Sculpture égyptienne: histoire, caractéristiques Automatique traduire
Sujet
La sculpture égyptienne antique a été étroitement associée à Architecture égyptienne et concernait principalement le temple et la tombe funéraire. Le temple a été construit comme s’il s’agissait du tombeau ou du lieu de repos éternel d’une divinité dont la statue était dissimulée dans une succession de salles fermées, ouvertes à la vue pour une courte période seulement, lorsque le soleil ou la lune ou une étoile particulière atteignaient un point l’horizon à partir duquel leurs rayons ont brillé directement sur le sanctuaire le plus intérieur. Ces statues divines étaient consultées comme des oracles et avaient rarement une taille imposante. Les sculpteurs étaient également employés pour les reliefs muraux, les chapiteaux de colonnes, les figures colossales gardant les pylônes et pour les longues allées de sphinx. Les illustrations murales sur les murs du temple représentent généralement la piété des pharaons ainsi que leurs conquêtes étrangères.
Les tombes égyptiennes ont nécessité l’utilisation la plus importante de sculpture . Dans ces voûtes étaient placées des statues de portrait du roi ou de la reine décédés. En outre, ce type de sculpture préhistorique figuraient des statues de fonctionnaires et de scribes, ainsi que des groupes représentant un homme et sa femme. Les murs des anciennes tombes égyptiennes ressemblent en réalité à un livre illustré des moeurs et des coutumes de la population. Des scènes illustrent des activités telles que la chasse, la pêche et l’agriculture; activités artistiques et commerciales, telles que la fabrication de statues, de verre, de métal, ou la construction de pyramides; les femmes effectuant des tâches ménagères ou se lamentant pour les morts; garçons engagés dans le sport. De tels reliefs révèlent une croyance confiante en l’avenir en une sorte d’extension non perturbée de la vie présente. Au cours des périodes ultérieures de Art égyptien à partir des tombes du Nouvel Empire, les dieux apparaissent plus en évidence dans les scènes de jugement; indiquant moins de certitude sur le bonheur de l’état futur.
Pour en savoir plus sur la construction de tombes et autres conceptions architecturales de l’Égypte ancienne, voir: Architecture égyptienne ancienne (grandes tombes pyramidales); Architecture du Moyen Empire égyptien (petites pyramides); Architecture égyptienne du nouveau royaume (temples); Architecture égyptienne tardive (variété de bâtiments).
En plus de représenter les dieux égyptiens civilisation , les sculpteurs ont également dépeint les objets mineurs d’usage domestique et quotidien; y compris les meubles de maison avec ses divans opulents, tables et coffres, et toutes les formes de ferronnerie et des bijoux. Des objets tels que des boîtes de toilette, des miroirs et des cuillères étaient représentés par des formes issues du monde floral, animal ou humain. Les plantes sacrées, notamment le lotus, constituaient la base naturaliste d’une classe de formes vaste et variée qui influença ensuite l’art décoratif de tout le monde antique.
Matériaux et outils de sculpture
Dans la vallée du Nil ont poussé l’acacia sacré et le sycomore, qui fournissaient au sculpteur un matériau pour les statues et les sarcophages, pour les trônes et autres objets d’art industriel. Les flancs des collines des deux rives du Nil, aussi loin que Edfou au sud, fournissaient un calcaire nummulitique grossier. Au-delà d’Edfou se trouvaient de vastes carrières de grès, toutes deux utilisées à des fins sculpturales et architecturales. Près de la première cataracte, on peut encore voir les carrières de granit rouge utilisées non seulement pour les obélisques, mais également pour les énormes statues, sphinx et sarcophages. L’albâtre a été extrait dans l’ancienne ville d’Alabastron, près du village moderne d’Assiout. Des montagnes du désert d’Arabie et de la péninsule du Sinaï sont venus le basalte et la diorite employés par les premiers sculpteurs, le porphyre rouge prisé surtout par les Grecs et les Romains, ainsi que le cuivre. Même la boue du Nil a été façonnée et cuite, et recouverte de glaçures colorées, datant des toutes premières dynasties de l’histoire égyptienne. Au cours de la même période, le sculpteur égyptien manipule avec une grande dextérité de nombreux matériaux importés, tels que l’ébène, l’ivoire, le fer, l’or et l’argent. Sculpture en ivoire par exemple, était largement pratiqué et était utilisé dans sculpture chryséléphantine , pour des travaux majeurs.
Lorsque les sculpteurs égyptiens voulaient donner une plus grande permanence à leurs sculptures, comme par exemple aux statues et aux sarcophages de leurs rois pharaons, ils utilisaient les matériaux les plus durs, comme le basalte, la diorite et le granit. Cette pierre dure qu’ils manipulaient avec autant d’habileté qu’ils ne le faisaient en bois, en ivoire et en pierre plus tendre.
Les détails fins ont probablement été appliqués avec des instruments en silex. Parmi les autres instruments fabriqués en bronze ou en fer trempé, il y avait la scie à dents précieuses, des forets tubulaires de divers types, le pointeur et le burin. Les statues de pierre dure ont été méticuleusement polies avec du grès broyé et de l’émeri; Les pierres plus douces étaient généralement recouvertes de stuc et peintes, le pigment étant appliqué de manière arbitraire ou conventionnelle.
Statues égyptiennes
Les artistes égyptiens fabriquaient une grande variété de petites figurines en argile, en os et en ivoire, bien avant l’émergence d’un style de sculpture formel au moment de l’unification des Deux Terres d’Égypte. Quelques figurines fragiles ont été retrouvées dans des tombes préhistoriques. La tradition de fabrication de tels objets a survécu jusqu’au Nouvel Empire. L’os et l’ivoire ont été utilisés pour créer des figures féminines stylisées, d’une fabrication complexe, entre 4 000 et 3 000 ans avant notre ère. L’argile, qui était plus facile à façonner, a été moulée pour représenter de nombreuses espèces d’animaux, facile à identifier car leurs caractéristiques ont été capturées par une observation aiguë. Voir également: Sculpture Mésopotamienne (environ 3000-500 ans avant notre ère).
Vers 3000 avant notre ère, des statuettes en ivoire étaient sculptées dans un style plus naturaliste et de nombreux fragments ont survécu. L’un des plus beaux et des plus complets a été trouvé à Abydos, représentant un roi inconnu, représenté en costume de cérémonie (British Museum, Londres). Il porte la haute couronne blanche de la Haute-Égypte et une courte cape à losanges. Il avance avec confiance dans la pose utilisée pour toutes les statues masculines à l’époque dynastique, le pied gauche devant le droit. La qualité de la sculpture est montrée dans la manière dont la robe est étroitement enroulée sur les épaules arrondies, et la tête est poussée vers l’avant avec détermination et force de but.
À partir de cette période, juste avant la 1 re dynastie, il est évident que les sculpteurs faisaient de grands progrès et utilisaient du bois et de la pierre de toutes sortes. Ce développement s’est poursuivi tout au long de la période archaïque, lorsque les premiers grands types de statue ont été faites. Les travaux dans le métal ont également progressé; des statuettes miniatures en cuivre et des amulettes en or ont été retrouvées dans les tombes, tandis qu’une inscription de la 2e dynastie raconte la fabrication d’une statue royale en cuivre.
Statues égyptiennes: conventions artistiques
La statuaire égyptienne était faite pour être placée dans des tombes ou des temples et était généralement destinée à être vue de face. Il était important que le visage regarde droit devant, dans l’éternité, et que le corps vu de face soit vertical et rigide, tous les plans se croisant à angle droit. Parfois, des variations se produisent; Les grandes statues, par exemple, ont été faites pour regarder légèrement vers le bas, mais les exemples où le corps est plié ou la tête tournée sont très rares dans la sculpture formelle. Il est généralement admis que les meilleurs artisans travaillaient pour le roi et établissaient les motifs suivis par ceux qui produisaient des sculptures en pierre, en bois et en métal pour ses sujets dans toute l’Égypte. L’Ancien et le Moyen Empire, en particulier, ont vu la production de nombreuses statues et de petites figurines qui ont été placées dans les tombes de gens tout à fait ordinaires pour remplacer le corps s’il devait être détruit, pour fournir une demeure éternelle au ka. La qualité était souhaitable, mais n’était pas particulièrement importante, tant que la statue portait le nom de la personne décédée, elle l’était identifiée. En fait, il était possible de reprendre une statue en modifiant simplement l’inscription et en lui substituant un autre nom. Cela se faisait même au plus haut niveau, et les rois usurpaient souvent des statues commandées par les anciens dirigeants. On pensait également qu’il était possible de détruire le souvenir d’un prédécesseur haï ou craint en piratant les noms et les titres de ses monuments. Cela est arrivé à beaucoup de statues d’Akhenaton, et les noms d’Hatchepsout ont été effacés par Thoutmosis III.
La plupart des statues de ka trouvées dans les tombes de nobles de l’Ancien Empire suivent un précédent royal. Les tombes royales de Gizeh et de Saqqarah étaient entourées de villes des morts, alors que les fonctionnaires cherchaient à être enterrés près de leur roi et à passer avec lui dans l’éternité. Peu à peu, les croyances autrefois associées au roi ou à sa famille immédiate ont été adoptées par ses nobles, puis par des personnes moins importantes, jusqu’à ce que tout le monde, à leur mort, espère s’identifier au roi mort Osiris; mais la qualité, la taille et le matériau de la statue de ka enterrée dans une tombe dépendaient de la prospérité et des moyens de son propriétaire.
Les premières sculptures privées, comme les sculptures royales qu’elles imitaient, étaient très fidèles à la tradition rituelle. Plus tard, les artisans, en particulier ceux qui travaillaient dans le bois, produisaient souvent de petites figures d’un grand charme quand ils ne se sentaient pas liés par des conventions religieuses. Ces petites statuettes étaient souvent conçues pour un usage pratique et transportaient des récipients contenant des substances cosmétiques; plus tard, ils ont été enterrés parmi les biens personnels de leurs propriétaires.
Note: les plasticiens égyptiens auraient eu une influence considérable sur Sculpture africaine d’Afrique subsaharienne, notamment d’œuvres du Bénin et de Yoruba en Afrique de l’Ouest.
Sculpture en relief égyptien
égyptien sculpture en relief est exécuté dans différents modes, comme suit:
(1) Bas-relief, où les figures sont légèrement en arrière-plan.
(2) Relief en creux, où le fond dépasse les figures.
(3) Contour-relief, où seules les contours des figures sont ciselés.
(4) Haut-relief où les figures se projettent à une certaine distance du fond.
Presque toutes les sculptures murales de l’Ancien Empire égyptien se présentent sous la forme de bas-relief, tandis que l’enfoncement et le relief sont les techniques de sculpture les plus courantes utilisées pendant le Nouvel Empire. Les hauts-reliefs se rencontrent parfois dans les tombeaux de l’ancien empire, mais sont principalement confinés au nouvel empire et à des formes telles que les piliers d’Osiride et d’Hathoric ainsi que les statues murales. Dans son traitement des chiffres en rond, la sculpture égyptienne antique se limite à quelques formes. Celles-ci incluent: la silhouette debout, le pied gauche légèrement devant la droite, la tête droite et les yeux tournés vers l’avant. Les variations sont obtenues en modifiant la position des bras. Les figures assises présentent la même pose de la tête, du corps et des membres inférieurs. À côté de cela, les poses à genoux et accroupis se reproduisent fréquemment, avec peu de variation. Les statues rondes représentent généralement les dieux, les pharaons ou les fonctionnaires municipaux et ont été composées avec une référence particulière au maintien des lignes droites. Mais si les principaux monuments d’État étaient de type et de pose limités, toute une série de statues représentant des sujets nationaux étaient composées beaucoup plus librement. Peu d’importance a été accordée au groupement. Il s’agissait généralement d’une simple juxtaposition de deux statues debout ou deux assises, ou d’une personne debout et d’une personne assise. Un dieu et un homme, ou un mari et une femme, étaient placés côte à côte. Dans les groupes familiaux, la figure d’un enfant était parfois ajoutée.
Le symbolisme était très utilisé dans les sculptures représentant les dieux. Lorsqu’ils sont représentés sous forme humaine, ils sont distingués par des emblèmes, mais ils sont plus souvent représentés par des créatures composites dont la tête est animée. Ainsi, par exemple, Horus a la tête d’un faucon; Anubis, la tête d’un chacal; Khnum, un bélier; Thot, un ibis; Sebek, un crocodile; Isis, un motif décoratif. Sur les murs extérieurs des temples, ils étaient généralement disposés de manière irrégulière à la surface, mais sur les murs intérieurs, ils étaient soigneusement disposés en rangées horizontales. Ce n’étaient pas vraiment des images, mais des images écrites en relief, et n’étaient souvent rien de plus que des hiéroglyphes agrandis. Tel étant leur caractère, il y avait peu d’incitation à améliorer leur composition artistique.
La composition en relief consistait simplement à organiser les figures en lignes horizontales de manière à enregistrer un événement ou à représenter une action. Les personnages principaux se distinguaient des autres par leur taille: on montrait des dieux plus grands que les hommes, des rois plus grands que leurs disciples et des morts plus grands que les vivants. Les actions subordonnées ont été juxtaposées en bandes horizontales. À d’autres égards, très peu d’importance était accordée à l’unité d’effet; et les espaces vides étaient généralement remplis de figures et de hiéroglyphes sur le principe que la nature avait horreur du vide. Dans une composition de ce genre, construite comme des phrases, la perspective n’était guère nécessaire. Les scènes ne sont pas représentées telles qu’elles apparaissent dans le champ de vision: au lieu de cela, les composants individuels sont tous amenés sur le plan de la représentation et disposés comme de l’écriture. Par exemple, la représentation d’un homme – qui pourrait être représenté avec la tête en profil, mais les yeux en face, les épaules bien en avant, le tronc tourné aux trois quarts et les jambes en profil – n’est pas l’image d’un homme tel qu’il apparaît à l’oeil; mais est plutôt une représentation symbolique d’un homme – une image qui était parfaitement claire pour la plupart des spectateurs. De la même manière symbolique, un bassin peut être indiqué par un rectangle, son contenu en eau par des lignes en zig-zag, tout en bordant des arbres projetés des quatre côtés du rectangle. Une armée militaire était représentée avec ses rangs plus éloignés placés dans le plan de représentation et disposés en lignes horizontales superposées. Dans quelques cas, les effets de la perspective ont été suggérés, mais étant en grande partie superflus au but de l’art égyptien, ils sont restés minimalistes.
Comme les statues égyptiennes représentaient le corps permanent du défunt, les sculptures en relief (généralement recouvertes de stuc, puis peintes) décrivaient les situations dans lesquelles son corps éthéré pouvait continuer à bouger. Ils n’étaient pas conçus comme de simples décorations architecturales, mais avaient principalement une fonction d’enregistrement ou d’immortalisation. Ils ornaient les murs extérieurs et intérieurs des temples, ainsi que les galeries et les murs des tombes, sans grand respect des considérations esthétiques ni des couleurs utilisées, étaient d’un ton éclatant, peu nombreux et de qualité durable. Elles étaient appliquées en masses plates uniformes et disposées en contrastes frappants, tandis que des techniques telles que le clair-obscur et la perspective des couleurs restaient assez étrangères à l’égyptien. art de la peinture . En effet, la peinture de reliefs était purement fonctionnelle et servait à rendre les figures plus distinctes, plutôt que plus naturelles. Le pigment était rarement utilisé pour indiquer la rotondité de la forme et était appliqué de manière purement conventionnelle. Les visages des hommes étaient peints en brun rougeâtre et ceux des femmes en jaune, bien que les dieux puissent avoir des visages de toutes les nuances. Comme des reliefs, statues en bois sculpté et ceux en pierre tendre étaient fréquemment traités avec du stuc et de la peinture, de la même manière.
Histoire et développement de la sculpture égyptienne
Malgré la richesse des matériaux et la quantité de production, la sculpture égyptienne a tellement évolué qu’il est difficile de tracer un chemin d’évolution précis: dès les premières dynasties, nous trouvons un art pleinement développé. Même à ce stade précoce, des artistes égyptiens 3D ont démontré une maîtrise de la sculpture en pierre dure et sculpture en bronze , et il n’ya pas de période archaïque ni de prototype pour illustrer comment cette maîtrise a été atteinte. La culture égyptienne ne nous a pas encore éclairés sur ses formes d’art préhistoriques. Nous ne connaissons pas non plus un idiome étranger préexistant ni un ensemble de compétences qu’elle aurait pu emprunter ou acquérir, à l’exception peut-être de la art de la Mésopotamie en Irak moderne. Ainsi, en général, quelle que soit son origine, l’art égyptien au cours de la période historique est davantage marqué par sa continuité que par ses changements évolutifs. Même ainsi, la sculpture égyptienne peut être dans une certaine mesure distinguée d’une période à l’autre.
Note: Pour un aperçu de l’évolution de la sculpture occidentale, voir: Histoire de la sculpture .
Sculpture en pierre égyptienne
C’est à la fin de la IIe et au début de la IIIe dynastie, vers 2 700 avant notre ère, que l’on pourrait appeler le style caractéristique de l’Égypte ancienne. sculpture en pierre a été créé, un style qui a été transmis pendant environ 2500 ans à la période ptolémaïque avec seulement quelques exceptions et modifications mineures. Les caractéristiques prédominantes de ce style sont la régularité et la symétrie des figures, pleines et quadrangulaires, qu’elles soient debout ou assises.
Michelangelo est réputé avoir cru qu’un bloc de pierre contenait une sculpture, en quelque sorte en embryon, qu’il appartenait à l’artiste de révéler. La figure achevée typique de l’Antiquité égyptienne donne une forte impression du bloc de pierre dans lequel elle a été sculptée. Les artistes ont enlevé un minimum absolu de pierre brute, laissant généralement les jambes fusionnées en une masse solide à un pilier arrière, les bras attachés aux côtés du corps, tandis que les personnages assis étaient soudés à leurs chaises. Non pas que ces sculptures semblent maladroites ou grossières; ils donnent une impression d’élégance sévère, une pureté de ligne qui suggère par sa tension une énergie restreinte.
Les premières étapes de la fabrication d’une statue, comme celle du relief et de la peinture, impliquaient la rédaction d’un croquis préliminaire. Un bloc de pierre avait une forme grossière et la figure à sculpter était dessinée sur au moins deux côtés pour donner les vues de face et de côté. Plus tard, une grille carrée garantissait que les proportions de la statue seraient exactement conformes aux règles fixées au début de la période dynastique. Les dessins maîtres, dont certains ont survécu, étaient disponibles pour référence. Une planche à dessin en bois avec une couche de gesso, conservée au British Museum de Londres, en est un bon exemple. Une figure assise de Thoutmosis III, datant de 1504-1450 avant notre ère, esquissée d’abord en rouge puis tracée en noir, a été dessinée à travers une grille de petits carrés bien ordonnés. Les maîtres artisans après des années de pratique seraient capables de travailler instinctivement, mais les sculpteurs inexpérimentés garderaient ces dessins à portée de la main pour pouvoir s’y référer facilement.
La sculpture réelle d’une statue impliquait le dur travail de marteler et de déchiqueter le bloc de tous les côtés jusqu’à ce que le contour approximatif de la figure soit complet. De nouvelles directives ont été établies, quand il est devenu nécessaire de garder les outils coupants carrément dans le bloc de tous les côtés. Les pierres plus dures, telles que le granit et la diorite, ont été travaillées par meurtrissure et pilonnage avec des pierres à marteaux dures, abrasant ainsi progressivement le bloc parent. La coupe au moyen de scies et de perceuses à métaux, aidée par l’ajout d’un abrasif tel que du sable de quartz, a été utilisée pour travailler les angles délicats entre les bras et le corps, ou entre les cuisses. Chaque étape était longue et fastidieuse et les outils en cuivre et en bronze devaient être constamment affûtés. Le polissage a enlevé la plupart des marques d’outil, mais sur certaines statues, en particulier les très grandes, telles que les énormes figures de Ramsès II au temple d’Abou Simbel, on peut encore voir des traces des marques faites à l’aide de foreuses tubulaires. Pour une statue colossale, un échafaudage a été érigé autour d’une figure, permettant à de nombreux hommes de la travailler à la fois. Le calcaire, bien sûr, était plus tendre et donc plus facile à travailler avec des burins et des forets.
Les statuts non finis fournissent des preuves utiles des processus impliqués. La plupart d’entre eux ont montré que les travaux se déroulaient de la même manière, préservant ainsi l’équilibre de la figure. Une tête de quartzite, probablement de la reine Néfertiti, trouvée dans un atelier à Amarna, vers 1360 avant notre ère, est en voie d’achèvement (Musée égyptien, Le Caire). Il était probablement destiné à faire partie d’une statue composite et le haut de la tête a été façonné et laissé grossier pour prendre une couronne ou une perruque d’un autre matériau. La surface du visage semble être prête pour le lissage final et la peinture, mais les repères sont toujours là pour indiquer la ligne du cheveu et le plan médian du visage. Des lignes un peu plus épaisses marquant le contour des yeux et des sourcils donnent l’impression que d’autres travaux sont prévus, afin de pouvoir les découper de manière à pouvoir les incruster avec d’autres pierres afin que la tête soit vraiment vivante à la fin.
NOTE: Pour des exemples d’œuvres antérieures du Moyen-Orient, Art sumérien (environ 3000 ans avant notre ère), voir La lionne de Guennol (3000 ans avant notre ère, Collection privée) et Bélier dans un fourré (2500 avant notre ère, British Museum). Pour des sculptures contemporaines, voir par exemple le taureau ailé à tête humaine (859 AEC) du palais d’Ashurnasirpal à Nimrud, et les reliefs en albâtre de chasses au lion mettant en vedette Ashurnasirpal II et Ashurbanipal, tous deux Art assyrien (vers 1500-612 avant notre ère).
Sculpture égyptienne pendant l’Ancien Empire
L’art de l’Ancien Empire était centré autour de la ville de Memphis, bien que le Delta, Abydos, le quartier de Thèbes et Éléphantine nous fournissent également des exemples de ses phases ultérieures. Aucun temple n’a survécu à cette époque; les sculptures proviennent exclusivement de tombes. En caractère, ces sculptures memphites sont fortement naturalistes par rapport à l’art égyptien ultérieur. Les statues de portrait sont variées et ont souvent un caractère saisissant, tandis que les peintures murales représentent de nombreuses scènes de la vie quotidienne. Les formes généralisées ou typiques incluent le sphinx monumental de Gizeh et les statues de Chephren, le constructeur de la deuxième pyramide. La tendance naturaliste de ce style artistique de Memphis a conduit à un traitement particulier de l’œil, technique utilisée dans les statues de cette époque (en calcaire, bois et bronze, mais pas dans les statues en roches basaltiques), bien qu’elle soit abandonnée plus tard. La pupille était représentée par un clou argent brillant en cristal de roche ou en émail, les cils noirs étant en bronze. Les têtes de ces statues de l’Ancien Empire révèlent un «type égyptien» marqué, bien que, dans certains cas, ne soient pas complètement mélangées à des races négroïdes et autres. Bien que les formes élancées du corps soient représentées, les occurrences les plus fréquentes sont les corps courts, épais et parfois musclés. Étant donné le grand nombre d’hommes et de femmes d’âge moyen représentés, il semble que l’enfance et la vieillesse ne soient pas des paradigmes essentiels dans la vie future. Dans l’ensemble, les visages sont le reflet d’un peuple paisible et heureux, pour qui la vie future n’offrait ni grand changement ni incertitude. Les sculptures murales et les hiéroglyphes exécutés en bas-relief étaient généralement finement sculptés.
Sculpture Egyptienne Au Milieu De L’Empire
L’art sculptural de la période dite du Moyen Empire peut être divisé en deux sous-périodes: la première période thébaine, de la onzième à la quinzième dynastie, et la période hyksos, de la quinzième à la dix-huitième dynastie. À ce jour, le centre du gouvernement égyptien est passé de Memphis à Thèbes.
La dernière période du règne memphite et la onzième dynastie (Empire moyen) produisirent peu de sculptures d’une valeur durable, mais la période qui suivit des Usertesen et des Amenemhats de la douzième dynastie assista à un renouveau de la créativité égyptienne. En général, la sculpture n’était qu’un prolongement de l’art de Memphis, mais certains changements étaient déjà évidents. Il y avait un désir général pour des statues de pharaons à plus grande échelle, tandis que les formes corporelles commençaient à acquérir des troncs, des bras et des jambes plus minces. Les sculptures murales se concentraient sur des sujets similaires à ceux des jours précédents, mais étaient moins individuelles, moins naturelles et, dans de nombreux cas, les peintures murales remplaçaient les sculptures en relief. Les statues du temple de Karnak datant de la XIIe dynastie révèlent que les offrandes votives de statuaire n’étaient pas rares, tandis que la belle statue de Sebekhotep III (Louvre, Paris) de la XIIIe dynastie révèle un nouveau départ dans l’art du sculpteur.
Cette renaissance de l’égyptien, qui a débuté au 12ème siècle et s’est poursuivie jusqu’à la 13ème dynastie, a connu une pause aux 14ème et 15ème dynasties en raison des souverains étrangers cruels connus sous le nom de rois Hyksos ou Shepherd Kings. Les affinités ethnologiques de ces rois de berger restent une question en suspens, les influences shémitiques qu’ils ont introduites étant contrebalancées par leur type de visage touranien. Les sphinx et les statues étaient encore exécutés par des sculpteurs égyptiens, mais dans le granit gris ou noir de Hammanat ou de la péninsule du Sinaï, plutôt que dans le granit rouge d’Assouan. Les centres d’activité des Hyksos étaient Tanis et Bubastis, leur influence étant plus faible en Haute-Égypte. La caractéristique la plus remarquable de leur sculpture était le style de visage non égyptien, montrant de petits yeux, des pommettes saillantes, une épaisse chevelure, un nez aquilin, une bouche puissante avec une lèvre supérieure bien rasée, et une barbe et des cheveux courts.
Sculpture égyptienne pendant le nouvel empire
La première partie du Nouvel Empire comprenait les 18ème, 19ème et 20ème dynasties. L’Égypte s’est libérée de la domination des Hyksos et a étendu son empire à l’Assyrie, à l’Asie mineure, à Chypre au nord et à l’est, ainsi qu’à la Nubie et à l’Abyssinie au sud. De nombreux grands temples ont été érigés, en particulier sous le règne de Séthi Ier et de Ramsès II, ce qui a entraîné de nombreuses commandes de nouvelles sculptures. Et depuis que les temples monumentaux mènent naturellement à la statuaire monumentale, les statues d’Aménophis III, à Thèbes, mesurent 52 pieds de haut, celles de Ramsès II, à Ipsamboul, de 70 pieds, tandis que la sculpture de Ramsès à Tanis, était de 90 pieds à l’exclusion de son piédestal. Les proportions élancées de la forme humaine qui étaient populaires aux 12ème et 13ème dynasties ont été maintenues et même avancées, notamment dans les bas-reliefs du Nouvel Empire. La simplicité vestimentaire, qui prévalait dans les temps anciens, a été remplacée par des vêtements plus riches et des ornements personnels plus élaborés, tandis que les couronnes n’étaient pas rares. Un autre changement concerne le fond et l’ornementation: les variétés de faune et de flore d’outre-mer, ainsi que les hommes et les femmes étrangers, sont décrits plus fréquemment et de manière plus variée qu’auparavant.
Sinon, le sujet de la sculpture et de la peinture est resté relativement constant. Les scènes de guerre et de conquête sont restées courantes, de même que les images des dieux – un petit temple situé à Karnak contenait plus de 550 statues de la déesse Sekhet-Bast – et des rois – voyez la belle statue assise de Ramsès II (musée de Turin), et les belles têtes de la reine Taia et de Horemheb et les remarquables sculptures en relief en calcaire du temple de Seti à Abydos. Cependant, à Tell-el-Amarna, le roi révolutionnaire Khou-en-Aten encouragea ses sculpteurs à rompre avec les thèmes traditionnels et à décrire des palais, des villas, des jardins, des promenades en chars et des festivals.
Les tombes royales du Nouvel Empire présentent les sculptures en relief de haute qualité, mais la demande de sculptures pour les murs extérieurs des temples semble avoir largement dépassé l’offre de sculpteurs créatifs. En tout état de cause, les normes artistiques ont considérablement baissé après le règne glorieux de Ramsès II. En effet, l’Égypte elle-même a connu un déclin progressif mais significatif. Au cours de la dernière période du Nouvel Empire, de la 21ème à la 32ème dynastie, la domination du pays était terminée et elle fut obligée de céder aux Éthiopiens, aux Assyriens, puis à l’ancienne Persans . Le siège de l’empire égyptien s’est déplacé à plusieurs reprises: d’abord à Tanis, à Mendes, puis à Sebennytos, et est resté longtemps à Sais. Cette période est donc généralement classée dans la période des Saites.
Dans des conditions aussi changeantes et imprévisibles, les artistes, en particulier les sculpteurs, ont du mal à trouver les thèmes et les styles appropriés, et reviennent souvent aux formes de l’Ancien Empire pour trouver l’inspiration. Il y avait parfois des développements plus positifs. Le roi Psammétichos Ier a défendu un renouveau artistique mineur au cours de la 26ème dynastie, restaurant des temples et commande davantage de peintures et de sculptures. Les sculpteurs ont à nouveau travaillé les pierres les plus dures, comme pour prouver que leurs connaissances et leur maîtrise de la technique étaient toujours intactes. Cependant, de nombreuses œuvres de cette dynastie, telles que les statues d’Osiris et de Nephthys au vert basaltique et la statuette de Psammetichos I au musée de Gizeh, révèlent que les formes sculpturales dominantes étaient efféminées et raffinées plutôt que nettes et vigoureuses comme avant.
Sculpture égyptienne à l’époque gréco-romaine
Pendant la période de Antiquité classique , lorsque l’Égypte a été soumise à Alexandre le Grand, son art n’a pas changé du jour au lendemain pour satisfaire le goût de ces nouveaux et puissants Grecs. Les temples ptolémaïques – bien que caractérisés par un certain nombre de modifications, notamment dans les chapiteaux des colonnes – ne sont pas construits comme des temples grecs de style hellénique. De même, les statues ptolémaïques sont restées égyptiennes. Et tandis que les successeurs d’Alexandre devenaient des pharaons; ils n’ont pas converti les Egyptiens en Grecs. Néanmoins, le développement des villes grecques en Égypte – qui se poursuivait depuis le 7ème siècle avant notre ère – ainsi que la conquête macédonienne de l’Égypte conduisirent à un art mixte gréco-égyptien. Et bien que les Romains aient continué à restaurer les temples de l’Ancien et du Moyen Empire dans le style égyptien, ils ont également encouragé une forme de sculpture dans laquelle les motifs classiques et l’iconographie priment sur un style «égyptien».
Voir également: Sculpture grecque et Sculpture romaine .
Pour la peinture égypto-hellénistique, voir: Fayum Mummy Portraits .
Sculpture royale égyptienne
Cependant, c’est la séquence de la sculpture royale officielle qui montre le plus clairement les changements de détail et d’attitude qui se sont produits au cours des nombreux siècles de l’histoire égyptienne. Malheureusement, très peu de sculptures royales ont survécu depuis les périodes les plus anciennes, mais l’un des exemples les plus anciens est également l’un des plus impressionnants. Il s’agit de la statue en taille réelle du roi Djéser en calcaire, entre 2 660 et 2 590 av. J.-C., trouvée dans une petite chambre du complexe du temple de la pyramide à degrés, planifiée par l’architecte. Imhotep (Musée égyptien, Le Caire). Une fois en place, la statue ne serait plus jamais vue par les yeux des vivants. Il a été conçu pour servir de logement au ka du roi après sa mort et a été muré dans une niche. Deux trous ont été laissés en face des yeux afin de pouvoir regarder dans la chapelle adjacente où des offrandes quotidiennes devaient être faites. Le roi, assis sur un trône carré, est enveloppé dans un manteau. Le visage, encadré par une pleine perruque, est impassible et empreint d’une majesté touchante, malgré les dégâts causés par les voleurs qui ont creusé les yeux incrustés. De plus petites statues de nobles des trois premières dynasties, assises dans la même position, la main droite croisée sur la poitrine, donnent une forte impression de la densité de la pierre dans laquelle elles ont été sculptées.
La magnifique statue en diorite de Khephren, environ 2500 ans avant notre ère (musée égyptien, Le Caire), bâtisseur de la deuxième pyramide de Gizeh, se trouvait autrefois avec 22 autres personnes dans le long hall du temple de la vallée. La posture du roi a légèrement changé par rapport à celle de la statue de Zoser et les deux mains se posent maintenant sur les genoux. Le détail du corps, qui n’est plus enveloppé dans un manteau, est superbement exécuté. Protégé par le faucon du dieu Horus, le roi est assis seul avec la calme assurance de sa divinité. Cette statue était destinée à être vue dans le temple et le pouvoir du roi est souligné par le dessin gravé sur les côtés du trône qui symbolisait l’union des royaumes de la Haute et de la Basse Égypte avec un nœud de papyrus et de lotus.
Les sculpteurs représentaient les dirigeants de l’Ancien Empire comme des dieux sur la terre. Au cours de l’Empire du Milieu, les fragments de statues royales qui subsistent montrent une lignée de dirigeants qui ont atteint leur divinité par leur propre pouvoir et leur force de personnalité. La nature distante et solitaire de la royauté apparaît dans leurs portraits, mais elle s’ajoute à la conscience de la personnalité humaine sous les pièges de la royauté. Les têtes et les statues de ces dirigeants du Moyen Empire donnent l’impression d’être de véritables portraits, sculptés par des artisans de talent.
Pendant le Nouvel Empire, les lignes disparaissent des visages des rois qui regardent dans l’éternité avec des expressions sans nuages. Beaucoup plus de statues ont survécu que lors des périodes précédentes, et certains rois, tels que Thoutmosis III et Ramsès Il, possédaient des centaines de bustes de portrait et d’autres œuvres sculptées pour décorer les temples qu’ils ont élevés pour les dieux. De nombreuses statues présentent des traits pris de la vie, tels que le grand nez crochu de Thoutmosis III, mais les visages ont été idéalisés. Depuis le règne de la reine Hatchepsout, l’expression est douce et le traitement du corps affiné. La sculpture du Nouvel Empire est techniquement splendide, mais il lui manque quelque chose du pouvoir latent de la sculpture royale de l’Ancien et du Moyen Empire.
Voir également Architecture pyramidale égyptienne .
Exemples survivants de sculptures égyptiennes
La statuaire et les reliefs égyptiens sont visibles dans les temples d’Abydos, de Thèbes, d’Edfou, d’Esneh, de Philae et d’Ipsamboul; dans les tombeaux situés autour de Memphis, Beni-Hassan et Thèbes, et notamment au musée de Gizeh. Le Louvre, à Paris, détient d’importantes collections de statues de l’Égypte ancienne. le Musée anglais , Londres; le Metropolitan Museum of Art de New York; le Vatican, Rome; le musée archéologique de Florence; le musée Egizio de Turin; et le musée royal, Berlin. D’autres collections en Amérique peuvent être consultées au J Paul Getty Museum de Los Angeles; le musée des beaux-arts, Boston; le musée de l’université de Pennsylvanie à Philadelphie; et l’Université Johns Hopkins.
Plus d’informations sur la sculpture
Antiquité classique
Plus Sculpture de la Grèce antique est traditionnellement divisé en six styles de base:
Voir également:
Statues et reliefs grecs: époque hellénistique et
Sculpture en relief de la Rome antique .
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