Colorito (Peinture): Comparé à Disegno (Dessin) Automatique traduire

Colorier ou dessiner

Dans l’art italien de la Renaissance, le terme «colorito» (colorito) signifie «coloration» et est généralement utilisé pour décrire la priorité que les artistes vénitiens accordaient à l’utilisation magistrale de pigments et tons colorés dans la peinture.

La principale alternative au colorito était le principe du «disenio» (design), qui privilégiait l’art de la peinture, par rapport au colorisme, car le premier était considéré comme indissociable de la conception intellectuelle de la peinture elle-même et donc supérieur à la simple maîtrise de la peinture colorée. Ce débat, qui a fait rage pendant la Première Renaissance (vers 1400-90) et la Haute Renaissance (vers 1490-1530), était une dispute très sérieuse sur l’ esthétique et a été contesté par de nombreux représentants éminents de l’ érudition académique jusqu’à une bonne partie du 19e siècle.

Dizenio ou Colorito : Florence contre Venise

La question de savoir ce qui est le plus important dans l’art, le dessin ) le design) ou la couleur (colorito) a reçu une réponse différente selon que la question était posée à Florence ou à Venise. Le fait est que les artistes des différentes régions d’Italie ont abordé la représentation de la nature de différentes manières et ont ainsi produit des œuvres d’art qui diffèrent non seulement par leur technique et leur apparence, mais aussi par leur concept. Pendant la Renaissance à Florence, ville située entre Sienne et la papauté, les artistes ont cherché à s’inspirer de l’humanisme et de l’ordre de l’Antiquité classique. Pour ces artistes florentins, le «dessin» ou «projet» était considéré comme le point de départ essentiel de la création artistique, le principal moyen de représenter la nature de la manière la plus réaliste possible.

Cependant, les artistes de la Renaissance à Venise avaient un point de vue très différent. Leur puissante république d’Italie du Nord, avec ses liens commerciaux maritimes mondiaux et ses routes commerciales terrestres, était étroitement liée à l’art byzantin, célèbre pour ses icônes et ses mosaïques en or brillant, ainsi que pour son manque d’attention au réalisme figuratif. Il n’est donc pas surprenant que l’art vénitien ait favorisé une approche plus colorée, sans doute aidée par le commerce des pigments colorés, tels que l’outremer (lapis-lazuli), le rouge chinois, la laque indienne», le vert-de-gris et l’indigo. (Voir aussi : Palette de couleurs de la Renaissance .) Ce colorisme vénitien a été stimulé par le climat humide de la ville, qui convenait moins aux fresques et aux peintures à la détrempe qu’à la peinture à l’huile &ndash ; un environnement qui s’épanouissait dans des couleurs et des tons complexes. Voir aussi : L’héritage de la peinture vénitienne dans l’art européen.

Pour un naturalisme optimal, les peintres vénitiens attachaient une importance particulière à l’application correcte de la couleur, sans laquelle, pensaient-ils, il était impossible de rendre correctement les effets réels de la lumière et donc l’apparence véritable d’un objet. L’école de peinture vénitienne mettait donc l’accent sur le processus de superposition et de mélange des couleurs afin d’obtenir une richesse rayonnante. Sur la forme et la période artistiques, qui illustrent la différence entre dizenio et colorito, voir : Retables vénitiens (vers 1500-1600). Voir aussi brièvement : Le Titien et la peinture en couleurs à Venise (v. 1500-1576).

FLORENCE vs VENISE : en bref
Pour les artistes de la Renaissance florentine la peinture consistait en la forme et la couleur ; pour les Vénitiens c’était la combinaison de la forme avec la couleur. Pour le Florentin, la couleur, aussi harmonieuse soit-elle, est une qualité qui doit être ajoutée au dessin. Pour le Vénitien, elle est inséparable du dessin. Voir Peinture vénitienne

Voir aussi notre essai sur les beaux-arts «Comment apprécier les peintures».

Les peintres florentins Disegno

Selon Giorgio Vasari (1511-1574), célèbre peintre et biographe florentin, le dessin (disegno) est le père de tous les beaux-arts, en particulier de la peinture, de la sculpture et de l’architecture : une vision qui reflète parfaitement celle des Florentins et des autres artistes d’Italie centrale qui utilisaient le dessin comme moyen d’analyse et de compréhension de l’anatomie humaine et du monde naturel. Ils commençaient donc leurs compositions par des dessins préliminaires détaillés avant de les transférer sur une base de peinture &ndash ; une technique maîtrisée par des artistes florentins tels que Paolo Uccello (c.1396-1475), Piero della Francesca (c.1420-1492), Andrea del Castagno (c.1421-57), Sandro Botticelli (1444-1510), Giovanni Angelo di Antonio (v.1447-1475), Léonard de Vinci (1452-1519) et d’autres ; des sculpteurs comme Donatello (1386-1466), Andrea del Verrocchio (1435-1488) et Michel-Ange (1475-1564) ; et des architectes comme Filippo Brunelleschi (1377-1446) et des dessinateurs comme Leon Battista Alberti (1404-1472). Mais il faut noter le principe du colorito, une préférence encouragée à Venise par des maîtres tels que Domenico Veneziano (vers 1410-1461), dont le retable à Sainte-Lucie (1455-7, Galerie des Offices) est un chef-d’œuvre de la peinture florentine (voir aussi : Les meilleurs dessins de la Renaissance).

Les peintres vénitiens de Colorito

En revanche, les artistes vénitiens considèrent que le produit final est primordial et, selon eux, l’atteinte de cet objectif passe par une utilisation extrêmement subtile de la couleur. Ainsi, plutôt que de commencer par des dessins minutieux, les artistes vénitiens développaient généralement leurs compositions directement sur la toile, préférant utiliser des touches de couleur superposées plutôt que des lignes pour définir la forme (dans une étrange anticipation de l’impressionnisme du 19e siècle). Même les esquisses vénitiennes témoignent d’un vif intérêt pour la manière dont la lumière affecte un objet et dont la couleur le décrit dans une peinture. Pour exprimer la croyance vénitienne en la supériorité de la couleur (colorito) sur la ligne (disegno), l’école vénitienne considérait qu’un dessin parfaitement exécuté n’était rien d’autre qu’une préparation à la tâche essentielle qui consistait à déterminer et à appliquer la couleur correcte. Alors que Michel-Ange était honoré à Florence en tant que champion du dessin et de l’art intellectuel, à Venise Titien était considéré comme l’apôtre du colorito et du naturalisme, suivi par d’autres maîtres vénitiens tels que Giovanni Bellini (1430-1516), Giorgione (1477-1510), Tintoret (1518-1594) et Paolo Veronese (1528-1588).

- Pour les termes apparentés, voir : Glossaire de la couleur dans l’art.