Exposition "Le chemin sans fin vers ... la première partie" Automatique traduire

Le 8 octobre 2015, au Musée des arts décoratifs, appliqués et folkloriques de Russie, en collaboration avec EAST MEETS WEST GALLERY, un projet artistique "Le chemin sans fin pour… la première partie" s’ouvre.

La galerie des carrosses du Musée des arts décoratifs, appliqués et folkloriques de Russie présentera les œuvres de l’artiste Natalya Zarovna, représentante de la génération de l’abstraction «géométrique» de la fin du XXe siècle et du début du XXIe siècle.

Série de ses œuvres “Point”, “Terminal. Anvers ”,“ Nouvelle Province ”ou“ Garages-hangars ”peuvent être attribués au thème“ Architecture ”, que l’auteur développe depuis longtemps et de manière exhaustive. Mais pour elle, l’architecture est davantage un signe symbolique, une «forme de conscience utopique», qu’un simple objet d’image. La dynamique et le rythme de ces œuvres, leur composition structurelle-plastique basée sur le réseau, nous permettent de rechercher et de trouver les sources formelles de son travail dans le constructivisme russe et dans les idées philosophiques du suprématisme de Kazimir Malevich. En créant des signes-images de la vie matérielle, il passe aussi du matériel au spirituel et au-delà de l’inconscient supérieur. "Je comprends l’abstraction comme une opportunité de changer le centre de la vision, de pénétrer dans la structure d’un objet ou d’un phénomène", Natalya Zarovnaya.

Ceci est particulièrement prononcé dans la nouvelle série d’œuvres de Natalia Zarovna «Transformers», 2015. En utilisant la philosophie et les capacités techniques de la gravure, l’auteur personnalise chaque œuvre en travaillant avec différents types de papier et en créant des volumes internes de structures à double et triple superposez des feuilles, en utilisant la technique de gravure mixte, puis un collage qui donne à chaque nouveau travail ses caractéristiques stylistiques uniques.

Les œuvres de Vladimir Peldyakov sont plutôt des croquis en plastique ou de petits modèles finis d’œuvres monumentales qui sont possibles à l’avenir, mais n’ont pas encore eu lieu. La formalisation du processus de création dépend de la taille de l’œuvre et de la simplicité des matériaux choisis par l’auteur (bois, corde, grillage métallique). Dans deux œuvres, l’auteur utilise différentes directions du développement de la sculpture en plastique, qui remontent au modernisme et à l’avant-garde russe du début du XXe siècle. L’œuvre «Structures horizontales» fait davantage référence à l’abstraction «géométrique», la sculpture «Walking» est une œuvre plus ambiguë. Sa construction en plastique, rappelant celle d’un homme, en tant que designer est assemblée à partir de barres rectangulaires, tournée vers le spectateur chaque fois avec de nouveaux visages. La figure cubiste du «Walking» ne semble pas statique, elle est tout en mouvement et orientée vers l’avant, répondant exactement au désir de l’artiste de dépasser le style.

La deuxième partie de l’exposition est située dans la zone du parc du musée. Il comprend la nouvelle œuvre d’Alexei Dyakov, créée spécialement pour la VIe Biennale d’art contemporain de Moscou, ainsi que le projet des sculpteurs Olga Khan et Andrei Mitenev «Des pianos préparés».

Dans le travail d’Aleksey Dyakov, «La limite du possible» - trois troncs en bois qui se lèvent est une allégorie symbolique de la vie de trois amis, dont deux «brûlent» sur le chemin de la perfection et de l’expression de Au sommet, et un seul d’entre eux atteignant l’objectif, l’expression physique et spirituelle réalise son rêve et commence à rayonner de lumière, éclairant la route après le voyage.

L’idée du projet d’Andrei Mitenev et Olga Khan «Les pianos préparés» est née en 2013. Selon les auteurs, d’une part, grâce à la volonté de mettre en œuvre une idée purement plastique: créer une nouvelle sculpture - une objet des fragments d’un piano, le disséquer et le disséquer dans les détails; d’autre part, influencés par leur enthousiasme pour la musique expérimentale et nouvelle, en particulier les compositions d’avant-garde de John Cage et de ses disciples russes.

La première chose dans cette série Piano est peut-être surtout une sculpture au sens traditionnel du mot. Aujourd’hui, de nombreux artistes contemporains se considèrent comme des disciples de Marcel Duchamp et qualifient leurs œuvres d’objets d’objectifs, craignant que la sculpture ne soit un concept dépassé et anachronique.

Andrei Mitenev avait toutes les raisons formelles pour «écrire» la sculpture nouvellement reconstituée à partir d’un piano divisé en détails en une chose et devenir un «héritier» direct du dada ou du néo-dada des idées de Duchamp. Mais la figure d’un pianiste ivre de musique et d’énormes mains symboliques qui atteignent le pont créent une composition sculpturale plastique intégrale - un symbole d’unité, la fusion d’un musicien et d’un instrument. Andrei Mitenev et Olga Khan réalisent encore plus de symbolisme et d’abstraction dans le travail conjoint de Trio-1 et Trio-2. Les éléments structurels des deux sculptures sont les mêmes que dans la première œuvre, mais les éléments du patrimoine avant-gardiste y sont plus clairement visibles, comme dans les rapports entre la construction verticale et horizontale des éléments, ainsi que dans la solution coloristique des objets.