Peinture espagnole: histoire, caractéristiques Automatique traduire
introduction
La grandeur de l’Espagne en matière de peinture se retrouve dans la sélection de quelques artistes qui s’élevent tellement au-dessus de leurs semblables qu’ils occupent le sommet de l’art européen. Elles sont El Greco (1541-1614), Diego Velazquez (1599-1660), et Francisco de Goya (1746 1828). Une certaine similitude peut être trouvée entre leur éminence et celle de Rembrandt en Hollande et de Rubens aux Pays-Bas espagnols, bien que non seulement les Pays-Bas, le nord et le sud, un plus grand nombre de Maîtres Anciens, et d’autres artistes qui ont fait preuve d’une grande originalité à un niveau distingué, mais également d’une évolution plus cohérente.
Il est possible de sous-estimer des peintres espagnols comme Ribera et Zurbaran par rapport au trio manifestement plus grand, mais le cours de l’art espagnol est brisé et hésitant, mis à part les énormes affirmations de quelques individus. Si l’on cherche une cause fondamentale dans l’histoire récente, il est nécessaire de remonter à l’époque où la majeure partie de la péninsule ibérique était sous la domination des envahisseurs musulmans. En 1100, rappelez-vous, les Maures occupaient encore les deux tiers de la région.
Les régions chrétiennes ont procédé à une reconquête progressive en reprenant peu à peu la terre et en implantant des églises et leur message visuel dans un district après l’autre. En Catalogne, les œuvres encore conservées dans les musées de Barcelone traduisent la force de ce christianisme actif dans des peintures de style roman majestueux. Ce n’est que vers la fin du XVe siècle que l’Espagne a été unifiée en tant que pays. Les royaumes de Castille et d’Aragon ont été réunis en 1479 sous Ferdinand et Isabella. Les Maures ont été chassés de leur dernier pied – Grenade – en 1492. Cette longue lutte a rendu l’extension de la peinture un processus lent et inégal. La province de Catalogne – la plus ancienne à avoir été libérée de l’occupation musulmane – avait l’avantage, au cours de la période gothique des XIIIe et XIVe siècles, de contacts avec la France et l’Italie reflétés faiblement dans le travail de Ferrer Bassa (c.1290-1348). Dans les églises gothiques d’Espagne, avec l’agrandissement des fenêtres aux dépens de l’espace mural qui a provoqué l’atrophie de la peinture murale, d’immenses retables ont été réalisés avec des panneaux peints dans un style rappelant celui de École de peinture siennoise, par des artistes tels que les frères Pedro et Jaime Serra et Luis Borrassa (d.1424).
Le quinzième siècle a eu l’influence du grand Peinture flamande école, annoncée par la visite de Jan van Eyck qui, comme Rubens à une date ultérieure, a combiné la fonction de diplomate à celle de peintre. L’influence flamande sur Artistes de la Renaissance espagnole Bartolomé Bermejo (actif de 1474 à 1495) voit avantageusement Saint Dominique de Silos (Prado). Mais le contact avec l’italien Art de la Renaissance, si fructueux ailleurs, était limité. Pedro Berruguete (1450-1504) fut une exception à travailler à Urbino en même temps que Piero della Francesca (1420-92). Son sens de la forme s’est accéléré dans cette atmosphère inspirante, mais il a quitté Urbino après la mort du duc Federigo en 1482 et le compromis – et un conflit – entre la manière flamande provincialisée et les leçons de l’Ombrie apparaît dans son travail ultérieur.
La peinture espagnole au XVIe siècle: l’art religieux du Greco
Au XVIe siècle, lorsque l’Espagne est devenue une puissance mondiale possédant de vastes possessions et sources de richesse dans le Nouveau Monde, ainsi que des biens éparpillés sur l’Europe, on aurait pu s’attendre à ce qu’une école nationale vigoureuse La peinture émergerait, transformant le caractère quelque peu hésitant ou imitatif que la peinture en Espagne avait montré jusque-là. Il s’est avéré autrement. Pendant la majeure partie du XVIe siècle, la peinture est restée sans esprit. L’empereur Charles Quint et son fils Philippe II d’Espagne étaient tous deux des habitués de l’art, mais les grands vénitiens, notamment le Titien, revendiquèrent l’essentiel de leur intérêt. Philip a également hautement approuvé les fantasmes de Jérôme Bosch (1450-1516) – bien que le haut clergé espagnol ait soupçonné l’hérésie dans ces étranges images des Pays-Bas.
Le portrait a reçu un certain encouragement, mais c’est le peintre de la cour internationale Anthonis Mor (1519-1576) d’Utrecht – ou Antonio Moro, comme il était connu en Espagne – le pratiquant flamand d’un style inspiré de celui de Titian, que Philippe II envoya à Angleterre pour peindre le portrait de Mary Tudor. Philip avait deux peintres de cour espagnols, il est vrai: Alonso Sanchez Coello (c.1531-88) qui a formé son style sur celui de Moro et son élève, Juan Pantoja de la Cruz (1551-1608), qui lui a succédé. Dignes et avec un élément de rigidité cérémonielle soulignée par l’attention portée aux riches détails des vêtements, leurs portraits donnent une légère indication de ce que Velazquez accomplirait par la suite.
Mais le seizième siècle n’était pas seulement le siècle de la splendeur matérielle de l’Espagne; c’était aussi celle de la grande bataille de croyances religieuses dans laquelle elle était lourdement engagée sous le règne d’un monarque fanatique implacable. Une raison de ce fanatisme, ainsi que de la cruauté et de l’oppression qu’il engendre, peut être trouvée dans le combat de plusieurs siècles mené contre les musulmans en Espagne. Les rois espagnols qui se considéraient comme les champions et le principal rempart du christianisme ne voyaient pas plus dans l’opposition protestante à l’Église catholique que l’action d’infidèles aussi mauvais que les Maures, à combattre avec la même cruauté.
La ferveur de la croyance religieuse n’avait pas encore trouvé d’expression forte dans les images de Art chrétien produit selon les règles strictes de l’Église. Luis de Morales (vers 1500-86) ne ressent aucune émotion profonde, mais sa piété délicate, contenue dans un style adapté par les peintres flamands, travaillant peut-être à Séville, lui a valu le titre de "divin".. Mais après El Divino Morales, il se produit un phénomène extraordinaire, imprévisible, l’avènement du Greco . Dans son peintures religieuses toutes les intensités du sentiment religieux en Espagne s’enflamment et s’enflamment.
C’est paradoxal qu’un peintre qui transmet tant de choses, essentiellement espagnoles, soit né en Crète. Et, en outre, il est étrange que celui formé dans le style byzantin de cette île grecque ait greffé le Haute renaissance leçons tirées du Titien et du Tintoret à Venise. Il aurait pu passer pour un maître vénitien quand il serait arrivé en Espagne à l’âge de 36 ans environ. Toutefois, grâce au travail de ses 37 années suivantes, principalement à Tolède, il devint indissociable de l’histoire de la peinture espagnole.
À Tolède, centre espagnol de la Contre-Réforme, siège de la redoutable Inquisition et de toutes les intensités passionnées de croyance, le art religieux il produisit dans son vaste atelier éclairé par de hautes fenêtres étroites, devint l’aspiration aux exaltations sublimes et fébriles de saints et de martyrs, drames de l’âme exprimés dans l’élongation des figures, les carmin inquiets, les verts bleus et les jaunes couleurs. Son meilleur travail, L’enterrement du comte d’Orgaz , peinte vers 1586-1588 pour l’église de Santo Tome à Toledo, unit le mouvement et l’espace célestes à l’austérité statique des personnes en deuil, une rangée d’icônes comme on pourrait l’imaginer, même si chaque visage barbu contient sa propre suggestion d’une violence intérieure de se sentir gardé sous contrôle sévère. Pour ses autres chefs-d’œuvre, voir: Le déshabillage du Christ (El Espolio) (1577); Vue de Tolède (1595-1600); Christ chassant les marchands du temple (1600); Portrait d’un cardinal (1600); Portrait de Felix Hortensio Paravicino (c.1605).
Peinture espagnole au 17ème siècle: Ribera & Velazquez
Bien qu’El Greco ait réussi et ait été assez estimé à son époque pour être copié et imité par ses partisans à Tolède, tels que Luis Tristan (1586-1624), une nouvelle phase de la peinture espagnole se préparait, ainsi qu’un nouvelle phase de l’histoire espagnole. La suprématie de l’Espagne était pratiquement terminée à la suite de la défaite de l’Armada espagnole en 1588, de l’échappée du nord des Pays-Bas et de la mort de Philippe II en 1598. Philippe III, son fils par son troisième mariage, laissa le gouvernement entre ses mains. du duc de Lerma qui, impressionnant comme il apparaît dans le portrait équestre de Rubens maintenant au Prado, a dilapidé l’argent public et a impliqué l’Espagne dans la misère futile de la guerre de trente ans.
La décadence politique et économique peut être un lent déclin au cours duquel l’art atteint souvent son niveau le plus élevé, bien qu’il n’y ait pas de relation nécessaire entre les deux, sauf dans l’encouragement de l’art et des lettres par ceux qui y sont plus enclins que la politique. Art baroque espagnol au dix-septième siècle reflète à sa manière une réaction à l’échelle européenne contre le Maniérisme du XVIe siècle. Un sens de la réalité que le maniérisme n’avait pas offert, une projection de lumière et d’ombre qui transmettait un message avec une force urgente, était générale. Ceci a été assimilé par Artistes baroques espagnols créer une sombre splendeur dans laquelle on puisse discerner une atmosphère nationale. Le génie du siècle inclinait les artistes vers un réalisme ou un naturalisme dans l’art religieux, substituant des modèles paysans noueux et des types prolétariens à la place de figures idéalisées, et dépeignant sans broncher les tortures du martyre dans les moindres détails. Ce sont des caractéristiques que l’on retrouve en Italie dans l’œuvre de Caravaggio, dont l’influence a été considérable. Mais Francisco Ribalta (1565-1628), né à Solsona en Catalogne – bien qu’il soit principalement associé à Valence – cultivait déjà la ténébrisme avant que Caravaggio ne commence sa carrière.
Jusepe Ribera (1591-1652) était en âge d’apprécier les deux. Il a peut-être étudié sous Ribalta, mais à l’âge de 25 ans, il s’est installé à Naples où il est considéré comme le principal disciple de Caravage. Il a travaillé pour les vice-rois espagnols à Naples et des photos de lui ont été envoyées en Espagne pour la cour royale. C’est peut-être pour cette raison, et pour affirmer son patriotisme, qu’il a habituellement ajouté à sa signature le nom de son lieu de naissance, «Jativa» ou de la ville voisine, «Valencia».
Note: En 1600, la colonie espagnole de Naples était la deuxième plus grande ville d’Europe (après Paris) et un centre important d’activités de contre-réforme, incluant l’art. (Elle comptait plus de 3 000 églises et monastères.) Après les deux visites du Caravage (1606, 1609-10), il devint un centre du caravagisme. Voir: Peindre à Naples (1600-1700).
Ribera a peint le martyre avec une délicieuse relish. Comme le Caravage, il a fait un drame violent du contraste entre la lumière et l’ombre dense. Son réalisme s’exerce non seulement sur les tortures de la religion, mais également sur des sujets de tous les jours dans lesquels l’idée de souffrance ou de malformation est présente. Un exemple en est son tableau représentant le gamin boiteux et aux dents brisées, le garçon au pied de club (1642, musée du Louvre, Paris), dans une pose simulée-militaire, œuvre remarquable de ses dernières années. De même que le réaliste se tournait vers les masses pour que les types soient inclus dans une composition religieuse, Ribera semble avoir choisi un mendiant napolitain pour faire le devoir d’un grand homme de l’antiquité classique. L’ Archimède du Prado est un vaurien génial avec un vêtement composé de nombreuses pièces solidement attachées avec de la ficelle sur la poitrine nue et, à en juger par son expression, partageant la plaisanterie ironique du peintre. Absent de l’Espagne, Ribera a manifestement exercé une influence considérable, en raison de ses peintures, sur la diffusion de l’idiome de caravagisme ce qui est assez différent de l’émotionalisme rhapsodique du Baroque.
Un artiste qui se rapproche de la grandeur est Francisco Zurbaran (1598-1664). Il travailla enfant dans l’atelier du peintre sévillan Juan de las Roelas (vers 1560-1625), qui introduisit une tendance réaliste dans la peinture à Séville, en opposition au maniérisme alors en vigueur emprunté à Rome. Zurbaran, qui s’installa à Séville, eut un succès rapide, des églises et des couvents le chargeant de commandes de peintures pieuses et dévotionnelles. À l’âge moyen, cependant, sa popularité a décliné. Le style facile de Peinture baroque popularisé par les jeunes Bartolome Esteban Murillo (1617-82) met en vogue une religiosité sentimentale contrastant avec son genre réaliste auquel Zurbaran ne peut s’adapter. Son originalité est une redécouverte relativement moderne. Les ombres sombres de Ribera et de l’école napolitaine lui ont permis d’imaginer le caractère somptueux de la méditation moine. Contrairement à El Greco, il a peint le saint ou le frère engagé dans la méditation plutôt que des visions célestes. Il transmet la psychologie des dévots, méditant sur la mort selon les instructions des jésuites. Sa vision réaliste lui a également permis de produire peinture de nature morte dans lequel l’examen de la substance matérielle a presque l’intensité d’un exercice religieux.
C’est dans ce contexte de Séville que Diego Rodriguez de Silva et Velazquez est aperçu pour la première fois. Il y avait un certain nombre de liens avec ses contemporains, ce qui permettait d’avoir une vision réaliste. Il partageait l’enthousiasme général pour le Caravage ou du moins pour les implications de son style. Son étude de la nature morte était aussi intense que celle de l’ami de sa jeunesse, Zurbaran. Chaque ondulation sur la cruche de son Waterseller à Séville (vers 1618-22, Apsley House, Londres) est tracé avec autant de soin que le portraitiste pourrait donner aux rides du visage humain.
À la manière de Ribera, il a légué aux personnages contemporains les noms d’anciennes célébrités – le philosophe Menippus, le fabuliste Ésope. Il n’hésita pas non plus à dépeindre les tristes grotesques et les nains de la cour de Philippe IV aussi réaliste que Ribera a peint le garçon à la massue. Les bodegones ou «images de cuisine» de ses premières années à Séville le placent près du Caravage et ses premières images religieuses sont parallèles à celles de Zurbaran. mais après un certain point, il cesse de ressembler aux autres et devient tout à fait individuel dans son style.
À de rares exceptions près – voir Christ crucifié (1632, Prado) – des sujets religieux ont cessé de l’occuper (pas peut-être entièrement au regret d’un réaliste absorbé dans les affaires humaines) après sa nomination comme peintre de cour à Philippe IV. Portrait d’art est ensuite devenu sa principale tâche professionnelle, mais il montre une diversité de thèmes surprenante. Il était unique parmi les artistes de l’Espagne religieuse en prenant peinture mythologique cependant, comme Rembrandt, avec un sentiment anti-idéaliste. Le Triomphe de Bacchus (1628, Prado), également connu sous le nom de The Dopers, fut la première de ses compositions à attirer l’attention du tribunal. Toutefois, l’allusion classique n’était qu’un prétexte pour donner une image aussi vivante que jamais n’a été peinte d’un groupe de paysans intensément espagnols.
La mythologie a sanctionné la peinture du nu masculin figure – une rareté dans l’art espagnol, à l’exception de la forme retombante et torturée du Christ en croix. La Forge de Vulcain (1630) et Mars (1639-1641), toutes deux situées dans le Prado, étaient des sujets permettant à Velazquez de rendre justice à la figure masculine, La Vénus Rokeby (1647-51, National Gallery, Londres), aussi mythologique que Danae de Rembrandt. Le mystère de l’espace et la relation des objets l’ont occupé Las Meninas (1656, Prado), l’un des plus grands portraits, où le peintre sur sa grande toile se regarde dans la salle en se peignant sur sa toile, tandis que le roi et la reine regardant par dessus son épaule se reflètent dans le miroir situé à l’autre bout de la pièce. Un thème complexe est également développé dans l’action variée de The Tapestry Weavers (Las Hilanderas) (1659, Prado). Parmi ses plus grands exemples de peinture d’histoire est La reddition de Breda (Las Lanzas) (1635, Prado) décrivant l’une des victoires éphémères de l’Espagne lors de son combat perdu contre les provinces rebelles des Pays-Bas et montrant à Justin de Nassau la remise des clés de la ville au commandant espagnol Spinola en 1625. Peint Dix ans après l’événement, le tableau est célèbre non seulement pour son design, mais aussi pour l’échange amical de courtoisies exprimées sous le signe de vainqueur et de vaincu, dans lesquelles une partie de la magnanimité de Velazquez aurait pu influencer le rendu de l’événement. C’était une magnanimité qu’il affichait avec autant de courtoisie qu’un nain de la cour, un bouffon idiot, une infante ou le roi mélancolique lui-même.
Velazquez pourrait rencontrer Rubens en personne et étudier les œuvres des maîtres de la Renaissance au cours de ses deux visites en Italie sans pour autant se départir d’une manière de peindre entièrement à la sienne. Dans ses œuvres matures, ce n’est plus l’obscurité de l’ombre qui frappe l’observateur. Dans ses œuvres matures, ce ne sont plus les ténèbres de l’ombre qui frappent l’observateur, mais bien la couleur utilisée avec une adresse infinie aux touches étincelantes compensées par un gris argenté. Ce qui était simplement une imitation de motif dans un vêtement riche de la robe des portraits de Sanchez Coello , devient une vibration chromatique de bleus, de roses et de gris dans Velazquez ’ Portraits baroques de la deuxième épouse de Philippe IV, Mariana d’Autriche, et de l’Infanta Margarita. C’est dans celui-ci et dans ses deux petites vues des jardins de la Villa Medici, qui résulta de sa deuxième visite en Italie, qu’il suggéra ce qui allait devenir plus tard la méthode de l’impressionnisme.
Le dernier et meilleures peintures baroques étaient ceux de Velazquez, qui n’a laissé aucune influence notable sur la peinture espagnole. Son élève et gendre Juan Bautista del Mazo (vers 1612-1667) l’a copié de manière superficielle, ce qui a causé par le passé des erreurs d’attribution à Velazquez lui-même. Juan Pareia (vers 1606-70), le serviteur de Velazquez, l’imita également. Mais l’art espagnol a traversé une autre période de jachère au XVIIIe siècle, même si pendant un certain temps une certaine prospérité est revenue dans le pays lors de la réaction pacifique des guerres dans lesquelles une possession après l’autre avait été perdue.
Peinture espagnole au 18ème siècle: Goya – Le peintre du peuple
Les peintres de la cour de Philippe V (1683-1746), le premier roi bourbon d’Espagne, étaient français (Ranc, Houasse, Van Loo). Son fils Ferdinand VI (1713-59) favorisa les peintres italiens (Amiconi, Giaquinto). Pendant longtemps, il y eut une pénurie de talents autochtones, à l’exception de Luis Melendez (1716-1780) qui poursuivit avec talent la tradition de nature morte espagnole de Zurbaran et de Sanchez Cotan (1560-1627). Vient ensuite l’extraordinaire phénomène imprévisible de Francisco de Goya (1746-1828).
L’Espagne à l’époque de Goya a subi des changements de fortune drastiques. Le despotisme bienveillant de Charles III, qui succéda à Ferdinand VI et dirigea de 1759 à 1788, instaura la stabilité économique. La folie de Charles IV, le successeur de Charles III, met fin à la prospérité et ouvre la voie à l’invasion napoléonienne et à ses horreurs. Sur une plus large échelle, le changement d’avant la Révolution française à la période suivante a affecté toute l’Europe. Aucun grand artiste n’a traversé cette période de perturbation sans refléter en quelque sorte ses tempêtes et son stress. Goya en donne une illustration dramatique.
Si El Greco était l’artiste de l’église et Velazquez de la cour, Goya se distinguait des deux en étant l’artiste du peuple. Il existe un contraste remarquable entre lui et Velazquez. Ce dernier était essentiellement le grand gentilhomme, comme Rubens, menant une vie de calme aristocratique dans l’Escurial, peignant dans le crépuscule froid d’une pièce à l’abri du soleil, laissée indifférente par les événements du monde extérieur et peut-être la plus détachée de les préoccupations nationales de l’Espagne en étant le fils d’un père portugais. Goya, fils d’un artisan espagnol d’une petite ville, Josef Goya, maître doreur chez Fuentetodos en Aragon, a eu une expérience variée et a été tellement sensible aux événements que son travail est l’histoire d’une époque de violence. La dernière vague du Rococo La gaieté de l’Ancien Régime se reflète dans les peintures, conçues pour être copiées dans des tapisseries, représentant des scènes de la vie espagnole et des divertissements avec une touche de style décoratif et théâtral de Tiepolo. Mais la Révolution française le rendit critique à l’égard de la cour et du clergé et, bien qu’à l’âge moyen, il fut peintre de la cour, d’abord à Charles III, puis à Charles IV, il restait dans sa pensée un courant révolutionnaire, énoncé de manière dessin et gravure. Aigri par la surdité qui a suivi une maladie dans la cinquantaine, il a ressenti encore plus fort la sauvagerie de la guerre et de l’occupation dont il a rendu son témoignage immortel. Comme Charles IV et son fils Ferdinand ont pratiquement invité les Français à prendre le relais en soumettant leurs différends à l’arbitrage de Napoléon, il est difficile de se demander si Napoléon aurait dû supplanter à la fois son candidat familial, Joseph, ou que ses portraits de Goya devraient l’impression d’une imbécillité impitoyablement caricaturée.
’Rembrandt, Velazquez et la Nature’ était le résumé de Goya des sources de son inspiration. Une réminiscence de Rembrandt clair-obscur peut être trouvé dans les ombres de sa scène de prison ; l’influence de Velazquez sur les gris exquis du portrait posthume (Prado) de son beau-frère, le peintre Francisco Bayeu . Dans sa peinture des reins et de la tête de mouton d’un comptoir de boucher, Goya choisit comme sujet non-conventionnel un sujet de nature morte comme le boeuf abattu de Rembrandt.
Son attachement à la "nature" peut être interprété comme une référence à son intérêt pour la vie humaine sous tous ses aspects plutôt peinture de paysage, mais «nature» avait aussi une signification particulière pour lui. Les objets que nous voyons, a-t-il souligné, n’ont pas de contours fixes. En supprimant les contours dans ses peintures, il prévoyait un point essentiel de la technique impressionniste. À d’autres égards, il avait une affinité ou une influence sur l’art français du XIXe siècle. Les groupes étranges qu’il a peints au cours de ses dernières années avec l’expressionnisme auquel sa surdité l’a peut-être conduit Honoré Daumier (1808-1879). Le trois mai 1808 incité Edouard Manet (1832-83) pour peindre l’exécution de l’empereur Maximilien dans une composition similaire. En comparaison, Goya présente l’avantage de transmettre un choc ressenti directement au lieu d’avoir, comme Manet, imaginé un événement historique de loin. Sa peinture mythologique était particulièrement créative: voir, par exemple: Le colosse (1808-12, Prado, Madrid) et l’horrible Saturne dévorant son fils (1821, Prado, Madrid).
La peinture espagnole au 20ème siècle
Au XIXe siècle, après Goya, l’art espagnol est redevenu un terrain en jachère, car il n’est plus que l’impressionnant «soleil» de l’impressionnisme du peintre catalan Joaquin Sorolla Y Bastida (1863-1923), au tournant du siècle. Mais le 20ème siècle a connu un autre développement extraordinaire après un long intervalle, cette fois dans un contexte international. La figure la plus importante de la peinture espagnole du XXe siècle est Pablo Picasso (1881-1973). Comme Goya, une grande partie de l’art de Picasso est biographique, même s’il a passé la majeure partie de sa vie en France. On se souvient de lui pour sa co-invention Cubisme (avec Georges Braque), sans doute le plus influent de tous les mouvements de art moderne, ainsi que des images iconiques telles que: Les Demoiselles d’Avignon (1907, Musée d’art moderne de New York) et Guernica (1937, Reina Sofia, Madrid), il était un artiste très influent et prolifique dans une grande variété de médias. Cependant, après 1940, son travail n’a jamais retrouvé son ancienne gloire. Aux côtés de Picasso et de Braque dans le mouvement cubiste parisien au cours de la période allant de l’année 1920-1920, Juan Gris (1887-1927), (né Jose Victoriano Gonzalez), qui devint un grand théoricien du cubisme, auquel il contribua collage et des couleurs vives. Il est mort jeune d’asthme cardiaque. Environ six ans plus jeune que Gris, celle née à Barcelone Joan Miro (1893-1983) s’est d’abord tourné vers Surréalisme, à laquelle il a contribué une série de fascinant fantasy-style, plus tard biomorphique, peintures abstraites. Bien qu’il ait produit des œuvres représentatives occasionnelles, il s’est concentré sur l’art abstrait. Expérimentant presque jusqu’à la fin de sa vie, il réalise une remarquable série de peintures monochromes bleues (1961, Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris). On peut dire que le peintre espagnol le plus extraordinaire du XXe siècle fut Salvador Dali (1904-1989), le classiciste devenu surréaliste a inventé le concept impressionnant de «paranoïa critique», qui sonne bien pour expliquer l’automatisme en peinture. Célèbre pour ses images hallucinatoires bizarres, Dali a également travaillé pour de nombreux autres médias, y compris le cinéma. Malgré une longue vie, il n’a jamais amélioré ses peintures des années 1930. Actif à Barcelone, Antoni Tapies (b.1923) est le peintre espagnol le plus éminent de l’après-guerre. Après avoir côtoyé le surréalisme, après Joan Miro et Paul Klee, il a commencé à travailler en techniques mixtes, développant ainsi le style de la peinture à la matière. En 1958, il reçut le prix de la peinture au Carnegie International de Pittsburgh et le prix de l’UNESCO à la Biennale de Venise.
Les plus grandes peintures espagnoles
Importants sculpteurs et peintres espagnols
Alonso Berruguete (c.1486-1561)
Peintre et sculpteur maniériste espagnol de premier plan.
Juan de Juni (1507-1577)
Artiste français actif en Espagne; classé aux côtés d’Alonso Berruguete.
Juan Martinez Montanes (c.1568-1649)
Le plus grand sculpteur espagnol de l’époque baroque, célèbre pour ses sculptures religieuses sur bois.
Alonso Cano (1601-1667)
Artiste espagnol surnommé "l’espagnol Michelangelo" pour sa polyvalence.
Collections d’art espagnol
On peut voir des œuvres de maîtres espagnols dans beaucoup de meilleurs musées d’art à travers le monde, notamment:
Musée national d’art de Catalogne, Barcelone (MNAC)
Le Musée national d’art de Catalogne a ouvert ses portes en 1995 et regroupe les fonds de l’ancien musée d’art de Catalogne et du musée d’art moderne. Parmi les peintres et sculpteurs catalans espagnols représentés: Santiago Rusinol, Pau Gargallo, Antoni Gaudi, Ramon Casas, Isidre Nonell et bien d’autres.
Museu Picasso, Barcelone
Initiée par Jamie Sabartes, un ami intime de Picasso, la galerie a été fondée en 1963 et possède l’une des plus importantes collections d’œuvres d’art (3 500 pièces) de Pablo Picasso.
Bilbao Guggenheim
Réputé pour sa conception architecturale postmoderne, le musée est spécialisé dans les formes d’art contemporain, y compris l’installation, la vidéo et le film, ainsi que dans la peinture, la sculpture et l’assemblage.
Musée du Prado, Madrid
Abritant la plus belle collection de peintures espagnoles au monde, présentant des chefs-d’œuvre d’El Greco, Murillo, Ribera, Zurbaran et d’autres anciens maîtres espagnols. Parmi les points forts: Las Meninas de Velazquez; et Nude Maja de Goya.
Reina Sofia, Madrid
Musée national espagnol de l’art du XXe siècle, il possède d’importantes collections des deux plus grands peintres espagnols du XXe siècle – Pablo Picasso et Salvador Dali, notamment le célèbre tableau anti-guerre Guernica. Parmi les autres artistes représentés figurent Juan Gris, Joan Miro, Eduardo Chillida, Antoni Tapies et d’autres.
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