et l’a placée sur un pied d’égalité avec la peinture. Maître de la sculpture dans tous les domaines, bronze, pierre, plâtre et même bois, Rodin est connu pour plusieurs chefs-d’œuvre exceptionnels, notamment : L’Âge de bronze (1877), L’Homme qui marche (1877), Le Sermon de Jean-Baptiste (1878), Le Penseur (1881), Les Bourgeois de Calais (1885-95), Le Baiser (1888-9), Monument à Balzac (1898), et La Porte de l’Enfer (1880-1917), sa réponse à l’Enfer de Dante et au Jugement dernier de Michel-Ange sur lesquels il a travaillé pendant la plus grande partie de sa vie.

Géant de l’art moderne et peut-être le plus grand de tous les sculpteurs du XIXe siècle, ses œuvres immédiatement reconnaissables peuvent être vues dans son propre musée à Paris (Musée Rodin), ainsi que dans de nombreux des plus beaux musées d’art et jardins de sculptures à travers le monde.

Formation

Né à Paris en 1840, Rodin entre en 1854 à la Petite École, qui est l’école officielle de dessin préparatoire à l’admission à la Grande École ou à l’ École des Beaux-Arts . À la Petite École , il reçoit l’enseignement d’Horace Lecoq de Bois-Beaudrand, un professeur inspirant qui fait dessiner ses élèves de mémoire et copier des dessins du XVIIIe siècle. Rodin était un trop bon élève et il apprit si bien le style rococo qu’il ne put satisfaire les examinateurs de la Grande Ecole qui préféraient l’art académique .

D’autres lui diront plus tard qu’il avait eu de la chance d’éviter la Grande Ecole, mais cet échec a eu pour conséquence de couper Rodin du processus normal de formation académique, qui était presque une condition pour obtenir des commandes officielles. Il est contraint de travailler pour des sculpteurs décorateurs et de se mettre à son compte le soir. Le travail de routine l’aide à atteindre une grande habileté, mais il trouve son but trop trivial, et ses ambitions monumentales sont stimulées par le travail sur le monument à Loos en Belgique en 1874.

En 1875, à l’âge de 35 ans, il voyage en Italie pendant deux mois et peut étudier la sculpture de la Renaissance italienne de près, notamment les œuvres de Donatello, Andrea del Verrocchio et Michel-Ange. La rencontre avec ces maîtres confirme son intérêt pour le caractère plutôt que pour la beauté idéale, comme le laisse présager son «Homme au nez cassé» de 1863, mais il s’imprègne plus profondément de la manière dont Michel-Ange montre l’angoisse et la souffrance intérieures par des gestes de tout le corps. Rodin décrira plus tard Michel-Ange comme le dernier des grands représentants de la sculpture gothique, dont il oppose favorablement les artistes au calme des Grecs.

"Michel-Ange n’est que le dernier et le plus grand des Gothiques. Le retournement de l’âme sur elle-même, la souffrance, le dégoût de la vie, la lutte contre les chaînes de la matière, tels étaient les éléments de son inspiration….. il était lui-même tourmenté par la mélancolie".

La première grande sculpture de Rodin

Les premières œuvres de Rodin étaient admirées par de nombreux connaisseurs, mais sa réputation publique est apparue après l’exposition de sa première grande sculpture en bronze - «L’âge d’airain» - en 1877. L’œuvre a d’abord été exposée sous le titre «Vaincus», mais les contemporains ont été déconcertés par l’absence apparente de thème. Pourtant, Rodin avait bien l’intention de représenter l’homme en train de s’éveiller, symbolisant la conscience naissante de l’homme primitif, première victoire de la raison sur l’animalité.

Le beau mouvement de déroulement de la figure est obtenu en montrant les différentes phases de l’action comme si elles se déroulaient au même moment. Le passage de la somnolence à l’éveil commence par les jambes, qui sont encore instables dans le sommeil, et se poursuit par le torse tendu jusqu’à la tête et aux bras, qui montrent l’émergence soudaine d’une idée. L’âge d’airain doit manifestement beaucoup à L’esclave ligoté du tombeau de Jules II (au Louvre) de Michel-Ange. mais Rodin lui-même appelait son véritable prédécesseur Maréchal Ney Rude. en soulignant le télescopage comparable de l’action entre le moment où le Maréchal sort son épée du fourreau. et le moment où il l’agite en l’air en appelant ses troupes à l’offensive. L’illusion de voir le mouvement se faire est créée en montrant différentes parties de la statue à des moments successifs.

 Pour apprendre à apprécier les sculpteurs modernistes du XIXe siècle comme Auguste Rodin, voir : Comment apprécier la sculpture moderne . Pour les œuvres antérieures, voir : Comment apprécier la sculpture .

Le sermon de Jean-Baptiste

Le même principe peut être appliqué à son œuvre majeure suivante, La prédication de Jean-Baptiste (1878), pour laquelle L’homme qui marche était à l’origine une esquisse. Rodin a remarqué que si l’on photographie un homme en train de marcher, comme l’a fait Edward Muybridge, on remarque qu’à tout moment l’une ou l’autre jambe est soulevée du sol. Dans Saint Jean, les deux pieds sont fermement posés sur le sol et le torse est penché vers l’avant ; Rodin montre ainsi un mouvement vers l’avant en cours, et l’arc solide formé par les pieds donne à la figure une puissante stabilité.

Rodin applique également le principe de simultanéité aux groupes de figures, et il l’explique en se référant à «la Marseillaise» Rude . Dans l’œuvre de Rude, au lieu que les parties du corps soient dans des phases d’action différentes en même temps, les figures elles-mêmes exécutent leurs actions à des moments différents, mais sont perçues simultanément.

Dans un premier temps, nous voyons la figure de La Patrie appeler les troupes à se préparer à la guerre. Dans un deuxième temps, un Gaulois en uniforme répond à l’appel en saluant et son fils demande à le rejoindre ; dans un troisième temps, un vieillard revêt son armure et un autre donne des conseils, et dans un dernier temps, un archer est mis en alerte alors qu’une clairière retentit pour envoyer les lances au combat.

Les bourgeois de Calais

De même, dans la statue Les bourgeois de Calais (1885-95), chacun des six bourgeois peut être considéré comme représentatif des pensées et des gestes d’un homme dans un moment d’héroïsme. Le groupe commémore les six citoyens de Calais qui se sont offerts en otage à Édouard III pour lever le siège de leur ville en 1447.

À l’origine, un seul personnage, Estache de Saint-Pierre, leur chef, avait été commandé, mais Rodin décida de représenter les six bourgeois afin que l’œuvre immortalise leur héroïsme commun et montre en même temps que le véritable héroïsme exige de surmonter les peurs et les regrets ordinaires.

Le personnage central est Eustache de St Pierre, premier volontaire, et c’est à son exemple que les autres répondent. L’homme à sa gauche, qui tient la clé, exprime l’humiliation de livrer la ville, tandis que l’homme derrière Saint-Pierre montre l’indécision et la peur ; derrière l’homme à la clé, un autre s’est rendu par désespoir. A droite de Saint-Pierre, l’homme se passe la main sur les yeux comme s’il voyait le spectre de la mort, tandis que derrière lui, le jeune homme réfléchit à tout ce qu’il s’apprête à laisser derrière lui.

Tous les personnages sont indécis, réfléchissent à leur décision, à l’exception de St Pierre qui, en raison de son âge, est celui qui a le moins à perdre. La séquence d’action est circulaire car elle commence par le pas décisif de Saint-Pierre, passe par les différentes émotions des autres personnages, et revient à lui au moment où ils prennent la décision d’aller de l’avant.

Les portes de l’enfer

Sculpture en relief «La Porte de l’Enfer» fut commandée en 1880 pour le Louvre, quatre ans avant les Bourgeois de Calais, mais elles ne furent jamais achevées et Rodin utilisa les groupes qu’il créa pour elles comme compositions séparées en marbre ou en bronze. La Porte de l’Enfer exprime une vision plus symbolique qui reflète l’instabilité de l’homme moderne, son manque d’absolu et de repères spirituels, son état perpétuel de désir sans espoir de réalisation. Le poète ou le penseur prononce ce vaste Jugement dernier laïque, qui doit beaucoup à l’influence de Baudelaire. Il se désintéressa progressivement de «La Porte», et adopta dans les dernières années un style «Fidéen» plus sobre, qui supplanta son style «Gothique» antérieur.

Il continua à représenter le corps humain dans des études vivantes en argile et des dessins de contour, mais ces œuvres furent rarement exposées, bien qu’elles soient aujourd’hui beaucoup plus conformes au goût moderne que ses marbres tardifs plutôt prétentieux. Il se considérait comme un conservateur, défendant les valeurs d’une civilisation en déclin, mais la spontanéité de ses dernières esquisses et son utilisation du fragment ont apporté une contribution essentielle à l’art du vingtième siècle.

En tant que l’un des rares véritables maîtres de la sculpture moderne, Rodin se considérait comme le successeur de son héros culte, Michel-Ange, bien que le Florentin ait été un sculpteur et que Rodin ait été principalement un modeleur. Il était un admirateur passionné de l’architecture gothique des cathédrales françaises, dont il s’inspirait beaucoup pour ses reliefs héroïques, et son influence sur l’histoire de l’art a été plus grande que celle de n’importe quel sculpteur depuis la Renaissance .

Le Penseur (1881, Musée Rodin, Paris)

Partie «Porte de l’Enfer», Le Penseur dans le projet original était placé au centre du linteau. Comme son créateur, il assiste à la dégradation du monde inférieur. Ses muscles proéminents sont tendus au maximum et sa concentration est très visible.

Cependant «La Porte de l’Enfer» est restée inachevée, «Le Penseur» est devenu une statue à part entière. Coulée à plus grande échelle en 1902 - l’année même où Rodin est photographié par l’artiste américain Edward Steichen dans la pose prise par Le Penseur elle est exposée au Salon de la Société Nationale en 1904. L’œuvre est installée devant le Panthéon à Paris en avril 1906 et est la première sculpture de Rodin à être installée dans la capitale française. En 1922, elle est déplacée dans les jardins de l’hôtel Biron, ancienne résidence du sculpteur, transformée en musée Rodin en 1919.

Femmes

La passion de Rodin pour son œuvre va de pair avec son attirance pour les femmes, et il s’entoure de nombreux modèles et élèves féminins, dont la sculptrice et collectionneuse d’art américaine Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942). Dans les derniers mois de sa vie, à l’âge de 77 ans, il épouse sa compagne de toujours, Rose Boyron. Elle meurt quinze jours plus tard, et Rodin lui-même neuf mois plus tard.

Auguste Rodin et Camille Claudel

Il n’est pas facile de séparer la contribution et l’œuvre de Camille Claudel de celles de son amant et mentor Auguste Rodin. En tant qu’assistante et modèle, elle a participé à la création de plusieurs de ses chefs-d’œuvre. Il est même possible qu’il se soit approprié certaines de ses idées créatives. Comme beaucoup de sculpteurs qui ont travaillé avec lui, elle a eu du mal à sortir de son ombre géante. Cependant, les suggestions selon lesquelles il l’aurait exploitée ont été exagérées et, tout au long de sa carrière, elle a travaillé dans un style qui était essentiellement celui de Rodin. Ses talents de sculpteur étaient déjà bien développés avant qu’elle ne rencontre Rodin au début des années 1880.

Leur relation artistique et personnelle intense dura jusqu’en 1898, mais finit par s’étioler en raison du refus de Rodin de quitter sa maîtresse plus âgée, Rose Boron. L’amertume de Claudel s’exprime dans un groupe à trois figures clairement autobiographique intitulé «Age de la maturité». Rodin continue de soutenir la carrière de Claudel après la fin de leur liaison, mais en 1913, la détérioration de sa santé mentale entraîne son admission dans un asile d’aliénés, où elle restera pendant les 30 années restantes de sa vie.

L’héritage

Rodin a hérité des contradictions communes aux sculpteurs du XIXe siècle : il est le dernier artiste important à avoir tenté de créer un style à partir d’une synthèse d’autres styles. Il recherche la vivacité de Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), mais aussi le sérieux de François Rude (1784-1855), l’angoisse intérieure du gothique combinée à la sensualité ouverte de la sculpture grecque classique . En tant que réaliste, il voulait créer un art compréhensible par tous, mais en tant qu’admirateur de Baudelaire, il voulait exprimer les désirs intangibles de l’homme. Personne n’a mieux compris ce conflit que lui-même, mais il a cherché à plusieurs reprises des commandes pour l’art public, en essayant de faire revivre le monument public en tant que forme d’art.

Rodin était également un aquarelliste très talentueux dont les peintures ont été exposées dans plusieurs galeries, notamment «291», appartenant au photographe et marchand d’art moderne Alfred Stieglitz (1864-1946), qui a organisé pour Rodin sa première exposition personnelle à New York.

De nombreux moulages ont été réalisés à partir des sculptures de Rodin. Ces moulages sont mieux représentés dans les musées d’Amérique du Nord et d’Europe.

LES MEILLEURS SCULPEURS DU MONDE
Pour une liste des 100 meilleurs artistes tridimensionnels (500 av. J.-C. &ndash ; 2009), voir Les plus grands sculpteurs .

EVOLUTION DE L’ART PLASTIQUE
Voir Histoire de la sculpture .

SCULPEURS MODERNES
Pour une liste de sculpteurs tels qu’Auguste Rodin, voir : ARTISTES MODERNES .

SCULPEURS DU NEUVIÈME SIÈCLE
Bertel Thorvaldsen (1770-1844)
Auguste Preaux (1809-1879)
Alfred Stevens (1817- 1875)
Frederick Leighton (1830-1896)
Auguste Bartholdi (1834-1904)
Daniel Chester French (1850-1931).