Les principales directions de la culture occidentale du XXe siècle. Automatique traduire

Les études culturelles et l’histoire de l’art, comprenant les phénomènes et explorant les processus de développement de l’art du XXe siècle, ne sont pas encore en mesure de juger ces phénomènes dans leur ensemble par leurs résultats finaux. Il serait plus juste de nous limiter à identifier les principales tendances du développement de l’art au cours du siècle dernier.

Crise de l’art du XXe siècle, exprimant la plus haute tension de la fracture. Au tournant des XIX-XX siècles. le réalisme démocratique et l’impressionnisme font désormais partie du passé et le travail des post-impressionnistes est en pleine mutation. En même temps, il existait un mouvement artistique et idéologique international majeur, appelé Art nouveau en Russie, art nouveau en Belgique et en France, sécession en Autriche-Hongrie, art nouveau en Allemagne, style de la liberté en Italie, style moderne dans le monde. Royaume-Uni, style Tiffany aux Etats-Unis. L’Art Nouveau s’est fixé pour tâche de créer un nouveau style large, qui comprenait un programme esthétique très distinct. En général, l’idée d’un tel programme est l’idée de créer une beauté qui ne soit pas contenue dans la vie et qui ne satisfait pas les artistes. De toute évidence, l’art lui-même a été le seul détenteur du beau style moderne. Bien entendu, un tel programme est orienté vers l’art pour l’art et l’esthétique. Mais en même temps, il vise à transformer la vie avec des moyens esthétiques. La créativité était comprise comme un fantasme artistique, assimilé aux forces créatrices de la nature. D’où la combinaison fréquente d’idées symboliques et de motifs décoratifs. En architecture, fluide, plastique, comme si des formes auto-formantes s’étendaient, créativité créative - un ornement floral stylisé, s’étalant sur la surface, se développant, comme si on enveloppait un objet. En peinture, les lignes flexibles et les taches de couleur ne distinguent pas le volume, mais créent un monde particulier où l’espace n’a pas de profondeur, les objets et les figures - la masse. La composition elle-même est déterminée par le début des motifs décoratifs.

L’Art Nouveau gravit autour de la synthèse de l’art. Pole S. Vyspiansky (1869-1907) était un poète, un dramaturge, un peintre, un artiste graphique, un maître du design d’intérieur architectural. L’Allemand P. Behrens (1868-1940) a travaillé comme architecte, peintre, designer et graphiste. Belge X. Van de Velde (1863-1957) était un théoricien du modernisme, un architecte, un organisateur d’arts décoratifs et appliqués, un peintre et un graphiste.

Les artistes Emil Galle, Eugène Grasse, Eugène Valen, Louis Bo-Nieu, Alfons Mucha et d’autres ont valu à l’Art nouveau français une renommée mondiale, étaient à la fois des architectes, des sculpteurs, des graphistes, des designers et ont beaucoup propres mains.

L’Art nouveau a réussi à combiner de manière organique les traditions artistiques européennes et orientales. Les motifs orientaux forment non seulement un groupe spécial d’œuvres dans ce style, mais sont souvent utilisés dans les arts et l’artisanat.

L’Art nouveau est directement impliqué dans l’essor du graphisme en circulation, qui a entraîné la diffusion massive des arts graphiques dans la vie publique et personnelle. Les graphiques de journaux et de magazines ont connu un développement particulièrement rapide. Cela a également été facilité par le fait important que les capacités du cliché zincographique de magazine-journal correspondaient aux propriétés du modèle Art Nouveau, qui fonctionne avec une ligne de contour large et un point plat. En fait, les artistes modernes ont créé un nouveau type de livre, dans lequel le dessin n’était qu’un seul et même ensemble, y compris les illustrations, la police de caractères, la reliure, le format, etc. Parallèlement aux éditions à grande diffusion, des publications chères et sophistiquées ont commencé à apparaître. Apparaître La conception de ce qui a impliqué non seulement des artistes graphiques, mais aussi des artistes d’autres spécialités.

Presque entièrement conforme à ce style, le développement de l’art de l’affiche a eu lieu. Dans les affiches publicitaires, une méthode matérielle est développée qui donne de la crédibilité à l’image du produit annoncé. Un groupe spécial est occupé par des affiches contenant des motifs sociopolitiques qui ont constitué la base de l’affiche révolutionnaire.

Le coup a été fait par des artistes de l’Art nouveau dans les arts et l’artisanat: ils ont attaché des objets ménagers à une valeur artistique. Presque tous les artistes modernistes ont créé des draperies, des meubles, des bijoux, etc. Non seulement des directions entières et des grands maîtres individuels travaillant dans cet art sont apparus, mais des industries entières ont commencé à se développer de manière nouvelle: la porcelaine au Danemark (artiste K. Thomsen), le verre production en France (E. Galle) et verre opale aux Etats-Unis (LK Tiffany).

En 1907, l’émergence de l’organisation allemande Werkbund, qui réunit sur une nouvelle base des industriels, des architectes et des artistes, marque le début d’une nouvelle ère. Les modernistes voulaient associer art et produits ménagers hautement professionnels. Mais dans la pratique, cela a conduit à une stratification nette. D’un côté, des œuvres d’art coûteuses ont commencé à être créées et, de l’autre, des objets d’artisanat bon marché appelés kitsch. Les produits dans le style du kitsch sont comme un fantôme bon marché de la beauté. Ils sont caractérisés par la sentimentalité, des pathétiques arrogants, un éclectisme délibéré, un décor excessif et de faux matériaux coûteux. Le kitsch a été reproduit à partir d’une imitation industrielle de produits uniques. Depuis les années 1960, il est devenu l’un des phénomènes de la culture de masse. Le kitsch est le plus largement utilisé dans la conception de produits de boulevard, de films et de vidéos, sous diverses formes de décoration domestique standardisée.

Dans le contexte de problèmes mondiaux liés à l’économie, les gens attachent de plus en plus d’importance à leur lieu de travail. il y a travailler à Chisinau vacants apparaissent tous les jours.

Les aspects positifs des tentatives visant à associer création artistique et production industrielle comprennent l’émergence du design, ainsi que la conception de produits de masse dotés d’un niveau de qualité standard. Mais cela, à son tour, a fondamentalement nié la stylistique décorative et ornementale de l’Art nouveau. Conception, combinant différents types d’activités de conception, l’objectif principal était la formation de qualités esthétiques et fonctionnelles de l’environnement du sujet. Celles-ci comprenaient non seulement la beauté, mais aussi l’opportunité, la rentabilité, la commodité physiologique et psychologique de l’utilisation de l’objet. Tout cela indiquait une crise, un état critique de l’ère des styles artistiques.

Mais le style moderniste n’allait pas abandonner ses positions. Il a prospéré rapidement et magnifiquement en architecture. Certes, l’Art nouveau n’est pas devenu un style officiel, car ses libertés romantiques ne convenaient pas aux bâtiments officiels. L’Art nouveau n’a pas non plus reçu de reconnaissance métropolitaine inconditionnelle, bien que des constructions de ce style aient été construites à Paris, Vienne et Bruxelles. Les centres architecturaux de l’Art nouveau incluent des villes telles que Barcelone espagnole, Turin italienne, Munich allemande et Darmstadt. Le modernisme ne pourrait jamais prétendre à une architecture de masse, car ses fantasmes architecturaux nécessitaient des coûts financiers très élevés. Ce style s’est développé principalement dans l’architecture des hôtels particuliers urbains et des immeubles d’habitation coûteux, des villas de campagne et des chalets d’été. À l’extérieur, ces bâtiments ressemblent à une composition spatiale asymétrique, fusionnant des volumes de formes et d’échelles différentes. La décoration décorative des façades et des intérieurs atteint une sophistication incroyable, tandis que la forme et la décoration des fenêtres, des portes, des escaliers se diversifient presque à l’infini. L’architecture se concentre sur la création d’une sorte de confort esthétique. Les représentants les plus en vue du style architectural de style Art nouveau étaient A. Gaudi, en particulier, qui a créé le parc Guell à Barcelone et l’immeuble Batlo, et J. Hoffman, qui a construit le palais Stoclet à Bruxelles, décoré de motifs multicolores. mosaïques de G. Klimt. Aux États-Unis, l’architecture acquiert un caractère vital, qui se reflète dans la construction de maisons de campagne unifamiliales. Le slogan des architectes américains est: "La forme suit la fonction". Dans le style Art Nouveau, l’architecte américain FL Wright a travaillé.

L’utilisation de cadres en béton armé, qui ont été utilisés pour la première fois à Paris par O. Per-re, a permis de créer d’énormes fenêtres «à la française» élargissant le mur du sol au plafond. Les bâtiments de style transitionnel ont encore beaucoup en commun avec le style Art nouveau, par exemple, les façades revêtues de tuiles. Mais une nouvelle était visible à la fois dans le cadre en béton armé non dissimulé et sur les vastes surfaces de verre formant une architecture de façade laconique. Les tendances rationnelles ont commencé à se manifester de la manière la plus large et la plus vive dans la construction de divers bâtiments publics. Progressivement, l’esthétisme émotionnel de la modernité est de moins en moins subordonné au constructivisme, au rationalisme et au fonctionnalisme.