Histoire de la peinture 
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La peinture est l’un des arts anciens qui, au cours des siècles, a évolué des peintures rupestres du Paléolithique aux derniers mouvements du XXe et même au XXIe siècle. Cet art est né presque avec l’avènement de l’humanité. Les peuples anciens, ne se réalisant même pas pleinement en tant qu’êtres humains, ont ressenti le besoin de dépeindre le monde qui les entoure à la surface. Ils ont peint tout ce qu’ils ont vu: animaux, nature, scènes de chasse. Pour dessiner, ils utilisaient quelque chose de similaire aux peintures à base de matériaux naturels. C’étaient des couleurs terreuses, du charbon de bois, de la suie noire. Les pinceaux étaient fabriqués à partir de poils d’animaux ou simplement peints avec les doigts.
À la suite de ces changements, de nouveaux types et genres de peinture sont apparus. La période antique a été suivie par la période de l’Antiquité. Les peintres et les artistes souhaitaient reproduire la vie réelle qui l’entoure, telle qu’elle est vue par l’homme. Le désir de précision de la transmission a fait émerger les fondements de la perspective, les fondements de constructions en noir et blanc d’images diverses et leur étude par des artistes. Et ils ont tout d’abord étudié comment représenter l’espace volumétrique sur le plan du mur, en fresque. Certaines œuvres d’art, telles que l’espace volumétrique, le clair-obscur, ont commencé à être utilisées pour décorer des salles, des centres de religion et des sépultures.
La prochaine période importante de la peinture est le Moyen Âge. À cette époque, la peinture était de nature plus religieuse et la vision du monde commençait à se refléter dans l’art. La créativité des artistes a été orientée vers la peinture d’icônes et d’autres mélodies religieuses. Les principaux points importants sur lesquels l’artiste était censé insister n’étaient pas tant un reflet exact de la réalité, mais un transfert de spiritualité même dans une grande variété de peintures. Les toiles des maîtres de cette époque frappaient par leur expressivité de contours racés et colorés. La peinture médiévale nous semble plate. Tous les personnages des artistes de cette époque sont sur la même ligne. Et tant d’œuvres nous paraissent quelque peu stylisées.
La période grise du Moyen Âge a remplacé la période plus brillante de la Renaissance. La Renaissance a marqué un tournant dans le développement historique de cet art. Nouvelles ambiances dans la société, une nouvelle vision du monde a commencé à être dictée à l’artiste: quels aspects de la peinture doivent être révélés de manière plus complète et plus claire. Les genres de peinture tels que le portrait et le paysage deviendront des styles indépendants. Les artistes expriment les émotions de l’homme et de son monde intérieur à travers de nouvelles méthodes de peinture. Les XVIIe et XVIIIe siècles ont entraîné une croissance encore plus sérieuse de la peinture. Au cours de cette période, l’Église catholique perd de sa signification et les artistes dans leurs œuvres reflètent de plus en plus les vrais types de personnes, la nature, la vie quotidienne et la vie quotidienne. À cette époque, des genres tels que le baroque, le rococo, le classicisme et le maniérisme se sont également formés. Le romantisme fait son apparition et est remplacé plus tard par un style plus spectaculaire - l’impressionnisme.
Au début du XXe siècle, la peinture a radicalement changé et une nouvelle direction de l’art moderne est apparue: la peinture abstraite. L’idée de cette direction est de transmettre l’harmonie entre l’homme et l’art, de créer une harmonie dans les combinaisons de lignes et de reflets de couleurs. Cet art n’a pas d’objectivité. Elle ne poursuit pas la transmission exacte d’une image réelle, mais transmet plutôt ce qui est dans l’âme de l’artiste, ses émotions. Les formes et les couleurs jouent un rôle important dans cette forme d’art. Son essence est de transmettre des objets auparavant familiers d’une nouvelle manière. Ici, les artistes ont une totale liberté quant à leurs fantasmes. Cela a donné une impulsion à l’émergence et au développement de tendances modernes, telles que l’art avant-gardiste, l’art underground et l’abstraction. De la fin du 20ème siècle à nos jours, la peinture a constamment évolué. Mais, malgré toutes les nouvelles réalisations et les technologies modernes, les artistes restent fidèles à l’art classique - la peinture à l’huile et à l’aquarelle crée leurs chefs-d’oeuvre avec des peintures et des toiles.
Natalia Martynenko
Histoire des arts
L’histoire de la peinture est une chaîne sans fin qui a commencé avec les toutes premières peintures. Chaque style découle des styles qui étaient devant lui. Chaque grand artiste ajoute quelque chose aux réalisations des artistes précédents et influence les artistes suivants.
Nous pouvons profiter de la peinture pour sa beauté. Ses lignes, ses formes, ses couleurs et sa composition (arrangement de pièces) peuvent plaire à nos sentiments et rester gravés dans nos mémoires. Mais le plaisir de l’art augmente lorsque nous apprenons quand, pourquoi et comment il a été créé.
L’histoire de la peinture a été influencée par de nombreux facteurs. La géographie, la religion, les caractéristiques nationales, les événements historiques, le développement de nouveaux matériaux, tout cela contribue à façonner la vision de l’artiste. Au cours de l’histoire, la peinture a reflété un monde en mutation et nos idées à ce sujet. À leur tour, les artistes ont fourni certains des meilleurs disques sur le développement de la civilisation, révélant parfois plus que le mot écrit.
Peinture préhistorique
Les habitants des cavernes étaient les premiers artistes. Des dessins en couleur d’animaux datant de 30 000 à 10 000 av. J.-C. ont été découverts sur des parois de grottes dans le sud de la France et en Espagne. Beaucoup de ces dessins sont étonnamment bien conservés, car les grottes sont scellées depuis des siècles. Les premiers humains ont peint les animaux sauvages qu’ils ont vus. Des figures humaines très grossières faites en positions de vie ont été trouvées en Afrique et dans l’est de l’Espagne.
Des artistes des cavernes ont rempli les murs de la grotte de dessins aux couleurs vives et riches. Certaines des plus belles peintures se trouvent dans la grotte d’Altamira, en Espagne. Un détail montre un bison blessé, incapable de se tenir debout - probablement victime d’un chasseur. Il est peint dans une couleur brun rougeâtre et est décrit simplement, mais habilement, en noir. Les pigments utilisés par les artistes des cavernes sont l’ocre (oxydes de fer de couleur jaune pâle à orange foncé) et le manganèse (métal foncé). Ils ont été broyés en une poudre fine, mélangés à de la graisse (éventuellement avec de l’huile grasse) et appliqués à la surface avec un pinceau. Parfois, les pigments prennent la forme de bâtons, semblables à des crayons de couleur. De la graisse mélangée à des pigments en poudre formait une peinture et un vernis, et les particules de pigment collaient ensemble. Les habitants de la grotte fabriquaient des brosses à base de poils d’animaux ou de plantes, ainsi que des outils tranchants en silicium (pour la peinture et les égratignures).
Il y a même 30 000 ans, les gens ont inventé les outils et matériaux de base pour la peinture. Les méthodes et les matériaux ont été améliorés au cours des siècles suivants. Mais les découvertes de l’habitant des cavernes restent les principales pour la peinture.
Peinture égyptienne et mésopotamienne (3400-332 av. J.-C.)
Une des premières civilisations est apparue en Egypte. D’après les documents écrits et les œuvres d’art laissés par les Égyptiens, on en sait beaucoup sur leur vie. Ils croyaient que le corps devait être préservé pour que l’âme puisse vivre après la mort. Les grandes pyramides étaient des tombeaux complexes pour les riches et puissants dirigeants égyptiens. Une grande partie de l’art égyptien a été créé pour les pyramides et les tombeaux des rois et d’autres personnalités importantes. Pour être absolument certains que leur âme continuera d’exister, les artistes ont créé des images d’un homme mort dans la pierre. Ils ont également reproduit des scènes de la vie humaine sur des peintures murales dans des chambres funéraires.
Les techniques de l’art égyptien sont restées inchangées depuis des siècles. Dans une méthode, l’aquarelle était appliquée sur des surfaces d’argile ou de calcaire. Dans un autre processus, les contours ont été sculptés sur des murs en pierre et peints à l’aquarelle. Un matériau appelé gomme arabique était probablement utilisé pour coller la peinture à la surface. Heureusement, le climat sec et les tombes scellées ont empêché certaines de ces peintures à l’aquarelle de s’effondrer sous l’effet de l’humidité. De nombreuses scènes de chasse sur les murs des tombes de Thèbes, datant d’environ 1450 av. J.-C., sont bien conservées. Ils montrent comment les chasseurs chassent les oiseaux ou pêchent pour pêcher. Ces parcelles peuvent encore être identifiées aujourd’hui parce qu’elles ont été soigneusement et soigneusement peintes.
La civilisation mésopotamienne, qui a duré de 3200 à 332 av. J.-C., était située dans une vallée entre le Tigre et l’Euphrate au Moyen-Orient. Les maisons en Mésopotamie ont été construites principalement en argile. Au fur et à mesure que l’argile se ramollissait avec la pluie, leurs bâtiments s’effondraient en poussière, détruisant ainsi les peintures murales potentiellement intéressantes. Ce qui a été préservé est la céramique décorée (peinte et cuite) et les mosaïques colorées. Bien que les mosaïques ne puissent pas être considérées comme des peintures, elles l’influencent souvent.
Civilisation égéenne (3000-1100 av. J.-C.)
La troisième grande culture primitive était la civilisation égéenne. Les Égéens vivaient sur des îles situées au large des côtes grecques et sur la péninsule d’Asie mineure à peu près au même moment que les anciens Égyptiens et Mésopotamiens.
En 1900, les archéologues ont commencé à fouiller le palais du roi Minos à Knossos, sur l’île de Crète. Les fouilles ont mis au jour des œuvres d’art écrites vers 1500 av. dans un style inhabituellement libre et gracieux du temps. De toute évidence, les Crétois étaient des gens insouciants et amoureux de la nature. La vie marine, les animaux, les fleurs, les sports, les défilés de masse figurent parmi leurs sujets de prédilection. À Knossos et dans d’autres palais de la mer Égée, des peintures à base de minéraux, de sable et d’ocre de terre ont été appliquées sur les murs de gypse humide. La peinture était saturée de plâtre humide et devenait une partie permanente du mur. Ces peintures ont ensuite été appelées fresques (du mot italien "frais" ou "nouveau"). Les Crétois aimaient les tons jaune vif, rouge, bleu et vert.
Peinture classique grecque et romaine (1100 avant JC - 400 avant JC)
Les Grecs anciens ont décoré les murs des temples et des palais avec des fresques. D’après d’anciennes sources littéraires et des copies romaines de l’art grec, on peut dire que les Grecs ont peint de petites peintures et fabriqué des mosaïques. Les noms de maîtres grecs et un peu de leur vie et de leurs œuvres sont connus, bien que très peu de peintures grecques aient survécu aux siècles et aux conséquences des guerres. Les Grecs n’écrivaient pas beaucoup dans les tombes et leur travail n’était donc pas protégé.
Les vases peints sont tout ce qui a survécu de la peinture grecque aujourd’hui. La céramique était une industrie importante en Grèce, notamment à Athènes. Les conteneurs étaient très demandés, exportés, ainsi que le beurre et le miel et à des fins domestiques. La première peinture sur vase a été réalisée avec des formes géométriques et des ornements (1100-700 av. J.-C.). Les vases ont été décorés avec des figures humaines en émail brun sur de l’argile claire. Au 6ème siècle, les artistes de vase ont souvent peint des figures humaines noires sur de l’argile rouge naturelle. Les détails ont été sculptés sur l’argile avec un outil tranchant. Cela a permis au rouge d’apparaître dans les profondeurs du relief.
Le style à figures rouges a finalement remplacé le noir. C’est-à-dire inversement: les chiffres sont en rouge et le fond est devenu noir. L’avantage de ce style était que l’artiste pouvait utiliser un pinceau pour créer des contours. La brosse donne une ligne plus souple que l’outil en métal utilisé dans les vases bouclés noirs.
Les peintures murales romaines ont été trouvées principalement dans des villas (maisons de campagne) à Pompéi et Herculanum. En 79 après JC, ces deux villes ont été complètement ensevelies lors de l’éruption du Vésuve. Les archéologues qui ont fouillé cette région ont pu en apprendre beaucoup sur la vie romaine antique de ces villes. Presque chaque maison et villa à Pompéi avait des peintures sur ses murs. Les peintres romains ont soigneusement préparé la surface du mur en appliquant un mélange de poussière de marbre et de plâtre. Ils ont poli la surface pour obtenir une finition en marbre. Beaucoup de peintures sont des copies de peintures grecques du 4ème siècle avant JC. Les poses gracieuses des personnages peints sur les murs de la Villa des Mystères à Pompéi ont inspiré les artistes du 18ème siècle, lors de la fouille de la ville.
Les Grecs et les Romains ont également peint des portraits. Un petit nombre d’entre eux, principalement des portraits de momies, réalisés dans le style grec par des artistes égyptiens, ont été conservés autour d’Alexandrie, dans le nord de l’Égypte. Fondée au 4ème siècle avant JC par Alexandre le Grand de Grèce, Alexandrie est devenue le centre principal de la culture grecque et romaine. Les portraits ont été peints à l’aide de la technique encaustique sur bois et ont été placés sous la forme d’une momie après la mort de la personne représentée. Les peintures encaustiques faites de peinture mélangée à de la cire d’abeille fondue sont conservées très longtemps. En effet, ces portraits ont toujours l’air frais, bien qu’ils aient été réalisés au deuxième siècle avant notre ère.
Peinture paléochrétienne et byzantine (300–1300)
L’empire romain a décliné au 4ème siècle après JC Au même moment, le christianisme gagnait en force. En 313, l’empereur romain Constantin reconnut officiellement la religion et adopta lui-même le christianisme.
L’émergence du christianisme a grandement influencé l’art. Les artistes ont été chargés de décorer les murs des églises avec des fresques et des mosaïques. Ils fabriquaient des panneaux dans les chapelles des églises, illustraient et décoraient des livres d’église. Sous l’influence de l’Église, les artistes étaient supposés communiquer les enseignements du christianisme le plus clairement possible.
Les premiers artistes chrétiens et byzantins ont poursuivi la technique de la mosaïque qu’ils ont apprise des Grecs. De petites pièces plates de verre ou de pierre colorées ont été placées sur du ciment ou du plâtre humide. D’autres matériaux solides, tels que des morceaux d’argile cuite ou des coquilles, ont parfois été utilisés. Dans la mosaïque italienne, les couleurs sont particulièrement profondes et pleines. Les artistes italiens ont fait le fond avec des morceaux de verre doré. Ils ont représenté des figures humaines dans des couleurs riches sur un fond d’or étincelant. L’effet global était plat, décoratif et non réaliste.
Les mosaïques d’artistes byzantins étaient souvent encore moins réalistes et décoratives que les motivations des premiers chrétiens. "Byzantine" est le nom donné au style d’art qui s’est développé autour de l’ancienne ville de Byzance (aujourd’hui Istanbul, en Turquie). La technique de la mosaïque correspondait parfaitement au goût byzantin pour les églises joliment décorées. Les célèbres mosaïques de Theodora et Justinian, réalisées vers 547 après JC, témoignent d’un goût pour la richesse. Les bijoux des figurines scintillent et les robes colorées brillent sur le fond doré brillant. Les artistes byzantins utilisaient également de l’or sur leurs fresques et leurs panneaux. L’or et d’autres matériaux précieux ont été utilisés au Moyen Âge pour séparer les objets spirituels du monde quotidien.
Peinture médiévale (500-1400 ans)
La première partie du Moyen Âge, qui date de 6 à 11 siècles de notre époque, est généralement appelée les ténèbres. En cette période de troubles, l’art était stocké principalement dans les monastères. Au Ve siècle de notre ère, des tribus warranes du nord et du centre de l’Europe parcouraient le continent. Pendant des centaines d’années, ils ont dominé l’Europe occidentale. Ces personnes ont produit un art dont l’élément principal est le motif. Ils étaient particulièrement friands de structures de dragons et d’oiseaux entrelacés.
Le meilleur de l’art celtique et saxon se trouve dans les manuscrits des VIIe et VIIIe siècles. Les illustrations de livres, les éclairages et les peintures miniatures, pratiqués depuis la fin de l’époque romaine, se sont répandus au Moyen Âge. L’éclairage est la décoration de texte, de lettres majuscules et de champs. Des couleurs or, argent et vives ont été utilisées. Une vignette est une petite image, souvent un portrait. Ce terme a été utilisé à l’origine pour décrire un bloc décoratif autour des premières lettres d’un manuscrit.
Charlemagne, couronné empereur du Saint Empire romain germanique au début du IXe siècle, tente de faire revivre l’art classique de la fin de la période romaine et du début de la période chrétienne. Pendant son règne, les artistes miniatures imitèrent l’art classique, mais ils transmettaient également des sentiments personnels à travers leurs sujets.
Très peu de peintures murales ont été conservées depuis le Moyen Âge. Les églises construites pendant la période romane (11-13 siècles) avaient plusieurs grandes fresques, mais la plupart d’entre elles ont disparu. Dans les églises de la période gothique (XII-XVI siècles), il n’y avait pas assez de place pour les peintures murales. Illustration du livre était le travail principal du peintre gothique.
Parmi les manuscrits les mieux illustrés figurent des livres de montres, des recueils de calendriers, de prières et de psaumes. Une page d’un manuscrit italien montre des initiales soigneusement travaillées et une scène marginale finement détaillée de saint Georges en train de tuer un dragon. Les couleurs sont brillantes et ressemblent à des pierres précieuses, comme dans le vitrail, et l’or scintille au-dessus de la page. Des motifs délicats de feuilles et de fleurs bordent le texte. Les artistes ont probablement utilisé des loupes pour effectuer ce travail complexe et détaillé.
Italie: Cimabue et Giotto
Les artistes italiens à la fin du XIIIe siècle travaillaient encore dans le style byzantin. Les figures humaines ont été faites à plat et décoratif. Les visages avaient rarement une expression. Les corps étaient en apesanteur et semblaient flotter plutôt que de rester fermement sur le sol. À Florence, l’artiste Cimabue (1240-1302) a tenté de moderniser certaines des méthodes byzantines anciennes. Les anges dans "Madonna on the Throne" sont plus actifs que d’habitude dans les peintures de l’époque. Leurs gestes et leurs visages montrent un peu plus de sentiments humains. Le Cimabue a ajouté à ses peintures un nouveau sens de monumentalité ou de grandeur. Cependant, il a continué à suivre de nombreuses traditions byzantines, telles qu’un fond doré et une disposition à motifs d’objets et de personnages.
Ce fut le grand artiste florentin Giotto (1267-1337) qui rompit avec la tradition byzantine. Sa série de fresques dans la chapelle des arènes de Padoue laisse l’art byzantin loin derrière. Dans ces scènes de la vie de Marie et du Christ, il y a de vraies émotions, tensions et naturalisme. Toutes les qualités de chaleur et de sympathie humaines sont présentes. Les gens ne semblent pas complètement irréalistes ou célestes. Giotto a ombragé les contours des personnages, et il a placé des ombres profondes dans les plis des vêtements pour donner une impression de rondeur et de force.
Giotto utilise pour ses petits panneaux de la détrempe aux œufs pure, un médium perfectionné par les Florentins au XIVe siècle. La clarté et la luminosité de ses couleurs devraient avoir grandement influencé les gens habitués aux couleurs sombres des panneaux byzantins. Les peintures à la tempera donnent l’impression que la lumière du jour douce tombe sur la scène. Ils ont un aspect presque plat, contrastant avec le brillant de la peinture à l’huile. L’oeuf tempera est resté la peinture principale jusqu’à ce que l’huile soit presque complètement remplacée au 16ème siècle.
Peinture de la fin du Moyen Âge au nord des Alpes
Au début du XVe siècle, les artistes du nord de l’Europe travaillaient dans un style complètement différent de la peinture italienne. Les artistes nordiques ont réalisé leur réalisme en ajoutant d’innombrables détails à leurs peintures. Tous les cheveux étaient gracieusement profilés et chaque détail de draperie ou de sol était soigneusement installé. L’invention de la peinture à l’huile a simplifié les détails des détails.
L’artiste flamand Jan van Eyck (1370-1414) a grandement contribué au développement de la peinture à l’huile. Lorsque la tempera est utilisée, les couleurs doivent être appliquées séparément. Ils ne peuvent pas bien se teindre, car la peinture sèche rapidement. Avec une huile qui sèche lentement, l’artiste peut obtenir des effets plus complexes. Ses portraits de 1466-1530 ont été réalisés dans la technologie pétrolière flamande. Tous les détails et même la réflexion spéculaire sont clairs et précis. La couleur est durable et présente une surface dure semblable à celle d’un émail. Un panneau de bois apprêté a été préparé de la même manière que Giotto a préparé ses panneaux pour la détrempe. Van Eyck a créé la peinture en couches d’une couleur subtile appelée glaçure. La tempera a probablement été utilisée dans le sous-étage d’origine et pour l’éblouissement.
Renaissance italienne
Tandis que van Eyck travaillait dans le nord, les Italiens entraient dans l’âge d’or de l’art et de la littérature. Cette période s’appelle la Renaissance, ce qui signifie renaissance. Les artistes italiens ont été inspirés par la sculpture des anciens Grecs et Romains. Les Italiens voulaient faire revivre l’esprit de l’art classique, qui glorifie l’indépendance et la noblesse humaines. Les artistes de la Renaissance ont continué à peindre des scènes religieuses. Mais ils ont également mis l’accent sur la vie terrestre et les réalisations des hommes.
Florence
Les réalisations de Giotto au début du XIVe siècle marquent le début de la Renaissance. Les peintres italiens du 17ème siècle l’ont continué. Masaccio (1401-1428) fut l’un des chefs de file de la première génération d’artistes de la Renaissance. Il a vécu à Florence, une ville commerçante riche où l’art de la Renaissance a commencé. Au moment de sa mort à la fin des années vingt, il révolutionna la peinture. Dans sa célèbre fresque "The Tribute Money", il met des figures sculpturales solides dans un paysage qui semble aller très loin. Masaccio a peut-être étudié la perspective auprès de l’architecte florentin et du sculpteur Brunelleschi (1377-1414).
La technique murale était très populaire à la Renaissance. Cela convenait particulièrement aux grands tableaux, car les couleurs de la peinture murale sont sèches et parfaitement plates. L’image peut être vue à n’importe quel angle sans éblouissement ni reflet. En outre, les peintures murales sont abordables. Habituellement, les artistes avaient plusieurs aides. Le travail a été effectué en plusieurs parties, car elles devaient être achevées alors que le plâtre était encore humide.
Le style tridimensionnel complet de Masaccio était typique de la nouvelle direction progressive du 15ème siècle. Le style de Fra Angelico (1400-1455) est une approche plus traditionnelle utilisée par de nombreux artistes du début de la Renaissance. Il était moins préoccupé par la perspective et plus intéressé par les motifs décoratifs. Son «Couronnement de la Vierge» est un exemple de tempera dans la plus belle représentation. Couleurs amusantes et vibrantes sur un fond d’or et accentuées d’or. L’image ressemble à une miniature agrandie. Les figures longues et étroites ont peu en commun avec Masaccio. La composition s’organise en larges lignes de mouvement entourant les figures centrales du Christ et de Marie.
Sandro Botticelli (1444-1515) est un autre Florentin qui travaillait dans un style traditionnel. Des lignes rythmiques fluides relient les sections du Botticelli "Spring". La figure du printemps portée par le vent d’ouest se déplace à droite. Trois grâces dansent en cercle, les plis flottants de leurs robes et les mouvements gracieux de leurs mains expriment les rythmes de la danse.
Léonard de Vinci (1452-1519) a étudié la peinture à Florence. Il est connu pour ses recherches scientifiques et ses inventions, ainsi que pour ses peintures. Très peu de ses peintures ont été préservées, en partie parce qu’il a souvent expérimenté différentes méthodes pour créer et appliquer de la peinture, plutôt que d’utiliser des méthodes éprouvées et fiables. La Dernière Cène (écrite entre 1495 et 1498) était faite à l’huile, mais malheureusement, Leonardo l’a peinte sur un mur humide, ce qui a fait craquer la peinture. Mais même en mauvais état (avant la restauration), le tableau avait la capacité de susciter des émotions chez tous ceux qui le voyaient.
L’un des traits distinctifs du style de Leonardo est sa méthode de représentation des lumières et des ténèbres. Les Italiens l’appelaient «sphumato», ce qui signifie enfumé ou brumeux. Les personnages de la "Madonna of the Rocks" sont voilés dans une atmosphère de sphumato. Leurs formes et caractéristiques sont légèrement ombrées. Leonardo a obtenu ces effets en utilisant des dégradés très subtils de tons clairs et foncés.
Rome
Le point culminant de la peinture de la Renaissance a eu lieu au 16ème siècle. Dans le même temps, le centre d’art et de culture s’est déplacé de Florence à Rome. Sous le pape Sixte IV et son successeur, Jules II, la ville de Rome était magnifiquement et richement décorée par des artistes de la Renaissance. Certains des projets les plus ambitieux de cette période ont été lancés pendant la papauté de Jules II. Julius a chargé le grand sculpteur et peintre Michelangelo (1475-1564) de peindre le plafond de la chapelle Sixtine et de sculpter une sculpture pour le tombeau du pape. Julius a également invité le peintre Raphaël (1483-1520) à participer à la décoration du Vatican. Avec ses assistants, Raphaël a peint quatre pièces des appartements du pape au palais du Vatican.
Michelangelo, originaire de Florence, a développé un style de peinture monumental. Les figures de sa peinture sont si solides et volumineuses qu’elles ressemblent à des sculptures. Le plafond Sixtine, qui a pris 4 ans de Michel-Ange, est composé de centaines de figures humaines de l’Ancien Testament. Pour compléter cette fresque grandiose, Michelangelo devait s’allonger dans le bois. Le visage pensif de Jérémie parmi les prophètes qui entourent le plafond, certains experts considèrent l’autoportrait de Michel-Ange.
Rafael est venu à Florence d’Urbino très jeune. À Florence, il a absorbé les idées de Leonardo et Michelangelo. Au moment où Rafael est allé à Rome pour travailler au Vatican, son style est devenu l’un des plus grands en beauté. Il a particulièrement aimé ses beaux portraits de Madonna and Child. Ils ont été reproduits par milliers; on peut les voir partout. Sa Madonna del Granduka a du succès en raison de sa simplicité. Intemporel dans sa paix et sa pureté, il est aussi attrayant pour nous que pour les Italiens de l’ère Raphaël.
Venise
Venise était la principale ville de la Renaissance du nord de l’Italie. Il a été visité par des artistes de Flandres et d’autres régions connaissant les expériences flamandes avec la peinture à l’huile. Cela a stimulé l’utilisation précoce de la technologie pétrolière dans la ville italienne. Les Vénitiens ont appris à peindre sur des toiles très étirées plutôt que sur des panneaux de bois communément utilisés à Florence.
Giovanni Bellini (1430-1515) était le plus grand artiste vénitien du 15ème siècle. Il fut également l’un des premiers artistes italiens à utiliser l’huile sur toile. Giorgione (1478-1151) et Titian (1488-1515), le plus célèbre de tous les artistes vénitiens, étaient des apprentis dans l’atelier Bellini.
Maître en ingénierie pétrolière, Titian a peint d’énormes toiles de couleurs chaudes et saturées. Dans ses peintures mûres, il a sacrifié des détails pour créer des effets époustouflants, comme dans "Madonna Pesaro". Il a utilisé de grandes brosses pour faire de grands traits. Ses couleurs sont particulièrement riches car il a patiemment créé des émaux de couleurs contrastantes. Habituellement, les émaux étaient appliqués sur une surface trempée brune, ce qui donnait à la photo un ton uniforme.
Le Tintoret (1518-1594) fut un autre grand artiste vénitien du XVIe siècle. Contrairement à Titian, il travaillait généralement directement sur la toile, sans croquis ni contours préliminaires. Il a souvent déformé ses formes (les a tordues) pour des raisons de composition et de drame de l’intrigue. Sa technique, qui inclut des traits larges et des contrastes dramatiques de lumière et de ténèbres, semble très moderne.
L’artiste Kyriakos Teotokopoulos (1541-1614) était connu sous le nom de El Greco ("grec"). Né sur l’île de Crète, occupée par l’armée vénitienne, El Greco a été formée par des artistes italiens. Jeune homme, il est allé étudier à Venise. L’influence combinée de l’art byzantin, qu’il a vu autour de lui en Crète, et de l’art de la Renaissance italienne, a rendu l’œuvre de El Greco exceptionnelle.
Dans ses peintures, il déforme les formes naturelles et utilise des couleurs encore plus étranges et plus surnaturelles que le Tintoret qu’il admire. Plus tard, El Greco s’est installé en Espagne, où la tristesse de l’art espagnol a influencé son travail. Dans sa vision dramatique de Tolède, un orage sévit sur le silence mortel de la ville. Des bleus froids, des verts et des nuances bleu-blanc répandent le froid sur le paysage.
Renaissance en Flandre et en Allemagne
L’âge d’or de la peinture en Flandre (aujourd’hui partie de la Belgique et du nord de la France) était le 15ème siècle, l’époque de van Eyck. Au 16ème siècle, de nombreux artistes flamands imitèrent les artistes italiens de la Renaissance. Cependant, certains Flamands ont poursuivi la tradition de réalisme flamande. Ensuite, la peinture de genre a diffusé des scènes de la vie quotidienne, parfois charmantes et parfois fantastiques. Jérôme Bosch (1450-1515), qui a précédé les artistes de genre, avait une imagination inhabituellement vive. Il a inventé toutes sortes de créatures étranges et grotesques pour The Temptation of St. Anthony. "Peter Bruegel the Elder (1525-1569) a également travaillé dans la tradition flamande, mais a ajouté à ses scènes de genre la perspective et d’autres caractéristiques de la Renaissance.
Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein le Jeune (1497-1543) et Lucas Cranach l’Ancien (1472-1553) étaient les trois artistes allemands les plus importants du XVIe siècle. Ils ont beaucoup fait pour atténuer le sombre réalisme de la peinture allemande ancienne. Au moins une fois, Dürer a visité l’Italie, où il a été impressionné par les peintures de Giovanni Bellini et d’autres Italiens du nord. À travers cette expérience, il installe dans la peinture allemande une connaissance de la perspective, un sens des couleurs et de la lumière et une nouvelle compréhension de la composition. Holbein a appris encore plus de réalisations italiennes. Son dessin sensible et sa capacité à choisir uniquement les détails les plus importants en ont fait un portraitiste.
Peinture baroque
Le 17ème siècle est connu dans l’art comme la période baroque. En Italie, les artistes Caravaggio (1571-1610) et Annibale Carracci (1560-1609) ont présenté deux points de vue opposés. Caravaggio (de son vrai nom Michelangelo Merisi) s’est toujours inspiré directement des réalités de la vie. L’un de ses principaux problèmes consistait à copier la nature le plus précisément possible, sans la glorifier. Carracci, par contre, suivait l’idéal de la beauté de la Renaissance. Il a étudié la sculpture ancienne et le travail de Michel-Ange, Raphaël et Titien. Le style de Caravaggio a ravi de nombreux artistes, en particulier l’Espagnol Ribera et le jeune Velazquez. Carracci a inspiré Nicolas Poussin (1594-1665), célèbre peintre français du 17ème siècle.
Espagne
Diego Velazquez (1599-1660), peintre de la cour du roi d’Espagne Philippe IV, était l’un des plus grands artistes espagnols. Adepte du travail de Titian, il maîtrisait les couleurs riches et harmonieuses. Aucun artiste ne pourrait mieux créer l’illusion d’un tissu riche ou d’une peau humaine. Le portrait du petit prince Philip Prosper montre cette habileté.
Flandre
Les peintures de l’artiste flamand Peter Paul Rubens (1577-1640) représentent l’incarnation du style baroque en couleurs. Ils débordent d’énergie, de couleur et de lumière. Rubens rompt avec la tradition flamande consistant à peindre de petites peintures. Ses toiles sont immenses, remplies de figures humaines. Il a reçu plus de commandes et de peintures plus grandes qu’il n’a pu compléter. Par conséquent, il n’a souvent dessiné qu’un petit dessin en couleur. Puis ses assistants ont transféré le croquis sur une grande toile et ont terminé le tableau sous la direction de Rubens.
Hollande
Les réalisations du peintre néerlandais Rembrandt (1606-1669) sont parmi les plus remarquables de l’histoire. Il avait un don merveilleux: capturer et transmettre avec précision les émotions humaines. Comme Titian, il a longtemps travaillé à la création de peintures multicouches. Les couleurs terrestres - ocre jaune, brun et brun-rouge - étaient ses préférées. Ses peintures sont principalement réalisées dans des couleurs sombres. L’importance des pièces multicouches sombres rend sa technique inhabituelle. L’accent est mis sur l’éclairage vif par rapport aux zones lumineuses.
Jan Vermeer (1632-1675) faisait partie d’un des groupes d’artistes néerlandais qui ont écrit des scènes modestes de la vie quotidienne. Il était un expert en dessin de textures diverses - satin, tapis persans, croûtes de pain, métal. L’impression générale de l’intérieur de Vermeer est une salle ensoleillée et gaie remplie d’articles ménagers emblématiques.
Peinture du 18ème siècle
Au 18ème siècle, Venise a produit plusieurs beaux artistes. Le plus célèbre fut Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Il a décoré les intérieurs de palais et d’autres bâtiments avec de superbes peintures murales colorées représentant des scènes de richesse. Francesco Guardi (1712-1793) était très habile avec un pinceau. Il ne lui restait que quelques taches de couleur pour évoquer l’idée d’une toute petite silhouette dans un bateau. Des vues spectaculaires sur Antonio Canaletto (1697-1768) ont chanté la gloire passée de Venise.
France: style rococo
En France, le goût pour les couleurs pastel et les finitions complexes du début du XVIIIe siècle ont conduit au développement du style rococo. Jean Antoine Watteau (1684-1721), peintre de la cour du roi Louis XV, puis de François Boucher (1703-1770) et Jean Honoré Fragonard (1732-1806) ont été associés aux tendances du rococo. Watteau a peint des visions de rêve, une vie dans laquelle tout est amusant. Au cœur du style, on trouve des pique-niques dans les parcs, des fêtes en forêt, où des messieurs drôles et des dames élégantes s’amusent dans la nature.
D’autres artistes du XVIIIe siècle ont représenté des scènes de la vie ordinaire de la classe moyenne. Comme le néerlandais Vermeer, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) appréciait les histoires simples et les natures mortes. Ses couleurs sont sobres et calmes par rapport à Watteau.
Angleterre
Au XVIIIe siècle, les Britanniques développèrent pour la première fois une école de peinture distincte. Le noyau se composait principalement de portraitistes, influencés par des artistes de la Renaissance vénitienne. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) et Thomas Gainsborough (1727-1788) sont les plus célèbres. Reynolds, qui a parcouru l’Italie, a suivi les idéaux de la peinture de la Renaissance. Ses portraits, charmants et touchants, ne sont pas particulièrement intéressants en couleur ou en texture. Gainsborough, en revanche, avait un brillant. Les surfaces de ses peintures brillent d’une couleur radieuse.
Peinture du 19ème siècle
Le XIXe siècle est parfois considéré comme la période au cours de laquelle l’art contemporain a commencé à prendre forme. L’une des principales raisons de la prétendue révolution de l’art à cette époque est l’invention de la caméra, qui oblige les artistes à reconsidérer le but de la peinture.
Un développement plus significatif a été l’utilisation généralisée de peintures préfabriquées. Jusqu’au 19ème siècle, la plupart des artistes ou leurs assistants fabriquaient leurs propres peintures en broyant des pigments. Les premières peintures commerciales étaient inférieures aux peintures à la main. À la fin du XIXe siècle, des artistes ont constaté que les tons bleu foncé et marron des peintures antérieures devenaient noirs ou gris pendant plusieurs années. Ils ont de nouveau commencé à utiliser des couleurs pures pour préserver leur travail, et parfois parce qu’ils essayaient de refléter plus précisément la lumière du soleil dans les scènes de rue.
Espagne: Goya
Francisco Goya (1746-1828) fut le premier grand artiste espagnol à apparaître à partir du 17ème siècle. Artiste de prédilection de la cour d’Espagne, il a réalisé de nombreux portraits de la famille royale. Les personnages royaux sont équipés de vêtements élégants et de beaux bijoux, mais sur certains de leurs visages tout ce qui est reflété est la vanité et la cupidité. En plus des portraits, Goya a peint des scènes dramatiques telles que celle du 3 mai 1808. Ce tableau représente une représentation d’un groupe de rebelles espagnols par des soldats français. Des contrastes audacieux de couleurs claires et sombres et lugubres, transpercés par des éclaboussures rouges, provoquent une horreur sombre du spectacle.
Bien que la France fût un grand centre d’art au XIXe siècle, les paysagistes anglais John Constable (1776-1837) et Joseph Mallord William Turner (1775-1851) apportèrent une contribution précieuse à la peinture du XIXe siècle. Tous deux s’intéressaient à la peinture de la lumière et de l’air, deux aspects de la nature que les artistes du XIXe siècle ont pleinement explorés. Le gendarme a utilisé une technique appelée division, ou couleur brisée. Il a utilisé des couleurs contrastées par rapport à la couleur de premier plan. Il utilisait souvent un couteau à palette pour bien appliquer la couleur. La peinture "Hay Wain" le rendit célèbre après le spectacle de Paris en 1824. Il s’agit d’une simple scène de fenaison dans un village. Les nuages dérivent sur des prairies couvertes de rayons de soleil. Les peintures de Turner sont plus dramatiques que celles de Constable, qui a peint les paysages majestueux de la nature: tempêtes, paysages marins, couchers de soleil brillants, hautes montagnes.Souvent, une brume dorée cache partiellement des objets dans ses peintures, ce qui les fait flotter dans un espace infini.
France
La période du règne de Napoléon et de la Révolution française a marqué l’émergence de deux courants opposés dans l’art français: le classicisme et le romantisme. Jacques-Louis David (1748-1825) et Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867) s’inspirent de l’art grec et romain antique et de la Renaissance. Ils ont mis l’accent sur les détails et ont utilisé la couleur pour créer des formes solides. En tant qu’artiste favori du gouvernement révolutionnaire, David a souvent écrit des événements historiques de cette période. Dans ses portraits, tels que Madame Récamier, il cherchait à atteindre la simplicité classique.
Theodore Gerico (1791-1824) et le romantique Eugène Delacroix (1798-1863) se sont révoltés contre le style de David. Pour Delacroix, la couleur était l’élément le plus important de la peinture et il n’avait pas la patience d’imiter les statues classiques. Au lieu de cela, il admirait Ruben et les Vénitiens. Il a choisi pour ses peintures des thèmes colorés et exotiques, qui brillent de lumière et sont pleins de mouvement.
Les artistes de Barbizon faisaient également partie du mouvement romantique général qui dura de 1820 à 1850 environ. Ils travaillèrent près du village de Barbizon, à la lisière de la forêt de Fontainebleau. Ils se sont inspirés de la nature et ont terminé les peintures dans leurs ateliers.
D’autres artistes ont expérimenté avec des objets ordinaires. Les paysages de Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) reflètent son amour de la nature et ses études sur le corps humain révèlent une sorte de calme équilibré. Gustave Courbet (1819-1877) s’appelait réaliste, car il décrivait le monde tel qu’il le voyait - même son côté dur et désagréable. Il a limité sa palette à quelques couleurs sombres. Edouard Manet (1832-1883) s’est également inspiré de ses récits du monde extérieur. Les gens ont été choqués par ses contrastes colorés et ses astuces inhabituelles. Sur la surface de ses peintures, il y a souvent une texture plate et structurée de traits. Les méthodes de Manet pour appliquer des effets de lumière à la forme ont affecté de jeunes artistes, en particulier les impressionnistes.
Travaillant dans les années 1870 et 1880, un groupe d’artistes, connus sous le nom d’impressionnistes, souhaitait représenter la nature telle qu’elle était. Ils sont allés beaucoup plus loin que Constable, Turner et Manet en étudiant les effets de la lumière en couleur. Certains d’entre eux ont développé des théories scientifiques sur les couleurs. Claude Monet (1840-1926) a souvent écrit le même regard à différentes heures de la journée pour montrer comment cela change dans différentes conditions d’éclairage. Quel que soit le sujet, ses peintures sont composées de centaines de minuscules coups de pinceau situés les uns à côté des autres, souvent dans des couleurs contrastées. À distance, les traits se mélangent pour créer l’impression de formes solides. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) a utilisé les méthodes de l’impressionnisme pour capturer les vacances de la vie parisienne. Dans sa danse aux Moulins de la Galette, des gens vêtus de vêtements aux couleurs vives se pressaient et dansaient joyeusement.Renoir a peint le tableau en entier par petites touches. Des points et des traits de peinture créent une texture à la surface de la peinture, ce qui lui donne un aspect spécial. Des foules de personnes semblent se dissoudre sous les rayons du soleil et leurs couleurs vacillantes.
Peinture du 20ème siècle
Un certain nombre d’artistes sont rapidement devenus insatisfaits de l’impressionnisme. Des artistes tels que Paul Cezanne (1839-1906) ont estimé que l’impressionnisme ne décrivait pas la force des formes dans la nature. Cézanne aimait dessiner des natures mortes, car elles lui permettaient de se concentrer sur la forme des fruits ou d’autres objets et leur disposition. Les objets de ses natures mortes semblent solides parce qu’il les a réduits à de simples formes géométriques. Sa technique de coloration côte à côte des taches de peinture et des traits courts et riches en couleur montre qu’il a beaucoup appris des impressionnistes.
Vincent Van Gogh (1853-1890) et Paul Gauguin (1848-1903) ont réagi au réalisme des impressionnistes. Contrairement aux impressionnistes, qui ont objectivement considéré la nature, Van Gogh se souciait peu de la précision. Il déformait souvent les objets pour exprimer ses pensées de manière plus créative. Il a utilisé des principes impressionnistes pour placer des couleurs contrastées les unes à côté des autres. Parfois, il pressait la peinture des tubes directement sur la toile, comme dans The Field of Yellow Corn.
Gauguin ne se souciait pas de la couleur tachetée des impressionnistes. Il appliqua doucement la couleur sur de grandes surfaces plates qu’il séparait les unes des autres par des lignes ou des bords sombres. Les peuples tropicaux colorés ont fourni la plupart de ses histoires.
La méthode de Cézanne consistant à créer de l’espace à l’aide de formes géométriques simples a été développée par Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) et d’autres. Leur style est devenu connu sous le nom de cubisme. Les cubistes peignaient des objets comme s’ils pouvaient être vus sous plusieurs angles à la fois ou comme s’ils étaient démontés et assemblés sur une toile plate. Souvent, les objets ne ressemblaient à rien qui existe dans la nature. Parfois, les cubistes sculptaient des figures dans du tissu, du carton, du papier peint ou d’autres matériaux et les collaient sur la toile pour créer un collage. Les textures ont également varié, ajoutant du sable ou d’autres substances à la peinture.
Les tendances les plus récentes se sont moins concentrées sur le sujet. La composition et la technique de l’image ont commencé à gagner de l’importance.
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