Statues / Reliefs hellénistiques: Nike de Samothrace, Gaule mourante d’Epigon, Laocoon, Vénus de Milo Automatique traduire
Pour d’autres exemples de statuaires de la région égéenne élargie,
voir le Art de l’Antiquité Classique (c.1000 AEC – 450 CE).
Remarque: parmi les statues grecques hellénistiques les plus célèbres se trouvait le colosse monumental de Rhodes (292-280 av. J.-C.) – désigné comme l’un des plus célèbres Sept merveilles du monde antique par le poète grec Antipater de Sidon.
introduction
Comment représentatif nos restes sont de Sculpture grecque hellénistique est difficile à deviner. Nous avons un bon nombre de statues originales, de qualité médiocre pour la plupart et concentrées vers la fin de la période, mais des copies – certaines en elles-mêmes hellénistiques – constituent un complément utile. Les portraits sont également nombreux et comprennent des originaux importants, mais les copies montrent surtout les philosophes populaires par la suite. Les reliefs de grande qualité sont rares, peut-être moins parce qu’ils n’ont pas été produits que parce qu’ils n’ont pas été copiés, et il n’a pratiquement pas survécu à la sculpture de type piéton.
[Remarque: pour plus d’informations sur les céramiques de la Grèce antique, notamment les techniques géométrique, à figures noires, à figures rouges et au sol blanc, voir: Poterie grecque: histoire et styles.]
Statues masculines debout
Bien que toujours en demande de statues commémoratives et d’images de dieux, la statue masculine debout n’avait pas autant d’intérêt pour les sculpteurs hellénistiques. Les poses étaient peut-être un peu plus informelles, mais l’ancienne construction à quatre carrés restait régulière, à l’exception de sujets indignes tels que les satyres et les représentations de la vie basse. La femme debout drapée offrait au moins la draperie pour jouer, bien qu’ici la nouvelle formule ait vite dégénéré en maniérisme. La statuette Baker , un original sculpture en bronze un peu plus de huit pouces de haut, est un exemple assez précoce, si (comme le suggèrent les terres cuites datées) il a été fabriqué vers 230 av. La silhouette est presque complètement enveloppée par sa robe qui s’évase pour recouvrir les pieds et emprisonne les bras. Et les formes corporelles du nouveau canon féminin ne sont qu’impliquées, bien qu’évidemment comprises. Dans les statues grandeur nature avec ce type de draperie, la pose est généralement conçue pour une vue de face et ne se tord donc pas; il est aussi généralement plus droit et compact, souvent avec un bras replié sur le côté. les seins et l’autre plié au-dessus avec la main près du cou, réduisant ainsi la distance entre les épaules. De telles statues étaient encore en cours de réalisation pour les portraits à la fin du IIe siècle. À cette époque, les types classiques, dont les versions modifiées n’avaient jamais disparu, revenaient en faveur.
Nike of Samothrace (Victoire ailée de Samothrace)
le sculpture en pierre Nike of Samothrace illustre l’utilisation sélective de formulaires de Première sculpture grecque classique. Cette œuvre extraordinaire, un original de marbre de Parian et d’une hauteur d’environ six pieds huit pouces, a été installée à la proue d’un navire taillé dans une pierre inférieure et faisant saillie obliquement dans un bassin artificiel parmi des roches soigneusement disposées. En raison de sa situation, la Nike pouvait être bien vue, même de loin, de l’avant et plus près du côté gauche, mais le côté droit et le dos étaient considérés comme étant hors de vue et donc jamais terminés: ceci explique la particularité soin apporté à l’apparition de la statue dans le quadrant entre les vues de face et de gauche. La transition entre ces deux vues se fait par une torsion en spirale, bien que cette spirale se trouve dans la draperie – dans les lourds plis entre les jambes et le système opposé autour de la hanche gauche – mais la figure, si dénudée, a une construction à quatre carrés. Les formes du corps sont assez classiques, à l’exception de la largeur des hanches et même de la draperie. Haut classique les dispositifs de transparence, les lignes de modelage et les lignes de mouvement sont utilisés à des fins habiles, voire partiellement décoratives. Une comparaison détaillée de la Nike samothracienne avec la Nike de Paionios mérite d’être faite et fait honneur aux deux statues. Sur le style, il serait difficile de dater la Nike de Samothrace, mais le contexte du monument le situe aux alentours de 200 ans avant notre ère. D’une manière générique, il peut être classé comme Pergamene.
Vénus de Milo
La femme nue ou semi-nue debout n’offrait pas beaucoup de possibilités de nouveauté. Les proportions pourraient être plus féminines et la surface traitée plus doucement, mais le rayon d’action était limité. L’ Aphrodite de Melos ou, comme on l’appelle mieux, la Vénus de Milo , est devenue l’exemple le plus familier du type. De marbre de Parian et de six pieds sept pouces de hauteur, il s’agit d’un original dans un style classique et, pour des raisons stylistiques, est généralement daté de la fin du deuxième siècle. L’anatomie est celle de Sculpture grecque classique tardive – le visage, par exemple, peut être comparé à celui de la tête de Leconfield – de même que le drapé, bien qu’il existe des discordances dans les détails; mais la pose a une spirale marquée au-dessous des hanches et la statue offre une vue satisfaisante de presque tout le tour. Bien qu’un mélange de classique et d’hellénistique se retrouve également dans la Nike de Samothrace, les deux figures sont essentiellement de style différent; On pourrait dire que, dans Nike, les formes classiques sont appliquées à une conception hellénistique originale, mais que dans l’Aphrodite, une conception classique a été modernisée par l’utilisation de nouveautés hellénistiques. Même dans ce cas, il s’agit d’une œuvre de sculpture confiante et le rejeter au hasard en tant que concoction universitaire est doctrinaire. (REMARQUE: pour les sculpteurs ultérieurs et les mouvements inspirés par les statues et les reliefs hellénistiques, voir: Le classicisme dans l’art 800 et plus).
Garçon avec une oie
Il est inutile de généraliser sur les postures de statues hellénistiques, beaucoup d’entre elles tordues ou déformées et inadaptées à la construction classique à quatre carrés. Par exemple, le garçon assis avec une oie a une vue de face évidente, mais en raison du bras et de la jambe tendus et de la compacité de l’ensemble, la plupart des autres vues sont satisfaisantes. Cette pièce, une copie en marbre, mesure environ vingt-deux pouces de hauteur et montre, peut-être trop bien, la compréhension intime du sculpteur sur l’anatomie et l’expression d’un petit enfant. Ici, où la tradition classique n’offrait aucun précédent utile, l’art hellénistique devait avoir fait une première étude des modèles vivants, bien qu’une fois établies les formes spéciales aient sans aucun doute été transmises au stock du sculpteur. La date de cette pièce, qui semble très éloignée de la musique classique, peut être surprenante, puisque Herondas, qui écrivait dans la première moitié du troisième siècle, a décrit la statue en marbre originale ou très similaire installée dans un sanctuaire d’Asklepios. C’était probablement une offre de remerciement pour le rétablissement d’un bébé malade.
La Gaule mourante
La Gaule mourante d’Epigon , qui était autrefois considérée comme le gladiateur mourant , a un esprit tout à fait différent, ainsi qu’une copie en marbre d’un original en bronze, plus grand que nature. Il est généralement daté juste après 228 AEC, car cette année-là, le royaume de Pergame termina l’une de ses guerres réussies contre les Gaulois qui envahirent l’Anatolie et donnèrent leur nom à la Galatie, mais d’autres occasions sont tout à fait possibles. La figure est un savant mélange de naturalisme et d’artifice. La posture du mourant, blessé au niveau du sein droit, est suffisamment tordue pour permettre une bonne vue la plupart du temps et même d’en haut, tout en restant crédible en tant qu’expression d’épuisement physique. Les formes anatomiques ont aussi une noblesse idéale, bien que dans la modélisation du corps, les anciennes divisions linéaires aient été brouillées par des transitions douces, peut-être moins parce que le sculpteur était un exposant du naturalisme que de rendre évidente la lassitude de l’effondrement. De la même manière, la nationalité de la Gaule est illustrée par des traits conventionnels – les cheveux emmêlés, le pont profond du nez, la moustache (que les Grecs et les Romains ne portèrent jamais sans barbe), et plus pédantiquement par des accessoires tels que le le cou et la trompette entre ses jambes, rendus assez fidèlement pour que les spécialistes celtes puissent s’en servir comme illustrations. Mais la nudité appartient à la tradition idéale de Sculpture grecque et, comme le sculpteur devait le savoir, le comportement gaulois n’était pas régulier. La Gaule mourante appartient au début du style dit de Pergamène , branche la plus originale de la sculpture hellénistique. Nous ne savons pas comment ce style est né, que ce soit par une évolution continue du style classique tardif ou par l’invention d’un maître doué et studieux du milieu du troisième siècle. Ses sujets étaient non seulement héroïques, mais comprenaient, par exemple, des satyres dansants et endormis, traités avec une grandeur compétente; et au sens large, on peut également considérer la Nike de Samothrace comme Pergamene.
[Note: Pour les biographies d’importants sculpteurs de la Grèce antique, voir: Phidias (488-431 avant notre ère), Myron (Actif 480-444), Polykleitos / Polyclitus (Ve siècle) Callimaque (Actif 432-408), Skopas / Scopas (Actif 395-350), Lysippe / Lysippe (c.395-305), Praxiteles (Actif 375-335), Leochares (Actif 340-320).]
Grand autel de Pergame
Au deuxième siècle, le style de Pergamene, ou une partie de celui-ci, est devenu plus passionné et plus éclectique. Pour cette étape, la frise principale du grand autel de Pergame est la pièce maîtresse . L’autel lui-même se dressait sur une grande plateforme carrée et la frise, d’un marbre bleuâtre, vraisemblablement local, haute de sept pieds six pouces, contournait le mur extérieur, réinterprétant à travers quelques centaines de figures le vieux sujet de la bataille entre les dieux et les géants. C’est un très haut sculpture en relief et profondément taillé, de sorte que les chiffres ont presque l’effet de statues en rond. C’est là évidemment l’intention du designer, car là où le mur revient flanquer l’entrée de l’escalier, quelques-uns des géants blessés s’appuient sur les marches, se projetant ainsi du cadre de la frise dans le champ du spectateur. Le style est plus ample, plus fleuri et moins consistant que le début de Pergamene. Les formes anatomiques, bien qu’observées, rappellent souvent le haut classique, mais de manière plus décorative; cela se voit dans les détails de la poitrine et des cheveux du géant attaqué par un chien, bien que le modelage de son ventre soit davantage dû à la nature. Cette frise est généralement datée entre 180 et 160 avant notre ère. Laocoon et ses fils (c.42-20 AEC) représente un développement ultérieur de ce style.
Ludovisi Gauls – Trois Grâces – Laocoon et ses fils
Les groupes, à la différence des ensembles de statues indépendantes, avaient été rares dans la sculpture classique, bien que (si l’on regarde les frontons du Parthénon) ne dépassaient pas sa capacité. En hellénistique, avec son éventail plus large de poses et de sujets et sa volonté d’abandonner la construction à quatre carrés, les compositions étroitement unifiées de deux personnages ou plus se sont régulièrement imposées. Certaines sont conçues pour être vues de tous les côtés et ont généralement une structure plus ou moins pyramidale. Un bon exemple, probablement du même dévouement que celui de la Gaule mourante, est le groupe de Pergamene, connu sous le nom de Ludovisi Gauls . Ici, l’homme se retourne avec défi en se poignardant, tandis que sa femme (qui, pour sauver de la captivité, a poignardé le premier) glisse sous lui. Cela donne non seulement une composition adéquate sur le plan logique et esthétique, mais aussi un contraste effectif de formes et d’attitudes entre vigueur et souplesse. De tels arrangements ingénieux sont cependant beaucoup moins fréquents que les groupes unilatéraux. La plupart des groupes à sens unique sont des sujets ludiques ou décoratifs, comme le fameux Three Graces, un trio de nus féminins qui se tiennent élégamment les uns autour des autres, tour à tour devant et derrière. Mais quelques-uns ont un style plus grand, notamment le Laocoon , à moins que – comme cela a été suggéré – le fils aîné devrait être tourné à 90 degrés sur son axe pour pouvoir tourner le dos à son père. Dans le style, ce groupe est lié à la frise principale de l’autel de Pergame, bien que plus souple et plus sauvage dans ses principes. Laocoon lui-même est anatomiquement une création de la fin de l’étape de Pergamene, mais ses deux fils, disproportionnés par leur petite taille, semblent s’être adaptés aux types athlétique ou juvénile de la fin du IVe siècle; et si l’apparence de tension et d’agonie est convaincante, il existe peut-être une certaine préciosité dans les courbes des contours et dans la ligne médiane de la figure principale. Le groupe Laocoon , qui est en marbre et – curieusement pour son efficacité – pas plus que grandeur nature, devrait être le chef-d’œuvre mentionné par Pline comme étant le travail conjoint de trois sculpteurs romains qui, à en juger par les inscriptions, étaient actifs vers le troisième trimestre. du premier siècle. Et bien que certains chercheurs en art estiment que le style de la figure centrale nécessite une date un siècle plus tôt, nous en savons trop peu sur la sculpture hellénistique pour affirmer que la manière de Pergamene n’a pas continué ou n’a pas pu être rétablie après cette date.
Pour une liste des meilleures statues, statuettes et reliefs produits pendant la période de l’Antiquité classique, voir: Les plus grandes sculptures de tous les temps.
Portraits
Les portraits vont de l’idéal au réaliste, des modèles couramment modelés à ceux où les détails sont accentués, et même si certains montrent les qualités des écoles Pergamene ou Classicizing, la plupart d’entre elles ne peuvent pas être facilement datées par style. Les portraitistes hellénistiques étaient bien plus disposés que les classiques à reproduire des anomalies de traits individuelles, mais même dans leurs œuvres les plus réalistes, ils essayaient de montrer le caractère du modèle, accentuaient la structure du visage et réarrangeaient les irrégularités naturelles pour former un motif artistique agréable. Vers 50 avant notre ère, comme on peut le constater à Delos, Romains et Italiens commandaient des portraits en Grèce et, comme ils avaient une tradition fidèle mais superficielle, des sculpteurs hellénistiques tardifs ont peut-être influencé cette tradition.
Reliefs
La sculpture hellénistique n’a pas grand-chose à montrer en matière de reliefs et la frise principale de l’autel de Pergame reste exceptionnelle, peut-être mieux classée avec une statuaire autonome. Dans les reliefs moins importants, les éléments du paysage sont devenus plus fréquents; et bien que la plupart de ceux-ci se soient produits sporadiquement pendant la période classique, en particulier sur des plaques votives, ils étaient maintenant utilisés avec une habileté plus régulière. L’effet, avec des arbres dans les bâtiments en feuilles et raccourcis, est comme une peinture simple ou simplifiée en faible projection. Le relief de paysage hellénistique le plus imposant que nous ayons est la frise Telephus , qui longeait l’intérieur du Autel de Pergame et devrait être à peu près la même date que la frise principale, qui est peut-être environ 180-160 avant notre ère. Ici, les figures sont placées à différents niveaux et certaines d’entre elles réapparaissent dans différentes parties de la frise. Ce système «narratif» a été qualifié d’innovation importante, mais depuis au moins le début du Ve siècle, il était utilisé dans des ensembles de métopes pour des épisodes de la carrière d’ Héraclès et de Thésée . Ce n’est que maintenant que les divisions sont – au moins parfois – marqué par des caractéristiques du paysage au lieu de triglyphes. L’autre classe notable de reliefs hellénistiques est le néo-attique, ainsi appelé parce que le lieu principal de leur production était probablement Athènes. Les reliefs néo-attiques sont souvent gravés sur des objets d’ornement, tels que des bols en marbre, et les sujets sont des défilés sans signification de figures de stock, certains copiés sur des reliefs classiques de la fin du Ve ou du début du IVe siècle, et d’autres sur des créations archa tenture et draperie en queue d’hiron que même les artistes du Haut classique avaient en quelque sorte pensé caractéristique de Sculpture grecque archaïque. Cette ligne de travail purement décorative doit avoir commencé au début du premier siècle, car des spécimens ont été récupérés sur un navire. comme le prouvent d’autres contenus, il a été détruit à ce moment-là au large de Mahdia. En ce qui concerne la sculpture à fronton, trop peu a été récupéré pour permettre des opinions utiles sur la composition et les objectifs hellénistiques.
Art grec hellénistique
Dans la période hellénistique, Art grec avaient une étendue géographique beaucoup plus large qu’auparavant et encore moins de concurrence, puisqu’après la conquête d’Alexandre par l’empire perse, la culture officielle de ces régions devint grecque et des formes d’art indigènes, en particulier des formes onéreuses telles que la sculpture, disparurent ou disparurent. La seule exception était l’Égypte, où les nouveaux rois – les Ptolémées – avaient besoin de l’appui de la classe supérieure locale et leur permettaient de conserver leurs anciennes traditions: la sculpture grecque y était progressivement affectée. Art égyptien, mais en contrepartie emprunté à l’occasion et pour des raisons extérieures, telles que la tenue de cérémonie. En Asie, bien que le royaume des Séleucides ait perdu du terrain, l’art grec était toujours admiré par Art persan et était un constituant plus ou moins important de la sculpture des Parthes, qui a conquis l’Iran à la fin du IIIe siècle et s’est développé en Mésopotamie; et l’élément grec du style Gandhara, apparu au Pakistan au premier siècle de notre ère, pourrait provenir d’une tradition hellénistique dans la région de l’Afghanistan. À l’autre bout du monde, Carthage et l’Espagne continuent d’utiliser maladroitement les modèles grecs et il existe peut-être des influences très diluées sur les autochtones du sud de la France. L’Italie centrale est beaucoup plus importante. Ici le Étrusques ont accueilli des sculptures hellénistiques avec lesquelles ils ont été familiarisés, probablement par l’intermédiaire des Grecs du sud de l’Italie, et les ont imitées avec des compétences diverses. Leur développement le plus original est celui du portrait, où, d’une manière sèche et généralement superficielle, ils visent une ressemblance très personnelle, voire exacte, des traits du sujet. Pendant ce temps, Rome, qui, bien que politiquement dominante dans l’art fût une dépendance étrusque, établissait un contact direct avec la Grèce. civilisation. Au cours du troisième siècle, les villes grecques du sud de l’Italie et de la Sicile passèrent sous l’autorité romaine et au deuxième siècle, la Grèce et l’Asie mineure occidentale. (Voir le École Pergamene 241-133 AEC). D’importants stocks de statues et d’images grecques ont été amenés à Rome comme butin de la guerre et de la paix. À la fin du IIe siècle également, certains Romains des classes supérieures trouvaient la culture grecque attrayante et voyageaient même pour des études supérieures en Grèce, tandis que les Romains et les Italiens de la classe moyenne faisaient fortune autour de la mer Égée, notamment à Délos. Rome est donc devenue le principal client de Art hellénistique et les ateliers en Grèce ont commencé à s’intéresser au marché romain, sans au début aucun effet perceptible sur leur style, bien que la production d’exemplaires et d’œuvres à la classicisation ait probablement été stimulée.
Sculpture Hellénistique-Romaine
Lorsque, à la fin de la période hellénistique, Augustus instaure une autocratie et un ordre centralisés dans tout l’empire romain, qui englobe désormais tous les pays de la Méditerranée, la sculpture devient l’un des instruments de la propagande impériale et Rome le centre d’un nouveau style impérial. Ce style de Art romain était bien sûr basée sur des modèles grecs et exécutée par des artistes grecs. À ses côtés subsistait une tradition hellénistique plus pure, en particulier en Grèce et en Asie grecque, où la plupart des grands sculpteurs étaient encore formés. La plupart de nos copies sont aussi de l’époque romaine. Ce n’est que vers 300 de notre ère, que ce soit à cause de normes techniques moins strictes ou pour une raison plus positive, qu’un changement important de direction artistique devienne évident; il n’a pas non plus eu beaucoup d’effet sur la statuaire, puisque au Ve siècle en Occident et au sixième ou septième en Grèce, sculpture comme un art épuisé. L’empire byzantin, en partie pour des raisons religieuses, s’est tourné vers d’autres médias et ailleurs, la civilisation ancienne s’est désintégrée.
Pour plus de détails sur les styles architecturaux de la Grèce antique, voir: Architecture grecque.
Bien que la tradition continue de la sculpture grecque (ou gréco-romaine) ait été brisée, de nombreux exemples subsistent tout au long du Moyen Âge. À Constantinople, nous lisons des chefs-d’œuvre classiques érigés dans des lieux publics jusqu’à ce qu’ils soient détruits par une émeute et que seuls les chevaux de Saint-Marc à Venise aient survécu, mais bien qu’admirés par quelques érudits, ces œuvres n’ont aucun effet sur les canons rigides Art byzantin. En Occident, principalement en France et en Italie, des morceaux de sculptures anciennes, en particulier des sarcophages sculptés de la fin de l’ère romaine, ont parfois été réutilisés et même parfois imités, mais sans grande compréhension esthétique. Ce n’est que l’époque du quinzième siècle Art de la Renaissance que les artistes, avec leur nouvel intérêt pour le corps humain parfait, ont pu apprécier les intentions du art de l’antiquité et d’y trouver des réponses à certains de leurs problèmes.
grec dessin figuratif avait été dominé par une approche idéale de la forme humaine, modifiant l’observation de la nature par des règles de proportion théoriques, et c’est cette qualité encore plus que ses compétences techniques qui ont maintenant attiré l’attention. La recherche a donc commencé à rechercher des exemples de cet art, en particulier à Rome et dans les environs, et puisque les peintures périssent facilement, c’est surtout la sculpture qui a été découverte et étudiée, tant par les peintres que par les sculpteurs. Les peintres apprennent maintenant leur art en copiant les images des autres et en en tirant des statues ou des moulages antiques avant de s’inspirer de la vie, puisque (comme on le répétait constamment), cela donnait à l’élève un moyen de corriger les inévitables irrégularités de la nature. Et bien que la doctrine ait été abandonnée au siècle dernier, cette pratique persiste encore dans certains Écoles académiques d’art.
Une telle étude de la sculpture ancienne devait nécessairement influer sur le style, par adaptation ou imitation selon l’originalité de l’artiste, et le goût pour la mythologie grecque et romaine aidait à son appétit pour le nu. Cette dépendance à l’antiquité a duré près de quatre cents ans. Au quinzième siècle, le choix des modèles était éclectique; au seizième, un nouveau détachement idéal se rapprochait de l’esprit classique; au dix-septième le Baroque les artistes se sont toujours familiarisés avec un usage occasionnel d’anciennes formes et de détails, Sculpture néoclassique (inspiré par les découvertes d’Herculanum et de Pompéi) ont tenté une renaissance superficielle des formes antiques. Tout cela était basé sur des trouvailles faites en Italie, dont les meilleures étaient hellénistiques, et malgré les commentaires de Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) au milieu du dix-huitième siècle, il n’avait même aucune notion de l’art grec antérieur.
Quand enfin, en 1807, les sculptures de la Parthénon ont été présentés au monde occidental, les artistes de l’époque admiraient mais ne les imitaient pas et, bien qu’il ait peut-être contribué à tuer le néo-classicisme, la statuaire de la haute classique n’a même pas commencé à inspirer un nouveau style Renaissance. L’art a pris un autre cours et, alors que certains sculpteurs ont utilisé les styles archaïque et primitif classique, les rares réminiscences de la sculpture tardive, et en particulier de la sculpture hellénistique, ne peuvent être considérées comme plus que fantaisistes.
Ressources
Pour des articles sur les arts visuels de l’Antiquité classique, voir:
Sculpture de la Grèce antique (Introduction)
Sculpture De Style Daedalic (vers 650-600 avant notre ère)
Peinture Grecque Période Archaïque (c.600-480)
Peinture Grecque époque Classique (vers 480-323 av. J.-C.)
Peinture grecque de la période hellénistique (c.323-27 AEC)
Héritage de la peinture grecque
Art du métal grec (VIIIe siècle avant notre ère)
- Heirs of the Jewish collector demand from the Austrian government the restitution of the masterpiece of Gustav Klimt "Beethoven Frieze"
- Creativity of Nicholas Roerich presented the Russian Museum
- Colonne de Trajan
- Autel de Pergame de Zeus
- Art Hellénistique-Romain
- KULTURPROGRAMM VON ST PETERSBURG IN HAMBURG 2017
Si vous remarquez une erreur grammaticale ou sémantique dans le texte, veuillez la spécifier dans le commentaire. Merci!
Vous ne pouvez pas commenter Pourquoi?