#07704 Umberto Boccioni (1882-1916)

L’œuvre présentée se révèle comme une fragmentation intense de la forme humaine, suggérant un corps féminin en position assise ou accroupie. L’artiste a déconstruit le sujet, le réduisant à un ensemble de plans géométriques imbriqués et superposés. Ces formes angulaires, aux contours nets, se combinent pour évoquer la silhouette, mais sans chercher à la représenter de manière réaliste.
Une palette dominée par des ocres, des roux et des teintes orangées est contrastée par des bleus profonds, créant une tension visuelle palpable. L’utilisation de ces couleurs chaudes suggère peut-être une émotion intense, une chaleur intérieure, tandis que les bleus, plus froids, pourraient évoquer la mélancolie ou une forme de contemplation.
Labsence de perspective classique et la dispersion des fragments renvoient à une volonté de saisir non pas l’apparence extérieure du sujet, mais plutôt une essence plus profonde, une vérité intérieure. On perçoit une déconstruction du corps, une exploration de sa structure et de ses multiples facettes.
Le fond sombre, presque monochrome, met en relief la figure, accentuant sa fragmentation et isolant le corps dans un espace indéterminé. Ce vide spatial contribue à lambiguïté de lœuvre et invite à la réflexion sur la condition humaine, la perte didentité, ou encore la fragilité de lexistence.
Il est possible d’y lire une méditation sur la perception et la représentation, une remise en question des conventions artistiques traditionnelles. Le tableau, par sa déconstruction radicale, semble interroger la nature même de la réalité et de la forme. Lartiste, en brisant le miroir de lapparence, nous invite à considérer une autre manière de voir, une perspective plus analytique et introspective.