Sculpture égyptienne: histoire, caractéristiques Automatique traduire

La sculpture égyptienne ancienne était étroitement liée à l’architecture égyptienne et concernait principalement la culture des temples et des funérailles. Le temple était construit comme s’il s’agissait du tombeau ou du lieu de repos éternel d’une divinité, dont la statue était dissimulée dans une série de salles fermées, ouvertes à la vue seulement pendant une courte période lorsque le soleil, la lune ou une étoile particulière atteignaient un point de l’horizon, d’où leurs rayons éclairaient directement le sanctuaire le plus profond. Ces statues divines étaient considérées comme des oracles et étaient rarement de taille imposante. On faisait également appel à des sculpteurs pour les reliefs muraux, les chapiteaux de colonnes, les figures colossales gardant les pylônes et les longues avenues de sphinx. Les illustrations murales sur les murs des temples dépeignent généralement la piété des pharaons ainsi que leurs conquêtes étrangères.

Les tombes égyptiennes ont nécessité l’utilisation la plus importante de la sculpture . Des statues portraits du roi ou de la reine défunt(e) étaient placées dans ces cryptes. Ce type de sculpture préhistorique comprend également des statues de fonctionnaires, de scribes et des groupes représentant un homme et sa femme.

Les murs des premières tombes égyptiennes ressemblent, en effet, à un livre illustré des mœurs et coutumes de la population. Les scènes illustrées montrent des occupations telles que la chasse, la pêche et les travaux agricoles ; des activités artistiques et commerciales telles que la fabrication de statues, le travail du verre ou du métal, ou la construction de pyramides ; des femmes accomplissant des tâches domestiques ou pleurant des morts ; des garçons pratiquant des sports. Ces reliefs témoignent d’une confiance en l’avenir comme une sorte de continuation tranquille de la vie présente. Dans les périodes ultérieures de l’art égyptien, à partir des tombes du Nouvel Empire, les dieux apparaissent davantage dans des scènes de jugement, indiquant une moindre confiance dans un futur heureux.

Pour en savoir plus sur la construction des tombes et autres conceptions architecturales en Égypte ancienne, voir : Architecture égyptienne primitive (grandes tombes pyramidales) ; Architecture égyptienne du Moyen Empire (petites pyramides) ; Architecture égyptienne du Nouvel Empire (temples) ; Architecture égyptienne tardive (diversité des édifices).

Outre les dieux de la civilisation égyptienne, les sculpteurs ont également représenté de petits objets domestiques et quotidiens, dont le mobilier domestique avec ses luxueux canapés, tables et coffres, ainsi que toutes sortes de ferronneries et d’ornements. Les objets tels que les boîtes de toilette, les miroirs et les cuillères sont représentés avec des formes tirées du monde végétal, animal ou humain. Les plantes sacrées, en particulier le lotus, sont devenues la base naturaliste d’une classe de formes large et variée qui a influencé les arts décoratifs dans tout le monde antique.

Matériaux et outils de sculpture

Dans la vallée du Nil poussaient l’acacia et le sycomore sacrés, qui fournissaient aux sculpteurs des matériaux pour les statues et les sarcophages, pour les trônes et d’autres objets d’art industriel. Les coteaux des deux rives du Nil, jusqu’à Edfou, fournissaient du calcaire grossier de nummulite, et au-delà d’Edfou, de vastes carrières de grès ; ces deux matériaux étaient utilisés à des fins sculpturales aussi bien qu’architecturales.

Près de la première cascade, on peut encore voir des carrières de granit rouge, qui était utilisé non seulement pour les obélisques, mais aussi pour d’immenses statues, des sphinx et des sarcophages. L’albâtre était extrait dans l’ancienne ville d’Alabastron, près du village moderne d’Assiut. Des montagnes du désert d’Arabie et de la péninsule du Sinaï provenaient le basalte et la diorite, utilisés par les premiers sculpteurs, le porphyre rouge, particulièrement apprécié des Grecs et des Romains, et le cuivre. Dès les premières dynasties de l’histoire égyptienne, la boue du Nil a été sculptée, cuite et émaillée avec des glaçures colorées.

Au cours de la même période, le sculpteur égyptien manie avec une grande habileté de nombreux matériaux importés tels que l’ébène, l’ivoire, le fer, l’or et l’argent. La sculpture sur ivoire, par exemple, était largement pratiquée et utilisée dans la sculpture sur chryséléphantine, pour les œuvres de grande taille.

Lorsque les sculpteurs égyptiens souhaitaient donner une plus grande solidité à leurs sculptures, comme les statues et les sarcophages des pharaons-rois, ils utilisaient les matériaux les plus durs, comme le basalte, la diorite et le granit. Ces pierres dures étaient manipulées avec autant d’habileté que le bois, l’ivoire et les pierres plus tendres.

Les détails fins étaient probablement réalisés avec des outils en silex. D’autres outils en bronze ou en fer trempé sont une scie à dents décorées, des forets tubulaires de différents types, un pointeur et un ciseau. Les statues en pierre dure étaient soigneusement polies avec du grès concassé et de l’émeri ; les pierres plus tendres étaient généralement recouvertes d’enduit et peintes, les pigments étant appliqués de manière arbitraire ou conventionnelle.

Statues et figurines égyptiennes

Les artistes égyptiens ont réalisé une grande variété de petites figurines en argile, en os et en ivoire bien avant l’émergence du style officiel de sculpture au moment de l’unification des deux terres d’Egypte. Plusieurs figurines fragiles ont été retrouvées dans des tombes préhistoriques. La tradition de fabrication de ces objets s’est maintenue jusqu’au Nouvel Empire. L’os et l’ivoire ont été utilisés pour fabriquer des figurines féminines stylisées au travail complexe entre 4000 et 3000 av. L’argile, plus facile à façonner, a été utilisée pour mouler des images de nombreuses sortes d’animaux, faciles à identifier parce que leurs traits caractéristiques ont été capturés par une observation attentive. Voir aussi : Sculpture mésopotamienne (vers 3000-500 av. J.-C.).

Vers 3000 av. J.-C., les statuettes en ivoire ont commencé à être sculptées dans un style plus naturaliste, et de nombreux fragments ont survécu jusqu’à aujourd’hui. L’une des plus belles et des plus complètes a été trouvée à Abydos. Elle représente un roi inconnu en costume d’apparat (British Museum, Londres). Il porte la haute couronne blanche de Haute-Égypte et une courte cape ornée d’un motif de losanges. Il avance d’un pas assuré dans la pose utilisée pour toutes les statues masculines debout à l’époque dynastique : le pied gauche devant le pied droit. La qualité de la sculpture est évidente dans la façon dont la robe de chambre est jetée sur ses épaules arrondies, et sa tête est projetée vers l’avant avec détermination et force.

Dès cette période précédant immédiatement la Ire dynastie, il est prouvé que les sculpteurs font de grands progrès et utilisent le bois et la pierre de diverses essences. Cette évolution se poursuit jusqu’à la période archaïque où les premières grandes statues royales sont réalisées. Le travail du métal progresse également : des statuettes miniatures en cuivre et des amulettes en or ont été retrouvées dans des tombes, et une inscription de la IIe dynastie mentionne la réalisation d’une statue royale en cuivre.

Les traditions artistiques des statues égyptiennes

Les statues égyptiennes étaient conçues pour être placées dans des tombes ou des temples et étaient généralement destinées à être vues de face. Il était important que le visage regarde droit devant lui, dans l’éternité, et que le corps vu de face soit droit et rigide, tous les plans se croisant à angle droit. On trouve parfois des variations ; par exemple, les grandes statues étaient faites pour regarder légèrement vers le bas, vers le spectateur, mais les exemples où le corps se courbe ou la tête se tourne sont très rares dans la sculpture formelle.

On pense généralement que les meilleurs artisans travaillaient pour le roi et définissaient les modèles que suivaient les autres qui réalisaient des sculptures en pierre, en bois et en métal pour ses sujets dans toute l’Égypte. Dans l’Ancien et le Moyen Empire, en particulier, de nombreuses statues et petits personnages étaient fabriqués et placés dans les tombes de gens tout à fait ordinaires pour remplacer le corps s’il était détruit et pour fournir une demeure éternelle.

La qualité était souhaitable mais pas particulièrement importante, car dès lors que la statue portait le nom du défunt, elle s’identifiait à lui. En effet, il était possible de prendre possession de la statue en changeant l’inscription et en la remplaçant par un autre nom. Cela se faisait même au plus haut niveau, et les rois usurpaient souvent les statues commandées par les souverains précédents. On pensait également qu’il était possible de détruire la mémoire d’un prédécesseur détesté ou craint en supprimant les noms et les titres de ses monuments. C’est ce qui est arrivé à de nombreuses statues d’Akhenaton, et les noms d’Hatchepsout ont été effacés par Thoutmosis III.

La plupart des statues retrouvées dans les tombes des nobles de l’Ancien Empire suivent des précédents royaux. Les tombes royales de Gizeh et de Saqqarah étaient entourées de cités des morts, les fonctionnaires cherchant à être enterrés auprès de leur roi et à passer avec lui dans l’éternité. Peu à peu, les croyances associées au roi ou à ses proches parents ont été adoptées par les nobles, puis par les hommes de moindre importance, jusqu’à ce que chacun, après sa mort, espère être identifié à Osiris, le roi défunt ; mais la qualité, la taille et le matériau de la statue enterrée dans le tombeau dépendaient de la richesse et des moyens de son propriétaire.

Les premières sculptures privées, comme les sculptures royales qu’elles imitaient, s’inscrivaient largement dans la tradition rituelle. Plus tard, les artisans, en particulier ceux qui travaillaient le bois, ont souvent réalisé de petites figurines de grand charme lorsqu’ils ne se sentaient pas liés par des conventions religieuses. Ces petites figurines avaient souvent une fonction pratique et portaient des récipients de substances cosmétiques ; plus tard, elles étaient enterrées parmi les effets personnels de leurs propriétaires.

Note : Les artistes plasticiens égyptiens auraient eu une influence significative sur la sculpture africaine de l’Afrique subsaharienne, notamment sur les œuvres du Bénin et des Yorubas en Afrique de l’Ouest.

la sculpture en relief égyptienne

La sculpture égyptienne en relief est exécutée à différents niveaux d’élaboration en profondeur, à savoir

❶ Bas-relief où les figures dépassent légèrement du fond.
❷ Relief en creux, où le fond dépasse les figures.
❸ Le relief de contour, où seuls les contours des figures sont sculptés.
❹ Le haut-relief, où les figures dépassent du fond.

La quasi-totalité des sculptures murales de l’Egypte ancienne sont en bas-relief, tandis que le relief en creux et le relief de contour sont les techniques de sculpture les plus courantes à l’époque du Nouvel Empire. Le haut-relief est parfois présent dans les tombes de l’Ancien Empire, mais il est surtout limité au Nouvel Empire et à des formes telles que les fêtes et les statues murales osiriaques et hathoriques.

Dans son traitement des figures rondes, la sculpture égyptienne ancienne se limite à quelques formes. Il s’agit notamment de la figure debout, le pied gauche légèrement en avant du pied droit, la tête droite, les yeux regardant droit devant. Des variations sont obtenues en changeant la position des bras. Dans les figures assises, la tête, le corps et les membres inférieurs sont dans la même position. En outre, les poses à genoux et accroupies sont souvent répétées avec de légères variations. Les statues rondes représentaient généralement des dieux, des pharaons ou des fonctionnaires, et un soin particulier était apporté au respect des lignes droites.

Mais si les grands monuments d’État étaient limités dans leurs types et leurs poses, des séries entières de statues représentant des sujets domestiques étaient créées beaucoup plus librement. Le regroupement n’était guère pris en compte. Il s’agit le plus souvent d’une simple juxtaposition de deux statues debout ou assises, ou d’une personne debout et d’une personne assise. Dieu et l’homme ou le mari et la femme étaient placés côte à côte. Dans les groupes familiaux, un enfant est parfois ajouté.

Le symbolisme est largement utilisé dans les sculptures représentant les dieux. Lorsqu’ils étaient représentés sous forme humaine, ils se distinguaient par des emblèmes, mais le plus souvent ils étaient représentés comme des êtres composites avec des têtes d’animaux sur des corps humains. Ainsi, Horus a la tête d’un faucon, Anubis celle d’un chacal, Khnoum celle d’un bélier, Thot celle d’un ibis, Sebek celle d’un crocodile et Isis celle d’un motif décoratif. Sur les murs extérieurs des temples, ils étaient disposés de manière typique et irrégulière sur la surface, mais sur les murs intérieurs, ils étaient disposés proprement en rangées horizontales. Il ne s’agissait pas de véritables images, mais d’inscriptions en relief, qui n’étaient souvent que des hiéroglyphes agrandis. Telle était leur nature, et il n’y avait guère d’incitation à améliorer leur composition artistique.

La composition en relief signifie simplement la disposition des figures en lignes horizontales de manière à enregistrer un événement ou à dépeindre une action. Les figures principales se distinguent des autres par leur taille : les dieux sont représentés plus grands que les hommes, les rois plus grands que leurs fidèles, les morts plus grands que les vivants.

Les actions subordonnées étaient disposées en bandes horizontales. Pour le reste, l’unité de l’effet n’a guère d’importance, et les espaces vides sont généralement remplis de figures et de hiéroglyphes, selon le principe que la nature a horreur du vide. Dans une telle composition, construite comme des phrases, la perspective n’était guère nécessaire. Les scènes n’étaient pas représentées telles qu’elles apparaissaient dans le champ de vision : les éléments individuels étaient amenés sur le plan de l’image et disposés comme des écritures. Par exemple, la représentation d’un homme - qui peut être représenté avec la tête de profil mais les yeux devant, avec les épaules pleines mais le torse tourné de trois quarts et les jambes de profil - n’est pas une représentation de l’homme tel qu’il apparaît à l’œil, mais une représentation symbolique de l’homme, une image qui était parfaitement compréhensible pour la plupart des spectateurs.

De la même manière symbolique, un étang pouvait être représenté par un rectangle, son contenu en eau par des lignes en zigzag, et les quatre côtés du rectangle par les arbres qui le bordaient. L’armée militaire est représentée avec des rangs plus éloignés ramenés dans le plan de l’image et disposés en lignes horizontales les uns au-dessus des autres. Dans quelques cas, des effets de perspective ont été suggérés, mais, étant largement superflus pour les besoins de l’art égyptien, ils sont restés minimalistes.

De même que les statues égyptiennes représentaient le corps permanent du défunt, les sculptures en relief (généralement recouvertes de plâtre puis peintes) décrivaient des situations dans lesquelles son corps incorporel pouvait continuer à se mouvoir. Elles n’étaient pas destinées à une simple décoration architecturale, mais avaient surtout une fonction d’empreinte ou d’immortalisation. Elles ornaient les murs extérieurs et intérieurs des temples, ainsi que les galeries et les murs des tombes, sans souci d’esthétique ni de couleurs, avec des tons vifs, peu nombreux et de qualité durable.

Elles étaient appliquées en aplats uniformes et disposées en contrastes vifs, et les techniques telles que le clair-obscur et la perspective colorée restaient totalement étrangères à l’art pictural égyptien . En effet, la peinture des reliefs était purement fonctionnelle et servait à rendre les figures plus distinctes plutôt que plus naturelles. Le pigment est rarement utilisé pour indiquer la corpulence des formes et est appliqué de manière purement traditionnelle. Les visages des hommes sont peints en rouge-brun et ceux des femmes en jaune, mais les visages des dieux peuvent être de n’importe quelle nuance. Comme les reliefs, les statues sculptées en bois, et les statues en pierre tendre étaient souvent traitées avec du plâtre et de la peinture, de la même manière.

Histoire et évolution de la sculpture égyptienne

Malgré la richesse des matériaux et la quantité de la production, la sculpture égyptienne s’est transformée si progressivement qu’il n’est pas facile de tracer un chemin d’évolution exact - dès les premières dynasties, nous voyons un art pleinement développé. Même à ce stade précoce, les artistes tridimensionnels égyptiens ont démontré leur maîtrise de la pierre dure et de la sculpture en bronze, et il n’y a pas de période archaïque ou prototypique pour illustrer la manière dont cette maîtrise a été atteinte.

La culture égyptienne doit encore nous renseigner sur ses formes d’art préhistoriques, et nous ne connaissons aucun idiome ou savoir-faire étranger préexistant qu’elle aurait pu emprunter ou acquérir, sauf peut-être l’art mésopotamien dans l’Irak d’aujourd’hui. Ainsi, dans l’ensemble, quelles que soient ses origines, l’art égyptien de la période historique se caractérise par une continuité plutôt que par un changement évolutif. Cependant, la sculpture égyptienne peut être différenciée dans une certaine mesure d’une période à l’autre.

Pour un aperçu de l’évolution de la sculpture occidentale, voir : Histoire de la sculpture .

Sculpture égyptienne en pierre

C’est à la fin de la IIe et au début de la IIIe dynastie, à partir d’environ 2 700 av. J.-C., que s’établit ce que l’on peut appeler le style caractéristique de l’Égypte ancienne en matière de sculpture sur pierre, un style transmis pendant environ 2 500 ans jusqu’à l’époque ptolémaïque, avec des exceptions et des modifications mineures. Les caractéristiques prédominantes de ce style sont la régularité et la symétrie des figures, massives et quadrangulaires, debout ou assises.

Michel-Ange est connu pour avoir cru qu’un bloc de pierre contient une sculpture, pour ainsi dire, en embryon, qu’il appartient à l’artiste de révéler. La figure complète typique de l’Égypte ancienne fait une forte impression sur le bloc de pierre dans lequel elle a été taillée. Les artistes ont enlevé le minimum de pierre non taillée, laissant généralement les jambes fusionnées en une seule masse avec le poteau arrière, les bras attachés aux côtés du corps et les figures assises soudées à des chaises. Non que ces sculptures paraissent maladroites ou grossières ; elles donnent l’impression d’une élégance austère, d’une pureté de ligne qui, par son élasticité, suggère une énergie contenue.

Dans les premières étapes de la fabrication des statues, comme pour les reliefs et les peintures, une esquisse préliminaire était réalisée. Le bloc de pierre est ébauché et la figure à sculpter est dessinée sur au moins deux côtés afin d’obtenir une vue de face et une vue de profil. Plus tard, une grille carrée est utilisée pour s’assurer que les proportions de la statue sont bien respectées selon les règles établies à l’époque dynastique.

Les dessins du maître, dont certains sont parvenus jusqu’à nous, pouvaient être utilisés à des fins de comparaison. Un bon exemple en est la planche à dessin en bois recouverte de gesso, aujourd’hui conservée au British Museum de Londres. La figure assise de Thoutmosis III (1504-1450 av. J.-C.), d’abord esquissée en rouge puis soulignée en noir, a été dessinée sur une grille de petits carrés avec une grande précision. Les maîtres, après des années de pratique, pouvaient travailler instinctivement, mais les sculpteurs inexpérimentés gardaient ces dessins à portée de main pour plus de commodité.

La sculpture proprement dite d’une statue impliquait le dur travail de marteler et d’ébrécher le bloc de tous les côtés jusqu’à ce que le contour approximatif de la figure soit achevé. De nouvelles règles ont été introduites lorsqu’il est devenu nécessaire de disposer d’outils sur tous les côtés pour tailler avec précision dans le bloc. Les pierres plus dures, telles que le granit et la diorite, étaient travaillées en martelant et en ébréchant avec des pierres à marteler dures, ce qui abrasait progressivement le bloc de base.

Le découpage à l’aide de scies et de perceuses métalliques avec un abrasif tel que le sable de silice était utilisé pour travailler les angles difficiles entre les bras et le corps ou entre les tibias. Chaque étape était longue et fastidieuse, et les outils en cuivre et en bronze devaient être constamment affûtés.

Le polissage fait disparaître la plupart des traces d’outils, mais certaines statues, surtout celles de grande taille comme les immenses figures de Ramsès II dans le temple d’Abou Simbel, portent encore les traces des forets tubulaires. Pour les statues colossales, des échafaudages étaient érigés autour de la figure, ce qui permettait à plusieurs hommes de travailler dessus en même temps. La pierre calcaire, bien sûr, était plus tendre et donc plus facile à travailler avec des burins et des forets.

Les statues inachevées constituent un témoignage utile du processus de travail. La plupart d’entre elles montrent que le travail a été effectué uniformément de tous les côtés, de manière à maintenir l’équilibre de la figure. Une tête en quartzite, peut-être celle de la reine Néfertiti, trouvée dans un atelier à Amarna, vers 1360 avant J.-C., est apparemment proche de l’achèvement (Musée égyptien, Le Caire). Elle était probablement destinée à faire partie d’une statue composite, et le sommet de la tête a été façonné et laissé brut afin qu’une couronne ou une perruque d’un autre matériau puisse être posée dessus. La surface du visage semble prête à être lissée et peinte, mais les repères sont encore là pour marquer la racine des cheveux et le plan médian du visage. Les lignes assez épaisses qui marquent le contour des yeux et des sourcils donnent l’impression qu’il était prévu de les découper pour les incruster avec d’autres pierres afin que la tête soit vraiment réaliste une fois terminée.

Pour des exemples d’œuvres antérieures du Proche-Orient de l’art sumérien (vers 3000 av. J.-C.), voir «Lionne de Guennol» (3000 av. J.-C., collection privée) et «Baran dans un fourré» (2500 av. J.-C., British Museum). Quant à la sculpture contemporaine, voir par exemple le taureau ailé et le lion à tête humaine (859 av. J.-C.) du palais d’Ashurnasirpal à Nimrud, et les reliefs en albâtre d’une chasse au lion représentant Ashurnasirpal II et Ashurbanipal, exemples caractéristiques de l’art assyrien (vers 1500-612 av. J.-C.).

La sculpture égyptienne sous l’Ancien Empire

L’art de l’Ancien Empire est centré sur la ville de Memphis, mais le Delta, Abydos, les environs de Thèbes et Éléphantine nous donnent aussi des exemples de certaines de ses phases ultérieures. Aucun temple ne subsiste de cette période ; les sculptures proviennent exclusivement de tombes.

Le caractère de ces sculptures memphites est fortement naturaliste par rapport à l’art égyptien ultérieur. Les statues-portraits sont variées et souvent frappantes, tandis que les fresques représentent de nombreuses scènes de la vie quotidienne. Parmi les formes généralisées ou typiques, citons le sphinx monumental de Gizeh et la statue de Chephren, le bâtisseur de la seconde pyramide.

La tendance naturaliste de ce style artistique de Memphis a conduit à un traitement particulier de l’œil, technique que l’on retrouve dans les statues de cette époque (en calcaire, en bois et en bronze, mais pas dans les statues en basalte), bien qu’elle ait été abandonnée par la suite. La pupille était représentée par un ongle d’argent brillant serti de cristal de roche ou d’émail, et les cils sombres étaient en bronze.

Les têtes de ces statues de l’Ancien Empire présentent un type égyptien «marqué», bien que non entièrement mélangé dans certains cas avec des races négroïdes et d’autres races étrangères. Bien que des personnages élancés soient également représentés, les corps courts, maigres, parfois musclés, sont plus fréquents. Compte tenu du grand nombre d’hommes et de femmes d’âge moyen représentés, il semble que l’enfance et la vieillesse ne soient pas des paradigmes clés de la vie future. En général, les visages reflètent des personnes paisibles et heureuses pour qui la vie future ne comportait pas beaucoup de changements ou d’incertitudes. Les sculptures murales en bas-relief et les hiéroglyphes étaient généralement finement sculptés.

La sculpture égyptienne au Moyen Empire

L’art sculptural de la période connue sous le nom de Moyen Empire peut être divisé en deux sous-périodes : la première période thébaine, du 11e au 15e dynastie, et la période hyksos, du 15e au 18e dynastie. À cette époque, le centre de l’administration égyptienne s’est déplacé de Memphis à Thèbes

La dernière période de Memphis et la XIe dynastie (Moyen Empire) ont produit peu de sculpture de valeur durable, mais la période suivante d’Usertesen et d’Amenemhat de la XIIe dynastie a été témoin d’un renouveau de la créativité égyptienne. Dans l’ensemble, la sculpture n’est que la continuation de l’art de Memphis, mais certains changements sont déjà évidents. Les statues de pharaons sont de plus en plus grandes et les formes corporelles commencent à s’affiner au niveau des torses, des bras et des jambes.

Les sculptures murales se concentrent sur des sujets similaires aux précédents, mais sont moins individualisées, moins naturelles, et dans de nombreux cas, les peintures murales sont remplacées par des sculptures en relief. Les statues des temples de la XIIe dynastie de Karnak montrent que les offrandes votives de statues n’étaient pas rares, tandis que la belle statue de Sebekhotep III (Louvre, Paris) de la XIIIe dynastie témoigne d’une nouvelle orientation de l’art du sculpteur.

Cette renaissance de l’Égypte, qui a commencé à la XIIe et s’est poursuivie jusqu’à la XIIIe dynastie, a connu une pause aux XIVe et XVe dynasties en raison de la brutalité des souverains étrangers connus sous le nom de Hyksos ou rois bergers. La parenté ethnologique de ces rois bergers reste une question non résolue, car l’influence shémite qu’ils ont introduite est contrebalancée par leur type facial touranien.

Les sphinx et les statues sont toujours exécutés par des sculpteurs égyptiens, mais dans le granit gris ou noir de Hammanat ou du Sinaï, plutôt que dans le granit rouge d’Assouan. Les centres d’activité des Hyksos étaient Tanis et Bubastis ; en Haute-Égypte, leur influence était plus faible. La caractéristique la plus remarquable de leur sculpture est le style facial non égyptien : petits yeux, pommettes hautes, chevelure épaisse, nez aquilin, bouche forte avec lèvre supérieure rasée, barbe et cheveux courts.

La sculpture égyptienne à l’époque du Nouvel Empire

Le début du Nouvel Empire comprend les 18e, 19e et 20e dynasties. L’Égypte se libère du pouvoir des Hyksos et étend son empire à l’Assyrie, à l’Asie Mineure et à Chypre au nord et à l’est, à la Nubie et à l’Abyssinie au sud. De nombreux temples de grande taille sont érigés, notamment sous les règnes de Séti Ier et de Ramsès II, ce qui donne lieu à de nombreuses commandes de nouvelles sculptures. Et comme les temples monumentaux entraînent naturellement des sculptures monumentales, les statues d’Aménophis III à Thèbes mesurent 16 mètres de haut, celle de Ramsès II à Ipsambul 21 mètres et celle de Ramsès à Tanis 27 mètres de haut sans le piédestal. Les proportions élancées de la figure humaine, en vogue sous les XIIe et XIIIe dynasties, sont poursuivies et même perfectionnées, notamment dans les bas-reliefs du Nouvel Empire.

La simplicité vestimentaire qui prévalait auparavant est remplacée par des vêtements plus riches et des ornements personnels plus élaborés, et les couronnes ne sont pas rares. Un autre changement concerne l’arrière-plan et l’ornementation : les espèces de faune et de flore d’outre-mer ainsi que les hommes et les femmes étrangers sont représentés plus fréquemment et de manière plus variée qu’auparavant.

Pour le reste, les thèmes de la sculpture et de la peinture sont restés relativement constants. Les scènes de guerre et de conquête restent courantes, de même que les représentations de dieux - un petit temple de Karnak contient plus de 550 statues de la déesse Sekhet-Bast - et de rois - voir la belle statue assise de Ramsès II (musée de Turin), les belles têtes de la reine Taia et d’Horemheb, et les remarquables reliefs en calcaire du temple de Séti à Abydos. A Tell el-Amarna, cependant, le roi révolutionnaire Hu-en-Aten encouragea ses sculpteurs à abandonner les thèmes traditionnels et à représenter des palais, des villas, des jardins, des chars et des fêtes.

Les tombes royales du Nouvel Empire présentent la qualité habituelle de la sculpture en relief, mais la demande de sculptures pour les murs extérieurs des temples semble avoir largement dépassé l’offre de sculpteurs créatifs. En tout état de cause, le niveau artistique a considérablement baissé après le règne glorieux de Ramsès II. En effet, l’Égypte elle-même a connu un déclin progressif mais significatif.

La dernière période du Nouvel Empire, de la 21e à la 32e dynastie, marque la fin de la domination du pays, qui doit céder la place aux Éthiopiens, aux Assyriens, puis aux anciens Perses . Le siège de l’empire égyptien se déplaça plusieurs fois, d’abord à Tanis, à Mendès, puis à Sebennitos, et resta longtemps à Saïs, de sorte que cette période est généralement classée comme saïtienne.

Dans un environnement aussi instable et imprévisible, il était difficile pour les artistes, en particulier les sculpteurs, de trouver des thèmes et des styles appropriés, et ils revenaient souvent aux formes de l’Ancien Empire pour s’en inspirer. Il y eut parfois des évolutions plus positives. Le roi Psammétique Ier encouragea un petit renouveau artistique au cours de la 26e dynastie, en reconstruisant des temples et en commandant davantage de peintures et de sculptures.

Les sculpteurs travaillent à nouveau les pierres les plus dures, comme pour prouver que leur connaissance et leur maîtrise de la technique sont toujours intactes. Cependant, de nombreuses œuvres de cette dynastie, comme les statues d’Osiris et de Nephtys en basalte vert et la statuette de Psammétique Ier du musée de Gizeh, montrent que les formes sculpturales prédominantes sont efféminées et raffinées, et non plus tranchantes et vigoureuses comme auparavant.

La sculpture égyptienne à l’époque gréco-romaine

Durant la période de l’Antiquité classique, lorsque l’Egypte fut conquise par Alexandre le Grand, son art ne changea pas du jour au lendemain pour s’adapter au goût de ces nouveaux et puissants Grecs. Les temples ptolémaïques - bien que caractérisés par un certain nombre de changements, notamment dans les chapiteaux des colonnes - ne sont pas construits comme des temples grecs, dans le style hellénique.

De même, les statues des Ptolémées sont restées égyptiennes. Si les successeurs d’Alexandre sont devenus pharaons, ils n’ont pas transformé les Égyptiens en Grecs. Néanmoins, le développement des cités grecques en Égypte - qui se poursuit à partir du VIIe siècle av. - J.-C. - et la conquête macédonienne de l’Égypte a donné naissance à un style d’art mixte gréco-égyptien. Si les Romains ont continué à reconstruire les temples de l’Ancien et du Moyen Empire dans le style égyptien, ils ont également encouragé une forme de sculpture où les motifs et l’iconographie classiques ont pris le pas sur le style «égyptien».

Voir aussi Sculpture grecque et Sculpture romaine .
Sur la peinture hellénistico-égyptienne, voir : Portraits de momies du Fayoum .

Sculpture royale égyptienne

C’est cependant la séquence de la sculpture royale formelle qui montre le plus clairement les changements de détails et d’attitudes qui ont eu lieu au cours des nombreux siècles de l’histoire égyptienne. Malheureusement, très peu de sculptures royales ont survécu aux périodes les plus anciennes, mais l’un des exemples les plus anciens est aussi l’un des plus impressionnants.

Il s’agit d’une statue en calcaire grandeur nature du roi Djéser, vers 2 660-2 590 av. J.-C., trouvée dans une petite chambre du complexe du temple de la pyramide à degrés, planifié par l’architecte Imhotep (Musée égyptien, Le Caire). Une fois la statue érigée, elle ne devait plus jamais être vue par les vivants. Elle était destinée à servir d’habitation au roi ka après sa mort, et était murée dans une niche.

Deux ouvertures ont été ménagées en face de ses yeux, afin qu’il puisse regarder dans la chapelle voisine, où des offrandes étaient faites chaque jour. Le roi, assis sur un trône carré, est enveloppé d’un manteau. Le visage, encadré d’une fausse perruque, est impassible et empreint d’une majesté sourde, malgré les dégâts causés par les voleurs qui ont arraché les yeux incrustés. Les statues plus petites des nobles des trois premières dynasties, assises dans la même pose, la main droite sur la poitrine, donnent une forte impression de la densité de la pierre dans laquelle elles ont été taillées.

La magnifique statue en diorite de Chéphren, ca. 2 500 av. J.-C. (Musée égyptien, Le Caire), bâtisseur de la seconde pyramide de Gizeh, se trouvait autrefois avec 22 autres dans la longue salle du temple de la Vallée. La pose du roi a légèrement changé par rapport à la statue de Zoser, les deux mains reposant désormais sur les genoux. Le détail du corps, qui n’est plus enveloppé dans une robe, est superbement réalisé. Gardé par le faucon du dieu Horus, le roi est assis seul, avec une confiance tranquille en sa divinité. Cette statue était destinée à être exposée dans le temple, et l’autorité du roi est soulignée par un motif sculpté sur les côtés du trône, symbolisant l’unification des royaumes de Haute et de Basse-Égypte au moyen d’un nœud de papyrus et de lotus.

Les sculpteurs ont représenté les souverains de l’Ancien Empire comme des dieux sur terre. Au Moyen Empire, les fragments de statues royales qui subsistent montrent une lignée de souverains qui ont atteint leur divinité par leur propre puissance et leur force de personnalité. Le caractère détaché et solitaire de la royauté est évident dans leurs portraits, mais il est associé à une prise de conscience de la personnalité humaine cachée sous les atours de la royauté. Les têtes et les statues de ces souverains de l’Empire du Milieu donnent l’impression de véritables portraits sculptés par des artisans du plus haut niveau.

A l’époque du Nouvel Empire, les rides disparaissent du visage des rois, qui regardent l’éternité avec une expression dégagée. Les statues sont beaucoup plus nombreuses qu’aux époques précédentes et certains rois, comme Touthmôsis III et Ramsès Il, ont sculpté des centaines de bustes-portraits et d’autres œuvres pour orner les temples qu’ils avaient érigés pour les dieux. De nombreuses statues présentent des traits empruntés à la vie, comme le grand nez crochu de Thoutmosis III, mais les visages sont idéalisés. À partir du règne de la reine Hatchepsout, on note une certaine douceur dans l’expression du visage et un raffinement dans le traitement du corps. La sculpture du Nouvel Empire est techniquement splendide, mais il lui manque la puissance latente de la sculpture royale de l’Ancien et du Moyen Empire.

Voir aussi Architecture des pyramides égyptiennes .

Exemples existants de sculptures égyptiennes

Les statues et les reliefs égyptiens se trouvent dans les temples d’Abydos, de Thèbes, d’Edfou, d’Esneh, de Philae et d’Ipsambul, dans les tombes de Memphis, de Beni-Hassan et de Thèbes, et surtout au musée de Gizeh. D’importantes collections de statues de l’Égypte ancienne se trouvent au Louvre, à Paris ; au British Museum, à Londres ; au musée de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg ; à la galerie Tretiakov, à Moscou ; au Metropolitan Museum of Art, à New York ; au Vatican, à Rome ; au musée archéologique, à Florence ; au Museo Egisio, à Turin ; et au musée royal, à Berlin. D’autres collections américaines se trouvent au J. Paul Getty Museum, Los Angeles ; au Museum of Fine Arts, Boston ; au University of Pennsylvania Museum, Philadelphie ; et à la Johns Hopkins University.

Informations complémentaires sur la sculpture

La plupart des sculptures de la Grèce antique sont traditionnellement divisées en six styles principaux :

Sculpture dédalique (vers 650-600 av. J.-C.)
Sculpture grecque antique (vers 600-500 av. J.-C.)
Sculpture grecque classique précoce (vers 500-450 av. J.-C.).)
Sculpture grecque classique supérieure (ca. 450-400 BC)
Sculpture grecque classique tardive (ca. 400-323 BC)
Sculpture hellénistique (ca. 323-27 BC).

Voir aussi : Statues et reliefs grecs : la période hellénistique et Sculptures en relief de la Rome antique .

ART ET CULTURES ANCIENS
Pour une vue d’ensemble des formes d’art préhistoriques, y compris la peinture, la sculpture et les arts décoratifs, voir : Art ancien .

ART ISLAMIQUE
Pour un bref aperçu de l’influence et de l’histoire de l’art musulman sur l’Egypte : Art islamique .

LES MEILLEURS SCULPEURS DU MONDE
Pour une liste des 100 meilleurs artistes tridimensionnels (500 av. J.-C. &ndash ; aujourd’hui), voir Les plus grands sculpteurs .

LE PLUS GRAND ART OBJECTIF DU MONDE
Pour une liste de chefs-d’œuvre de sculpteurs célèbres, voir : Les plus grandes sculptures de tous les temps .

DÉVELOPPEMENT HISTORIQUE
Pour une liste des dates importantes dans l’évolution de la sculpture et des œuvres tridimensionnelles, y compris les mouvements, les écoles et les artistes célèbres, voir : Histoire de l’art (Revue des mouvements), Chronologie de l’art préhistorique (jusqu’à 500 av. J.-C.), Histoire de l’art - Chronologie .

LES DIFFÉRENTES FORMES D’ART
Pour les définitions, les significations et les explications des différents arts, voir Les types d’art .