Nature morte 
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Le mot "nature morte" est d’origine française et signifie littéralement "nature morte". En peinture, ce mot désigne l’image de divers objets inanimés.
Références
Aux XVe et XVIe siècles, la nature morte n’était qu’une partie de la composition sur toile. Par exemple, des guirlandes de fleurs autour des figures du Christ et de la Mère de Dieu, représentant le verso des images de l’autel, ou tout simplement des crânes entre les mains de personnes représentées dans des portraits.
Au dix-septième siècle, la nature morte est devenue un genre de peinture indépendant, ce qui a été grandement facilité par le travail des maîtres des écoles flamandes et néerlandaises. Les objets dépeints dans les peintures de cette époque cachent souvent en eux-mêmes une sorte d’allégorie philosophique - l’inévitabilité de la mort et le caractère éphémère de tout ce qui est terrestre ou de sens plus large des sujets religieux. Mais la nature morte des fleurs gagne en popularité - ceci est directement lié aux traditions hollandaises: ses propres jardins, villas de campagne, juste des plantes d’intérieur, un amour de la floriculture est inhérent à ce pays. Parmi les exemples de natures mortes de fleurs néerlandaises, citons les compositions luxueuses, écrites par le peintre Jan Davids de Hem.
Lors de l’écriture d’une nature morte, vous devez choisir un objet digne de l’image. Les légumes frais conviennent parfaitement. Leurs couleurs vives vous égayeront lorsque vous admirerez la photo.
La nature morte est presque toujours un groupe de choses reliées par un sens commun. Ce groupe peut inclure des objets provenant d’animaux sauvages, mais isolés de leur environnement naturel, transformés en une chose: un poisson sur une table, un vase avec des fleurs ou des fruits, etc. Parfois, la composition d’une nature morte comprend une image d’éléments vivants: oiseaux, animaux, insectes, personnes, mais elle ne fait que compléter l’idée principale de la photo. Une nature morte sélectionne des objets dans le contexte général de la vie quotidienne, attire de plus en plus l’attention sur les moindres détails et la structure des surfaces, vous émerveille de la beauté des choses ordinaires et des formes naturelles, choses que la plupart du temps ne se soucie pas de regarder, sur eux avec un regard superficiel.
Nature morte décorative - les principales lois des solutions graphiques
Dans la nature morte décorative, on entend souvent un traitement très arbitraire de la nature, qui entraîne sa distorsion injustifiée, car l’ignorance des lois du travail sur ce genre entraîne de nombreuses erreurs. La peinture décorative, comme la peinture académique, est basée sur des lois et des principes stricts. Et la capacité de traduire la nature représentée du tridimensionnel visible en un espace bidimensionnel et de résoudre simultanément des problèmes de création, de composition et de peinture est nécessaire pour tous les artistes de haut niveau, car leur travail est conçu pour décorer de nombreux intérieurs..
Nous savons tous que le "décoratif" du mot "décor" - pour décorer, décoration. Le mot a deux significations:
- une méthode visant à créer une silhouette expressive qui a accru le talent artistique par rapport aux objets du monde environnant;
- spécificité des œuvres d’art planaires.
Si nous examinons l’histoire des beaux-arts, nous remarquons que tous les types d’activité visuelle pouvant être attribués à la peinture, de l’Antiquité à la Renaissance, sont décoratifs. Des peintures rupestres aux grottes, aux anciens égyptiens, aux grecs antiques, en passant par tout l’art des peuples de l’Est et de l’Asie jusqu’aux fresques de Giotto, l’artiste n’a pas «détruit» la surface graphique, créant ainsi une illusion d’espace, mais reliant organiquement la surface du image, qu’elle soit plate ou volumineuse, avec image.
Au cours du siècle dernier, AB Saltykov, célèbre chercheur en arts décoratifs et folkloriques ayant vécu et travaillé à Gjel à l’époque, a déclaré que la peinture à plat, en surface et en silhouette, bien sûr, est le plus apte à souligner et à exprimer des formes.
À partir de la Renaissance, les peintres ont commencé à se fixer d’autres tâches relatives au transfert de profondeur, d’espace et d’air dans les œuvres qu’ils créent.
Un retour à la décoration en peinture a eu lieu à l’époque Art Nouveau, peu avant la formation finale du style au 19ème siècle. Cela était dû en grande partie à la découverte de l’art japonais, qui conservait, en raison de l’isolement de son développement, une base décorative. L’observation attentive et attentive de la nature, la précision et la fiabilité de la vision, la légèreté et la sobriété, l’expressivité et la minutie de la solution de silhouette des gravures réalisées par des artistes japonais ont donné lieu à des images uniques et inoubliables. Les bûcherons Kutagawa Utamaro et Katsushiko Hokusai sont bien connus. Plus d’une génération d’artistes a été édifiée sur une composition plastique et impeccable de gravures japonaises.
Fin 19ème - début du 20ème siècle - Une période de recherches créatives et de découvertes intéressantes. Lorsque vous travaillez sur des natures mortes, vous devriez vous concentrer sur cette période particulière de l’histoire de la peinture. L’art des meilleurs maîtres de cette époque associe une extraordinaire expressivité des silhouettes, une sophistication, un laconicisme compositionnel et une complétude, alliés à la riche expérience des artistes des siècles derniers dans la création de constructions coloristiques harmonieuses, diverses et complexes. Par conséquent, lorsque vous travaillez sur une nature morte décorative, il est recommandé de porter une attention particulière au travail des célèbres artistes russes de cette époque: Alexander Golovin, Valentin Serov, Alexander Benois, Lev Bakst, Mikhail Vrubel, Alexander Lansere, Konstantin Somov, Alexander Kuprin, Ilya Mashkov, Pyotr Konchalovsky, Kuzma Petrov-Vodkine, Konstantin Yuon, Igor Grabar, ainsi que des peintres européens - Henri Toulouse-Lautrec, Paul Cézanne, Camille Pissarro, Gustav Klimt et autres.
Le processus de travail sur la nature morte commence par le choix d’un point de vue sur la nature. Et si, dans une image réaliste, les angles complexes et la lumière latérale seront le choix le plus efficace, comme la profondeur d’espace et la forme volumétrique les plus transmissibles, la lumière directe décorative au contraire, et le point de vue «de face» être les meilleures options, ce qui facilite la résolution de la tâche.
Il existe plusieurs techniques bien connues qui renforcent l’impression de décorativité:
- l’introduction d’un contour de couleur ou achromatique, combinant des objets retirés différemment sur le même plan;
- saturation avec un ornement;
- chevauchement d’un sujet par un autre chevauchement;
- la vue arrière est visible par l’avant.
Les lignes peuvent être droites ou courbes, elles peuvent créer leur propre motif simple, renforcer la diagonale ou introduire des répétitions rythmiques horizontales ou verticales. Ce sera peut-être quelque chose de tout à fait inhabituel et nouveau, mais le principal est que toute introduction au travail de la grille, le module, l’écrasement L’image rehausse l’effet décoratif, car elle combine les plans et transforme l’ensemble du travail en un motif organisé rythmiquement. Les répétitions rythmiques, à leur tour, rehaussent le caractère décoratif du tableau.
La qualité, qui est la principale condition de l’image pittoresque, est l’expressivité de la composition, qui dépend directement du contraste correctement trouvé, ce qui lui confère un pouvoir décoratif. Mais il existe des contrastes structurels plus profonds qui déterminent la nature de l’image artistique. À cet égard, nous devons essayer de niveler les associations inutiles qui se produisent, qui interfèrent avec la perception globale du plan.
Considérez les lois fondamentales par lesquelles le travail sur une nature morte décorative est construit. Il existe un avis selon lequel la peinture décorative est très différente de la peinture académique, il s’agit là de deux choses d’un ordre différent. Nous examinerons attentivement la différence et les points communs entre la peinture académique et la peinture décorative. Les deux lois sont basées sur les mêmes lois - harmonie des couleurs, couleur des consonnes, expressivité de la composition, organisation rythmique des éléments d’une œuvre, solution imaginative. Il est également nécessaire de noter la différence - dans la peinture décorative, l’espace à deux dimensions, contrairement à l’académique à trois dimensions, il est donc nécessaire d’exclure autant que possible la perspective linéaire et aérienne, il n’y a pas non plus de transmission illusoire de forme volumétrique, mais l’organisation rythmique joue le rôle le plus important, car le rythme contribue à renforcer la base décorative de la peinture. Il existe une attitude plus arbitraire à l’égard du matériau naturel et de sa plus grande interprétation créative afin de renforcer l’expressivité de la composition et de la présentation de l’image.
Le côté graphique de l’œuvre est très important, sans composition symbolique raffinée, vérifiée et expressive, avec des fondements simples et clairs et un développement complexe et diversifié, il ne saurait y avoir d’œuvre digne.
Mais la caractéristique la plus importante de la peinture est la couleur. C’est pourquoi la création d’une mosaïque de couleurs ravissante, avec ses contrastes et ses nuances de couleurs et de tons, ses accords de couleurs puissants et ses teintes subtiles, constitue la première tâche de l’élève. Sans cela, la peinture est sèche et ennuyeuse. Pour exprimer l’atmosphère, définir, créer une image mémorable par tous les moyens de la peinture (couleur, composition, dessin), c’est la tâche principale à laquelle les étudiants sont confrontés. La nature représente le matériau de créativité le plus riche et le plus diversifié. Vous avez seulement besoin de la capacité de voir de manière artistique et de passer à un langage pictural adapté à chaque cas. L’éducation d’un regard indifférent, non superficiel, mais attentif, sensible et subtil sur la nature, l’acquisition de compétences pour traduire une image naturelle en langage de décor est l’objectif de cette tâche.
On peut en dire beaucoup sur l’impact émotionnel de la couleur, sur l’amélioration de son caractère décoratif, sur les divers degrés de conditionnalité d’une nature morte décorative - de ceux qui sont proches de la nature en termes de développement de la couleur et permettant un petit volume, comme un faible relief dans un image sculpturale, à une affiche et un signe comme un degré extrême de décorativité. Mais il faut résumer et dire qu’en général, travailler sur une nature morte décorative n’est pas un changement de nature selon un principe arbitraire, il repose, comme le travail sur un travail de peinture académique, sur certaines lois, dont la connaissance, bien sûr, est nécessaire lors de l’exécution.
Nature morte
Réalisation de natures mortes à l’image de bouquets de fleurs et d’herbes, application des technologies et techniques de l’art moderne à leur mise en oeuvre et intégration à l’intérieur comme accent de couleur et dominante, alliant harmonieusement la solution imaginative et l’image de l’artiste La solution intérieure est une tâche importante dans la recherche de nouvelles solutions créatives dans la décoration intérieure des artistes contemporains.
L’histoire de l’apparition et de la distribution d’images de bouquets de fleurs et d’herbes dans l’art de peindre et la solution artistique de l’intérieur est intéressante et multiforme. Un bouquet pittoresque a toujours été un point de couleur actif à l’intérieur. Lorsque vous l’incluez à l’intérieur, il est très important de maintenir l’unité stylistique de tout l’intérieur, de résister à ses caractéristiques, et de ne pas violer la structure figurative et la décision artistique de tout l’intérieur. Ce n’est donc pas un hasard si de nombreux artistes de différentes époques sont constamment revenus à l’image des fleurs dans leurs œuvres.
Les bouquets de fleurs, de motifs variés, de différents types d’art, ainsi que d’autres motifs courants, sont l’un des principaux motifs du design d’intérieur. La signification symbolique des fleurs dans l’art est riche de traditions. Les herbes des champs symbolisent le désespoir, une guirlande de fleurs ressemble à un symbole de l’éternité. Beaucoup de fleurs et de plantes sont des symboles des saisons: les citrons sont l’hiver, les fleurs sont le printemps, les fruits sont l’été, les raisins sont l’automne.
Le rôle principal dans la mise en œuvre des natures mortes est joué par l’étude de la séquence et de la technologie pour la mise en œuvre des natures mortes en couleurs, l’étude des chefs-d’œuvre de l’art mondial dans ce domaine, la connaissance des nouvelles technologies de l’art et des matériaux pouvant être appliqués dans le travail sur une nature morte avec un bouquet.
La réalisation de natures mortes avec des bouquets de fleurs et d’herbes pose généralement de grandes difficultés, car travailler sur l’image de la forme d’une fleur individuelle et d’un bouquet dans son ensemble, ainsi que sur l’identification de la relation entre un bouquet et une nature morte, est une tâche ardue. tâche difficile et nécessite une approche particulière de la méthodologie et de la technologie permettant de réaliser des natures mortes.
Lors de la création d’une nature morte, il est important d’observer la séquence méthodologique. Au premier stade, il est nécessaire de déterminer la couleur générale et le ton du contenu de la production, les relations de couleur principales, il est nécessaire de trouver correctement la composition de l’œuvre, le rapport proportionnel correct des objets, déterminer la place de tous les objets. et déterminer la taille du bouquet. Le centre de la composition peut être distingué à l’aide d’une solution de contraste de fleurs et de formes.
Dans presque toutes les natures mortes de fleurs, le bouquet est le centre de la composition, il sert d’accent de couleur et d’accent, et sa mise en couleur est la tâche la plus difficile pour travailler sur une telle nature morte. Une fois le croquis terminé, il est nécessaire de le transférer correctement et avec le plus de précision possible dans un grand format et de déterminer avec précision la place du bouquet dans la composition des natures mortes. Ensuite, vous pouvez passer à la deuxième étape du travail - la mise en œuvre d’une nature morte avec un bouquet en couleur. Vous ne pouvez pas commencer à travailler avec une étude détaillée du bouquet, vous n’avez pas besoin d’écrire chaque fleur et chaque feuille séparément, vous devez comprendre quelle place occupe le bouquet dans une nature morte, comment il se combine avec l’arrière-plan et le des objets qui l’entourent, il est nécessaire d’identifier la nature du bouquet et les principales caractéristiques de ses fleurs et de ses feuilles.
Lorsque vous effectuez une nature morte avec des bouquets de fleurs et d’herbes, vous pouvez enrichir et compliquer l’image en obtenant des effets supplémentaires grâce à l’utilisation de nouvelles peintures (volumétrique, fluorescente, texturée), ainsi que divers effets provenant d’autres types d’art (par exemple, à la main). - toile peinte - sel), il est possible, l’utilisation de certaines techniques professionnelles de l’artiste-designer dans l’image et le transfert de textures variées, l’application des techniques et capacités du collage, etc.
Créer une nature morte avec une tête en plâtre
Le travail constant sur les productions à plâtre, allant du simple au petit nombre d’objets de nature morte, aux productions thématiques complexes, comprenant une figure et un intérieur, revêt une grande importance pour le développement des compétences en peinture académique. comme des natures mortes complexes de composition multi-niveaux. L’importance de réaliser des productions avec une tête en gypse est due au fait que le dessin et l’image en couleur des moulages en gypse facilitent l’étude des lois de la nature morte. La forme en gypse est incolore, contrairement au modèle vivant, elle permet donc de mieux comprendre la forme et de transmettre la couleur du blanc grâce à l’influence de l’environnement et de la nature de l’éclairage qui y est appliqué. Travailler sur une nature morte avec une tête en plâtre aide à se concentrer sur la forme, permet d’approfondir l’étude de cette forme, de la nature et des proportions du modèle en plâtre, puisqu’il n’ya aucun mouvement et que seuls les détails les plus caractéristiques sont révélés..
À différentes époques historiques et dans toutes les écoles de peinture nationales, la peinture d’anciens moulages en plâtre et de fragments de sculptures de la Grèce antique et de la Rome antique a suscité un intérêt particulier. Le sujet principal de l’image dans de telles natures mortes était une tête en plâtre, une fonte en plâtre, qui soumettait tous les objets et draperies qui l’entouraient.
La nature morte avec du gypse est un sujet très particulier dans l’art de la nature morte, dans lequel les sciences naturelles, les vues religieuses et morales de l’homme sont cryptées. Dans l’histoire des beaux-arts, il existe de nombreux exemples de nature morte avec une tête en plâtre, qui sont un exemple de grande habileté. Les artistes russes remarquables Levitsky, K. Bryullov, A. Ivanov, qui n’étaient pas inférieurs aux techniques de dessin et de peinture des plus grands maîtres de l’Occident, accordèrent une grande attention au travail sur une nature morte avec du gypse. L’œuvre la plus célèbre des maîtres occidentaux est "Nature morte aux attributs de l’art" de J.-B. Chardin, écrit dans les années 1760.
La condition principale pour la mise en œuvre réussie d’une nature morte avec une tête en plâtre est un déroulement cohérent et systématique du travail. Lors de la mise en scène d’une nature morte, il est nécessaire de déterminer le contenu coloristique et thématique de l’œuvre. Effectuer une nature morte avec une tête en plâtre de différentes couleurs aide à résoudre le problème de formation des compétences de la reproduction la plus précise des relations de couleur.
Le concept de composition joue un rôle essentiel dans l’exécution d’une nature morte. Il est nécessaire de réfléchir à la disposition de tous les objets qui composent la nature morte, de trouver leur silhouette, de déterminer la quantité de lumière et d’obscurité, les accents de couleur, en particulier le transfert de couleur blanche du gypse.
Avant de travailler, vous devez réaliser plusieurs croquis ou études en couleur. L’objectif de ce travail est d’étudier les lois de la peinture, de rechercher des couleurs et des solutions de composition pour le travail. L’étude est réalisée par les étudiants afin d’identifier et de transmettre les caractéristiques linéaires-plastiques les plus caractéristiques de la nature, les relations fondamentales de couleur et de ton de la nature morte.
Lorsqu’ils travaillent sur du plâtre en couleur, les artistes doivent prêter une attention particulière aux transitions tonales subtiles. La signification du ton dans la peinture est d’une grande importance. Le mauvais ton d’une couleur dans un travail sur une peinture affecte négativement la qualité du travail. Lorsque vous travaillez sur une nature morte avec une tête en plâtre, ainsi que sur n’importe quel tableau, vous devez vous rappeler que les objets proches ont un ton différent et déterminent correctement cette différence de ton.
Texte: Smirnov Vyacheslav Fedorovich