Essai et erreur de peinture Automatique traduire

Au lieu de copier littéralement et de vous soumettre docilement à un ensemble de règles de peinture bien connues, introduisez un élément de hasard dans votre travail. Éliminez les postulats préétablis, les timbres en vigueur et donnez-vous une liberté totale en utilisant les possibilités infinies des peintures à l’aquarelle.

Pat Dewes

En commençant à travailler sur une nouvelle image, j’envisage clairement son développement dans plusieurs directions et j’examine attentivement chacune d’elles. Ma peinture est le résultat de ma méthode d’essai et d’erreur. Je ne fais pas de croquis. Le manque de méthodologie est la base d’une liberté illimitée pour l’artiste. Ayant refusé le strict respect des normes et des règles de toute technique, je peux prendre des décisions tout en travaillant sur une peinture. Le processus de peinture ouvre d’innombrables possibilités devant moi. Prenant "procès" comme un style de peinture, essai et erreur, l’artiste doit faire preuve d’une grande patience. Peindre nécessite plus de temps que de "porter" l’idée de la photo. Je refais constamment la composition de l’image en utilisant un pinceau pour résoudre les problèmes. Il peut être très difficile d’aller du début du travail au moment où je pourrais considérer la photo comme terminée, car j’essaie toujours de trouver un moyen de l’améliorer. Cependant, à mon avis, les avantages de ce style de peinture sont beaucoup plus importants que les inconvénients. Sur un morceau de papier, je suis capable de résoudre physiquement et de résoudre tous les dilemmes de la peinture qui ont surgi et de créer une image positive et convaincante.

Perfection absolue

J’essaie de développer une attitude de discernement envers les entreprises, basée sur l’amélioration continue de soi, donc je m’efforce de trouver des moyens d’améliorer la composition. Certains de mes projets en cours depuis le début de la peinture jusqu’à sa réalisation réelle changent si radicalement qu’ils se transforment en des choses complètement nouvelles et inattendues. Pour moi, c’est la vraie joie du métier d’artiste: une étude minutieuse et un ajustement des couleurs sur papier. Malgré le fait que le début des travaux sur la peinture, ainsi que son achèvement, apporte à l’artiste de nombreux moments uniques et ravissants et des sentiments profonds, le processus de la peinture elle-même m’intrigue beaucoup - un voyage passionnant dans l’inconnu.

En tant qu’artiste - abstrait, je ne m’engage pas dans la transmission littérale de la nature. La plupart de mes œuvres naissent dans l’imagination, qui a constamment besoin de nourriture, de développement et de stimulation. En quête d’inspiration, je visite des musées et des expositions d’art. Je prends également des centaines de photographies. Pratiquant constamment, j’écris des natures mortes, je travaille en plein air et je profite de toute occasion pour peindre. J’étudie le matériel de mes propres travaux, ainsi que celui d’autres artistes. Après avoir décidé de ce que je veux dire exactement dans ma photo, j’essaie de déterminer par quels moyens cet objectif peut être atteint.

Problème d’équilibre

Bien sûr, je ne compte pas sur tout uniquement à l’occasion. Je connais bien les règles pour choisir un jeu de couleurs et construire une composition. Je lis constamment de la littérature sur ce sujet afin de comprendre comment ces règles peuvent être utilisées plus efficacement dans ma pratique et comment les faire fonctionner dans mon intérêt. Ayant été engagé dans la peinture pendant 30 ans, j’ai trouvé une approche stylistique intuitive qui vous permet de corriger les erreurs de composition au cours du processus.

Malgré la nature intriguante et provocante du travail de cette manière, il s’agit d’un style de peinture fascinant et reconnaissant. Si vous décidez d’adapter la méthode d’essai et d’erreur, faites des réserves de papier. Quels que soient vos talents, votre talent naturel ou d’autres circonstances, les chances que la première tentative aboutisse sont, en toute franchise, minimes. N’oubliez pas que les corrections nécessaires peuvent toujours être apportées, en particulier si vous travaillez avec des peintures acryliques. La surface du papier peut être recouverte d’un apprêt pour gesso, ce qui crée un nouveau revêtement. Le travail ayant échoué peut être utilisé comme élément de collage. La seule chose que vous devez surmonter est un sentiment de peur, de nervosité et de gêne.

L’évolution de la forme abstraite

Récemment, j’ai terminé le travail «Remembering Acadia» (68,6 x 68,6), une chose abstraite qui capture l’essence et les qualités naturelles les plus caractéristiques de ma côte bien-aimée dans le Maine. Mais c’est le processus de peinture qui a permis de transmettre l’essence de mon style. Les travaux ont commencé sur la base de 73,7 x 106,7, mais leur format final a été réduit à 68,6 x 68,6. Ce qui a été conçu à l’origine et qui a commencé comme un paysage lyrique avec des bouleaux au premier plan s’est transformé en un motif marin bouillonnant. Des masses de neige précédemment conçues dans un bosquet se transformaient en violentes éclaboussures de vagues. Le processus d’introduction de telles transformations fondamentales m’aide à déterminer la direction dans laquelle, à mon avis, la situation devrait évoluer. En règle générale, je suis extrêmement satisfait du résultat.

Face à des difficultés insurmontables, je suis obligé de changer quelque chose et, pour moi, tous les moyens sont bons. Lorsque les dimensions d’origine de la base n’étaient pas satisfaites, j’ai utilisé des parties du tapis sous la forme de la lettre «L» pour rechercher un format de composition différent. J’ai changé le format d’image des morceaux de passepartout en prévision de la «cloche» si familière, indiquant que le choix était juste. En conséquence, à mon avis, la photo a été largement gagnante dans un format carré réduit. Elle a franchi une nouvelle étape dans le processus de modification: maintenant, la composition de la peinture a également été réévaluée. Il me semblait que la forme souhaitée du blanc pourrait être modifiée en une forme d’onde. En regardant à travers les photographies de Acadia, je me suis rendu compte que la photo serait réussie et plus convaincante si elle était transformée en paysage marin. Heureusement, une forme blanche était déjà définie à l’endroit où se trouvait la principale tache brillante de la crête de la vague. J’ai eu de la chance.

La méthode d’essai et d’erreur est intéressante principalement en raison de la possibilité d’expérimenter la joie des découvertes inattendues. L’espoir que la prochaine image soit la meilleure m’encourage à approfondir mes recherches. Suivez-moi: je vous guiderai à travers les différentes étapes du travail sur le tableau «Remembering Acadia - 2» (73,7 x 101,6), le deuxième de la série consacrée aux paysages de l’Acadie.

Étape 1. Remplissez la photo avec de la lumière

L’utilisation de papier de haute qualité est un aspect extrêmement important de la peinture et une condition pour obtenir un bon résultat. J’ai choisi le papier graphique BFK Rives. Il n’est pas nécessaire de gratter intensément sa surface: le contenu du liant adhésif dans sa structure est réduit afin de créer le bon équilibre entre l’absorption du colorant et la capacité du papier à le maintenir à la surface. Ce type de papier est caractérisé par un haut degré de finesse, ce qui vous permet de créer des effets texturés de qualité.

Comme la plupart de ses expériences, elle a commencé à travailler en pulvérisant accidentellement de la peinture sur la surface du papier et en créant un remplissage ocre doré (Mascara fabriqué par FW) sur environ un tiers de la surface de la feuille. Le remplissage introduit de la chaleur et de la lumière. J’ai donc jeté les bases de la lumière émanant de l’image. J’ai appliqué les remplissages initiaux très soigneusement, en essayant de garder certaines sections de papier non peintes, qui forment ensuite une cascade des tons les plus clairs. J’utilise ces zones afin de répartir l’attention du spectateur sur toute la surface de l’image.

Les tons rose pêche dans le coin supérieur droit sont peints avec des remplissages d’alizarine, de framboise et de jaune napolitain (produits par Winsor & Newton). Puis, à la surface de ce remplissage, j’ai placé des morceaux de papier ciré déchiré et froissé et j’ai attendu que la peinture sèche complètement. Je modifie toujours prudemment les formes des morceaux de papier froissés et garde des sections «calmes» de l’image pour créer des contrastes expressifs avec des taches d’effets texturés complexes. Elle a ensuite appliqué un mélange de bleu outremer, de magenta (aquarelle liquide Winsor & Newton), de peintures à l’antilope (mascara produit par FW), de brun rougeâtre (Dr. PN Martin) et de turquoise (acrylique fabriqué par FW). En essayant de créer des effets texturés attrayants, saupoudrez de sel certaines zones et, après séchage, nettoyez légèrement la surface avec du papier de verre.

Des taches supplémentaires texturées ont été créées lors de l’utilisation d’un aérosol - un aérosol provenant d’un assainisseur buccal pour atténuer légèrement un ton brun-rougeâtre. Avec une petite quantité d’eau de javel diluée, elle a à peine fait allusion à la présence d’eau dans la partie supérieure de la grande forme rocheuse en bleu (milieu du côté droit de la photo).

Étape 2. Création de tons sombres de contraste et de certitude

Pour les zones de tons sombres, j’ai pris des peintures acryliques - rouge cadmium foncé, terre de Sienne brûlée et bleu outremer mélangées avec un apprêt pour gesso. Le malaxage se faisait en une couche plutôt mince, mais j’ai passé au-dessus des traits sombres avec un morceau de papier toilette pour les alléger légèrement. (Les serviettes en papier Scott conviennent le mieux pour cela). Elle a appliqué une version plus épaisse du même mélange de couleurs dans le coin inférieur gauche de la composition, puis a prescrit les formes principales avec cette couleur. Je préfère «traiter» avec les tons sombres dans les premières étapes du travail, afin de pouvoir raisonnablement juger du degré de contraste de mes peintures.

Étape 3. Contrôle des zones vulnérables

Je suis parvenu à la conclusion qu’il était plutôt urgent de renforcer la base dans le coin inférieur droit de l’image, c’est-à-dire de relier fermement les éléments en un seul nœud sémantique. J’ai mis de l’ocre dorée mélangée avec un apprêt pour gesso sur cette zone, et j’ai appliqué les plus fins traits de cette peinture sur tout le champ de la photo, en fait, de faibles allusions de cette couleur. Puis, après avoir décidé que les tons trop sombres et mats étaient rassemblés dans la partie inférieure gauche de la photo, elle lui prescrivit un mélange de peintures acryliques - vert Hooker, alizarine framboise et apprêt gesso blanc. Suppression de l’excès de peinture avec une ancienne carte de crédit. J’ai enregistré des fragments d’espaces blancs avec cette couleur, en utilisant du papier ciré et en emballant du plastique pour créer une texture.

Étape 4. Transfert d’éléments de mouvement actif

Un apprêt dilué au gesso éclaboussait la surface du papier; dans le processus de gouttelettes tombant sur la base, des «jets» d’eau pulvérisée ont été ajoutés pour imiter l’écoulement naturel de l’eau. En outre, elle a infligé ce lot à partir d’un site rappelant une masse d’eau située au centre, de la droite au sommet d’une formation rocheuse de couleur bleue. La pièce blanche subsistante sur la forme d’une pierre bleue au centre à droite s’est changée en rose.

Utilisation d’alcool et d’une bouteille vide sous le pulvérisateur - Spray chloraseptique (il s’est avéré excellent au travail), éléments projetés ressemblant à des bulles d’air sur des masses d’eau. Comme je n’étais pas assez satisfait de la section oblongue jaunâtre au milieu de la photo, un mélange d’acryliques - bleu céruléum et de terre de Sienne brûlée (société Liquitex), mélangé à un apprêt pour gesso, lui a donné une variété de couleurs. Un apprêt liquide pour gesso est passé sur le moule bleu, pulvérisant de l’alcool sur la surface du papier pour créer des formes sous forme de bulles d’air.

Étape 5. Frottis finaux

Enfin, elle a ajouté des tons sombres là où l’image devait être améliorée. J’ai modifié le contour d’une forme allongée dans la partie centrale de l’œuvre et j’ai imité la forme de la pierre directement derrière cette forme pour casser l’espace encore plus profondément.

J’ai utilisé un pinceau linéaire pour dessiner des lignes fines sur toute la surface de l’image afin de connecter ses composants en un seul ensemble et de diriger les yeux du spectateur d’un noeud de composition à un autre. Les contours dans le coin supérieur gauche égayent cette zone complètement blanche avec une touche de bleu. Les lignes sont un excellent moyen de casser l’espace. Même une petite ligne peut laisser une forte impression et générer un sérieux regain d’énergie. Le mince contour bleu de la partie inférieure droite de la photo soutient inexplicablement la forme d’une pierre épaisse. Néanmoins, il convient de rappeler que cet élément de la peinture - la ligne habituelle - est plus efficace s’il est appliqué avec modération.

Elle a appliqué un point blanc dans la partie inférieure gauche de la photo, à l’aide de l’apprêt blanc pour gesso: ceci aidera à répartir l’attention du spectateur dans l’espace de travail. Sans cette emphase, la photo aurait perdu le bon équilibre. J’ai trouvé que la forme sombre dans la partie inférieure gauche de la composition sans cet ajout nécessaire semble trop grande, ennuyeuse et sans vie. En notant chaque élément séparément, l’artiste collectionne comme si de la mosaïque. Chaque nouvel objet doit être organiquement connecté aux autres, intégré à la vue d’ensemble de manière à ce que tous les éléments prennent leur place et fusionnent en un tout harmonieux. En travaillant sur cette image par étapes, j’ai pu identifier les pièces les plus réussies. En outre, des erreurs ennuyeuses et des erreurs sont devenues évidentes: certains éléments de composition étaient inefficaces et le processus de peinture était plus long qu’il ne l’aurait été s’il n’avait pas été nécessaire de refaire en permanence des fragments de l’image. Mais ma patience et mon travail acharné ont été pleinement récompensés: j’ai pu créer une image dans laquelle tous les éléments interagissent les uns avec les autres pour former un tout complet. J’ai aussi découvert qu’il est parfois difficile de dire pourquoi la photo a été révélée. mais vous êtes sûr qu’il en est ainsi.

Transformation inattendue de l’image

Au début du travail sur le tableau «Remembering Acadia», je ne savais pas que je le finirais comme un paysage marin. C’est l’appel extraordinaire de mon style: il donne la joie de découvertes inattendues. Par exemple, la vague de mer orageuse qui s’est brisée sur les rochers dans le coin supérieur droit a été conçue à l’origine comme une masse de neige dans un bosquet de bouleaux. J’aime élaborer des décisions fondamentales directement sur un morceau de papier.

Ne jetez jamais de "déchets"

La peinture «Le bord de l’eau et l’influence lumineuse de Braque» (74,9 x 106,7) a subi de nombreux changements dans le processus de création. Le plus important d’entre eux est apparu dans le coin supérieur droit de l’œuvre. Au début, il y a eu une vague réaliste. Cependant, il m’a semblé que l’élément réaliste contrastait avec la nature fondamentale - abstraite - de l’image. En parcourant des morceaux inutilisés d’autres œuvres à la recherche de nouvelles idées, je suis tombé sur une feuille verte à partir de laquelle un petit cercle a été découpé. Cela m’a inspiré pour créer une forme similaire dans le coin supérieur droit, ce qui a apporté une coloration abstraite supplémentaire à l’œuvre. Ce changement apparemment insignifiant a permis de réunir toutes les parties de la composition de l’image en un tout.

Garder le mouvement

La peinture «Falling Water» (54,6 x 74,9) a été réalisée sur la base d’une composition volumineuse et considérablement recadrée. Tenant une feuille de papier en position verticale, j’ai éclaboussé une couleur bleue sur sa surface. Au moment de déposer des gouttelettes de peinture sur la base, de l’eau a été ajoutée par pulvérisation pour créer l’impression d’une cascade en rage. De plus, j’ai utilisé du sel pour obtenir une texture expressive. Cette peinture est tirée de photographies de la maison de Frank Lloyd Wright. J’ai été corrompu par les éléments de coin structurels, ainsi que par la géométrie de la maison et l’écoulement de l’eau, qui se reflétait dans les puissantes formes angulaires. Le résultat final m’a ouvert un regard légèrement différent sur la nature.

Renforcer le centre des projecteurs

Il est très important pour moi que chaque nouvelle image soit différente des autres. Dans la composition «Winter Sea» (55,9 x 76,2), je voulais montrer de grandes zones calmes avec un centre de composition puissant - un point de focalisation. J’ai réussi à transmettre la gravité et la monolithicité des formations rocheuses de la parcelle à l’aide d’une modélisation minimale. Faites attention au fort contraste des points clairs et sombres au centre de l’attention du spectateur. Malgré le fait que de grandes formes simplifiées ont été utilisées, la technique du vitrage à plusieurs couches a introduit revitalisation et diversité dans les limites de chaque forme. L’attention du spectateur a été complétée par des éléments de collage. Un peu plus tôt, j’avais essayé de simuler les formes de cette zone avec de la peinture, mais j’ai alors décidé que les morceaux du collage seraient beaucoup plus attrayants. Par conséquent, j’ai collé les éléments du collage, et sur ce travail sur la peinture a été achevée.

À propos de l’artiste

Pat Dewes fait partie de la guilde des arts créatifs de la guilde des arts créatifs à Shrewsbury, dans le New Jersey. Elle a reçu de nombreux prix et est membre de deux associations créatives - les sociétés américaine et nationale d’aquarelle. En 1995, elle a reçu le prix American Watercolor Society Award - High Winds Medah. En peinture, Pat Dewes tente de transmettre l’essence des phénomènes naturels, la pierre et l’eau. Ce sont les thèmes récurrents de son travail. ils sont un fil rouge à travers son travail.