Cubisme Automatique traduire

Le réalisme critique, qui a atteint son apogée dans la seconde moitié du 19e siècle, n’a que partiellement répondu aux nouvelles exigences sociales et idéologiques. L’art du réalisme critique n’incarnait pas les idéaux révolutionnaires, n’indiquait pas de nouvelles voies réelles pour la transformation progressive de la société.

Le réalisme est entré dans une nouvelle phase supérieure de son développement: la méthode du réalisme socialiste a mûri, élargissant considérablement les possibilités de l’impact social et esthétique de l’art.

Les artistes qui expérimentent dans le domaine de la forme ne se sont pas donné pour objectif d’incarner plus pleinement les idéaux sociaux et esthétiques progressistes dans leurs œuvres, se bornant à résoudre des problèmes particuliers étroits. Ces problèmes particuliers - le transfert par le biais de la peinture et de la sculpture de volume, de mouvement, de temps, de couleur et de lumière - ont été posés et résolus à leur manière par des artistes modernistes par le biais de la fabrication de formes pures, ce qui a entraîné la destruction de l’unité de contenu. Ceci, à son tour, a eu pour résultat logique de nier le besoin de contenu significatif dans une œuvre d’art.

Direction caractéristique

Les cubistes ont déclaré l’artiste créateur autonome d’une réalité «différente». Ce sont les cubistes qui ont commencé à créer des œuvres non plus pour imiter la nature, ni pour l’organiser, mais pour créer, à leur tour, une création portant la marque de l’homme, une véritable œuvre d’architecture, c’est-à-dire une œuvre croire en la liberté ontologique.

Pour former leur direction, les cubistes ont souligné le contraire de tous les beaux-arts précédemment créés, qu’ils ont définis avec dédain comme «imitatifs».

Les cubistes insistent particulièrement sur "l’ascèse" de leur direction, "sévérité, atteindre l’irrationalisme". Cela a été facilité par la non-individualisation en couleur des œuvres d’art cubistes, leur inexpression coloriste. Chaque nuance de couleur, chaque modulation de couleur se transforme chez les cubistes en un plan (c’est-à-dire en un élément de forme). Les cubistes exprimant ainsi les avions se combinent fortement, sans éviter les contrastes. Ils essaient d’exprimer plus clairement l’avion, de le présenter plus "solide".

L’étroitesse formaliste des tâches de l’artiste cubiste, la limitation des moyens artistiques conduisent à une diminution des opportunités artistiques, à l’effacement de l’individualité de l’artiste. Les cubistes réduisent la tâche de la peinture à l’image du volume de couleurs sur une surface plane. Ils abordent ce problème de manière abstraite, sans prendre en compte les lois matérielles du monde réel. Les objets d’art créés par les cubistes acquièrent une signification suffisante. «L’engagement des cubistes envers les objets est tel, écrit l’historien français de l’art B. Dorival, qu’il les cherche en lui-même, quels que soient sa crédibilité et ses évolutions».

L’attitude anti-dialectique envers la réalité détermine la nature statique de l’art cubiste. Les sculpteurs et les peintres cubistes évitent délibérément tous les éléments qui traduisent une dynamique de la vie. Les bords lugubres de figures géométriques lourdes donnent aux œuvres d’art un poids inébranlable et écrasant.

Rejetant le dynamisme, les cubistes nient la notion même de temps, la perception dans le temps des différentes faces d’un objet. La polyvalence de l’objet est transmise sur leurs toiles à travers une image unique de ses caractéristiques. Tenter de montrer le visage d’une personne comme visible simultanément de différents côtés conduit à l’apparition, par exemple, d’images faciales de profil avec deux yeux et plusieurs nez. Dans l’art du cubisme, cette technique provoque une violation flagrante des normes de perception de l’image, ce qui la rend un peu communicative.

Le processus progressif de perte de communication dans les œuvres de l’art cubiste peut être tracé très clairement. Dans les premières toiles, qui n’étaient pas encore complètement séparées de la réalité, il existe des moments distincts de déformation qui gênent la perception de l’œuvre.

Avec le développement du cubisme, ces quelques "forteresses", qui permettaient dans une certaine mesure de percevoir le plan de l’artiste, disparaissent - des détails individuels reflétant la réalité. Remplacer les parties d’un objet ou d’un corps humain par des figures géométriques rend l’image cubiste méconnaissable et le design de l’artiste n’est pas perçu par le public. Telle est par exemple la sculpture cubiste de Jacques Lipschitz "L’Homme à la guitare". Sans lire la signature de l’œuvre ou sa reproduction, il est impossible de corréler l’image avec un objet ou un phénomène réel.

Géométrie du cubisme

Un tas de plans géométriques ne crée aucune association entre le spectateur et les formes de la réalité.

De tels travaux «dénués de sens» du cubisme ne se prêtent pas à une analyse esthétique et l’esthétique a depuis longtemps remplacé la pensée critique par une interprétation formaliste arbitraire, dépourvue de toute minutie. Ainsi, dans le livre «Les maîtres de l’art du modernisme», la sculpture de J. Lipschitz «Un homme avec une guitare» est décrite comme suit: «Lipschitz dans son«Homme avec une guitare»réunit des plaques et des prismes imbriqués et interpénétrés une conception monumentale qui lui permet d’être examiné de presque n’importe quel angle de vue. Ses lignes droites varient selon des courbes aléatoires. En particulier, le sculpteur a fait un trou de résonateur rond dans la guitare avec un esprit formel exceptionnel à travers tout le corps du musicien. ”Une telle analyse critique ne révèle ni la valeur artistique ni le sens de l’œuvre. Cependant, le niveau d’analyse dans ce cas est «défini» par le niveau de travail analysé.

La distorsion de la réalité produite dans les peintures et les sculptures est appelée obstinément par les cubistes non pas de déformation, mais «de réforme» et, créant des œuvres raisonnablement inaperçues, elles prétendent être une «image totale des objets». Les cubistes réalisent leurs revendications de «totalité» d’une manière purement formaliste - en refusant de représenter l’objet lui-même. Les artistes cubistes ont mis au point un arrangement spécifique de formes géométriques sur la toile, remplaçant certaines parties du sujet. Suivant ce schéma, les artistes cubistes créent le même type d’oeuvre qui constitue une certaine période dans l’existence de cette tendance. Le plus caractéristique du cubisme est le schéma créé et utilisé par les artistes de cette direction en 1910-1912. Il est clairement visible dans le tableau du cubiste Juan Gris «La guitare et les fleurs»: il utilise le motif géométrique évident du dessin, qui donne l’ordre de base à la composition en divisant la toile en quatre parties: verticalement, horizontalement et deux fois en diagonale. L’image de Georges Braque «Fille à la guitare» et beaucoup d’autres est construite exactement de la même manière.

Cézanne

La définition de la «première période de l’existence du cubisme» comme «Cézanne» soulève les objections les plus résolues: à aucun moment de son existence, le cubisme ne se rapportait directement à Cézanne - ni avec ses vues esthétiques, ni avec la pratique de son art. Le cubisme est le contraire de la créativité de Cézanne dans sa méthode artistique.

Peintures de Paul Cezanne

L’objet de l’art de Cézanne est le monde matériel environnant. Les cubistes, par contre, ont utilisé la méthode du formalisme; les objets de leur art étaient l’œuvre elle-même. Cézanne a consacré sa vie à "développer l’art au contact de la nature". Les cubistes ont arraché leur art à la nature, en suivant le chemin de la création de formes abstraites et de la déformation de la réalité. Cézanne a mis en garde les artistes contre le danger de déformer la vie pour plaire aux théories. «L’artiste doit abandonner tout point de vue qui ne repose pas sur une observation totalement consciente de la caractéristique. Il doit avoir peur de suivre l’attitude théorique qui amène si souvent l’artiste à s’écarter du vrai chemin, c’est-à-dire d’une étude concrète de la nature, afin de se perdre longtemps dans une spéculation incompréhensible. encore et encore revenir à ce qui suit: l’artiste doit se consacrer entièrement à l’étude de la nature et créer des peintures qui servent la cause de la connaissance. "Ce point de vue, basé sur sa pratique artistique, exprima Cézanne en 1904, lui restant fidèle tout au long de sa longue vie créatrice.

Les cubistes ont déclaré leur art «conceptuel» et ont consacré toutes leurs activités pratiques, selon les termes de Cézanne, à «une spéculation incompréhensible», à partir de laquelle Cézanne a averti les artistes. Cézanne a utilisé les formes géométriques comme l’un des moyens, l’une des méthodes de réflexion dans l’art de la réalité. Mais une astuce distincte ne détermine pas encore la méthode de création. Les cubistes n’ont pas emprunté et n’ont pas développé la méthode créative de Cézanne dans son intégralité, ils ont saisi l’un de ses tours, l’ont émasculée et l’ont transformée en une fin en soi, l’ont opposée au réalisme. En spéculant sur l’autorité de Cézanne, ils ont essayé de donner une signification à leurs recherches formalistes sans signification.

Le problème de la corrélation entre la créativité de Cézanne et le cubisme dépasse le cadre de problèmes particuliers d’évaluation de la peinture de Cézanne et de détermination des origines du cubisme. Il a une signification méthodologique générale. La question de l’utilisation de techniques individuelles ne peut être résolue de manière abstraite à partir des positions esthétiques générales de l’artiste qui utilise telle ou telle technique. La nature de l’utilisation d’une technique particulière dans la création artistique dépend principalement de la méthode de création de l’artiste. Un seul et même tour peut servir des objectifs opposés. La déformation dans l’art réaliste, utilisée par exemple dans le grotesque, la caricature amicale, la caricature, est un moyen de refléter la réalité, elle ne supprime pas, mais renforce l’élément d’évaluation par l’artiste du phénomène réfléchi, souligne la créativité de l’artiste personnalité.

Un dispositif artistique en cours de création n’apparaît pas sous sa forme pure, il est médiatisé par la vision du monde de l’artiste, sa méthode de création. L’accent abstrait sur les moyens artistiques conduit inévitablement à une confusion dans l’évaluation des phénomènes de l’art. Un exemple d’un tel biais antiscientifique dans les évaluations est l’assimilation de la technique de «géométrisation» de Cézanne à la création de cubistes.

L’évolution du cubisme

Une réflexion abstraite sur les techniques artistiques en dehors de la méthode de création est souvent utilisée par les théoriciens de l’art pour tenter de "dissoudre" le réalisme dans divers domaines de l’art moderniste.

En parlant des étapes dans l’évolution du cubisme, les chercheurs partent des fondements purement formels de la périodisation. Le théoricien de l’art du modernisme, C. Gray, dans son livre «Théories esthétiques du cubisme» définit comme suit la phase «analytique» de l’existence de cette tendance: «La première phase du cubisme se caractérise par une différence plus ou moins aiguë les problèmes de forme et d’espace. Il y a une «logique» bien connue, mais il y a aussi un objet auquel cette logique est adressée. L’objet est analysé et interprété, mais il conserve toujours sa réalité objective. ”

Le cubisme voit la tâche de l’art dans l’expression des "idées" précédant les formes.

Le processus d’évolution du cubisme démontre le renforcement d’éléments idéalistes en son développement, la séparation progressive de l’art cubiste de la vie jusqu’à sa perte totale de la communication.

Picasso

L’émergence du cubisme est généralement associée au nom de Pablo Picasso. La critique voit les vertus de ses "jeunes filles d’Avignon" dans "la finesse de l’écriture manuscrite, la fraîcheur vive de la palette, l’absence de toute perspective et le véritable clair-obscur". Picasso travaille parallèlement et côte à côte (dans la même maison) avec les cubistes, sans être formellement un participant dans cette direction. Il construit ses peintures sur les mêmes principes que les artistes cubistes, mais il est sceptique quant au cubisme en tant qu’école. Il considère ses expériences comme une recherche de nouveaux moyens d’expression artistique. Picasso cherche à trouver de nouveaux moyens artistiques formels, tandis que les cubistes se donnent pour objectif de rechercher quels que soient les résultats de ces recherches.

Peintures Pablo Picasso

Principes de référence

Formulant dans leurs travaux théoriques les principes de base de la pratique artistique du mouvement, les cubistes l’ont d’abord qualifié de vicieux tout art lié à la vie et s’efforçant de refléter les phénomènes de la réalité: «La seule erreur possible dans l’art est l’imitation», écrivent Cubistes français A. Glez et J. Metzenge.

Les cubistes prétendent que, après que la peinture ait refusé d’imiter le sujet avec des lignes et des couleurs, la tâche de l’artiste est d’exprimer «la conscience plastique de l’instinct» au moyen de l’art. «Nous sommes loin de penser, expliquent les cubistes, à remettre en question l’existence d’objets qui affectent nos sentiments. Mais si nous nous approchons de façon raisonnable, nous ne pouvons avoir confiance en rien sauf aux images qu’elles créent dans notre esprit. "Et plus loin:" Nous cherchons l’essentiel, mais nous le recherchons dans notre personnalité, et non dans une éternité, que mathématiciens et philosophes fabriquent avec tant de diligence. " Les déclarations ci-dessus révèlent la nature subjective-idéaliste et intuitive de la vision du monde cubiste - la base philosophique sur laquelle le modernisme a été fondé dès le début en tant que direction artistique.

Abandonnant leurs tentatives de refléter le monde réel, les cubistes se sont concentrés sur la création de formes, en proclamant ouvertement le but de leurs activités. En théorie, les cubistes ont essayé de trouver une correspondance entre les lignes et les couleurs, affirmant par exemple que les lignes courbes étaient également corrélées à des lignes droites, comme des tons froids avec des tons chauds.

Les créations non communicatives des cubistes ont semé la confusion et souvent l’indignation parmi le public. Cependant, les cubistes ne voulaient pas expliquer une telle réaction aux particularités de leur travail, ils ont blâmé l’incompréhension et l’inertie du public, à qui ils avaient été traités. Appelant le public "foule", ils ont revendiqué une supériorité inconditionnelle.

La relation d’incompréhension mutuelle entre artistes et spectateurs cubistes est devenue caractéristique d’autres domaines de l’art moderniste. L’art du cubisme s’est détaché du public et est devenu essentiellement anti-populaire.

En comparant les principes théoriques et les pratiques artistiques du cubisme avec leurs principes modernes et répandus au XXe siècle. théories philosophiques idéalistes, la connexion des cubistes avec les enseignements de A. Schopenhauer et de A. Bergson devient évidente. L’interconnexion d’objets et de phénomènes réels, de leur point de vue, ne peut intéresser l’artiste; c’est un sujet de science en tant que type d’activité cognitive inférieur à celui de l’art.

Les cubistes ont tenté de réaliser dans leurs œuvres une compréhension de l’idée en tant qu’unité, non divisée dans l’espace et dans le temps. Suivant Schopenhauer, ils se sont opposés à la réalité de la catégorie de temps. La staticité en tant qu’attribut des toiles cubistes était essentiellement un symbole de la négation de la dynamique, du mouvement de la matière. Schopenhauer a emprunté l’idée de la nature impersonnelle de l’art, de la dépersonnalisation de l’artiste.

En termes philosophiques et esthétiques, les programmes théoriques des cubistes constituaient un pas en arrière, même par rapport à Schopenhauer: ils chassaient le beau et le sublime de l’art, le privant de ce fait du principal moyen d’impact esthétique sur une personne. Contrairement à Schopenhauer, les cubistes ont insisté sur le caractère intranscendant et «frivole» de l’art.

Les cubistes ont mis à jour l’arsenal de leurs idées philosophiques avec les enseignements de A. Bergson. Sous l’influence de Bergson, l’art du modernisme acquit un caractère subjectiviste évident. Pour les cubistes, l’esprit n’a pas encore été complètement abandonné (comme plus tard chez les surréalistes), bien qu’il n’ait participé qu’en tant qu’instrument de déformation de la réalité.

Le cubisme est une tendance unique dans l’art du début du 20ème siècle. Le langage plastique de la direction est basé sur la décomposition et la déformation d’objets sur plusieurs plans géométriques et sur des décalages de formes plastiques. La plupart des artistes russes ont suivi leur voie de création précisément en augmentant le cubisme, en combinant souvent ses principes avec des techniques intéressantes d’autres tendances artistiques et contemporaines, telles que le primitivisme et le futurisme.

Le cubofuturisme est devenu un type spécifique d’interprétation du cubisme avec une teinte d’art russe prononcée. La naissance de la direction remonte aux années 1907-1908 - juste à la veille de la Première Guerre mondiale. Une nouvelle tendance dans l’art moderniste obsolète a provoqué une rage inévitable de la part de la bourgeoisie. À une certaine époque, le cubisme dans l’art était entouré d’un cercle de critiques et de poètes qui suivaient la philosophie de Bergson. Curieusement, ils s’appelaient aussi cubistes.

Vous avez quitté la maison pour le musée du cubisme? N’oubliez pas de faire l’enregistrement audio sur le répondeur pour savoir qui vous a appelé pendant que vous profitiez de la belle.

L’une des principales tendances du cubisme a été la prédominance du concept de base sur la valeur artistique et personnelle de l’image. Hegel a également noté que l’art des temps modernes sera de plus en plus imprégné de réflexion et que la pensée imaginative inculquée à la société s’évanouira progressivement d’abstraction. En d’autres termes, la frontière entre la créativité pratique et la critique d’art est devenue très mince. Si, dans le cubisme, cette tendance était présente sous la forme d’un embryon, elle devint dominante dans le postmodernisme.

Les pères du cubisme sont considérés comme Picasso et Braque. Mais Delaunay, Juan Gris et Fernand Léger ont immédiatement rejoint le nouveau courant. Ils ont réussi à transformer de manière sensationnelle la réalité artistique existante en un monde artistique de l’époque que personne ne pouvait jamais voir et imaginer - une décomposition de la forme en cubes.