Exposition de Andrei Grositsky "L’ordre des choses" Automatique traduire

La nouvelle saison d’exposition de la galerie ARTSTORY s’ouvrira avec l’exposition d’œuvres du classique de l’art contemporain russe Andrei Grositsky, The Order of Things, qui se tiendra du 19 septembre au 10 novembre 2019. Le projet se consacre à la anniversaire de l’artiste.

L’artiste se concentre sur les objets les plus ordinaires - objets ménagers, murs épluchés, instruments de musique anciens, clés, serrures et parfois seulement des morceaux de métal rouillé. Et bien que le modèle, en règle générale, soit un objet, il serait faux d’appeler ses œuvres des natures mortes, car Grositsky ne «décrit» pas une chose telle qu’elle est, mais la transforme en lui donnant un nouveau sens, révélant son "Secret" beauté et essence. Il est important de noter que, afin de transmettre sa vision du monde objectif qui nous entoure, il crée son propre langage plastique - les visiteurs de l’exposition remarqueront immédiatement que certaines choses «dépassent» le format de toile habituel - toutes choses vivent dans une vaste espace, comme si elles étaient à l’étroit dans un cadre fermé. Les peintures, pour ainsi dire, s’efforcent de devenir des sculptures. Dans le même temps, «malgré les textures approximatives que Grositsky a utilisées comme nature pour son travail, son travail est imprégné d’une incroyable tendresse et d’une compassion pour le monde qui l’entoure», explique la commissaire de l’exposition, Natalya Grositskaya.

Grositsky construit à partir de ces images vivantes tout un univers dans lequel vous commencez involontairement à voir le monde différemment, de plus en plus fine, plus lumineuse, plus poétique - comme disait un jour Mayakovsky: "Pourriez-vous jouer un nocturne sur une flûte de tuyaux de drainage?" d’entendre comment il se fait que les visiteurs de l’exposition “Andrey Grositsky. L’ordre des choses. "

Parfois, ce monde est comparé à l’espace maintenant oublié, né de l’art non officiel du milieu des années 1920 et appelé la «nouvelle matérialité».

L’exposition présentera des œuvres de différentes époques, y compris des œuvres qui n’ont jamais été exposées ou qui ont été exposées très longtemps. Parmi ces travaux figurent «Butaforia» (1984), «The Big Switch» (1991), «Espagnolette» (1995), «This is not a hat» (2004). Parallèlement, l’exposition présentera des œuvres que l’auteur a lui-même considérées comme un repère et qui occupent une place particulière parmi ses œuvres: il s’agit de «Famille» (1970-1971), «Unité n ° 7» (1988), «Peinture rouge». "(1996) et, bien sûr," Objets et ciel "(1980-1981), à propos desquels le célèbre critique d’art Vitaly Patsyukov a écrit:" Dans l’une de ses meilleures compositions, on pourrait dire programmée "Objets et ciel", artiste nous propose de regarder les objets comme si de leur valeur absolue face au ciel absolu, en tant que partie vivante de l’univers. Toutes ces choses qui en ont marre du travail: un chapeau, un pichet, une mallette, une bougie, un violon, un téléphone - n’ont plus besoin de leur fonctionnalité. Ils sont illuminés par le rayonnement spécial de l’éternité, ils sont conservés dans notre mémoire pour toujours, une nouvelle dimension s’ouvre en eux - la profondeur existentielle. La chose ici n’est pas utilisée comme un objet et n’est pas interprétée comme un signe, cela veut dire qu’elle existe et qu’elle le restera dans l’esprit de l’homme. ”

Andrei Borisovich Grositsky (1934-2017) est diplômé de l’Institut des arts de Moscou, nommé en l’honneur de VI Surikova en 1959.

Années 1960 - Début de la formation de la stylistique et d’une position créatrice parmi les artistes de l’underground moscovite, notamment I. Kabakov, E. Bulatov, I. Chuikov, Yu. Zlotnikov, B. Turetsky.

À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Grositsky arriva au stade le plus important de son travail. Le sujet en était le sujet d’étude et commençait à développer son propre langage plastique, qui devint plus tard sa "carte de visite". Le travail de l’artiste est devenu une partie intégrante de l’art du non-conformisme domestique. L’appel au monde d’une chose, son image métaphysique, le passage à une couleur généralisée et laconique et la plasticité caractéristique de l’image ont donné raison à Grositsky parmi les fondateurs du «pop art russe» et ont rendu sa peinture reconnaissable non seulement L’art russe, mais aussi à l’échelle mondiale.

Les œuvres de Grositsky font partie des plus grandes collections de musée, notamment le musée Pouchkine, la galerie Tretyakov, le musée russe, le MMOMA, le musée Zimmerly (New Jersey, États-Unis), plusieurs musées régionaux russes et de nombreuses collections privées monde.

À propos de Grositsky

V. Patsyukov:

“Dans l’une de ses meilleures compositions, on pourrait dire programmée,“ Objets et ciel ”en 1981, l’artiste suggère de regarder les objets du point de leur valeur absolue face au ciel absolu, en tant que partie vivante de l’univers. Toutes ces choses qui en ont marre du travail: un chapeau, un pichet, une mallette, une bougie, un violon, un téléphone - n’ont plus besoin de leur fonctionnalité. Ils sont illuminés par le rayonnement spécial de l’éternité, ils sont conservés dans notre mémoire pour toujours, une nouvelle dimension s’ouvre en eux - la profondeur existentielle. La chose ici n’est pas utilisée comme un objet et n’est pas interprétée comme un signe, cela veut dire qu’elle existe et qu’elle le restera dans l’esprit de l’homme. ”

E. Barabanov:

«Dans les biographies de choses de Grositsky, la situation de l’être est double: la naissance créatrice de ce qui était auparavant invisible est accompagnée de l’illusion du connu, avertissant de la disparition du visible. L’attention portée à cette dualité - une attention également étrangère à l’avant-garde et à la rétrospective - imprègne tout l’art de l’artiste. Ici, peut-être, il y a un point de contact caché avec la vision du monde de Rainer, Maria Rilke, pour qui tous les mondes de l’univers se sont effondrés «dans l’invisible, comme dans leur plus proche réalité plus profonde».

Ivan Chuykov:

«Malheureusement, je n’ai pas vu ses dernières œuvres dans l’original, ni plutôt ses dernières expositions, mais seulement des œuvres individuelles et, bien sûr, des reproductions. Ce que j’ai vu était très intéressant pour moi et semblait très important dans notre art.

Tout d’abord, le plus évident est le choix d’un objet, un objet aussi insignifiant, sans importance, une image indigne: un compteur électrique, un chiffon, une poubelle, etc. Ceci n’est pas une aubaine pour une découverte, mais personne ne l’a fait avec nous. Nous avons plus sur le sacré, sur les mythes - affirmer ou exposer. Et, ce qui est important, Andrei n’est pas tant pour des raisons idéologiques (bien que cette diminution du motif soit également intéressante et importante), mais pour des raisons fondamentalement formelles et profondes. Andrei a écrit ces objets insignifiants, me semble-t-il parce que sa peinture parlait de peinture, d’essence, du secret de l’image, de la façon dont elle apparaît sur le plan de l’image. Et il avait besoin de pénétrer dans ce secret et de ne pas le distraire avec la littérature, le pathos et la beauté des objets. C’est pourquoi le second aspect du travail d’Andrei est que les objets sortent du bord de la toile et violent le format rectangulaire de l’image. Après tout, le format traditionnel habituel est en fait un écran sur lequel une image est projetée d’un côté ou de l’autre, créant ainsi une illusion. Lorsque cet écran est détruit ou mis en doute, lorsque du matériel "lourd, grossier, visible" est proposé, base de l’illusion créée, cette illusion et cette réalité grossière commencent à s’équilibrer, à scintiller. Le spectateur doit décider lui-même de ce qu’il regarde: au compteur électrique ou à la photo.

L’image traditionnelle n’offre pas de choix - vous regardez la forêt de bouleaux, le surf en mer ou de belles pommes, sans parler des filles.

Mais en quelque sorte, on n’y croit pas vraiment - une illusion, une fiction. Mais sans tricher, c’est comme ça.

Dans tous les artistes, en tout cas en ce qui concerne l’image, ce sentiment de mystère, de magie, de sorcellerie de la possibilité de l’image vit, et un artiste sérieux et pensant doit s’en occuper. Tout le monde le fait à sa manière. Andrei a trouvé sa voie et l’a fait merveilleusement bien.

Vous pouvez, bien sûr, écrire plus - en l’expliquant, mais ici, de mon point de vue, l’essentiel. ”

Nikita Makhov:

«Andrei Grositsky est le représentant le plus brillant de l’art russe de l’époque actuelle de la ligne qui, au milieu des années 1920, s’appelait la«nouvelle matérialité»ou le«réalisme magique». Andrei Grositsky incarnait ce qui était vraiment le plus précieux dans l’image de la «nouvelle matérialité», qui porte le sens non seulement d’une image spécifique, mais du monde entier. En fait, une telle peinture est une véritable abstraction au sens conceptuel paradigmatique du mot.

Le travail de Andrei Grositsky - les visages des choses. C’est précisément le phénomène spiritualisé d’une chose, cette chose derrière laquelle se trouve en réalité une métaphysique profonde, qui ne peut en fait être exprimée que dans l’art figuratif et uniquement dans l’art plastique. ”

Natalia Pomerantseva:

«Grositsky a un sens parfait du matériau dans toutes ses transformations, qu’il s’agisse de surfaces lisses ou de morceaux d’étain froid déchirés et pointus. Il propose une gamme étendue et variée de techniques de texture - du simple frottis aux taches rugueuses de peinture créant un contraste sémantique profond. Il utilise les astuces de l’illusion, donnant des choses tangibles.

En réfléchissant au travail de A. Grositsky, on se rappelle les paroles du grand Léonard, qui avait dit un jour qu’il était impossible de démêler le monde, il ne pouvait être inventé. Et dans la plupart de ses œuvres, Grositsky crée un monde pour lui-même et pour le public. Le monde des sujets, qui constitue le thème principal de la peinture, est généralement appelé nature morte, mais la définition de ce genre ne s’applique pas à l’œuvre de Grositsky, car son travail dépassait de loin le genre et le style. Nous pouvons parler du style de Grositsky lui-même, puisque l’artiste ouvre de nouvelles voies dans l’art contemporain en parlant du monde dans une langue que personne ne parlait avant lui.

Galerie ARTSTORY: Moscou, Staropimenovsky per., D. 14 (métro Tverskaya, Maïakovskaya). Tous les jours, sauf le lundi, de 12h00 à 20h00. Admission par billet (200 roubles; pour les moins de 18 ans - 100 roubles; pour les enfants de moins de 7 ans, les retraités et les catégories privilégiées - gratuitement).