Art océanique:
Culture de Mélanésie, Micronésie, Polynésie Automatique traduire

Les masques et les crânes ornés, ainsi que les statues d’ancêtres, sont omniprésents. Les motifs traditionnels sont sculptés, gravés ou peints sur les pirogues, les rames, les boucliers, les poteries, les tabourets et les récipients. Les beaux-arts sont généralement peu appréciés, les éléments individuels étant soumis à un fort rythme formel de dessin ou de modelage, tendant vers l’exagération ou l’abstraction . Les objets ou les motifs créés étaient souvent conçus pour conférer un certain mana, ou pouvoir surnaturel, et reflétaient généralement des images de cérémonies locales. Outre ces types d’art religieux, diverses formes de «vie» peinture corporelle, telles que l’art corporel, le tatouage et la peinture faciale, étaient également pratiquées.

Pour une comparaison des masques, voir : art amérindien .

Il existe des preuves archéologiques d’un établissement humain en Océanie dès l’âge de pierre du paléolithique supérieur, mais peu d’art rupestre de grande ancienneté a survécu car, à quelques exceptions près comme les statues monumentales en pierre de lave de l’île de Pâques, les matériaux utilisés ne sont pas particulièrement durables : bois peint et sculpté, bois de grève, bois flotté, fibres végétales, plumes et os. Une fois fabriqués, peu d’artefacts ont été conservés comme des trésors ou des monuments durables ; la plupart ont été abandonnés ou parfois détruits après avoir rempli leur fonction immédiate. Cependant, l’invasion étrangère de certaines parties de la région étant relativement récente, les traditions dans lesquelles ils ont été créés sont souvent restées intactes et stables jusqu’à notre siècle. L’une des plus belles collections d’objets ethnographiques d’Océanie se trouve au British Museum de Londres.

L’océan Pacifique recèle d’innombrables îles où une civilisation archaïque relativement isolée a survécu jusqu’à nos jours sans détruire par sa diversité une unité fondamentale. On y trouve la confirmation du sens magique et symbolique du primitivisme (art primitif) .

Les artistes océaniens ont fait preuve d’une grande imagination pour créer des formes et des figures inhabituelles. Ils s’expriment surtout dans la sculpture, et parfois dans le dessin . Les Océaniens ont sculpté des figures en relief ou circulaires, des masques, et une foule d’autres objets décorés de ciselures ou d’incrustations. Les Mélanésiens y ajoutent des couleurs. Les motifs océaniens apparaissent dans le tatouage (art strictement polynésien), dans les motifs des tapas d’écorce, dans les figures gravées sur bois et dans les gravures rupestres. A première vue, la sculpture et le dessin océaniques présentent une extraordinaire diversité de styles. En y regardant de plus près, ce point de vue change, ce qui n’empêche pas certains auteurs d’y adhérer.

L’une des formes les moins connues de l’art océanique, caractéristique du Vanuatu (anciennes Nouvelles-Hébrides) dans le Pacifique Sud, est «la peinture sur sable». Cette forme particulière d’art du sable est reconnue par l’UNESCO «comme chef-d’œuvre du patrimoine oral et immatériel de l’humanité».

L’unité de style dans l’art océanique

L’art primitif - c’est l’une des caractéristiques essentielles de sa primitivité - a une mission qui n’est pas d’exprimer les impressions de l’artiste créateur, comme nous le faisons, mais plutôt les sentiments du groupe. Chez les peuples d’Océanie, l’inquiétude face à l’avenir est très présente. La philosophie mélanésienne, comme la philosophie australienne, imagine un monde sans différenciation, où les morts et les vivants, le naturel et le surnaturel coexistent en étroite association. Les vivants doivent se défendre contre la jalousie des morts.

Il en résulte un appareil de précautions magiques : des images de morts, mêlées à des images d’animaux totémiques, lézards, crocodiles, oiseaux de mer (qui sont les plus anciens ancêtres déifiés), décorent les maisons de réunion, servent de masques aux danseurs des sociétés dites «secrètes» et consacrent un grand nombre d’objets de la vie quotidienne.

Les œuvres d’art, en faisant entrer les mythes dans la vie quotidienne, assurent l’équilibre de la société, mais le chef est le lien entre ce monde et le monde surnaturel. Son pouvoir repose sur une généalogie remontant aux dieux créateurs, ainsi que sur une richesse librement dépensée et largement distribuée. Cette tradition est propice à l’encouragement de la créativité, car l’abondance des œuvres d’art et leur éclat témoignent de la même générosité à l’égard des morts (que ces œuvres honorent) qu’à l’égard des vivants (qui en tirent une protection magique supplémentaire).

Les grandes œuvres d’art sont créées dans une atmosphère de fête. L’homme riche qui les commande entretient les artistes et veille à ce qu’ils disposent de tout le nécessaire et de tout le luxe. L’avarice dans les dépenses peut compromettre l’achèvement des œuvres et mettre en péril leur valeur mystique.

Les artistes océaniens, notamment les sculpteurs sur bois à qui l’on doit la construction des pirogues, sont admirés en tant que classe ; leur position, tant sociale que matérielle, est comparable à celle des plus grands chefs. La magie, y compris l’exécution immaculée des rites, est aussi nécessaire à la perfection de la créativité en relation avec le monde surnaturel que l’habileté manuelle ou le génie inventif.

La position sociale des artistes polynésiens est également élevée. On leur attribue une vertu particulière appelée mana, qui est un concept mélanésien. Le mana est un pouvoir qui va du simple prestige au pouvoir magique. Chez les artistes, il s’agit d’établir un lien avec le monde surnaturel. Le mana se transmet par contact. Les outils d’un grand artiste conservent son pouvoir, comme une batterie chargée d’énergie électrique, et peuvent le transmettre à celui qui en est digne. Les représentations des morts déifiés, tantôt rassemblées dans des sanctuaires autour des tombes, tantôt conservées dans des huttes, sont moins nombreuses qu’en Mélanésie. Ces figures ornent les objets de la vie quotidienne, sauf ceux destinés à un usage sacré.

Les croyances polynésiennes ont évolué vers une cosmogonie probablement d’origine asiatique, dominée par la toute-puissance de quelques grandes divinités. Si les noms des dieux varient selon les lieux et les époques, leurs fonctions restent clairement définies et l’art n’en a produit que quelques représentations.

Caractéristiques communes du style artistique océanien

Pour se faire comprendre de la communauté, l’artiste primitif doit utiliser des formules accessibles à tous. Des styles quasi permanents s’imposent donc comme une nécessité à la fois pratique et rituelle. Là encore, l’art agit comme un langage par lequel l’artiste s’adresse à la communauté dans des formes acceptables pour elle. Ces «formes acceptables» constituent le style.

Style des têtes

La sculpture polynésienne a une caractéristique commune : les têtes de ses personnages sont exagérément grandes. Cette caractéristique est évidente dans la plupart des images primitives, qui soulignent ainsi naïvement l’importance accordée à l’emplacement de la personne. Chez les Océaniens, chasseurs notoires des têtes de leurs ennemis, mais aussi pieux gardiens des têtes de leurs parents, il existe une pseudo-stature dans laquelle la tête conservée est modelée avec de la cire et de la résine et peinte. C’est donc dans le traitement des têtes et des masques que le style est le mieux illustré. Chez les primitifs, le torse ou le buste n’est qu’un support pour la tête, et l’on peut observer que la forme du torse et des autres membres évolue peu. Nous classerons les styles en fonction des différentes façons de traiter la tête ou le visage.

Convention bidimensionnelle

L’historien de l’art Maurice Leenhardt a parfaitement analysé la mentalité esthétique des habitants de l’Océanie ; il souligne que les habitants de la Nouvelle-Calédonie ont du mal à imaginer un monde à plus de deux dimensions. C’est ce qui explique les encadrements de porte de cette région. Les gardiens de l’entrée sont les ancêtres, stylisés en un masque aplati agrandi et un tronc réduit à quelques signes géométriques.

La même formule s’applique aux figures à piliers crêtés. Ces caractéristiques bidimensionnelles «» se retrouvent ailleurs : aux Nouvelles-Hébrides dans les masques d’Ambrym, à Malekula dans les troncs d’arbres transformés en tambours, où l’on entend les voix des ancêtres dont ils portent les visages. Dans le golfe de Papouasie, chez les Abelam, en Nouvelle-Guinée, les images des ancêtres ressemblent à des dessins sculptés. D’autres figures d’Ambrym sont sculptées plus profondément, sculptées, remodelées (et peintes) dans des troncs de fougères. Ces figures ont de grands disques en guise d’yeux, une caractéristique que l’on retrouve dans les statues également «bidimensionnelles» des îles Marquises et de Nouvelle-Zélande.

Ce traitement de la masse en deux dimensions peut se limiter au visage. Parfois, la face plate est enfermée dans un rectangle (Nouvelle-Guinée, Huon Bay, Helwink Bay), mais le plus souvent dans un triangle. Les exemples abondent, du lac Sentani à la Polynésie (Tonga, Ste Croix, Moorea, Riavawe) et en Micronésie (îles Caroline). Par ailleurs, les mêmes formules sont appliquées dans certaines statues de l’archipel indien (Batak à Sumatra, Nias, Letty, Philippines). Selon Leenhardt, ces connexions trouvées sur la route de l’Asie à l’Océanie permettent d’attribuer «au style bidimensionnel» probablement une origine asiatique ancienne.

Des figures rondes et des masques au relief accentué se trouvent par contre au nord de la Nouvelle-Calédonie. Les traits du visage ressemblent à des bas-reliefs de portes et leur masse formelle rappelle les statues des îles Salomon. Ce passage de deux à trois dimensions est presque imperceptible.

Mélanésie : Bassin de Nouvelle-Guinée

L’art le plus «esthétique» provient de Mélanésie, qui comprend la Nouvelle-Guinée et les franges d’îles plus petites au nord et à l’est. L’art de l’âge de pierre est probablement le mieux représenté dans les grottes de Karawari en Papouasie-Nouvelle-Guinée, où l’on trouve les meilleurs exemples de pochoirs pour les mains et d’autres types d’art pariétal de Mélanésie. Pour une comparaison avec les marques digitales des Aborigènes d’Australie, voir : Kunalda Cave Art (18.000 BC).

Il existe une grande diversité, même au sein de petites régions assez densément peuplées, comme la rivière Sepik en Nouvelle-Guinée. La Mélanésie est également la région la plus proche de l’Indonésie où l’on trouve une tradition de lustre décoratif et d’ornementation fantaisiste. (La sculpture sur bois prédomine, souvent colorée, et la figure de l’ancêtre et la tête humaine sont des thèmes récurrents, à la fois dans les masques tissés ou sculptés et de couleurs vives, et dans les motifs décoratifs sur toutes sortes de surfaces.

Pour l’amateur d’art occidental qui ne connaît pas leur symbolisme, l’intensité visuelle de ces artisanats parfois horribles - peut être obsédante. Dans certaines régions de Papouasie-Nouvelle-Guinée, le travail des artisans était apprécié, voire collectionné, et des artistes spécialisés ont vu le jour.

En dehors de la Nouvelle-Guinée, la sculpture de la Nouvelle-Irlande, l’une des principales îles de l’archipel Bismarck, a attiré beaucoup d’attention en Occident - en particulier les figures ancestrales connues sous le nom de uli, et la sculpture décorative malanggan, étroitement liée, exposée lors de festivals. Un objet de Nouvelle-Irlande conservé au Western Museum, le canot de l’âme «», est connu notamment pour sa taille imposante. Les personnages du canoë sont de taille humaine mais d’apparence horriblement démoniaque et inhumaine ; comme dans le uli, des parties importantes du corps sont mises en valeur de manière agressive - les yeux, les dents et les organes génitaux.

Style d’art mélanésien

La Nouvelle-Guinée et la succession d’îles qui l’entourent ont des arts apparentés. La population du bassin étant complexe et très mélangée, les styles de leurs sculptures fournissent des données précieuses pour la classification anthropologique.

L’ethnologue suisse Felix Speiser a proposé une nomenclature des styles du bassin de Nouvelle-Guinée. Mais il faut se rappeler que l’on rencontre souvent un style primaire bidimensionnel déjà défini avec des variations tribales.

Au sud-est, le premier groupe de styles couvre la région de Massima ainsi que les îles Trobriand. Comparable au style des îles Salomon, il se compose de sculptures en ébène ou en bois noirci, souvent incrustées de nacre ou de chaux en poudre. Les formes simples sont plus décoratives qu’expressives. L’effort de l’artiste se concentre sur le traitement du visage, creusé dans la masse, le nez formant une crête. Cette prédilection pour les creux se rapproche à la fois des formules de l’archipel indien et de celles des figures de pierre de l’île de Pâques.

Dans les environs de Massim et de ses dépendances, comme les îles de l’Amirauté, on trouve de grandes coupes en bois d’une grande élégance, utilisées lors des banquets des chefs. La décoration très sobre des coupes emprunte ses motifs au monde divin des oiseaux. Dans les îles de l’Amirauté, on trouve une manifestation du goût pour la polychromie propre au bassin de la Nouvelle-Guinée. Certaines figures s’apparentent au style primaire plat, mais elles sont décorées de triangles rouges, noirs et blancs.

La sculpture du golfe de Papouasie et de la vallée de la rivière Purari, ainsi que celle de Huon Bay, de l’île de Tami, du détroit de Torres et d’une partie de la Nouvelle-Guinée hollandaise autour du lac Sentani, forment un second groupe guinéen de style primaire. Cependant, à côté des figures plates gravées de lignes blanches, on trouve dans le golfe de Papouasie des masques tapa noirs et blancs où l’imagination des artistes se donne libre cours : yeux immenses, bouches dévorant des crocs, autant de figures destinées à inspirer la terreur.

Les sculptures sur bois ont moins de force dramatique. Les Sulkas de la péninsule de la Gazelle, en Nouvelle-Bretagne, ont imaginé des masques fantastiques qui semblent n’avoir aucun rapport avec la terre. Il s’agit d’immenses épouvantails à corbeaux «» assemblés à partir de bambou, de bandes de moelle osseuse collées et de tapa flottant. Leurs corps nus, maquillés de rouge, les conduisent cérémonieusement autour des vergers, dont la fertilité est associée à cette visite des esprits. Les danses magiques, au cours desquelles les personnages agitent les bras et hochent la tête dans des mouvements rythmés par des gongs en bois, sont de grands moments de la vie esthétique des primitifs, l’expression la plus vitale et la plus authentique de leur art.

Le troisième groupe, en Nouvelle-Guinée, réunit les styles du fleuve Sepik, du Ramu, et, en Nouvelle-Guinée néerlandaise, ceux de la baie Helwink, de la baie Humboldt et du Sud-Est (Merauke). A l’exception des Abelam, dont les plastiques «sont bidimensionnels», les formes circulaires prédominent ici et se caractérisent par une plus grande liberté. Plaques rappelant les ancêtres, ornements architecturaux et figures sur les maisons, décorations sculptées sur les pirogues, l’imagination de l’artiste s’inspire de toutes les formes offertes par la nature, et ces décorations savantes semblent être l’œuvre d’un virtuose. L’un des plus étranges est sans doute le schnabelstyle («style à bec») pratiqué par la tribu Tchambuli de Spica. Les Mundkumors voisins privilégient des formes plus robustes et atteignent parfois un puissant naturalisme.

L’art de la Nouvelle-Bretagne ne se caractérise pas par une telle exubérance que celui de l’île principale. Les œuvres les plus marquantes sont les gigantesques masques de la société Dukduk, sur lesquels repose l’ordre social. Cette pauvreté contraste avec la richesse de la sculpture en Nouvelle-Irlande, où les sculpteurs font preuve d’une extraordinaire virtuosité.

Dans le centre de l’île, les figures Uli représentent les morts sous des formes immenses, dans des couleurs fortes mais subtiles. Au nord, les figures diminuent de taille tout en gardant la même simplicité. Elles disparaissent souvent sous une abondance de feuilles, de plumes, d’oiseaux et de poissons, qui s’entremêlent comme des ornements de Nouvelle-Guinée, immergeant l’ancêtre dans leur symbolisme. Les couleurs rouge et blanche qui contrastent fortement entre elles, quelques teintes noires et bleues, ajoutent à la confusion. En outre, les opercules des mollusques confèrent aux images un regard vitreux et une sorte de vie hallucinatoire.

Ces figures sont appelées malanggan, d’après le nom des festivals au cours desquels elles sont exposées. Les artistes, soutenus par de riches mécènes qui se disputent leurs services, préparent les malanggan en secret. Le jour de la fête, les images sont exposées en effondrant une partie de la clôture qui les entoure. La foule les admire ou les critique. Ce «parloir» est un hommage aux morts déifiés. Ils y sont représentés par des danseurs aux masques délicieusement colorés, aux cheveux coiffés et aux profils puissants d’une gravité suprême.

Le culte des morts, le comportement ostentatoire des mécènes, le talent et la rivalité des artistes, la sculpture expressive remplie de symboles mythiques, les danseurs aux masques grandioses, la magie sympathique musicale, tout cela fait des fêtes Malanggan une synthèse des arts de Mélanésie et des circonstances qui les entourent et les suscitent.

Note : L’art préhistorique mélanésien ressemble beaucoup à certains types d’art rupestre aborigène du nord de l’Australie. Par exemple, l’art rupestre d’Ubirr (vers 30 000 av. J.-C.), l’art rupestre de Kimberley (vers 30 000 av. J.-C.) et l’art rupestre de Bradshaw (vers 15 500 av. J.-C.). Pour les œuvres d’art les plus anciennes d’Australie, voir le dessin au fusain de l’abri sous roche de Gabarnmang (26 000 av. J.-C.).

Style dans la zone de transition

La zone située entre la Mélanésie et la Polynésie, habitée par des populations originaires des deux régions (comme la Micronésie, qui comprend depuis peu les Malais), est pauvre en art. Ses statues de bois réduisent l’homme à ses traits les plus essentiels. Le visage en deux dimensions s’apparente aux représentations mélanésiennes, à celles des Polynésiens de Tonga et de Samoa. Des premières, nous connaissons plusieurs petites figures féminines. Le visage, sans relief, est allongé en triangle ; le reste du corps, à l’exception des mains, simples bâtons plats, tend à imiter la nature. Une représentation d’une jeune fille, à demi couchée, est emblématique du repos idyllique polynésien.

Parfois, les artistes primitifs, pour se détendre, abandonnent la créativité pure et imitent ce qu’ils voient réellement. Dans les îles Santa Cruz, habitées tantôt par des tribus à la peau noire, tantôt par des tribus à la peau brune venues de l’ouest, les statues ressemblent au style tongien malgré leur lourdeur. Des figurines d’un type similaire, probablement modernes, apparaissent dans les îles Fidji, où le sang et la culture des deux groupes océaniques se sont mélangés.

Visages triangulaires, nez en croix avec sourcils, bras étroits des Tonguiens, corps d’une extrême grâce caractérisent les sculptures des îles Caroline, à Nuku-manu et Takuu. Les figures les plus connues de Nukuor se caractérisent par un plus grand relief. La masse allongée des têtes de ces Tinos se retrouve dans certaines statuettes de Tahiti.

Les poteries anciennes de Polynésie, Mélanésie et Micronésie sont généralement attribuées à la culture Lapita. Une forme de poterie appelée Plainware a également été découverte lors de fouilles archéologiques dans le Pacifique Sud, bien que sa relation (si elle existe) avec la poterie Lapita ne soit pas claire. Pour voir comment la poterie océanienne s’inscrit dans l’évolution de la céramique, voir : Chronologie de la céramique (26 000 av. J.-C. - 1900).

La Polynésie

L’art de la Polynésie, les îles du Pacifique très dispersées de la Nouvelle-Zélande à l’île de Pâques, peut sembler, en comparaison, moins vital et plus décoratif. Les figures et les masques ancestraux sont rares, notamment parce que les premiers missionnaires chrétiens ont achevé de détruire ou de mutiler les divinités ancestrales sculptées. Mais le plaisir des Polynésiens à créer des rythmes complexes de motifs de surface s’exprime sur de nombreux supports différents, du spectaculaire travail des plumes d’Hawaï aux sculptures complexes en bois et en pierre verte des Maoris de Nouvelle-Zélande - y compris «l’art vivant» les tatouages .

La fascination des Maoris pour l’ornementation curviligne des surfaces était presque obsessionnelle ; des motifs linéaires complexes se retrouvent dans la décoration des canoës, des montants de porte et des linteaux des maisons de réunion et persistent encore aujourd’hui, même si la vitalité originelle n’est qu’occasionnellement évidente dans les œuvres contemporaines.

L’art polynésien

Abordons le cœur du triangle polynésien d’où sont parties les tribus qui ont colonisé les îles des mers du Sud. Les îles de la Société, les îles Cook et les îles Australes, autrefois étroitement liées, témoignent d’arts apparentés.

Ici, les artisans sont des tailleurs de pierre pour les enceintes sacrées des autels et pour les talus sur lesquels s’élèvent certaines maisons. Les grandes statues de pierre sont rares. Les plus massives sont celles de Raya-wave.

Les images de pierre de Tahiti, Moorea et Raiatea atteignent rarement trois pieds de haut, et la plupart sont à peine la moitié. Les formes, dictées par le bloc qui n’est percé que de quelques encoches, sont à la limite de la pauvreté. Les minuscules images en bois sont des objets rituels ou servaient à décorer les pirogues. Ces figures représentent les morts, mais la religion polynésienne représentait aussi ses dieux suprêmes. A Tahiti, ce sont de simples symboles.

Le dieu de la guerre Oro est un fragment de bois de la taille d’une main d’enfant, recouvert d’un filet dense de fins fils de fibre de cocotier (sennit). Les plumes écarlates d’un oiseau tropical à queue rouge y sont attachées. En s’assemblant, elles sont devenues les images d’un dieu. Enfin, toute trace de l’art s’est évaporée.

Dans le Mangai, Tane, le saint patron des artistes, est symbolisé par une pince dont la lame est fixée à un manche monumental. Certains chercheurs voient dans les croix ornées une stylisation de la figure humaine. Sur Rurutu et Raroton-ga, les images de Tangaroa, le dieu créateur du monde et des hommes, représentent une figure presque humaine avec un tronc cylindrique (Rurutu) ou plat d’où l’humanité émerge comme de jeunes pousses faisant jaillir la sève. Les Tangaroa de l’île de Rarotonga, de profil, ont de grands yeux allongés avec des paupières lourdes comme des bouches.

A Raiawawa, certaines statues en bois d’une grande rareté montrent un visage plat avec des traits en forme de croix sur de minuscules masses géométriques. Les masses militaires et les pagaies d’État aux motifs circulaires ou rectangulaires, sur les poignées desquelles sont gravées des figures humaines, parfois linéaires, sont là encore des œuvres d’art tout à fait authentiques. Sur les lames, on retrouve également des corps concaves et des têtes rondes dans le style tahitien ou de Nukuor.

Au nord du triangle (îles Hawaï), une statuaire en bois de taille gigantesque s’est développée dès le XIIe siècle, que l’on croit influencée par Tahiti, avec laquelle les Hawaïens avaient noué des relations. Des sculptures plus anciennes encore ont laissé sur l’île Necker des vestiges de pierre brute, dont les visages s’apparentent au substrat primaire de l’art plastique océanique. De grandes figures hawaïennes représentent les dieux gardiens des sanctuaires. Les premiers visiteurs blancs en ont fait des dessins. Les gestes contorsionnés, les grimaces effrayantes et féroces des figures à huit bouches (répétées en Nouvelle-Zélande) contrastent avec les statues statiques rencontrées jusqu’alors. Le réalisme a été poussé encore plus loin, comme le prouvent certaines statuettes domestiques récemment retrouvées.

Certaines figurines en roseau d’osier, décorées de plumes rouge-orange d’un oiseau tropical, représentent le dieu de la guerre Kukailimoku, dont l’image redoutable était emportée avec lui dans la bataille. Les objets en plumes, également d’une grande finesse, offraient aux rois de magnifiques manteaux et coiffes comme ceux de l’infanterie grecque. Les Hawaïens étaient également friands d’assiettes, de plats et de petits meubles aux lignes épurées, en bois poli et teinté de jaune.

A la pointe sud-ouest du triangle se trouvent les Maoris de Nouvelle-Zélande. Le climat rude a endurci leur caractère et aiguisé leur fierté. Leur art, quelque peu rudimentaire mais essentiellement décoratif, est souvent symbolique. Les moules synthétiques sont recouverts d’arabesques complexes et délicates de la spirale maorie, peut-être empruntées au tatouage héraldique (moko) des guerriers. Après la mort, la tête, soigneusement fumigée, est conservée parmi les trésors de la famille. La spirale crée un mouvement visible, parfois si réaliste qu’il fatigue l’œil. Les figures sculptées, qui ont rarement plus de deux dimensions, sont déformées, comme pour éviter le décor qui envahit tous les objets, ondulant autour des portails des maisons communales comme des ailes des pirogues de guerre.

Peut-on rapprocher ces ornements maoris de ceux des Mélanésiens? Ces derniers disposent sobrement sur une surface plane des motifs naturels qu’ils transforment. Les Maoris, en revanche, sans quitter la surface plane, semblent constamment l’éluder.

Dans le sud-est, l’art des Marquises confirme la diversité d’inspiration des Polynésiens ; mais la diversité des moyens d’expression est plus grande chez les peuples noirs. Comme chez les Maoris, l’art des Marquises est essentiellement graphique. Le tatouage en est l’expression la plus pure. La sculpture est un travail de surface, qui touche légèrement une forme originelle très simple.

Les sanctuaires en plein air étaient remplis d’images plus ou moins grandes de Tiki, le premier homme, en pierre ou en bois. Son visage, avec ses yeux écarquillés, sa bouche en forme de sabre, les boucles de son nez et de ses oreilles, se retrouve aussi bien sur la peau des hommes que sur les ustensiles les plus insignifiants. Il présente certaines des caractéristiques de cette physionomie dont on peut dire qu’elle est typique de l’art du Pacifique, de l’Asie à l’île de Pâques, et parfois même de l’art précolombien de la Méso-Amérique.

L’île de Pâques

Les atolls Tuamotu en route vers l’île de Pâques n’ont peut-être connu d’autre art que la poésie religieuse, dans laquelle apparaît la personnalité grandiose et confuse, récemment découverte, de Quijo, le plus grand de tous les dieux.

À Mangareva (dans les îles Gambier), qui a contribué au peuplement de l’Île de Pâques, on a trouvé des images en bois dont les troncs et les membres imitent la nature ; elles ont la face plate déjà rencontrée. Une seule semble combiner des volumes courbes et rectangulaires, exemple de ces concepts abstraits qui attirent souvent les sculpteurs polynésiens.

A l’extrémité sud de cette région se trouve l’île de Pâques, le Rapa Nui des tahitiens modernes. Ses immenses statues de brèche volcanique ont été la première révélation de l’art mégalithique polynésien . Dans ce matériau, facilement taillé avec des pierres de borax, les habitants de l’île de Pâques ont érigé plus de cinq cents images de leurs morts, d’une hauteur variant de neuf à quarante-huit pieds. Autrefois, elles se trouvaient sur l’autel des sanctuaires qui servaient également de tombeaux. Des équipes de spécialistes ont travaillé fébrilement pour sculpter ces mégalithes en un temps record de trois à quatre semaines. En bas de la pente des ateliers, des centaines d’hommes et de femmes les traînaient jusqu’au bord de l’océan.

Les artistes ont apporté très peu de variations à ce «type de masse». Ils dérivent de la stèle, et seuls leurs grands masques étroits, encadrés par de longues oreilles, sont plus que bidimensionnels. Le buste, taillé au niveau du nombril, présente des bras en bas-relief. Le visage occupe les deux septièmes de la hauteur. Les ombres contrastent fortement avec les surfaces anguleuses éclairées par la lumière de l’océan.

L’arbre lui-même est rare et provient d’une seule espèce, Sophora toromiro, aux troncs rabougris et chétifs. Parfois la mer rejette un arbre flottant. Ainsi, dans les légendes, les trésors sont toujours constitués d’objets en bois. Les figurines en bois, qui n’ont rien à voir avec les statues monumentales, représentent les morts ou les esprits. Elles étaient très demandées pour être exposées autour des sanctuaires les jours de fête.

Les ouvrages spécialisés, parmi les plus anciens, se caractérisent par une finition et un raffinement que Cook a remarqués lors de son voyage. Les plus célèbres, appelées moai kawakawa (statues à multiples facettes) par les indigènes qui les imitent encore, représentent avec un réalisme macabre des vieillards émaciés et barbus.

La version locale du dieu Tane Maka Maka est ornée d’un bec d’albatros. D’autres oiseaux marins jouent un rôle important dans la vie religieuse. Une créature à tête d’oiseau de mer, dessinée d’un trait libre et précis, grouille sur les rochers et la lave. Des centaines de gravures préhistoriques couvrent plusieurs mètres carrés de surface, représentant les créatures et les plantes de l’île, des objets quotidiens tels que des pirogues, à côté de figures combinant des éléments animaux et humains. Dans les centaines de signes gravés sur des tablettes de bois, certaines autorités croient voir de l’écriture. (Comparer ces gravures avec les peintures rupestres de la péninsule de Burrup en Australie).

L’élément unificateur le plus important de l’art océanien reste sa «bidimensionnalité», largement imposée par une technique peu développée et plusieurs facteurs culturels. Ce style «primaire de bidimensionnalité» est souvent évident dans le visage, mais aussi dans l’ensemble de la figure, et se répète tout au long de la voie de migration suivie par les Océaniens d’Asie du Sud. C’est une preuve évidente de l’unité fondamentale des arts de l’Océanie.

Collections

Outre les nombreux centres et musées du patrimoine insulaire dans le Pacifique, de nombreux musées en Indonésie et en Australie contiennent des exemples des arts et de l’artisanat de l’Océanie. Il s’agit notamment des musées suivants Museum Seni Rupa dan Keramik (Musée Seni Rupa dan Keramik) à Jakarta ; National Gallery of Australia (NGA) à Canberra ; National Gallery of Victoria (NGV) à Melbourne ; Art Gallery of South Australia (AGSA) à Adélaïde ; Art Gallery of New South Wales (AGNSW) à Sydney ; Queensland Art Gallery (QAG) à Brisbane ; et Art Gallery of Western Australia (AGWA) à Perth.

L’ÂGE DE LA PIERRE, LA CULTURE PRIMAIRE
Pour des informations sur la chronologie de l’art préhistorique, y compris les dates et les événements, voir : Chronologie de l’art préhistorique . Pour une revue des travaux plus récents, voir : Chronologie de l’histoire de l’art .

CIVILISATIONS ANCIENNES
Art de la Perse antique
Art chinois
Céramique chinoise
Art japonais
Art de l’Inde

ART ET CULTURES ANCIENS
Pour un aperçu des formes d’art primitif, y compris la peinture, la sculpture et les arts décoratifs, voir : L’art antique .

ART ISLAMIQUE
Pour un bref aperçu des influences et de l’histoire de l’art visuel musulman, voir : Art islamique .

LES DIFFÉRENTES FORMES D’ART
Pour les définitions, les significations et les explications des différents arts, voir. Sous «Types d’art».

SIGNIFICATION DE L’ART
Pour des détails sur les différents types et styles des beaux-arts, voir : Qu’est-ce que l’art?