Art Egyptien: Types, Caractéristiques, Histoire Automatique traduire

La culture égyptienne, qui a apporté une contribution majeure à l’art néolithique tardif, est probablement la forme d’art antique la mieux connue dans le bassin méditerranéen avant l’avènement de la civilisation grecque (vers 600 av. J.-C.). L’architecture de l’Égypte ancienne, par exemple, est mondialement connue pour ses extraordinaires pyramides égyptiennes, tandis que d’autres caractéristiques propres à l’art de l’Égypte ancienne comprennent une écriture basée sur des images et des symboles ) hiéroglyphes) et un style hiératique méticuleux de peinture et de sculpture sur pierre. La civilisation égyptienne a été façonnée par la géographie du pays et les coutumes politiques, sociales et religieuses de l’époque. Protégés par les frontières du désert et soutenus par les eaux du Nil, les arts et l’artisanat égyptiens se sont développés sans être entravés (par des invasions extérieures ou des conflits internes) pendant de nombreux siècles. Le pharaon (signifiant à l’origine «palais») était vénéré comme un souverain divin (probablement une incarnation du dieu Horus), mais il exerçait généralement un contrôle étroit par le biais d’une hiérarchie bureaucratique stricte dont les membres étaient souvent nommés sur la base de l’autorité.

Pour une comparaison moderne, voir : L’art mésopotamien (vers 4500-539 avant notre ère) et La sculpture mésopotamienne (vers 3000-500 avant notre ère). Pour la peinture, la poterie et la sculpture orientales, voir : Art de la Chine . Voir aussi : Art néolithique en Chine (7500), et aussi : Art chinois traditionnel .

La fonction de l’art égyptien était double. Premièrement, glorifier les dieux, y compris le pharaon, et faciliter le passage de l’homme dans l’au-delà . Deuxièmement, défendre, promouvoir et préserver les valeurs de l’époque. En raison de la stabilité générale de la vie et de la culture égyptiennes, tous les arts, y compris l’architecture et la sculpture, ainsi que la peinture, le travail du métal et la joaillerie, se caractérisaient par une adhésion très conservatrice aux règles traditionnelles qui favorisaient l’ordre et la forme au détriment de la créativité et de l’expression artistique. Les arts décoratifs comprennent les premiers exemples d’art de l’ongle (décoration de l’ongle).

La culture égyptienne s’est développée sur trois mille ans, et cette période est généralement divisée comme suit :

Période des premières dynasties ; Ancien Empire (2680-2258 avant J.-C.) ; Moyen Empire (2134-1786 avant J.-C.) ; Nouvel Empire (2134-1786 avant J.-C.).) ; Nouvel Empire (1570-1075 av. J.-C.), y compris la période controversée Amarna, le règne d’Amenhotep (Ehnaton) (1350-1320 av. J.-C.). Cette période a été suivie par la période intermédiaire jusqu’à l’ère ptolémaïque (323-30 avant notre ère) et la période de domination romaine (30 avant notre ère-395 de notre ère).

Le symbole de la civilisation égyptienne ancienne est constitué par les pyramides, dont la plupart ont été construites au cours des périodes de l’Ancien et du Moyen Empire, lorsque le pouvoir du pharaon était absolu. Aujourd’hui encore, la signification de ces monuments funéraires et de ces tombes n’est pas entièrement comprise par les archéologues et les égyptologues. La Grande Pyramide de Gizeh (vers 2565 av. J.-C.), témoin de l’organisation sociale et de l’ingéniosité architecturale de la culture égyptienne antique, reste le seul monument survivant figurant sur la liste des sept merveilles du monde antique dressée par le poète grec Antipater de Sidon.

Artistes et artisans égyptiens

Les sculpteurs et les peintres égyptiens n’étaient pas des artistes au sens moderne du terme. L’art égyptien antique était plutôt le fait d’artisans rémunérés, formés et travaillant en équipe. L’artisan principal pouvait être très polyvalent et travailler dans de nombreuses branches de l’art, mais sa participation à la création d’une statue ou à la décoration d’une tombe était anonyme. Il guide ses assistants dans leur travail et participe à la formation des novices, mais sa contribution personnelle ne peut être valorisée.

A tous les stades de leur métier, les artistes travaillent ensemble. L’esquisse ou le dessin initial était réalisé par un ou plusieurs artistes, puis d’autres gravaient les étapes intermédiaires et finales. Les artistes suivaient le même schéma.

Là où des scènes sont restées inachevées, on peut voir les corrections apportées par des artisans plus expérimentés au travail de mains moins habiles. De nombreux artisans atteignaient des positions influentes et sociales, comme nous le montrent leurs propres monuments funéraires. Imhotep, l’architecte qui a construit le complexe de pyramides à degrés pour le roi Djéser en 2660-2590 avant J.-C., a été tellement vénéré par la suite qu’il a été déifié. Cependant, on croyait que le mérite de toute œuvre d’art revenait au mécène qui l’avait commandée.

Les règles de la peinture

La civilisation égyptienne était très religieuse. Ainsi, la plupart des œuvres d’art égyptiennes comportent des représentations de nombreux dieux et déesses, dont le pharaon. En outre, le respect de l’ordre et les valeurs conservatrices des Egyptiens ont conduit à l’établissement de règles complexes sur la manière dont les dieux et les humains pouvaient être représentés par les artistes.

Par exemple, pour dessiner des personnages, leur taille était calculée uniquement en fonction du statut social de la personne, et non selon les règles artistiques habituelles de la perspective linéaire . La même formule de représentation de la figure humaine est utilisée depuis des centaines, voire des milliers d’années. La tête et les pieds sont toujours de profil, les yeux et le haut du corps de face. Pour les sculptures et les statues égyptiennes, les règles stipulent que les statues masculines doivent être plus sombres que les statues féminines ; en position assise, les mains du sujet doivent être posées sur ses genoux. Les dieux étaient également représentés selon leur position dans la hiérarchie des divinités et toujours sous le même aspect. Par exemple, Horus (dieu du ciel) était toujours représenté avec une tête de faucon, Anubis (dieu des rites funéraires) toujours avec une tête de chacal.

L’utilisation des pigments

L’utilisation de la couleur dans les peintures égyptiennes était également réglementée et la couleur était utilisée de manière symbolique. Les artistes égyptiens utilisaient six couleurs dans leurs peintures : le rouge, le vert, le bleu, le jaune, le blanc et le noir. Le rouge, couleur du pouvoir, symbolisait la vie et la victoire, ainsi que la colère et le feu. Le vert symbolisait la vie nouvelle, la croissance et la fertilité, le bleu la création et la renaissance, et le jaune l’éternel, comme les qualités du soleil et de l’or. Le jaune étant la couleur de Râ et de tous les pharaons, les sarcophages et les masques funéraires étaient en or pour symboliser le pharaon éternel et immortel, devenu un dieu. Le blanc était la couleur de la pureté, symbolisait tout ce qui est sacré et était couramment utilisé dans les objets religieux et les instruments utilisés par les prêtres. Le noir était la couleur de la mort et représentait le monde souterrain et la nuit.

Pour en savoir plus sur les pigments colorés utilisés par les artistes de l’Égypte ancienne, voir : La palette de couleurs des artistes égyptiens .

L’art égyptien et l’au-delà

Presque toutes les peintures conservées de l’Égypte ancienne ont été trouvées dans les tombes des pharaons ou des hauts fonctionnaires et représentent des scènes de l’au-delà. Ces peintures, connues sous le nom d’art funéraire, décrivent des récits de la vie après la mort, des serviteurs et des objets tels que des bateaux et de la nourriture pour aider les morts dans leur voyage dans l’au-delà. Ces peintures étaient généralement exécutées sur du papyrus, sur des panneaux (à l’aide de couleurs à la cire) ou sur les murs sous forme de fresques et de peintures murales (à l’aide de détrempe). En outre, des maquettes (par exemple de bateaux, de greniers, de boucheries et de cuisines) étaient placées dans la tombe pour garantir le bien-être futur du défunt.

L’esprit habitant le corps, la protection de ce dernier contre la décomposition était également cruciale. L’utilisation de bandages serrés pour momifier le cadavre, ainsi que l’ablation et l’emballage des organes internes dans des dais en céramique et autres sarcophages luxueux se sont répandus au sein de l’élite dirigeante. Toutes ces activités ont contribué à soutenir une industrie nationale d’artistes et d’artisans égyptiens qui ont travaillé pour produire les œuvres d’art nécessaires (peintures, sculptures, poteries, céramiques, bijoux et travail du métal).

La sculpture égyptienne était hautement symbolique et, pendant la plus grande partie de l’histoire de l’Égypte, elle n’était pas destinée à être naturaliste ou réaliste. Les sculptures et les statues étaient faites d’argile, de bois, de métal, d’ivoire et de pierre, la pierre étant la plus permanente et la plus commune. De nombreuses sculptures égyptiennes étaient peintes de couleurs vives.

Outre l’architecture pyramidale, la sculpture sur pierre, les bijoux et les portraits des momies du Fayoum, les artisans égyptiens sont également connus pour leur vaisselle ancienne, en particulier la faïence égyptienne, art céramique, développé en Égypte depuis 1500 avant J.-C., bien qu’il ait débuté en Mésopotamie. Les plus anciens ateliers de faïence encore existants, dotés de fours à briques modernes, ont été découverts à Abydos, dans la région du Nil moyen. La faïence égyptienne est une poterie non argileuse composée de poudre de quartz ou de sable, recouverte d’un enduit vitreux, souvent fabriqué avec des pigments de cuivre pour donner un éclat bleu ou bleu-vert transparent. Voir Histoire de la poterie .

Le règne du roi Amenhotep (Ehnaton) (1350-1320 av. J.-C.)

Le pharaon Amenhotep IV (époux de la reine Néfertiti) est à l’origine d’une sorte de révolution culturelle en Egypte . Issu du culte d’Amon (Amen), une culture qui vénérait un large éventail de dieux, il change son nom en Ehnaton et, fort de son contrôle sur l’armée, introduit le culte du seul Aton, le dieu du soleil. La capitale de l’Égypte et la cour royale sont déplacées à Amarna, en Moyenne Égypte. Tout cela a conduit à une rupture radicale avec la tradition, en particulier dans les arts tels que la peinture et la sculpture. Elles sont devenues plus naturalistes et plus dynamiques que l’art statique des époques précédentes, contraint par des règles. En particulier, le style artistique amarnien se caractérise par une impression de mouvement et d’activité. (Les portraits de la noblesse égyptienne ne sont plus idéalisés et certains sont même caricaturés. La présence d’Aton dans de nombreuses images est représentée par un disque d’or qui brille de haut en bas.

Pour une comparaison avec les premières œuvres du Proche-Orient de l’art sumérien (~3000 av. J.-C.), voir : Agneau dans un fourré (vers 2500 avant notre ère, British Museum, Londres), Taureau agenouillé avec un récipient (3000 avant notre ère, Metropolitan Museum of Art, New York), et Lionne Gennol (3000 avant notre ère, collection privée). Sur la sculpture moderne, voir par exemple le Taureau ailé et le Lion à tête humaine (859 av. J.-C.) du palais d’Ashurnasirpal à Nimrud, et les reliefs en albâtre d’une chasse au lion représentant Ashurnasirpal II et Ashurbanipal, qui sont des exemples caractéristiques de l’art assyrien (ca. 1500-612 av. J.-C.).

Époque hellénistique (323-27 av. J.-C.)

L’influence de l’art grec hellénistique sur les artistes égyptiens, accélérée à l’époque de Ptolémée, favorise la représentation naturaliste des personnages dans les peintures et les sculptures, et diffère peu du processus amorcé par Ehnaton. Les portraits deviennent réalistes et les règles de la couleur s’assouplissent. Cette tendance est encore encouragée par le style pratique de l’art romain.

L’exemple le plus connu de la peinture hellénistique-égyptienne de l’époque de l’Antiquité classique est une série de portraits de momies du Fayoum trouvées principalement autour de l’oasis du Fayoum, à l’ouest du Nil, près du Caire. Type de portrait naturaliste fortement influencé par l’art grec, en particulier la peinture grecque hellénistique (323-27 av. J.-C.), les portraits du Fayoum étaient attachés au drap mortuaire d’une personne décédée. Ces peintures, conservées dans des conditions exceptionnellement sèches, comptent parmi les œuvres d’art originales les plus importantes qui nous soient parvenues de l’Antiquité.

Les collections d’œuvres d’art égyptiennes se trouvent au Musée égyptien du Caire, au British Museum de Londres, au Louvre de Paris, au Musée égyptien de Berlin et au Metropolitan Museum of Art de New York.

Note : les souverains d’Egypte n’étaient pas appelés pharaons par leur peuple. Seuls les Grecs et les Juifs utilisaient ce mot. Cependant, aujourd’hui, c’est le terme courant pour désigner tous les anciens rois d’Égypte.

Peinture et sculpture égyptiennes : un bref aperçu

Sculptures en relief

Les premières figures sculptées et scènes en relief datent de la préhistoire, lorsque des panneaux décoratifs en ardoise et des crêtes en bois, en os et en ivoire étaient enterrés dans les tombes de leurs propriétaires. Ils présentaient les contours simples et spectaculaires d’espèces familières de la vallée du Nil : antilopes, bouquetins, poissons et oiseaux. Des peignes en ivoire plus élaborés et des manches de couteaux en silex en ivoire, qui avaient probablement une fonction cérémonielle, sont sculptés en relief, la scène se détachant à l’arrière-plan.

Vers la fin de la période préhistorique , la sculpture égyptienne est incontestable, bien que jusqu’à cette époque il n’y ait pas eu de grands monuments architecturaux sur lesquels montrer l’habileté des sculpteurs. Les quelques figures sculptées sur des fragments d’os et d’ivoire nous apprennent que les dieux étaient vénérés dans des sanctuaires construits avec des fagots de roseaux. Les chefs de l’Égypte préhistorique vivaient probablement dans des structures similaires, très semblables à celles que l’on trouve encore dans les marais du sud de l’Arabie.

Le travail des sculpteurs se manifeste dans la production de têtes de macédoine et de palettes cérémonielles, sculptées en l’honneur de victoires ou d’autres événements importants et dédiées aux dieux. Elles montrent qu’un style sculptural caractéristique, qui se répétera dans toutes les périodes ultérieures de l’histoire égyptienne, était déjà formé et que la tradition de représenter la figure humaine en partie de profil et en partie de face était déjà établie. La signification de nombreux détails ne peut encore être expliquée, mais les représentations du roi sous la forme d’un lion puissant ou d’un taureau vigoureux se répètent souvent à l’époque dynastique.

Reliefs de tombes

Les premiers reliefs représentant le roi frappant ses ennemis ou s’avançant dans une pose rituelle manquent quelque peu de naturel, mais à la IIIe dynastie, la technique était déjà très avancée. La plupart des exemples conservés sont en pierre, mais les panneaux de bois trouvés dans la tombe de Hesir à Saqqara, 2660-2590 avant J.-C., témoignent de la perfection des artisans (Musée égyptien, Le Caire). Ces figures, debout ou assises, sculptées selon les conventions de l’idéal masculin égyptien, soulignaient différemment les divers éléments de la forme humaine.

La tête, le buste et les jambes sont représentés de profil, mais les yeux et les épaules sont représentés de face, et la taille et les hanches sont de trois quarts. Cette pose artificielle n’est cependant pas maladroite grâce au respect des proportions naturelles. La perfection de la technique, évidente dans le modelage fin des muscles du visage et du corps, donne de la grâce à ce qui pourrait autrement paraître raide et sévère. Hesir, portant le bâton et le sceptre de son rang, ainsi qu’une palette et un plumier symbolisant sa position de scribe royal, regarde avec fierté et confiance vers l’éternité. Le soin apporté par l’artisan ne se limite pas à la figure de son patron, car les hiéroglyphes qui composent l’inscription du nom et des titres du défunt sont également sculptés avec finesse et assurance et sont de magnifiques représentations miniatures d’animaux, d’oiseaux et d’objets utilisés dans l’écriture de l’Égypte ancienne. Les animaux et les oiseaux utilisés comme hiéroglyphes sont représentés de profil.

Les grands cimetières de Gizeh et de Saqqara, où les nobles et les fonctionnaires de la cour étaient enterrés à côté de leurs rois, fournissent de nombreux exemples du savoir-faire des artisans des 4e, 5e et 6e dynasties, un savoir-faire rarement atteint au cours des périodes ultérieures. La pièce maîtresse de ces premières tombes était une dalle de pierre représentant le défunt assis devant une table d’offrandes. Cette dernière était généralement placée au-dessus d’une fausse porte par laquelle l’esprit du défunt, appelé Ka, pouvait continuer à entrer et à sortir de la tombe. L’idée sous-jacente était que l’image magique des offrandes sur la stèle, activée par les formules religieuses correctes, existerait jusqu’à la fin de l’éternité avec le Ka de la personne à qui elles étaient faites.

Dans les scènes individuelles ou dans les œuvres qui remplissaient un mur du plafond au sol, chaque figure avait sa place et ne devait pas encombrer l’espace qui lui était alloué. L’une des réalisations les plus remarquables des maîtres égyptiens est la façon dont ils ont rempli l’espace disponible de manière naturelle et équilibrée, de sorte que les scènes pleines de vie n’ont jamais semblé exiguës ou surchargées.

Les séquences horizontales ou registres de scènes de part et d’autre des stèles funéraires et des fausses portes des tombes des Ve et VIe dynasties regorgent de détails vivants et naturels. Ici, la vie quotidienne des paysans et des nobles a été capturée par le maître pour toujours - les actions du berger et du pêcheur ont été figées à mi-parcours afin que le propriétaire de la tombe soit toujours entouré de l’agitation quotidienne de son domaine. Les sujets devaient être typiques d’événements ordinaires, de scènes familières plutôt que d’occasions spéciales.

Les maîtres égyptiens n’utilisaient pas la perspective pour montrer la profondeur et la distance, mais ils ont établi la convention selon laquelle plusieurs registres, chacun avec sa propre ligne de base, pouvaient être utilisés pour représenter des foules de personnes. Ceux qui se trouvaient dans le registre le plus bas étaient censés être les plus proches du spectateur, et ceux qui se trouvaient dans le registre le plus élevé étaient censés être les plus éloignés. On trouve un certain nombre de scènes de ce type dans l’Ancien Empire : par exemple, une multitude de porteurs apportant le produit de leurs possessions à un noble décédé à sa table funéraire, ou des escouades d’hommes représentant en train de traîner une grande statue. Les statues représentées sur les reliefs, comme les hiéroglyphes, sont de profil, en contraste avec les silhouettes des hommes qui les traînent. Cependant, les scènes les plus célèbres montrant la proximité et la distance sont peut-être les scènes peintes de banquets du Nouvel Empire, où de nombreux invités, vêtus de leurs plus beaux habits, sont assis en rangs devant leurs hôtes.

Les registres pouvaient également être utilisés pour représenter les différentes étapes d’une séquence évolutive d’actions, comme les images d’un film d’animation. Dans l’Ancien Empire, les événements importants de l’année agricole se succèdent sur les parois de nombreuses tombes : labours, semailles, récoltes et battage du grain sont fidèlement représentés. Les bergers travaillent dans les pâturages, s’occupant du bétail si apprécié des anciens Égyptiens, tandis que d’autres scènes illustrent la capture d’oiseaux aquatiques dans les marais du Nil et la pêche dans le fleuve lui-même. D’autres activités domestiques, telles que la boulangerie et la brasserie, également essentielles à l’existence éternelle du noble défunt, sont également représentées ; d’autres scènes mettent en scène des charpentiers, des potiers et des bijoutiers au travail.

C’est dans ces scènes de la vie quotidienne que le sculpteur a pu faire preuve d’initiative et s’affranchir en quelque sorte des conventions. Le mort et sa famille doivent être représentés dans des poses rituelles telles qu’elles sont décrites - plus grands que nature, strictement proportionnés, toujours calmes et quelque peu détachés.

En revanche, les travailleurs ruraux des domaines pouvaient être représentés dans leurs tâches quotidiennes d’une manière plus détendue, transmettant un peu de la vivacité et de l’énergie qui devaient caractériser les anciens Égyptiens. Alors que les porteurs d’offrandes, symbolisant les dons funéraires du domaine à son seigneur, sont représentés avançant vers lui dans une procession formelle et majestueuse, les paysans travaillant dans les champs ont l’air à la fois robustes et énergiques. Ils se penchent sur la charrue et battent les ânes, s’occupent du bétail et portent les petits veaux sur leurs épaules sans craindre les crocodiles qui rôdent dans les marais.

Les détails naturels utilisés pour remplir les recoins de ces scènes funéraires montrent le plaisir avec lequel les artisans égyptiens de l’Antiquité observaient leur environnement. Oiseaux, insectes, bouquets de plantes sont autant d’éléments qui viennent équilibrer et compléter le tableau. Le résultat de cette observation minutieuse est visible dans les détails qui distinguent les espèces d’oiseaux et de poissons qui habitent les roseaux et les eaux peu profondes des marais.

Les reliefs qui ornaient les temples royaux du début de la Ve dynastie sont peu nombreux, mais un fragment d’une scène de chasse dans les marais nous est parvenu du temple funéraire du premier roi, Ouserkaf, vers 2460 avant J.-C. (Musée égyptien, Le Caire). L’air au-dessus des gracieuses têtes de roseaux de papyrus est animé par des oiseaux, que la finesse de la sculpture permet de distinguer facilement, même sans ajout de couleur. La huppe, l’ibis, le martin-pêcheur et le héron sont reconnaissables entre tous, et le grand papillon qui plane au-dessus d’eux apporte la touche finale.

Bas-relief

La tradition du décor en relief finement détaillé, avec des figures dépassant légèrement du fond, s’est poursuivie sous la VIe dynastie et au Moyen Empire, où elle a été particulièrement utilisée pour les monuments royaux. Peu de fragments de ces monuments subsistent, mais les hiéroglyphes gravés sur la petite chapelle de Sésostris Ier, aujourd’hui reconstituée à Karnak, témoignent de la sûreté et de la délicatesse du toucher des artisans. À la fin de l’Ancien Empire, le relief est associé à d’autres techniques comme l’incision, où les lignes sont simplement gravées dans la pierre, surtout dans les monuments non royaux, et le résultat est souvent très agréable d’un point de vue artistique.

Un excellent exemple est la stèle funéraire en calcaire de Neanhthethi, vers 2 250 avant J.-C. (Merseyside County Museums, Liverpool). La partie principale de la stèle - le personnage et l’inscription horizontale qui le surmonte - est en relief, mais le panneau vertical de hiéroglyphes répète son nom avec un titre différent, et le symbole du scribe - la palette et la plume nécessaires pour commencer les deux lignes - n’est utilisé qu’une seule fois, au point d’intersection des lignes. Le résultat est un dessin parfaitement équilibré, qui constitue une variété agréable dans les types de stèles sculptées à l’époque de l’Ancien Empire.

La stèle de Hotepa, sculptée au cours de la période du Moyen Empire, 2000-1800 avant J.-C. (Merseyside County Museums, Liverpool), témoigne d’une évolution plus poussée. Les figures de trois fonctionnaires debout et des signes hiéroglyphiques ont été clairement gravés dans le granit rouge dur. Les signes et les figures étaient à l’origine remplis de pigment bleu pour contraster avec la surface rouge polie de la pierre.

Relief en creux

Le relief en creux est devenu à la mode au cours du Moyen Empire et a été utilisé avec beaucoup de succès sous la XVIIIe et le début de la XIXe dynastie. Le fond n’est pas découpé, comme dans le bas-relief, pour que les figures s’élèvent au-dessus du niveau du reste de la surface. Au lieu de cela, le motif en relief a été taillé dans la surface lisse de la pierre. Sous la forte lumière du soleil égyptien, les détails sculptés ressortaient bien, mais le relief en creux était mieux protégé des intempéries et donc plus durable.

La peinture égyptienne

La peinture dans l’Egypte ancienne s’est développée sur le même modèle que les scènes en relief sculpté, et les deux techniques ont souvent été combinées. Les premiers exemples de peinture apparaissent à la période préhistorique sous la forme de motifs et de scènes sur des poteries. Nos connaissances dépendent en grande partie de ce qui nous est parvenu, et les fragments sont nécessairement peu nombreux en raison de la fragilité du matériau. On connaît des parties de deux scènes représentant des personnages et des bateaux, l’une sur du lin et l’autre sur le mur d’une tombe. Sur les murs des tombes royales de la première dynastie, des panneaux de motifs aux couleurs vives ont été conservés, représentant les nattes et les tentures tissées qui ornaient les murs des grandes maisons. Ces motifs se retrouvent tout au long de l’histoire de l’Égypte dans de nombreuses variantes. Certains des meilleurs motifs se trouvent sur les côtés des cercueils rectangulaires en bois découverts dans les tombes des nobles du Moyen Empire à Beni Hasan et ailleurs, vers 2000-1800 avant J.-C.

Peinture funéraire égyptienne

Les premières peintures représentatives dans le style égyptien traditionnel, reconnaissable entre tous, datent des IIIe et IVe dynasties. Les plus connues sont probablement les fragments de la tombe d’Itet à Medum, vers 2 725 avant J.-C., qui représentent des groupes d’oies faisant partie d’une grande scène de chasse dans les marais (Musée égyptien, Le Caire). Les oies, de plusieurs espèces, se tiennent de manière un peu guindée au milieu d’une végétation stylisée, mais les marques sont soigneusement choisies et les couleurs sont naturelles et subtiles.

Tout au long de l’Ancien Empire, la peinture a été utilisée pour décorer et finir les reliefs en calcaire, mais au cours de la VIe dynastie, les scènes peintes ont commencé à supplanter les scènes en relief dans les tombes privées pour des raisons économiques. Il était moins coûteux de commander des scènes peintes directement sur les murs des tombes, même si leur magie était tout aussi efficace.

Durant la Première Période Intermédiaire et le Moyen Empire, les cercueils rectangulaires en bois de la noblesse étaient souvent peints de manière très élaborée, les transformant en véritables maisons pour les esprits des morts. L’extérieur des cercueils portait les noms et les titres de leurs propriétaires, ainsi que des invocations au patronage de divers dieux. Le reste des surfaces était recouvert de panneaux aux couleurs vives imitant les murs des maisons recouvertes de nattes tissées, avec des fenêtres et des portes décorées de motifs géométriques complexes. Une grande attention était accordée «à la fausse porte» située dans la partie supérieure du cercueil, par laquelle le ka pouvait entrer et sortir à volonté. Ce panneau représentait toujours les deux yeux sacrés du faucon, le dieu du ciel Horus, qui permettaient au défunt de regarder vers le monde des vivants.

Les surfaces intérieures des cercueils étaient parfois peintes d’offrandes faites au défunt, assurant leur pérennité dans l’au-delà. La pièce maîtresse était une table d’offrandes garnie de pain, de viande et de légumes. La liste des offrandes rituelles était également importante, et les objets personnels tels que les armes, les bâtons, les récipients en argile et en pierre, et les vêtements étaient représentés en détail. Des coiffes sont dessinées sur la tête et des paires de sandales de rechange sur les pieds.

Ces cercueils étaient placés dans les petites chambres creusées dans la roche des tombes de Haute-Égypte, où la pierre est souvent trop rugueuse ou effritée pour offrir une bonne surface à la peinture. Des fragments de peintures murales ont toutefois survécu, et certaines tombes présentent des scènes animées de chasse dans le désert ou de travaux agricoles. Un sens aigu de l’observation a également permis de créer des sujets inhabituels, tels que des hommes luttant ou des garçons jouant, montrés en séquence comme une série d’images d’un film en mouvement. D’autres tableaux sont peints avec une grande habileté. Une partie de la scène d’un marais dans une tombe de Beni Hasan, vers 1800 avant J.-C., représente un groupe d’oiseaux sur un acacia. Les feuilles de l’arbre, qui ressemblent à des ailes, sont très finement dessinées et les oiseaux - trois grives, une huppe et un canard à gorge rouge - sont facilement reconnaissables.

La véritable peinture funéraire apparaît cependant à l’époque du Nouvel Empire, surtout dans les tombes de la grande nécropole de Thèbes. Ici, le calcaire est généralement trop pauvre et trop friable pour être sculpté en relief, mais la surface peut être enduite pour servir de support à l’artiste. Comme toujours, les conventions traditionnelles ont été respectées, en particulier dans les scènes formelles représentant un mort, où celui-ci apparaît plus grand que sa famille et ses compagnons. Cependant, à l’instar des sculpteurs de reliefs de l’Ancien Empire, les artistes pouvaient faire preuve d’imagination pour les petits détails qui remplissaient les grandes scènes. Les oiseaux et les animaux des marais, généralement représentés de profil, ont des marques soigneusement dessinées qui donnent l’impression d’un vrai pelage et de vraies plumes, et leurs actions sont parfois très réalistes. Dans la tombe de Nebamun, vers 1400 avant J.-C., un chat de chasse, ayant déjà saisi un oiseau dans ses griffes, bondit pour saisir un canard avec sa gueule.

Les fragments illustrant un banquet provenant de la même tombe donnent l’impression que l’artiste ne possédait pas seulement un talent exceptionnel, mais qu’il prenait aussi un plaisir particulier à expérimenter des détails inhabituels. Les nobles invités sont assis en rangées formelles, mais les serviteurs et les artistes n’étaient pas aussi importants et n’avaient pas à se conformer à cette façon de faire. Des groupes de musiciennes s’agenouillent gracieusement sur le sol, la plante des pieds tournée vers le spectateur, et deux d’entre elles sont représentées presque de face, ce qui est très rare. La légèreté et la gaieté de la musique sont transmises par l’inclinaison de leur tête et le mouvement visible des petites tresses de leurs cheveux savamment tressés. Le mouvement animé est poursuivi par un couple de jeunes danseurs, représentés de profil, dont les mains qui claquent et les pieds qui volent sont décrits avec beaucoup de sensibilité. Un autre élément inhabituel est l’ombrage de la plante des pieds et des vêtements plissés des musiciens.

Fresques égyptiennes

La peinture n’ornait pas seulement les murs des tombes du Nouvel Empire, elle embellissait aussi les maisons et les palais des vivants. Des fresques représentant des roseaux, de l’eau, des oiseaux et des animaux ornaient les murs, les plafonds et les sols des palais d’Amarna et d’ailleurs, mais après la XIXe dynastie, la qualité de ces peintures n’a cessé de décliner. À plus petite échelle, la peinture sur papyrus, sur meubles et sur cercueils en bois est restée habile jusqu’aux dernières périodes de l’histoire égyptienne, bien qu’il y ait également eu de nombreuses œuvres de qualité inférieure produites en série.

Techniques artistiques de la sculpture et de la peinture en relief

Avant de se lancer dans la sculpture ou la peinture en relief, il fallait préparer la surface, qu’il s’agisse de pierre ou de bois. Si la surface est bonne, il suffit souvent de l’égaliser, mais les imperfections doivent être masquées avec du plâtre. À l’époque du Nouvel Empire, des murs entiers étaient enduits, et parfois des reliefs aux détails exquis étaient sculptés dans l’enduit. On utilisait généralement un enduit de terre recouvert d’une fine couche de plâtre fin.

L’étape suivante est celle du croquis : les scènes sont esquissées, souvent en rouge, à l’aide d’un pinceau ou d’une plume de scribe. Cette étape est très importante, surtout lorsqu’il s’agit d’une scène complexe avec un grand nombre de personnages, ou lorsque le mur entier doit être recouvert d’éléments disposés en registres horizontaux. Certains maîtres étaient assez sûrs d’eux pour utiliser leur main libre, mais le plus souvent, des lignes horizontales et verticales croisées servaient de guide. Elles peuvent être tracées à l’aide d’une règle ou réalisées en pressant fortement les extrémités d’une ficelle pigmentée et en la faisant courir sur la surface. Très tôt dans l’histoire de l’Égypte, les proportions de la grille ont été fixées de manière à ce que les figures humaines soient dessinées selon un canon établi. Le décor de certaines tombes n’ayant jamais été achevé, les lignes de la grille et les esquisses sont clairement visibles, ainsi que les corrections apportées par les artisans.

L’étape suivante de la création du relief consistait à sculpter les contours corrects et à réduire le niveau environnant jusqu’à ce que la scène soit une série de figures plates se détachant sur le fond du relief. Les derniers détails pouvaient alors être découpés et la surface nivelée, prête à être peinte. Les corrections et les modifications apportées à la sculpture pouvaient être dissimulées sous une couche de plâtre avant l’application de la peinture.

L’artiste travaillait directement à partir d’une esquisse sur une surface plane et commençait par un fond. Celui-ci était rempli d’une seule couleur, gris, blanc ou jaune, à l’aide d’un pinceau fait d’une brindille droite ou d’un roseau dont les fibres avaient été arrachées. De grandes sections de figures humaines étaient ensuite dessinées, la couleur de la peau appliquée et les vêtements de lin peints. Les détails fins, tels que les marques des animaux et des oiseaux ou les pétales d’un collier ornemental, étaient finis à l’aide d’un pinceau ou d’un stylo plus fin. Les pigments étaient préparés à partir de substances naturelles telles que l’ocre rouge et jaune, la malachite en poudre, la suie et le gypse. À partir d’environ six couleurs de base, il était possible de mélanger de nombreuses nuances intermédiaires.

Le médium utilisé est l’eau, à laquelle on ajoute parfois de la gomme, et la peinture est appliquée en couche régulière. Au Nouvel Empire, des effets subtils sont obtenus par de petits coups de pinceau ou de plume pour mettre en valeur les poils des animaux ou les têtes duveteuses des roseaux de papyrus. Les hachures ont été rarement utilisées jusqu’au milieu de la XVIIIe dynastie, où elles ont commencé à être employées, en particulier dans les scènes de foule, pour rendre les plis subtils des vêtements de lin.

Architecture : tombes pyramidales et temples

L’architecture égyptienne est mondialement connue pour sa conception unique des tombes souterraines, illustrée par les pyramides égyptiennes de Gizeh, et pour les œuvres d’art des tombes (momies, sculptures, céramiques et métaux précieux) et du Sphinx. Toutes les grandes pyramides monumentales ont été construites à l’époque de l’architecture égyptienne primitive, et seules quelques pyramides plus petites ont été construites à l’époque de l’architecture égyptienne du Moyen Empire . Vient ensuite l’âge d’or de l’architecture égyptienne du Nouvel Empire, avec ses vastes ensembles de temples à Karnak et à Louxor, après quoi la longue période de l’architecture égyptienne postérieure est une anti-culmination distincte.

Pour un bref aperçu de l’art musulman, voir : L’art islamique .