Utiliser des pastels pour créer des images douces Automatique traduire

La peinture au pastel est une technique artistique unique qui reste depuis des siècles l’un des moyens les plus efficaces de créer des images douces, veloutées et délicates.

Une analyse de l’évolution historique et des applications modernes du pastel révèle que cette technique possède des capacités exceptionnelles pour restituer de subtiles transitions de couleurs, des effets atmosphériques et des textures délicates. L’étude révèle que le pastel occupe une position intermédiaire entre la peinture et le graphisme, alliant l’immédiateté du dessin aux possibilités picturales de la transmission des couleurs.

Les principaux avantages du pastel pour créer des images douces résident dans sa capacité à ombrer, à superposer les couches et à préserver l’éclat des pigments sans liants susceptibles de ternir la couleur. Les artistes contemporains continuent de développer les techniques traditionnelles, les adaptant à de nouvelles tâches et à de nouveaux matériaux.

Développement historique de la technique du pastel

Origine et développement précoce

L’histoire du pastel remonte à la Renaissance, lorsque les artistes commencèrent à expérimenter avec des craies de couleur pour créer des œuvres plus expressives. Les craies pastel, composées de pigments secs liés à de la résine d’acacia (gomme arabique), furent inventées à la fin du XVe siècle par l’artiste français Jean Perréal pour réaliser des croquis rapides de la campagne militaire de Louis XI. L’artiste présenta cette nouvelle technique à Léonard de Vinci, qui la baptisa colorire a secco (colorier à sec) et l’utilisa dans une étude pour le portrait d’Isabelle d’Este de Mantoue (1499).

Le mot « pastel » vient de l’italien « pastel » (pâte), qui reflète la technologie de fabrication de ces matériaux artistiques. Au début du XVIe siècle, le pastel occupait une place importante dans la vie artistique européenne. À cette époque, le portrait au crayon français était très populaire, exécuté d’après nature à la pierre noire, à la sanguine et au pastel en une ou deux séances. Les Italiens appelaient cette combinaison de matériaux artistiques « pastello ».

Le pastel est apparu dans le nord de l’Italie au XVIe siècle et a été utilisé par des artistes tels que Jacopo Bassano et Federico Barocci. L’artiste allemand Hans Holbein le Jeune et les artistes français Jean et François Clouet ont réalisé des portraits au pastel à la même époque. Ces premières expériences ont jeté les bases des développements ultérieurs de cette technique.

L’âge d’or du pastel au XVIIIe siècle

Le XVIIIe siècle fut la période de son apogée, où le pastel acquit le statut de technique artistique à part entière. La technique du pastel atteignit son apogée au XVIIIe siècle. En 1663, la technique du pastel fut officiellement reconnue et mise à égalité avec la peinture, lorsque Dumoustier fut admis à l’Académie royale de peinture et de sculpture, devenant ainsi le premier pastelliste reconnu. En 1698, le portraitiste français Joseph Vivien, vulgarisateur de la technique du pastel, fut admis à l’Académie.

L’intérêt général pour les portraits au pastel dans toute l’Europe du XVIIIe siècle fut suscité par la visite d’un pastelliste vénitien à Paris en 1720-1721. Le Salon français de 1704 présenta vingt portraits au pastel grandeur nature de Joseph Vivien, et le succès de l’exposition contribua à l’essor rapide de cette technique.

Les portraits au pastel existaient déjà au siècle précédent, mais vers 1700, la généralisation du verre coulé permit de réaliser ces compositions en poudre, qui nécessitaient toujours une protection de surface, à une échelle comparable à celle de la peinture de chevalet, augmentant ainsi leur prestige. La capacité du pastel à imiter, voire à surpasser, les effets de la peinture à l’huile conduisit les spectateurs contemporains à considérer ces œuvres comme esthétiquement comparables.

De nombreux pastellistes – tels que Rosalba Carriera, Maurice Quentin de La Tour, Elisabeth Vigée le Brun, Francis Cotes et John Russell – furent admis dans les académies de leurs pays ou nommés pastellistes de cour, témoignant de la haute estime dans laquelle ce médium était tenu.

Développement des pastels en Russie

Le pastel est apparu en Russie dans la première moitié du XVIIIe siècle, apporté par des artistes étrangers. Tout au long du XVIIIe siècle, les créateurs d’œuvres utilisant cette technique étaient les maîtres des « Rossika » – des peintres étrangers travaillant en Russie. Ils réalisaient presque exclusivement des portraits sur commande. La technique du pastel s’est répandue parmi les artistes russes un peu plus tard.

Rapide à réaliser, souvent réalisé en une seule séance, le portrait au pastel s’est répandu et est devenu l’un des types d’images de commande les plus appréciés, remplissant en quelque sorte la fonction de la photographie. Cette technique s’est répandue en Russie au milieu du XVIIIe siècle, d’abord grâce aux œuvres de maîtres étrangers.

Composition et caractéristiques techniques des pastels

Les principaux composants des crayons pastel

Les pastels sont des craies de couleur fabriquées à partir d’un mélange finement broyé de pigments, de craie ou d’une argile spéciale, et d’un liant à base de résine d’acacia (gomme arabique). Les ingrédients de base des pastels sont : pigment, charge (un minéral blanc qui confère opacité et volume) et liant (une colle légère) qui lie les deux substances en poudre afin de les transformer en crayon.

Au XVIIIe siècle, la craie idéale était suffisamment dure pour être tenue entre les doigts sans se casser, mais suffisamment poudreuse et tendre pour s’effriter lorsqu’on la dessinait sur une surface. Une gamme relativement restreinte de pigments (essentiellement les mêmes que ceux utilisés pour la peinture à l’huile) servait à créer la myriade de couleurs qui restent la marque de fabrique de la boîte à pastels moderne.

Ces pigments étaient combinés pour obtenir la teinte souhaitée, et des quantités proportionnelles de charge étaient ajoutées pour créer les tons. Cette multitude de teintes permettait aux pastellistes de travailler en dégradés plutôt qu’en mélanges de couleurs pour obtenir une luminosité optimale.

Le processus de fabrication des crayons pastel

Au XVIIIe siècle, le procédé de fabrication des pastels était complexe. De nombreuses étapes, réalisées à la main, variaient selon la composition de la couleur, à commencer par la préparation du pigment par broyage et lavage. Les pigments ayant des propriétés caractéristiques (telles que la cohésion, la douceur et la fragilité), chacun devait être associé à une charge spécifique (choisie parmi divers matériaux tels que la craie, la terre à pipe, le gypse et l’albâtre) et à un liant adapté (parmi lesquels la gomme adragante, le lactosérum d’avoine ou le lait écrémé) pour obtenir des crayons de couleur à la texture satisfaisante.

Après avoir mélangé les ingrédients, la pâte était divisée et roulée en craies, coupée à la longueur voulue, puis soigneusement séchée à l’air ou à la chaleur pour éviter les défauts et les fissures. Les pastels secs utilisaient traditionnellement des liants tels que la gomme arabique et la gomme adragante. La méthylcellulose a été introduite comme liant au XXe siècle.

Types modernes de pastels

Il existe trois types de pastel : sec, à l’huile et à la cire. Le pastel à l’huile est fabriqué à partir de pigments et d’huile de lin par pressage. Le pastel sec est fabriqué de manière similaire, sauf qu’il n’utilise pas d’huile. Le pastel à la cire est fabriqué à partir de cire et de pigments de haute qualité.

Il existe deux principaux types de pastels secs : les pastels durs et les pastels tendres. Les pastels tendres sont principalement composés de pigments purs et d’une faible quantité de liant. Ils conviennent aux traits larges et saturés. Les pastels durs, quant à eux, sont moins susceptibles de se casser grâce à leur teneur en liant plus importante et sont parfaits pour le dessin. Leur surface latérale permet de tonifier, tandis que leur extrémité permet de dessiner des lignes fines et des détails.

Techniques pour créer des images douces avec des pastels

Techniques de base d’ombrage et de mélange

La technique la plus courante pour utiliser les pastels est sans doute le mélange. Ce procédé consiste à appliquer les pastels en couches successives sur une surface. Les transitions entre les couleurs et les nuances sont lissées par estompage ou frottement. Il en résulte des dégradés de nuances et de couleurs subtils sur les objets.

L’estompage peut se faire avec un doigt, une estompe, un coton-tige ou une feuille de papier pliée. Des gants sont également disponibles. Pour les grandes surfaces, il est préférable d’utiliser un doigt pour estomper, mais pour les zones plus petites et plus précises, une estompe est plus efficace. Vous trouverez des estompes à un prix raisonnable dans votre magasin de fournitures d’art, mais vous pouvez également les remplacer par une feuille de papier pliée ou un essuie-tout.

La technique du pastel sec utilise largement la technique de l’ombrage, qui crée des transitions douces et une couleur délicate. La méthode classique du pastel sec consiste à éviter de toucher le dessin lors du travail afin de ne pas le maculer. Le pastel est facile à ombrer, ce qui constitue un avantage à ce stade du travail.

Technique de brouillage pour créer des effets doux

Le marouflage est une technique d’application du pastel qui consiste à appliquer des couches légères mais opaques de pastel sur des zones du plan de l’image. Ces zones peuvent avoir déjà été traitées au pastel ou recouvrir partiellement la surface humide du papier.

Lors de l’utilisation du mélange, un mélange optique des couleurs se produit généralement. Le mélange optique des couleurs se produit lorsque des couleurs placées les unes à côté des autres se mélangent visuellement, donnant naissance à une nouvelle couleur. Par exemple, si des points jaunes sont placés à côté ou au-dessus de points bleus, la couleur perçue par l’observateur peut être le vert.

Comme vous pouvez l’imaginer, la texture physique – ou le grain – du papier joue un rôle important dans l’effet obtenu. Les traits de frottis étant généralement appliqués avec légèreté, la texture du papier « accroche » le matériau aux endroits où il est en relief, laissant la couleur en dessous dans les creux de la texture.

Technique multicouche pour obtenir de la profondeur

L’un des aspects clés de la création d’images douces est la compréhension des principes de superposition des pastels. Pour apprendre le concept de la peinture par couches, imaginez-vous développer les couches depuis les racines, comme dans un jardin. La surface détermine le nombre de couches : environ 4 à 5 pour les surfaces non poncées et 5 à 9 pour les papiers pastel poncés.

Plus vous ajoutez de couches, plus les couleurs risquent de devenir floues ; il est donc conseillé de ne pas en abuser. En général, on commence par les valeurs les plus foncées, puis on les éclaircit progressivement, bien que cela dépende du sujet. Les touches d’accentuation ou de focalisation finales doivent être réfléchies et planifiées à l’avance.

Il est important de se rappeler que plus il y a de couches de pastel sur le papier, plus les traits doivent être fins. Lorsque vous travaillez au pastel, il est important de garder à l’esprit que la matière détachée est assez facile à corriger : vous pouvez l’effacer avec un pinceau sec ou le doigt, ou la recouvrir d’une nouvelle couche de la teinte souhaitée.

Matériaux et outils pour la peinture au pastel sec

Choisir le bon papier et les bonnes surfaces

Le dessin au pastel nécessite une surface texturée qui retient le pigment. Les dessins au pastel sont généralement réalisés sur du papier de couleur. Le ton du papier est choisi en fonction du dessin. Le papier blanc empêche d’évaluer la saturation des couleurs principales, bien que dans certaines œuvres, il soit approprié et accessible à l’artiste.

Les pastels sont généralement dessinés sur du papier, qui doit présenter une légère texture ou « denture » ​​pour adhérer et maintenir le support. Des papiers spéciaux pour pastels sont fabriqués depuis le XVIIIe siècle dans une grande variété de textures : certains ressemblent à du papier de verre fin, d’autres ont une finition floquée ou suédée, d’autres encore présentent des nervures prononcées ou des feutres de séchage fortement marqués.

Le papier pastel offre une palette de couleurs riche. Il est préférable d’utiliser un papier assorti aux couleurs principales du pastel. Le papier approprié doit avoir la densité et la texture adéquates pour l’application du matériau. Vous pouvez utiliser du papier kraft, du carton et de la toile. Un papier aquarelle à la texture prononcée convient également.

Au XVIIIe siècle, les artistes utilisaient invariablement du papier bleu ou gris en raison de la texture légèrement rugueuse de ces feuilles colorées. Ce support est opaque et ne dépend pas de la luminosité sous-jacente du papier pour donner de l’éclat.

Outils pour créer des effets doux

Le pastel peut être manipulé de diverses manières. Un effet pictural peut être obtenu en étalant délicatement la poudre au doigt, à l’aide d’une estompe (un instrument souple comme un rouleau de papier épais, du cuir ou une éponge), ou au pinceau.

Ce médium se présente sous diverses formes, notamment les pastels en poudre libre et les crayons pastel, mais le plus souvent, les pastels sont appliqués directement au crayon. Le côté large, appliqué délicatement, crée des zones de tons clairs qui révèlent la texture du papier, tandis que la pointe du crayon et une pression plus forte permettent d’obtenir des traits plus définis et plus riches.

Il est plus pratique d’utiliser un papier spécial pour ombrer ou d’utiliser vos doigts. L’étape suivante consiste à approfondir les ombres et la lumière, en soulignant la texture des objets. Les traits y contribueront : points, coups de pinceau, superposition de couleurs.

Fixation et conservation des œuvres au pastel

Comme le pastel reste à la surface du papier, il s’efface facilement, à moins d’être protégé par un verre ou un fixateur en spray à base de colle ou de gomme arabique. Cependant, les fixateurs ont l’inconvénient d’altérer le ton et de lisser le grain des dessins au pastel.

Une fois le dessin terminé, il est nécessaire de le traiter avec un vernis fixateur spécial. Cela protégera l’œuvre de l’effritement et des bavures et lui permettra de conserver longtemps sa forme originale. Il est préférable de conserver les dessins au pastel dans un cadre sous verre.

Les dessins au pastel sec terminés doivent être protégés, soit en les encadrant sous verre, soit en les vaporisant de fixatif pour éviter les bavures. Cependant, les fixatifs peuvent altérer la couleur ou la texture du dessin. Bien que possible, l’utilisation de laque pour cheveux comme fixateur est déconseillée.

Les maîtres de la peinture au pastel et leur contribution au développement de la technique

Les grands pastellistes du XVIIIe siècle

Le pastel a atteint son apogée auprès des artistes au XVIIIe siècle, lorsqu’il était principalement utilisé pour le portrait. Rosalba Carriera (Italie), Jean-Baptiste Chardin, François Boucher, Maurice-Quentin de La Tour, Jean-Baptiste Perronneau (tous français), Jean-Étienne Liotard (Suisse) et Anton Raphael Mengs (Allemand) comptaient parmi les plus grands maîtres pastellistes.

La première pastelliste véritablement célèbre fut Rosalba Carriera (1673-1757), de Venise. Elle débuta comme peintre de portraits en miniature, un genre alors considéré comme réservé aux femmes. Une fois libre, elle devint la «première pastelliste» mondialement connue et reconnue pour ses pastels. Ses grands pastels furent vendus aux princes et aux cours de toute l’Europe, où ils étaient exposés, semblant concurrencer les portraits à l’huile habituels.

Carriera a donné un nouveau statut au genre, plaçant le pastel au même rang que l’huile. Son autoportrait, réalisé vers 1746, est remarquable par sa franchise, son audace et son originalité. À une époque où les artistes représentaient les femmes comme des beautés idéalisées et soumises, destinées à attirer les appétits du pouvoir.

Les impressionnistes et le renouveau du pastel

Le pastel a été largement remis au goût du jour et revitalisé dans le dernier tiers du XIXe siècle par l’art français. Claude Monet, l’un des artistes les plus célèbres et les plus appréciés de l’histoire de l’art, a joué un rôle étonnamment important en tant que dessinateur. Monet a longtemps été considéré comme un anti-dessinateur, un artiste qui dessinait ses sujets directement et dont les œuvres graphiques, rarement exposées, étaient secondaires par rapport à sa démarche artistique.

En fait, Monet a débuté sa carrière comme caricaturiste et a développé une passion pour le dessin dès l’adolescence, passion qui ne l’a jamais quittée. Il a maîtrisé la technique du pastel et a présenté sept œuvres à la première exposition impressionniste en 1874. Citant des documents inédits récemment découverts qui remettent en question l’image reçue de l’artiste, un vaste ensemble d’œuvres graphiques réalisées tout au long de sa carrière est dévoilé.

Edgar Degas était particulièrement célèbre pour ses pastels, représentant souvent des ballerines et autres danseuses. Ses œuvres démontraient comment le pastel pouvait être utilisé pour créer des effets à la fois subtils et spectaculaires. Odilon Redon a également contribué de manière significative au développement des techniques du pastel.

Interprétations et innovations contemporaines

Au XXe siècle, le pastel poursuit son développement, trouvant des applications non seulement dans les genres traditionnels, mais aussi dans l’art contemporain. Cesare Tachi appartient à l’école de la Piazza del Popolo. Au milieu des années 1960, des peintures expérimentales et innovantes sont réalisées à partir de tissus de production industrielle. Les collages textiles grand format, réalisés à l’émail, au pastel et au feutre, acquièrent également une texture en relief grâce à l’utilisation de mastic pour meubles.

Dans ces œuvres, on retrouve des images d’amis de l’artiste, ses propres autoportraits ou des images d’après photographies. Le motif, la texture du tissu et la douceur du relief, ainsi que le caractère conceptuel de la technique créative, ont fortement impressionné le spectateur et suscité de nouvelles associations.

Possibilités esthétiques et expressives du pastel

Qualités uniques des images pastel

La brillance optique du pastel résulte à la fois de l’absence de résines jaunissantes dans sa composition et de la réflexion de la lumière sur les innombrables facettes de sa poudre finement broyée. C’est un matériau opaque qui ne dépend pas de la brillance du papier pour lui conférer sa luminosité.

Le principal avantage du pastel réside dans ses nuances riches et sa douceur d’application sur la toile. Grâce à cela, cette technique permet d’obtenir une profondeur et un volume exceptionnels. Les traits veloutés du pastel créent une atmosphère particulière, conférant originalité et vivacité à la peinture.

Les qualités esthétiques les plus remarquables du pastel résident dans sa texture délicate et veloutée et son fini mat. La douceur captivante et la vivacité des couleurs ont attiré l’attention de plus d’une génération d’artistes (principalement des portraitistes) aux XVIIe et XVIIIe siècles, ainsi que des impressionnistes du XIXe siècle, qui accordaient une grande importance à la restitution des plus infimes nuances d’air et de lumière.

Aspects psychologiques des images douces

L’histoire de la création du cycle « Pastels » d’AT Grechaninov démontre comment la technique du pastel peut transmettre des émotions profondes. Durant une période difficile et critique, Grechaninov s’est tourné vers la composition de musique pour enfants, où il trouvait du réconfort. Cependant, les pièces pour piano du cycle se sont révélées tristes, sans être enfantines, et empreintes de sentiments et d’expériences profondément « adultes ».

La nouveauté du langage musical de Gretchaninov dans la période considérée a été déterminée à la fois par les changements dans l’art russe en général (en particulier, l’influence de l’impressionnisme sur l’œuvre du compositeur était significative) et par les crises dans la vie personnelle et créative d’Alexandre Tikhonovitch.

Application dans divers genres artistiques

Chaque artiste trouvera sa propre utilisation du pastel. Il convient aussi bien à la création d’œuvres réalistes qu’abstraites. Il permet de transmettre émotions et humeurs, de capturer la beauté du monde et de la nature, ou de créer des images étranges et fantaisistes.

Le travail au pastel peut s’appuyer sur différents supports, tels que le papier, le carton, le tissu et d’autres matériaux. Chaque surface confère à l’œuvre son charme et son effet. L’un des aspects intéressants du pastel réside dans sa capacité à se combiner avec d’autres matériaux. Ainsi, vous pouvez utiliser des pastels avec de la peinture acrylique ou à l’huile pour créer une œuvre artistique unique.

Tendances modernes et aspects éducatifs

Développement méthodique de la technique du pastel

Le processus de réforme et de modernisation de l’enseignement supérieur vise à accroître le niveau de professionnalisme des futurs spécialistes, et notamment des artistes-enseignants. Cette étude vise à créer les conditions méthodologiques et pédagogiques nécessaires au développement des compétences artistiques des étudiants dans le cadre de leur formation professionnelle.

La technique du pastel, ses méthodes et ses techniques étant assez complexes, leur maîtrise nécessite une formation spécifique. L’acquisition de compétences et de connaissances professionnelles par les futurs artistes-enseignants au cours de leur apprentissage dépend directement de leur maîtrise des différentes techniques artistiques.

L’acquisition de compétences artistiques professionnelles dans l’utilisation de matériaux souples n’est possible qu’avec l’application rigoureuse de méthodes et de techniques et la création de conditions pédagogiques propices à l’activité créative. La technique du pastel est unique et, grâce à ses capacités techniques, il est possible de résoudre des problèmes créatifs de tout niveau de complexité.

Intégration des approches traditionnelles et modernes

L’analyse de l’histoire du développement de la technique du pastel en dessin et en peinture souligne l’importance de son enseignement dans les disciplines artistiques fondamentales. On peut affirmer que la technique du pastel occupe une place importante dans le processus pédagogique des établissements d’enseignement supérieur artistique.

L’importance de son étude réside non seulement dans la diversification de l’expérience technique des étudiants, mais aussi dans le développement intégral de leurs compétences artistiques et créatives. La création d’un système solide d’enseignement de la technique du pastel aux étudiants de l’enseignement supérieur nécessite une étude plus approfondie.

L’enseignement des techniques artistiques et leur combinaison en dessin et en peinture stimule le développement de l’imagination créatrice et de la fantaisie. La technique du pastel occupe une position intermédiaire entre la peinture et le graphisme. D’un point de vue technique, le pastel est un graphisme et, par ses capacités expressives, il peut être classé dans la peinture.

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L’utilisation du pastel pour créer des images douces représente une tradition artistique riche et multiforme, qui continue d’évoluer et de s’adapter aux besoins artistiques contemporains. Les recherches démontrent que le pastel possède des caractéristiques techniques et esthétiques uniques qui le rendent particulièrement efficace pour transmettre des textures délicates, des effets atmosphériques et des états émotionnels subtils.

L’évolution historique de la technique du pastel, depuis ses origines à la Renaissance jusqu’à ses interprétations modernes, témoigne de l’évolution constante des méthodes et des approches de création d’images douces. Le XVIIIe siècle fut l’âge d’or du pastel, qui acquit le statut de technique artistique à part entière, capable de rivaliser avec la peinture à l’huile dans la création de portraits et d’autres genres.

Les aspects techniques du pastel, notamment la composition des matériaux, les procédés de fabrication et les différents types (sec, à l’huile, à la cire), offrent aux artistes un large éventail de possibilités pour créer une variété d’effets visuels. Les techniques d’ombrage, de superposition et de mélange optique des couleurs sont particulièrement importantes, car elles confèrent à l’image une douceur et une profondeur exceptionnelles.

Les tendances actuelles en matière d’éducation et de pratique artistique soulignent l’importance de l’étude systématique des techniques du pastel comme partie intégrante de l’éducation artistique. L’intégration des méthodes traditionnelles aux approches et matériaux modernes ouvre de nouvelles perspectives d’expression créative et de perfectionnement technique.

Une analyse des œuvres de maîtres pastellistes exceptionnels, de Rosalba Carriera à des artistes contemporains, montre comment cette technique s’adapte à divers styles et concepts artistiques, tout en conservant ses qualités uniques de douceur et d’expressivité. Le pastel demeure un médium pertinent et recherché, capable de résoudre un large éventail de problématiques créatives dans l’art contemporain.