Colorito (Peinture): Comparé à Disegno (Dessin) Automatique traduire
Colorier contre dessin
En italien Art de la Renaissance, le terme " colorito " signifie "coloration" et est couramment utilisé pour décrire la priorité accordée par les artistes vénitiens à la maîtrise des Couleur pigments et tons, en La peinture.
La principale alternative au colorito était " disegno ", qui favorisait l’art de dessin sur le colorisme, parce que le premier était considéré comme inséparable de la conception intellectuelle du tableau lui-même, et donc supérieur à la simple maîtrise de la peinture de couleur. Ce débat, qui a fait rage tout au long des années de la Début de la renaissance (c.1400-90) et le Haute renaissance (c.1490-1530) était un très grave conflit sur esthétique, et a été discuté par plusieurs des principaux représentants de art académique, jusqu’au 19ème siècle.
Disegno ou Colorito: Florence contre Venise
La question de savoir qui était plus important dans art, dessin ) disegno) ou couleur ) colorito), on a répondu différemment selon que vous viviez à Florence ou à Venise. En fait, des peintres de différentes régions d’Italie ont abordé la représentation de la nature de manière très différente et ont ainsi créé des œuvres d’art qui diffèrent non seulement par la technique et l’apparence, mais par leur conception même. Pendant le Renaissance à Florence, une ville prise en sandwich entre Sienne et les États pontificaux, les artistes ont cherché l’inspiration pour l’humanisme et l’ordre de l’Antiquité classique. Pour ces peintres florentins, "dessiner" ou "dessin" était perçu comme le point de départ essentiel de l’activité artistique, le moyen principal de dépeindre la nature de la manière la plus réaliste possible.
Cependant, les artistes de la Renaissance à Venise avait une vue complètement différente. Leur puissante République du nord de l’Italie, avec ses liens commerciaux maritimes mondiaux et ses routes commerciales terrestres, entretenait des liens étroits avec Art byzantin, célèbre pour ses icônes dorées chatoyantes et art de la mosaïque et son inattention au réalisme figuratif. Il n’est donc pas surprenant que l’art vénitien privilégie une approche plus coloriste, renforcée sans doute par son commerce de pigments de couleur, comme Ultramarine (Lapis Lazuli), Chinois Rouge, "Lac" Indien, Verdigris et Indigo. (Voir également: Palette de couleurs Renaissance.) Ce colorisme vénitien était en outre stimulé par le climat humide de la ville, moins adapté aux peintures à la fresque et à la tempera, et plus adapté aux peinture à l’huile – un médium dont la couleur et le ton sont sophistiqués. Voir également: Héritage de la peinture vénitienne sur l’art européen.
Pour optimum naturalisme Les peintres vénitiens accordaient une grande importance à l’application correcte de la couleur, sans laquelle aucun artiste ne pourrait saisir correctement les effets réels de la lumière et donc la véritable apparence de l’objet. L’école vénitienne de la peinture a donc porté une grande attention au processus de superposition et de mélange des couleurs pour obtenir une richesse éclatante. Pour une forme d’art et une période illustrant la différence entre disegno et colorito, voir: Retables vénitiens (c.1500-1600). Voir aussi ou bref commentaire: Peinture de couleurs du Titien et de Venise (environ 1500 à 76).
FLORENCE contre VENISE: en quelques mots
Aux artistes du Renaissance florentine une image était composée de forme et de couleur; pour un vénitien, sa forme était fusionnée avec de la couleur. Pour le Florentin, la couleur, aussi harmonieuse soit-elle, était une qualité à ajouter au design. Pour le vénitien, il était indissociable du design. Voir Peinture vénitienne.
Voir aussi notre essai d’art: Comment apprécier les peintures.
Florentine Disegno Artistes
Selon Giorgio Vasari (1511-1574), célèbre artiste et biographe florentin, le dessin (disegno) est le père de tous beaux arts, notamment la peinture, la sculpture et l’architecture: un avis qui reflète parfaitement les vues des Florentins et d’autres artistes du centre de l’Italie, qui utilisaient le dessin pour analyser et comprendre l’anatomie humaine et le monde naturel. Ainsi, ils ont commencé leurs compositions avec des dessins préliminaires détaillés avant de les transférer sur la surface de peinture – une technique maîtrisée par des peintres florentins comme Paolo Uccello (c.1396-1475), Piero della Francesca (c.1420-92), Andrea del Castagno (1421-57), Sandro Botticelli (1444-1510), Giovanni Angelo di Antonio (1447-1475), Leonardo da Vinci (1452-1519) et autres; des sculpteurs comme Donatello (1386-1466), Andrea del Verrocchio (1435-88) et Michelangelo (1475-1564); ainsi que des architectes comme Filippo Brunelleschi (1377-1446) et des designers comme Leon Battista Alberti (1404-1472). (Mais notez les préférences de colorito du groupe formé par Venise Domenico Veneziano (c.1410-61), dont le retable de Sainte Lucie (1455-7, Galerie des Offices) était un chef-d’œuvre de la peinture florentine. (Voir également: Meilleurs dessins de la Renaissance.)
Artistes vénitiens Colorito
Au contraire, les peintres vénitiens accordaient une importance primordiale au produit final. À leurs yeux, la réalisation de cet objectif nécessitait un usage extrêmement subtil de la couleur. Ainsi, au lieu de commencer par des dessins minutieux, les peintres vénitiens élaboraient généralement leurs compositions directement sur la toile, préférant (dans une étrange anticipation du XIXe siècle). Impressionnisme) d’utiliser des zones superposées de coups de pinceau colorés plutôt que de lignes pour définir la forme. Même les dessins vénitiens montrent un vif intérêt pour la façon dont la lumière affectera un objet et comment la couleur la décrit dans un tableau. Pour résumer la croyance vénitienne en la supériorité de la couleur (colorito) sur la ligne (disegno), on peut dire que l’école vénitienne considérait un dessin parfaitement exécuté comme une simple préparation à la tâche essentielle consistant à déterminer et à appliquer la couleur correcte. Si Michelangelo a été fêté à Florence en tant que champion de l’art discret et intellectuel, Titien a été vu à Venise comme l’apôtre du colorito et du naturalisme, suivi de près par d’autres maîtres vénitiens tels que Giovanni Bellini (1430-1516), Giorgione (1477-1510), Tintoret (1518-1594), et Paolo Veronese (1528-1588).
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