Art océanique: Culture de Mélanésie, Micronésie, Polynésie Automatique traduire
Définition: Qu’est-ce que l’art océanique?
Dans le domaine des arts, le terme assez large «art océanique» décrit les œuvres d’art produites par les peuples autochtones dans la vaste zone géographique: près de 10 000 kilomètres (6 000 milles) du nord au sud et environ 14 500 kilomètres (9 000 milles) d’est en ouest – de l’océan Pacifique.
Diversité de l’art du Pacifique
La zone englobe un continent (Australie), la deuxième plus grande île du monde (Nouvelle-Guinée), plusieurs autres grandes îles comme celle de la Nouvelle-Zélande – et une multitude de petites îles jonchant la vaste étendue du Pacifique entre la Nouvelle-Guinée et le Sud. Amérique. Sans surprise, l’indigène art tribal produit dans un territoire aussi vaste est très diversifié, tant pour des raisons ethniques que géographiques. Ses créateurs sont les descendants de peuplements successifs d’immigrés occidentaux d’origines diverses, mongoles, mélanotiques ou à peau sombre. Les anthropologues et les ethnologues identifient généralement trois régions distinctes en Océanie: la Mélanésie , la Polynésie et la Micronésie . Les affinités avec l’art et la culture des tribus de l’Asie du Sud-Est sont fréquentes.
Différent de l’art occidental
Semblable à indigène Art africain comprenant Sculpture africaine Les artefacts océaniques n’ont pas été fabriqués avec la moindre notion d’être un «art» comme le mot est utilisé en Occident. La peinture , la sculpture et la sculpture sur bois océaniques ont été conçues pour faire partie intégrante des cérémonies religieuses et sociales de la vie quotidienne sur les îles et font partie des diverses formes prédominantes de culte des ancêtres et de culte des esprits . L’accent mis sur la fertilité est récurrent et il existe également des signes plus sinistres de chasse à la tête occasionnelle et de cannibalisme rituel.
Les masques et les crânes ornés ainsi que les statues d’ancêtres abondent. Les motifs traditionnels sont gravés, gravés ou peints sur des canoës, des pagaies, des boucliers, des poteries, des tabourets et des vaisseaux. Art de la représentation n’est généralement pas prisée; caractéristiques individuelles sont subordonnées à un rythme formel fort de dessin ou de modelage, tendant à l’exagération ou abstraction . Les objets ou modèles conçus ont souvent été conçus pour conférer un peu de mana , ou pouvoir surnaturel, et reflètent généralement l’imagerie des cérémonies locales. En plus de ces types de art religieux , diverses formes de "vivre" art corporel ont également été pratiqués, comme Body painting , tatouage et peinture de visage .
Pour comparer les masques, voir: Natif Art indien américain .
Il existe des preuves archéologiques d’établissements humains en Océanie dès le Paléolithique supérieur de l’âge de pierre, mais art rupestre Bien qu’à quelques exceptions près, comme les statues monumentales en pierre de lave de l’île de Pâques, les matériaux utilisés ne durent pas très longtemps: bois peint et sculpté, écorce, fibres végétales, plumes et os. Une fois fabriqués, peu d’artefacts ont été conservés en tant que trésors ou mémoriaux durables; la plupart ont été abandonnées ou parfois détruites une fois leur objectif immédiat rempli. Cependant, l’intrusion étrangère dans certaines parties de la région étant relativement récente, les traditions dans lesquelles elles ont été conçues sont souvent demeurées intactes et stables jusqu’à la fin du siècle. Pour l’une des meilleures collections d’objets ethnographiques d’Océanie, voir: Musée anglais , à Londres.
NOTE: le récemment annoncé Art rupestre de Sulawesi , datant d’aussi loin que 37 900 AEC, est facilement le art le plus ancien de l’âge de pierre jamais trouvé en Océanie et a des implications importantes pour la datation de l’art aborigène australien. Cela peut aussi indiquer la présence de art rupestre dans les îles du Pacifique Sud.
Le style de l’art océanique
L’océan Pacifique abrite d’innombrables îles où une île relativement isolée et archaïque civilisation s’est perpétué jusqu’à notre époque, sans que sa variété ne détruise son unité fondamentale. On y trouve la confirmation du sens magique et symbolique de primitivisme / art primitif . Les artistes océaniens étaient très imaginatifs dans la création de formes et de formes inhabituelles. Ils se sont exprimés le plus complètement dans sculpture et parfois dans dessin . Les Océaniens ont sculpté des figures en relief ou rondes, des masques et une masse d’autres objets décorés avec des ciseaux ou des incrustations. Les Mélanésiens leur ont ajouté de la couleur. Le dessin océanique se révèle dans le tatouage (art strictement polynésien), dans les motifs de tapas en écorce, dans les figurines gravées sur bois et dans les gravures rupestres. À première vue, la sculpture et le dessin océaniques présentent une extrême variété de styles. Un examen plus attentif modifie cette opinion, que certains auteurs conservent toutefois.
Remarque: l’une des formes d’art océanien les moins connues, une spécialité du Vanuatu (anciennement les Nouvelles-Hébrides) dans le Pacifique Sud, est le "dessin sur sable". Ce type particulier de Art de sable est reconnu par l’UNESCO comme un «chef-d’œuvre du patrimoine oral et immatériel de l’humanité».
Unité de style dans les arts océaniques
Un art primitif – c’est l’un des traits essentiels de sa primitivité – a une mission qui ne consiste pas à exprimer avec nous les impressions de l’artiste créateur, mais plutôt les sentiments d’un groupe. Parmi les peuples océaniques, l’inquiétude pour l’au-delà est prédominante. La philosophie mélanésienne, à l’instar de l’Australienne, conçoit un monde sans différenciation où morts et vivants, naturels et surnaturels, coexistent en étroite association. Les vivants doivent se défendre contre la jalousie des morts. Des appareils de précautions magiques ont ainsi été créés: des images des morts mêlées à celles des animaux totémiques, lézards, crocodiles, oiseaux de mer (qui sont les plus anciens ancêtres divinisés), ornent les maisons de rassemblement, servent de masques aux danseurs de sociétés dites "secrètes" et sanctifient un grand nombre d’objets du quotidien.
Les œuvres d’art, en introduisant les mythes dans la vie quotidienne, assurent l’équilibre de la société, mais le chef est le lien entre ce monde et le monde surnaturel. Son pouvoir est basé sur une généalogie remontant aux dieux créateurs, ainsi que sur une fortune librement dépensée et largement distribuée. Cette tradition convient bien pour encourager la création, car l’abondance des œuvres d’art et leur éclat témoignent de la même générosité à l’égard des morts (que ces œuvres célèbrent) que des vivants (qui en extraient une quantité supplémentaire de protection magique).
Les grandes œuvres d’art sont réalisées dans une atmosphère de vacances. L’homme riche qui les commande maintient les artistes et veille à ce qu’ils soient amplement approvisionnés en produits de première nécessité et en produits de luxe. Une parcimonie sur les coûts risquerait de compromettre l’achèvement des travaux et mettrait en péril leur valeur mystique.
Les artistes océaniques, et en particulier les sculpteurs sur bois, à qui nous devons la construction de canoës, sont admirés en tant que classe; leur position, tant sociale que matérielle, est comparable à celle des plus grands chefs. La magie, y compris l’accomplissement impeccable des rites, est aussi indispensable à la création parfaite, liée au monde surnaturel, que l’habileté manuelle ou le génie inventif. La position sociale des artistes polynésiens est tout aussi élevée. On leur attribue une vertu spéciale appelée mana, qui est une conception mélanésienne. Le mana est une force qui s’étend du simple prestige au pouvoir magique. Parmi les artistes, il s’agit d’établir une communion avec le monde surnaturel. Le mana est transmissible par contact. Les outils d’un grand artiste préservent son pouvoir, à la manière d’un accumulateur chargé d’énergie électrique, et peuvent le transmettre à l’homme qui en est digne. Les représentations des morts divinisés, parfois rassemblées dans des sanctuaires autour des tombeaux, parfois conservées dans des cabanes, sont moins nombreuses qu’en Mélanésie. Il est exceptionnel que ces personnages ornent des objets du quotidien, à l’exception de ceux destinés à des usages sacrés.
Les croyances polynésiennes ont évolué vers une cosmogonie probablement d’origine asiatique; il est dominé par la toute-puissance de quelques grandes divinités. Bien que les noms des dieux varient en fonction du lieu et de l’époque, leurs fonctions restent clairement définies et l’art n’en a donné que quelques représentations.
Caractéristiques communes dans le style de l’art océanique
Pour se faire comprendre par la communauté, l’artiste primitif doit utiliser des formules accessibles à tous. Par conséquent, les styles quasi permanents sont indispensables à la fois en tant que nécessité pratique et rituelle. Une fois de plus, l’art apparaît comme un langage dans lequel l’artiste s’adresse à la communauté sous des formes acceptables. Ces "formes acceptables" constituent un style.
Le style des têtes
La statuaire polynésienne a un trait commun: la tête de ses personnages est exagérément grande. Cette particularité apparaît dans la majorité des images primitives qui soulignent ainsi naïvement l’importance attribuée au siège de la personnalité. Parmi les océaniens, notoires chasseurs de la tête de leurs ennemis, mais aussi pieux conservateurs de la tête de leurs parents, il existe un pseudo-statuaire dans lequel la tête conservée est modelée de cire et de résine et peinte. Par conséquent, un style se révèle mieux dans son traitement des têtes et des masques. Parmi les primitifs, le corps ou le buste n’est qu’un support pour la tête, et nous pouvons observer comment la forme du tronc et des autres membres subit peu de modifications. Nous classerons les styles en fonction des différents traitements de la tête ou du visage.
La convention bidimensionnelle
L’historien de l’art Maurice Leenhardt a analysé à la perfection la mentalité esthétique des océaniens. il souligne la difficulté qu’ont les calédoniens à concevoir un monde de plus de deux dimensions. Ceci explique les cadres de porte de cette région. Les gardiens de l’entrée sont des ancêtres stylisés en un masque aplati agrandi et un tronc réduit à quelques signes géométriques. La même formule est appliquée aux figures de faîtage. Ces caractéristiques «bidimensionnelles» se retrouvent ailleurs: dans les Nouvelles-Hébrides, dans les masques d’Ambrym, à Malekula, dans les troncs d’arbres transformés en tambours résonnant des voix des ancêtres dont ils portent le visage. Dans le golfe de Papouasie, parmi les Abelam, en Nouvelle-Guinée, les images d’ancêtres ressemblent à des dessins découpés. D’autres personnages d’Ambrym sont sculptés plus profondément, coupés, sur-modelés (et peints) dans les troncs de fougères. Ces figures ont de grands disques pour les yeux, une caractéristique récurrente dans la statuaire également «bidimensionnelle» des îles Marquises et de la Nouvelle-Zélande.
Ce traitement de la masse en deux dimensions peut être limité au visage. Parfois, un rectangle (Nouvelle-Guinée, golfe de Huon, baie de Geelvink) contient une face plate, mais plus fréquemment dans un triangle. Les exemples abondent, du lac Sentani à la Polynésie (Tonga, Santa Cruz, Moorea, Raiavavae) et en Micronésie (les Carolines). De plus, les mêmes formules sont appliquées dans certaines statues de l’archipel indien (Batak à Sumatra, Nias, Letti, Philippines). Selon Leenhardt, ces relations découvertes sur le chemin de l’Asie à l’Océanie nous permettent de créditer le style «à deux dimensions» d’une origine asiatique probablement ancienne.
Les figures en rond et les masques en relief accentué se retrouvent par contre au nord de la Nouvelle-Calédonie. Les traits du visage sont similaires à ceux des bas-reliefs des portes et leur volume formel s’apparente à celui des statues des Îles Salomon. Cette transition de deux à trois dimensions est presque imperceptible.
Mélanésie: le bassin de la Nouvelle Guinée
L’art le plus "esthétique" vient de la Mélanésie, qui comprend la Nouvelle-Guinée et les franges d’îles plus petites au nord et à l’est. Art de l’âge de pierre est probablement mieux représenté par les grottes de Karawari en Papouasie-Nouvelle-Guinée, qui possède les meilleurs exemples de pochoirs à main et d’autres types de art pariétal en Mélanésie. Pour une comparaison avec les marques de doigt aborigènes australiennes, veuillez consulter: L’art rupestre de Koonalda (18 000 AEC).
La diversité est énorme, même au sein de régions petites mais relativement peuplées telles que le fleuve Sepik en Nouvelle-Guinée. La Mélanésie est également la région la plus proche de l’Indonésie, où règne une tradition de brillance décorative et d’ornements fantaisistes. Sculpture sur bois , souvent de couleur prédominante, et la figure ancestrale et la tête humaine sont des thèmes récurrents, à la fois dans les masques tissés ou sculptés et peints de couleurs vives et sous forme de motifs, comme décoration sur tous les types de surfaces. Pour un amateur d’art occidental, peu familiarisé avec leur symbolisme, l’intensité visuelle de ces artisanat – parfois horrible – peut être obsédant. Dans certaines parties de la Papouasie-Nouvelle-Guinée, les travaux d’un artisan étaient prisés, voire recueillis, et des artistes spécialisés ont émergé.
Outre la Nouvelle-Guinée, la sculpture de la Nouvelle-Irlande, l’une des principales îles de l’archipel de Bismarck, a suscité un vif intérêt en Occident, en particulier les figures d’ancêtres connues sous le nom d’ uli et les sculptures en malanggan décoratives très proches exposées lors de festivals. Un objet de la Nouvelle-Irlande, conservé dans un musée occidental, le "bateau de l’âme", est réputé notamment pour sa taille impressionnante. Les personnages du canoë ont une taille humaine mais une apparence incroyablement démoniaque et inhumaine; comme dans l’ uli , les parties importantes du corps sont fortement mises en valeur – yeux, dents et organes génitaux.
Style d’art mélanésien
La Nouvelle-Guinée et le chapelet d’îles qui l’entoure ont des arts liés. Les populations du bassin étant complexes et très mélangées, les styles de leur statuaire fournissent des données précieuses pour une classification anthropologique.
L’ethnologue suisse Felix Speiser a proposé une nomenclature des styles du bassin de la Nouvelle-Guinée. Mais nous devons nous rappeler que nous rencontrons souvent le style primaire à deux dimensions déjà défini avec des variations tribales.
Au sud-est, le premier groupe de styles englobe le district de Massim et les îles Trobriand. Comparable au style des Îles Salomon, il consiste en une sculpture en bois d’ébène ou noirci, souvent incrustée de nacre ou de chaux en poudre. Les formes simples sont plus décoratives que expressives. Les efforts de l’artiste se concentrent sur le traitement du visage, creusé dans la masse, le nez formant une crête. Cette prédilection pour les creux se rapproche à la fois des formules de l’archipel indien et de celles des figures de pierre de l’île de Pâques.
Dans la région de Massim et ses dépendances, telles que les îles de l’Amirauté, on trouve de grandes tasses en bois d’une élégance subtile utilisées lors des banquets de chefs. La décoration extrêmement sobre des tasses empruntait ses motifs au monde divin des oiseaux. Aux îles Amirauté, on assiste à l’apparition du goût du travail polychrome propre au bassin de la Nouvelle-Guinée. Certaines figures rappellent le style primaire plat, mais elles sont ornées de triangles rouges, noirs et blancs.
La statuaire du golfe de Papouasie et la vallée de la rivière Purari, ainsi que le golfe de Huon, l’île de Tami, le détroit de Torres et une partie de la Nouvelle-Guinée néerlandaise autour du lac Sentani, forment un deuxième groupe guinéen au style primaire. Cependant, outre les figures plates gravées de lignes blanches, le golfe de Papouasie possède des masques en tapa noir et blanc dans lesquels l’imagination des artistes se déchaîne: yeux et bouche énormes, crocs dévorants – des figures conçues pour inspirer la terreur. Les sculptures sur bois ont un pouvoir moins dramatique.
Les Sulka de la péninsule de la Gazelle, en Nouvelle-Bretagne, ont inventé des masques fantastiques qui semblent n’avoir aucune connexion terrestre. Ce sont d’immenses «cauchemars» assemblés à partir de bambou, de lambeaux de moelle osseuse collée et de tapa ondulant. Certains jours, ces personnages prennent vie. Des corps nus, dégoulinant de maquillage rouge, les conduisent solennellement autour des vergers, dont la fertilité est liée à cette visite des esprits. Les danses magiques, dans lesquelles les figures ondulent et ondulent dans des mouvements régulés par le rythme des gongs en bois, sont les grands moments de la vie esthétique des primitifs, expression la plus vitale et la plus authentique de leur art.
Un troisième groupe, en Nouvelle-Guinée, réunit les styles du Sepik, du Ramu et, en Nouvelle-Guinée néerlandaise, ceux de la baie de Geelvink, de la baie de Humboldt et du sud-est (Merauke). Sauf chez les Abelam dont le travail plastique est «bidimensionnel», les formes arrondies prédominent ici et sont plus libres. Plaques évoquant des ancêtres, ornements architecturaux et figures de maisons, décorations sculptées sur des canoës – l’imagination de l’artiste s’inspire de toutes les formes fournies par la nature, et ces décorations magistrales ressemblent à des œuvres de virtuose. L’un des plus étranges est sans aucun doute le Schnabelstil («style bec») pratiqué par la tribu des Tchambuli à Speik. Les environs de Mundkumor préfèrent des formes plus robustes et réalisent parfois un naturalisme puissant.
L’art de la Nouvelle-Bretagne n’a pas la profusion de celui de l’île principale. Les productions les plus frappantes sont les masques gigantesques de la société DukDuk, sur laquelle repose l’ordre social. Cette pauvreté contraste avec la richesse de la statuaire en Nouvelle-Irlande, où les sculpteurs font preuve d’une virtuosité extraordinaire. Au centre de cette île, les personnages Uli représentent les morts sous des formes immenses, dans des couleurs fortes mais subtiles. Au nord, les formes diminuent de taille tout en conservant la même simplicité. Souvent, ils disparaissent sous une profusion de feuilles, de plumes, d’oiseaux et de poissons qui s’entremêlent comme des ornements néo-guinéens, submergeant l’ancêtre dans son symbolisme. Les rouges et les blancs, en contraste violent, quelques noirs, une touche de bleu, ajoutent à cette confusion. De plus, les branchies des mollusques confèrent aux images un regard vitreux et une sorte de vie hallucinatoire. Ces figures sont appelées malanggan, du nom des fêtes auxquelles elles sont exposées. Les artistes, soutenus par de riches mécènes qui se font concurrence pour leurs services, préparent le malanggan en secret. Le jour de la fête, les images sont révélées en effondrant une partie de la clôture les entourant. La foule les admire ou les critique. Ce ’salon’ est un hommage aux morts divinisés. Ils y sont représentés par des danseurs portant des masques délicatement peints avec des cheveux et des profils puissants de gravité suprême. Le culte des morts, l’ostentation des patrons, le talent et la rivalité, les artistes, une statuaire expressive chargée de symboles mythiques, des danseuses aux masques grandioses, la magie musicale sympathique, contribuent à faire du malanggan un régal arts de la Mélanésie, ainsi que des circonstances qui les entourent et les font naître.
Remarque: l’art préhistorique mélanésien présente des similitudes avec certains types de Art rupestre aborigène en Australie du Nord. Voir, par exemple, Peinture rupestre d’Ubirr (environ 30.000 ans) Art rupestre de Kimberley (environ 30.000 ans) et Peintures Bradshaw (environ 15 500 ans avant notre ère). Pour l’art le plus ancien en Australie, voir Dessin au fusain sur abri de roche de Gabarnmang (26 000 AEC).
Style dans la zone de transition
La zone située entre la Mélanésie et la Polynésie, peuplée de représentants des deux régions (comme la Micronésie, qui a également récemment inclus des Malais), est pauvre en art. Sa statuaire en bois réduit l’humain à l’essentiel. Le visage en deux dimensions s’apparente aux conceptions mélanésiennes, ainsi qu’aux polynésiennes Tonga et Samoan. Parmi les premiers, nous connaissons quelques figures féminines de petite taille. Le visage, sans relief, est prolongé dans un triangle; le reste du corps, à l’exception des bras, de simples bâtons plats, cherche à imiter la nature. Une image d’une jeune fille, à demi allongée, est un symbole du loisir idyllique polynésien. Parfois, les artistes primitifs, pour se détendre, abandonnent la création pure et imitent ce qu’ils voient réellement. Dans les îles Santa Cruz, peuplées certaines par des tribus à la peau noire, d’autres par des tribus occidentales à la peau brune, les statues ressemblent au style tongan, malgré leur lourdeur. Des figurines similaires, probablement modernes, apparaissent dans les îles Fidji, où se mêlent le sang et les cultures des deux groupes océaniques.
Des visages triangulaires, des nez formant une croix avec les sourcils, les bras étroits des Tongans et des corps extrêmement radiés caractérisent la statuaire des Carolines, à Nuku-manu et à Takuu. Les figures les plus connues de Nukuor ont plus de relief. La masse allongée des têtes de ces Tino revient dans certaines figurines de Tahiti.
REMARQUE: Poterie ancienne en Polynésie, en Mélanésie et en Micronésie est généralement attribuée à la culture Lapita. On trouve également une forme de poterie appelée Plainware dans des sites archéologiques du Pacifique Sud, bien que sa connexion (éventuelle) avec Lapita art céramique est pas clair. Pour voir comment la poterie océanique s’inscrit dans l’évolution de la céramique, voir: Chronologie de la poterie (26 000 avant notre ère – 1900).
Polynésie
L’art de la Polynésie, les îles du Pacifique très dispersées de la Nouvelle-Zélande à l’île de Pâques, peut sembler en comparaison moins vital et plus décoratif. Les figures et les masques d’ancêtres sont rares; notamment parce que les premiers missionnaires chrétiens ont achevé une destruction ou une mutilation profonde et généralisée de divinités ancestrales sculptées. Mais la joie polynésienne de créer des rythmes complexes de motifs de surface trouve son expression dans de nombreux médias: du spectaculaire travail de plume d’Hawaï au bois sculpté de manière complexe et aux roches vertes des Maoris de Nouvelle-Zélande – en passant par "l’art vivant" du tatouage . La fascination des Maoris pour l’ornementation de surface curviligne était presque obsessionnelle; Des motifs linéaires complexes se retrouvent dans la décoration en canoë des canoës et des poteaux de porte et des linteaux des lieux de réunion et persistent encore, même si la vitalité initiale n’apparaît que rarement dans le travail moderne.
Style d’Art Polynésien
Abordons le cœur du triangle polynésien, d’où partaient les tribus qui colonisèrent les îles des mers du sud. Les îles de la Société, les îles Cook et les îles Australes, une fois en étroite relation, apportent la preuve d’art connexes.
Ici les maîtres sont les sculpteurs de pierres pour les enclos sacrés pour les autels et aussi pour les remblais sur lesquels certaines des maisons sont construites. Les grandes statues de pierre sont rares. Les plus massifs sont ceux de Raia-vavae.
Les images de pierre à Tahiti, Moorea et Raiatea ont rarement trois pieds de haut, la majorité à peine la moitié. Les formes, dictées par le bloc qui n’est que pénétré par quelques encoches, frisent l’indigence. Les minuscules images en bois sont des objets rituels ou ont été utilisées pour décorer des canoës. Ces figures représentent les morts, mais la religion polynésienne représentait également ses dieux supérieurs. A Tahiti, ce sont des symboles simples. Le dieu de la guerre, Oro, est un fragment de bois de la taille d’un bras d’enfant, recouvert d’un réseau étroitement lacé de fines ficelles de fibres de coco (sennit). Les plumes écarlates du tropique à queue rousse y sont attachées. Par contact, ils sont devenus des images du dieu. Enfin, toute trace d’art s’est évaporée.
À Mangaia, Tane, le patron des artistes, est symbolisé par une herminette dont la lame est fixée à un manche monumental. Certains érudits voient la stylisation d’une figure humaine dans les traverses qui l’ornent. À Rurutu et à Raroton-ga, les images de Tangaroa, le dieu qui a créé le monde et les hommes, montrent une figure presque humaine, avec un tronc cylindrique (Rurutu) ou plat, d’où l’humanité émerge comme de jeunes pousses remplies de sève. Les Tangaroa de Rarotonga, de profil, ont de grands yeux allongés avec des paupières lourdes comme la bouche. À Raiavavae, certaines statues en bois d’une grande rareté présentent un visage plat avec des traits en forme de croix sur des masses géométriques minuscules. Les clubs de guerre et les rames de l’État aux motifs ronds ou rectangulaires, aux poignées gravées de figures humaines parfois linéaires, sont à nouveau les œuvres d’art les plus authentiques. Sur les pales, nous retrouvons également les corps et les têtes concaves dans le style du style de Tahiti ou de Nukuor.
Au nord du triangle (îles hawaïennes), une statuaire en bois de grande taille s’est développée vers le XIIe siècle, semble-t-il, sous l’influence de Tahiti, avec laquelle les Hawaiiens avaient établi des relations. Des sculptures encore plus anciennes ont laissé des restes de pierre brute sur l’île Necker, leurs visages s’apparentant au substrat primaire de l’art plastique océanique. Les grandes figures hawaïennes représentent les dieux qui gardent les sanctuaires. Les premiers visiteurs blancs en ont fait des dessins. Des gestes déformés pour inspirer la peur, la grimace féroce de la figure pour huit bouches (récurrente en Nouvelle-Zélande) contrastent avec la statuaire statique rencontrée jusqu’à présent. Le réalisme a été poussé plus loin encore, comme le prouvent certaines statuettes nationales récemment découvertes.
Certaines figures de joncs tressés, décorées des plumes rouge orangé de l’oiseau tropique, représentaient le dieu de la guerre, Kukailimoku, dont l’image terrifiante a été portée au combat. Le travail des plumes aussi, d’un grand raffinement, donna aux rois de splendides capes et leur donna une coiffure semblable à celle de l’infanterie grecque. Les Hawaiiens aimaient aussi les assiettes, les plats et les petits meubles aux lignes épurées, en bois poli et grainé de jaune.
Au sud-ouest du triangle, nous trouvons les Maoris de Nouvelle-Zélande. Un climat rigoureux a durci leur caractère et aiguisé leur fierté. Leur art quelque peu rustique mais essentiellement décoratif est souvent symbolique. Les formes synthétiques sont recouvertes des arabesques compliquées et délicates de la spirale maorie, probablement issues du tatouage héraldique (moko) des guerriers. Après la mort, la tête, soigneusement fumée, est préservée parmi les trésors de la famille. La spirale crée un mouvement apparent qui est parfois si réaliste qu’elle fatigue l’œil. Les personnages sculptés, qui ont rarement plus de deux dimensions, sont contournés comme pour éviter le décor qui envahit tous les objets, ondulant autour des portails des maisons communales ainsi que des proues des canoës de guerre.
Est-il possible de relier ces ornements maoris à l’ornementation des Mélanésiens? Ces derniers font un arrangement sobre sur une surface plane des motifs naturels qu’ils transforment. Les Maoris, en revanche, sans quitter la surface plane, semblent en sortir constamment.
Au sud-est, l’art des Marquises confirme la diversité de l’inspiration des Polynésiens; Cependant, la variété des médias est plus grande parmi les peuples noirs. Comme celui des Maoris, l’art des Marquises est avant tout graphique. Le tatouage était sa plus pure expression. La statuaire est sculptée en surface, touchant légèrement une forme originale très simple. Les sanctuaires à ciel ouvert étaient peuplés d’images grandes ou petites, en pierre ou en bois, de Tiki, le premier homme. Son visage, avec ses yeux écarquillés, une bouche en sabre et des rinceaux pour le nez et les oreilles, revient aussi bien sur la peau des hommes que sur les ustensiles les plus insignifiants. Il a certaines des caractéristiques de cette physionomie qui pourraient caractériser un art du Pacifique de l’Asie à l’île de Pâques et parfois même Art précolombien de Méso-Amérique.
île de Pâques
Les atolls des Tuamotu sur la route de l’île de Pâques n’ont peut-être connu d’art que cette poésie religieuse dans laquelle apparaît la personnalité grandiose et confuse récemment découverte de Kiho, le plus grand de tous les dieux.
À Mangareva (dans les îles Gambier), qui a contribué au peuplement de l’île de Pâques, des images en bois ont été retrouvées avec des troncs et des membres imitant la nature; ils portent le visage plat déjà rencontré. Un seul, semble-t-il, combine des volumes courbes et rectangulaires, exemple de ces conceptions abstraites qui attirent souvent les sculpteurs polynésiens.
À l’extrémité sud de cette région se trouve l’île de Pâques, Rapa-Nui des Tahitiens modernes. Ses quantités d’énormes statues de brèche volcanique furent la première révélation de la polynésie art mégalithique . En utilisant ce matériau, qui est facilement sculpté avec des burins en pierre, les insulaires de Pâques ont construit plus de cinq cents images de leurs morts, avec des hauteurs variant de neuf à quarante-huit pieds. Dans le passé, ils se trouvaient sur l’autel des sanctuaires, qui servaient également de tombeaux. Des équipes de spécialistes ont travaillé fébrilement pour sculpter ces mégalithes en un temps record de trois ou quatre semaines. Descendus des ateliers, ils ont été traînés au bord de l’océan par des centaines d’hommes et de femmes.
Les artistes ont très peu contribué à ce «type produit en série». Ils dérivent de la stèle, et seuls leurs grands masques étroits encadrés par de longues oreilles sont plus que bidimensionnels. Le buste, coupé au nombril, porte les bras en bas-relief. Le visage occupe les deux septièmes de la hauteur. Les ombres contrastent fortement avec les surfaces angulaires éclairées par la lumière de l’océan.
Le bois lui-même est rare et provient d’une seule espèce: le Sophora toromiro , avec des troncs rabougris. Parfois, la mer jette un arbre flottant. Ainsi, dans les légendes, les trésors sont toujours composés d’objets en bois. Les statuettes en bois, qui sont assez différentes des statues monumentales, représentaient les morts ou les esprits. Ils étaient en forte demande pour une exposition autour des sanctuaires les jours de fête. Les œuvres de spécialistes, parmi les plus anciennes, ont une finition et une finesse que Cook a remarquées lors de son voyage. Les plus connues, appelées moai kavakava (statues à plusieurs côtés) par les indigènes, qui les imitent encore, représentent des vieillards émaciés et barbus au réalisme macabre. La version locale du dieu Tane Make Make est ornée du bec d’un albatros. D’autres oiseaux de mer jouent un rôle important dans la vie religieuse. Un être avec la tête d’un oiseau de mer, tracé avec une ligne libre et précise, fourmille sur les rochers et la lave. Des centaines de gravures préhistoriques couvrez autant que plusieurs mètres carrés de surface, représentant les êtres et les plantes de l’île, des objets du quotidien tels que des canoës, côte à côte avec des personnages combinant des éléments animaux et humains. Sur les centaines de signes gravés sur des tablettes de bois, certaines autorités pensent voir de l’écriture. (Comparez ces gravures avec Art rupestre de la péninsule de Burrup en Australie.)
L’élément unificateur le plus important de l’art océanien reste son «bidimensionnalisme», principalement imposé par une technique peu développée et par quelques facteurs culturels. Ce «style primaire» de bi-dimensionnalisme est souvent montré dans le visage, mais aussi dans la figure entière, et se reproduit tout au long de la route empruntée par les migrants suivie par les Océaniens d’Asie du Sud. C’est la preuve saillante de l’unité fondamentale des arts en Océanie.
Des collections
Outre de nombreux centres du patrimoine insulaire et des musées du Pacifique, de nombreux musées d’Indonésie et d’Australie contiennent des exemples d’art et d’artisanat océaniens. Parmi ces lieux figurent: le musée des beaux-arts et de la céramique (musée Seni Rupa dan Keramik) à Jakarta; le Galerie nationale d’Australie (NGA) à Canberra; le Galerie nationale de Victoria (GNV) à Melbourne; le Galerie d’art de l’Australie du Sud (AGSA) à Adélaïde; le Galerie d’art de la Nouvelle-Galles du Sud (AGNSW) à Sydney; le Queensland Art Gallery (QAG) à Brisbane; et le Galerie d’art de l’Australie occidentale (AGWA) à Perth.
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