Sculpture grecque classique tardive Automatique traduire
Impact du style classique élevé
Jusqu’à la fin de la Style classique le développement de Sculpture grecque avait été principalement uniforme. Ensuite, à cause du succès de ce style, même les plus grands maîtres ont tendance à y revenir – et à ses œuvres exemplaires, telles que Parthénon – comme une sorte d’étalon, reprenant ses formules à des degrés divers et utilisant de manière tout aussi sélective les innovations de leurs contemporains. Etant donné qu’il existe également peu d’originaux ou de copies utilement datés, l’histoire du style classique tardif n’a pas encore été élaborée de manière convaincante et les historiens sont en désaccord sur la chronologie et l’évaluation des pièces importantes.
En général, on dirait que la tradition classique du haut Art grec est resté dominant jusqu’aux années 370 avant notre ère, parfois assez pur et parfois exagéré, mais de nouvelles tendances se sont ensuite affirmées avec plus d’insistance. Ces tendances ne sont pas omniprésentes et ne sont pas toutes combinées dans des œuvres, mais dans l’ensemble, leur direction est celle d’une imitation plus proche de la nature dans la chair, les expressions faciales, les draperies et la pose, même si les exigences de l’art idéal ne sont pas oubliées. La fin du style classique tardif est généralement évoquée à la mort d’ Alexandre le Grand en 323 av. J.-C., mais les changements les plus importants ont peut-être eu lieu trente ou quarante ans plus tôt et il conviendrait peut-être de réviser les périodes classiques de la sculpture grecque.
Tendances et caractéristiques classiques tardives
Selon Pline, certains sculpteurs prenaient des moulages en plâtre sur des modèles humains vers la fin du IVe siècle, mais les progrès de l’anatomie superficielle avaient bien sûr été plus anciens. La tête d’Aberdeen, qui ne devrait pas être beaucoup plus tard que 350 av. J.-C., est un exemple admirable d’un nouveau type réussi. Le visage est devenu plus rond et la chair est modelée avec plus de délicatesse et de crédibilité, à tel point qu’on pourrait s’attendre à ce que les joues tremblent si la statue est secouée; les yeux sont plus enfoncés, la paupière inférieure se fond imperceptiblement dans la joue et le front ci-dessus est rembourré confortablement de graisse. Les lèvres sont légèrement séparées et les cheveux sont ébouriffés et plus profondément sculptés. L’effet, bien que toujours idéal, est plus doux et sensuel que celui de tout visage du cinquième siècle, et l’expression suggère une intensité de sentiment que les sculpteurs du Haut classique auraient trouvé embarrassant. Le Marathon Boy est également modelé doucement, bien que – en partie à cause de son matériau – moins palpable que la tête d’Aberdeen, mais ici le traitement du corps peut être étudié. Bien que la définition linéaire des pièces reste claire, les transitions entre elles sont plus fluides et plus fluides. Pourtant, dans d’autres figures de cette période, la modélisation des formes corporelles garde une fermeté emphatique à l’ancienne. Pour s’éloigner du naturalisme, il y a les Apoxyomenos , ou le grave soulagement de Rhamnus , où un nouveau canon de proportions réduit considérablement la tête, de un huitième au lieu d’un septième de la hauteur totale de la figure. Le peintre berlinois, plus d’un siècle auparavant, était d’une plus grande élégance.
[Pour une liste des meilleures statues, statuettes et reliefs produits pendant la période de l’Antiquité classique, voir: Les plus grandes sculptures de tous les temps . Pour un guide des principaux représentants du néoclassicisme, voir: Sculpteurs néoclassiques .]
Draperie
La draperie au début du IVe siècle a continué beaucoup, voire davantage. De nouveau, de nouvelles formules ont été établies avant 350 avant notre ère, bien qu’elles n’aient pas complètement remplacé l’ancienne. Un système de prédilection est une série de plis puissants irradiant de l’aisselle ou de la hanche, ce qui peut être combiné à un amas de tissu autour de la taille, parfois avec tellement d’emphase que la silhouette semble composée de trois parties. En conséquence, la robe, même étroitement enveloppée, devient souvent plus ou moins indépendante du corps, la dissimulant au lieu de se combiner pour produire un effet unifié. Une autre nouveauté est une ceinture plus haute qui, comme la petite tête, a un effet d’élégance. Pour les détails naturels, il est plus courant d’utiliser des plis interrompus et parfois froissés, et parfois, pour montrer sa virtuosité, un sculpteur a même enregistré le vêtement confectionné dans un vêtement. Mais au moins dans les œuvres majeures, les nouveaux maîtres n’ont pas perdu de vue la composition générale et ont toujours trouvé une utilisation pour les dispositifs hérités du style High Classical.
Figure Poses
C’est à peu près la même chose avec les poses. En plus des survivances classiques, il y a de nouveaux développements parmi les anciens types. Il est donc possible que la figure debout soit plus détendue indolemment, la ligne médiane formant une double courbe plus forte. Parfois, il est tellement déplacé que, du moins pour l’équilibre optique, il lui faut un pilier ou un autre support sur lequel s’appuyer. Ou alors, la figure peut rester stable, mais les pieds sont placés pour donner un effet de mouvement changeant au lieu d’un équilibre stable. Les bras aussi sont souvent plus tendus et la tête plus tournée vers le côté. De telles modifications de la posture et du geste sont parfois contraires aux principes de la construction en quatre carrés statue et avant la fin du IVe siècle, certains sculpteurs semblent avoir planifié délibérément plus que les quatre vues cardinales, bien que leur succès soit encore très limité.
NOTE: pour les sculpteurs ultérieurs et les mouvements inspirés par les bronzes et marbres classiques de la Grèce antique, voir: Le classicisme dans l’art (800 et plus).
Sculpteurs classiques tardifs
Dans les études sur la sculpture classique tardive, trois maîtres sont généralement choisis pour une attention particulière. Skopas , dont l’activité a débuté avant 350 ans avant notre ère, est supposé avoir inventé la nouvelle intensité de l’expression faciale, bien que les preuves ne soient pas décisives. Nous en savons plus sur Praxiteles , car des copies de plusieurs de ses œuvres ont été identifiées de manière convaincante. Il sculptait vers le milieu du siècle, surtout dans pierre (marbre), et avait un goût pour la modélisation douce, plus approprié pour ce matériau que pour bronze et pour les poses indolentes conçues pour la vision frontale (ou postérieure). Il a également sanctifié le nu féminin en tant que sujet de la statuaire autonome et est ainsi devenu pour plus tard l’antiquité le plus célèbre de tous les sculpteurs. Son type de visage féminin au front triangulaire reste la norme dans les sculptures idéales grecques et romaines ultérieures. Lysippe , dont la longue vie active avait commencé au cours des années 360 avant notre ère et duré au moins cinquante ans, a été crédité de toutes sortes d’inventions. Les copies supposées de ses œuvres ne sont pas si impressionnantes ni si éclairantes, si ce n’est que l’Apoxyomène montre le nouveau canon de proportions que lui attribue Plineï et représente un stade précoce de la création de la statue omnifaciale – c’est-à-dire la statue qui offre une vue satisfaisante à n’importe quel angle.
[Remarque: pour plus d’informations sur les céramiques de la Grèce antique, notamment les techniques géométrique, à figures noires, à figures rouges et au sol blanc, voir: Poterie grecque: histoire et styles .]
Sculpture en marbre
Dans la taille du marbre, deux progrès ont été réalisés pour économiser la main-d’œuvre. La foreuse courante commençait à être utilisée par les 370 et s’est rapidement imposée pour creuser des plis et parfois – au début, discrètement – pour découper un canal en relief, afin de les tracer plus nettement sur leur arrière-plan. De plus, vers le milieu du siècle, certains sculpteurs ont commencé à laisser des marques de râpe sur les draperies de statues et de reliefs et ont ainsi obtenu un contraste tout à fait nouveau dans la texture des surfaces. Mais cette pratique n’est jamais devenue courante.
Pour la coloration du marbre, nos preuves directes proviennent de reliefs et pourraient ne pas être tout à fait valables pour les statues individuelles. Sur les frises du mausolée, sculptées dans les années 350, le fond était bleu et la chair mâle rouge brunâtre, le tout dans la tradition de la haute classique. Par contre, le sarcophage Femmes en deuil de Sidon , du même jour, avait un fond non peint, et sur un grand relief athénien d’un Noir et d’un cheval, ce qui ne devrait pas être beaucoup plus tard, le cheval semble aussi avoir été laissés dans la couleur naturelle du marbre. Dans ces œuvres, qui n’étaient pas architecturales, il pourrait bien y avoir plus d’influence de l’art pictural, où un fond blanc était encore assez habituel. Le sarcophage Alexander, qui provient également des coffres royaux de Sidon, n’a pas encore été peint et a été peint vers 320 avant notre ère. Ici, la chair du mâle n’est que légèrement teintée et les animaux aussi sont teintés ou non peints, la draperie est de couleur plate – violet et rouge dans des tons variés, jaune et un peu de bleu – mais de hautes lumières sont ajoutées en blanc sur les pupilles des surfaces réfléchissantes incurvées des boucliers. Quelque chose de ce genre pourrait également être attendu sur les statues individuelles, si Pline a raison de dire que Praxitèle avait plusieurs de ses statues en marbre colorées par Nicias , l’un des plus grands représentants de Peinture grecque classique .
Sortir ensemble
Comme on l’a dit, il n’y a pas beaucoup de dates fixes utiles pour la sculpture classique tardive. La pierre tombale de Dexileos à Athènes ne devrait pas tarder à se situer après 394 av. J.-C., lorsque Dexileos a été tué. Les légendes « Irene et Plutus » (ou «Paix et Richesse») de Cephisodotus , si elles sont correctement identifiées sur des copies, peuvent avoir été créées peu après 375 av. J.-C., alors que le culte de la Paix aurait été officiellement reconnu à Athènes. Il s’agit quand même d’une statue encore très classique en pose et draperie. Parmi les sculptures du temple des Asklepios à Épidaure , qui sont également en grande partie de style classique, les inscriptions nous indiquent que le travail a été achevé en moins de cinq ans, mais pas ce qu’elles ont été: son architecte a également travaillé. sur le mausolée de Halicarnasse , construit probablement autour de 353 avant notre ère, à la mort de Mausolus. Le temple d’Artémis à Éphèse a été détruit par un incendie en 356 avant notre ère. Les bases de colonnes sculptées de son successeur doivent donc être postérieures, mais pas plus de cinq ou dix ans peut-être. Le groupe Daochus à Delphes était certainement constitué entre 339 et 334 AEC, lorsque le donateur y était en poste. Le sarcophage Alexander a été fabriqué au-delà de tout doute raisonnable par le roi Abdalonymus de Sidon, qui avait été nommé par Alexander en 332 avant notre ère et qui serait vraisemblablement décédé peu après 313 avant notre ère. D’autres monuments très datés, notamment les reliefs sur les dalles enregistrant les décrets athéniens, ne sont pas d’une qualité ou d’un caractère permettant des comparaisons fiables; il n’y a pas non plus de contextes utiles issus des fouilles.
Sculptures classiques tardives
Parmi les œuvres originales de la fin du classicisme, la plupart sont encore des reliefs – architecturaux, sur des pierres tombales ou votives, bien que les deux dernières catégories soient pour la plupart de piètre qualité. Quelques fragments de frontons subsistent, ainsi qu’un certain nombre de statues autoportantes assez complètes (certaines d’entre elles ont été conçues pour des décors architecturaux), ainsi que plusieurs têtes remarquables. Copies de Art romain sont nombreux, mais pas tout à fait représentatifs. Les statues sportives en particulier sont relativement peu nombreuses, probablement parce que les acheteurs ultérieurs de copies ont préféré les versions High Classical du type. Il y a aussi quatre ou cinq bons originaux en bronze.
[Note: Pour les biographies d’importants sculpteurs de la Grèce antique, voir: Phidias (488-431 avant notre ère), Myron (Actif 480-444), Polykleitos / Polyclitus (Ve siècle) Callimaque (Actif 432-408), Skopas / Scopas (Actif 395-350), Lysippe / Lysippe (c.395-305), Praxiteles (Actif 375-335), Leochares (Actif 340-320).]
Nus masculins debout
Les nus masculins debout diffèrent grandement. Le Hennes de la base de la colonne d’Éphèse , qui peut difficilement être antérieure à 350 av. J.-C., suit des modèles aussi classiques que le Doryphore, à la fois dans la pose et dans la structure du corps, bien que le visage soit plus doux. Le garçon de marathon, généralement daté d’environ 340 avant notre ère, est plus progressif. Il s’agit d’un bronze original d’une hauteur de quatre pieds trois pouces, récupéré d’une épave antique au large de Marathon et conçu avec une vue emphatiquement frontale, mais le modèle est plus doux et la pose est plus sinueuse, de sorte que le centre de gravité de la figure tombe près du pied droit mou et son équilibre ne semble être que momentané. Le balancement latéral est encore plus prononcé dans d’autres œuvres de l’époque et souvent, la figure doit avoir un support sur lequel s’appuyer, un dispositif utilisé occasionnellement par les grands maîtres classiques, bien que de manière plus discrète. Ce type de pose, comme le montrent les copies, a été exploité par Praxiteles et peut-être par son invention, mais d’autres l’utilisaient aussi. On ne peut que deviner ce que le garçon de marathon était représenté en train de faire. A l’origine, un objet sur lequel il regardait était fixé par une épingle sur sa paume gauche, mais la position du bras droit et de ses doigts devait également avoir une intention active.
Apoxyomenos
L’ Apoxyomène , ou l’homme qui se gratte, est une copie de marbre médiocre, d’une hauteur d’environ six pieds neuf pouces, d’une statue en bronze présumée d’environ 330 ans avant notre ère et peut-être de Lysippe . La matité du détail, qui se manifeste surtout dans l’expression du visage, peut être la faute du copiste, mais l’Apoxyomène semble être avant tout un exercice de composition d’une statue qui ne dépend plus des quatre élévations cardinales – avant, deux côtés et dos. Pour ce faire, les deux bras sont tendus dans une direction sensiblement différente de celle du tronc, de sorte qu’il ne soit pas immédiatement évident de savoir quelle vue de face est censée être la vue principale. Pour les spectateurs modernes, la pose peut sembler sans objet et artificielle; mais à l’origine, la main gauche tenait un strigile, une sorte de longue boule de bronze avec laquelle les athlètes se raclaient après l’exercice et l’Apoxyomenos l’utilisait sur son bras droit. C’est une pose évidemment momentanée, bien qu’équilibrée, et la position des pieds est en harmonie. Dans ses proportions, l’Apoxyomène suit le nouveau système, attribué à Lysippe, consistant en une tête plus petite et des jambes plus longues, donnant ainsi à la figure un aspect plus élégant; et en effet, si on regarde séparément le Doryphore et les Apoxyomenos – ou leur moulage – l’impression habituelle est que l’Apoxyomenos est le plus grand, bien qu’à la mesure de ses dimensions – à l’exclusion du socle -, leur hauteur soit presque exactement la même.
Statues féminines drapées
Les poses sinueuses sont beaucoup plus rares pour les statues debout de déesses drapées et de femmes, peut-être parce qu’elles auraient perturbé les effets souhaités dans le drapé ou d’un préjugé contre les attitudes indolentes chez les femmes. En général, les sculpteurs progressifs de la fin de la période classique étaient plus intéressés par la draperie que par le corps. Parmi les œuvres mineures, certaines petites statues de Bears (ou de jeunes filles) de Brauron sont curieuses en tant qu’essais précoces de la sentimentalité. Les statues masculines drapées sont généralement trop droites, certaines, comme le fameux «portrait» de Sophocle, avec bien plus qu’une simple suggestion de posture. Néanmoins, pour les Grecs, il était essentiel de bien se reproduire pour porter leur tenue non habillée avec la bonne formalité et Sophocle, bien que poète, était un gentleman.
Aphrodite de Knidos
De l’ère de Première sculpture grecque classique À partir de là, les reliefs et les figurines représentaient parfois le nu féminin, mais celui-ci n’a été accepté comme sujet pour les statues grandeur nature que vers le milieu du IVe siècle. Le premier et certainement le plus célèbre exemple est peut-être Aphrodite de Knidos de Praxitèle , que Pline, un juge compétent mais insensible, a décrit comme la plus grande statue du monde.
L’original, connu par des copies, était en marbre, mesurant environ six pieds neuf pouces, et conçu pour être vu uniquement de l’avant et de l’arrière. La déesse se tient droite et complètement nue, les cuisses serrées et la jambe gauche légèrement tendue. Le bras gauche laisse tomber ses vêtements sur un pot d’eau, la tête est tournée vers la gauche et la main droite est amenée devant le pudenda – un geste qui, à force de se répéter, semble maintenant prude ou banal, bien qu’il n’y ait ici aucune indication de conscience elfique. Malheureusement, les nombreuses copies sont trop médiocres pour montrer la qualité du traitement des détails de la surface, ce qui a dû donner à l’original la plus grande partie de son effet sensuel. La Knidian Aphrodite a fixé le canon sculptural du nu féminin grec, avec une silhouette mature et, pour l’anatomiste, des seins étonnamment immatures – dans ces conditions, qui rappelaient la tradition grecque antérieure -, mais la posture variait davantage. Un exemple précoce est la silhouette à moitié nue, où la draperie a glissé presque jusqu’à l’aine; cela permettait un contraste de texture et peut-être un mouvement plus libre des jambes sans infraction aux normes actuelles de décence. La tête de Leconfield provient d’une de ces figures nues ou à moitié nues. Il est grandeur nature, en marbre de Parian, et probablement un original – même, selon certains, une œuvre tardive de Praxitèle lui-même. L’expression grave et calme évitant à la fois le sensuel et le sentimental est caractéristique de ce maître. Il en va de même pour la modélisation douce et le traitement impressionniste des cheveux, bien que cela ne soit pas particulier.
Autres statues classiques tardives
Dans les statues assises, qui sont plus fréquentes qu’auparavant, on a tendance à rendre la pose plus décontractée, en allongeant une jambe plus en avant et en repliant l’autre jambe en arrière ou en la soulevant pour soigner le genou: le Dionysos sur le cratère Derveni , avec sa jambe sur les genoux de son épouse, illustre la nouvelle mobilité, mais avec un abandon non encore toléré dans la statuaire. Il y a aussi des personnages inclinés en course ou en attaque, et des menaads et autres danseurs capturés dans un mouvement plus extatique. Les groupes, bien que rares, sont planifiés de manière plus compacte; un dieu qui balance un enfant sur un bras n’est guère plus qu’une figure avec un accessoire, mais dans des œuvres telles que Léda protégeant le cygne ou Ganymède Emportées par l’aigle , les deux composantes sont parfaitement complémentaires. Ces deux derniers sujets (encore en pleine vie) dégagent une nouvelle saveur légèrement érotique, tout comme Eros (ou Cupidon) qui commence à être représenté comme un enfant plutôt que comme un jeune – un autre signe qu’un goût plus trivial commençait pour trouver une expression dans un art majeur.
Note sur l’évaluation de l’art
Pour en savoir plus sur l’art plastique, voir: Comment apprécier la sculpture . Pour les travaux ultérieurs, voir: Comment apprécier la sculpture moderne . Pour des critiques de célèbres statues grecques, voir: Vénus de Milo (c.130-100 AEC) attribué à Alexandros d’Antioche, et Laocoon et ses fils (c.42-20 AEC) par les artistes de Rhodes Hagesander, Athenodoros et Polydorus.
Portraits
Le portrait s’est enfin imposé comme une branche distincte du sculpture . À l’époque archaïque, le kouroi et les reliefs graves, comme le montrent leurs inscriptions, avaient souvent représenté des individus particuliers, mais sans prétention de reproduire les particularités individuelles de leur apparence, et les statues du «portrait» ancien et du grand classique étaient encore des types idéaux. Bien que la gamme de types soit plus grande, une caractérisation générique est possible. Pericles apparaît donc comme un soldat serein, assez mature pour porter une barbe, et le poète Anacreon est un vieil homme robuste qui s’accompagne de la lyre, incarnation appropriée mais impersonnelle de leur réputation. Ce n’était pas parce que les artistes grecs de cette époque étaient incapables de produire une ressemblance ou du moins des caractéristiques individuelles plausibles, mais peut-être qu’il y avait peut-être le sentiment qu’exposer en public le fac-similé d’un homme vivant pouvait être une arrogance dangereuse, et de toute façon la tradition de l’idéal. l’art était omniprésent. Pour la même raison – qu’il s’agissait de types idéaux classiques – les statues de portrait grecques sont restées intégrales, bien que les sculpteurs et leurs clients soient habitués à la représentation de têtes sans corps, comme par exemple sur des hermes. Il appartenait aux Romains d’établir le buste comme un véhicule normal du portrait, une réforme sensée dès lors qu’il était devenu difficile de fournir un corps convenable à une tête qui insistait sur les ravages de l’âge ou de la maladie.
Au cours du quatrième siècle, à mesure que les portraits se multipliaient, la ressemblance idéalisée commençait à rivaliser avec le type idéal. Cependant, bien que les écrivains anciens mentionnent des sculpteurs qui cherchaient à imiter strictement la nature ou à souligner des traits disgracieux, la plupart s’intéressaient davantage à la caractérisation et, pour les statues sportives et les bas-reliefs graves, l’impersonnalité demeurait régulière. Par les accidents du goût romain, nous avons un nombre disproportionné d’exemplaires de portraits de célébrités de la philosophie et de la littérature, certains vivant lorsque l’original a été réalisé, d’autres morts depuis longtemps; et comme il n’y a pas de différence évidente de crédibilité entre les deux classes, il semble que la caractérisation soit généralement plus importante que la fidélité à l’apparence physique. Les portraits des grands tragédiens attiques – Eschyle , Sophocle et Euripide - incarnent de manière convaincante les personnages que l’on peut déduire de leurs écrits et des anecdotes qui subsistent à leur sujet. Mais comme le dernier du trio est décédé en 406 avant notre ère et que les statues n’ont pas été fabriquées avant les 330, cela montre seulement que les sculpteurs ont fait les mêmes déductions que nous. Les statues de philosophes étaient généralement assises, comme si elles étaient engagées dans l’enseignement, mais les personnalités politiques préféraient se tenir debout – une posture plus héroïque – et nécessitaient généralement un traitement plus idéal. Les différentes têtes d’Alexandre ont donc en commun une intensité d’expression et une chevelure déchaînée, vraisemblablement exigées par le modèle, mais se conforment autrement à un seul motif physique qu’au style idéal du sculpteur. Une tête de bronze originale grandeur nature d’Olympia, reconnaissable aux oreilles de chou-fleur comme celle d’un boxer, peut servir d’exemple de portrait tardif classique. Par rapport à la tête Aberdeen, qui devrait être à peu près de la même date – pas beaucoup après le milieu du siècle -, il est évident que la beauté idéale a été remplacée par une férocité attentive et que les caractéristiques sont devenues plus grossières. Notez, à titre d’exemple, comment le sourcil forme un angle aigu avec le nez au lieu d’y entrer dans une courbe continue. Certains historiens de l’art pensent que la tête de ce boxeur provient d’une statue de Satyros de Silanion et c’est possible, puisque Silanion était célèbre pour sa caractérisation approfondie: comme Satyros, nous n’avons aucun moyen de le savoir.
Reliefs
Les sculptures et les reliefs architecturaux du fronton ne montrent dans leur composition aucune avance sur leurs prédécesseurs du haut classique. Ils suivent avec style les différentes tendances majeures de leur époque et leur qualité est souvent excellente.
Pour plus de détails sur les styles architecturaux de la Grèce antique, voir: Architecture grecque .
Au IVe siècle, de graves reliefs soutenaient une industrie florissante, du moins à Athènes. Là-bas, certains artisans inférieurs se sont spécialisés dans ce type de travail, même si parfois un grand maître pouvait accepter une commande. La forme normale de ces pierres tombales était un oblong droit, encadré par une antae et un fronton bas, et les sujets étaient pour la plupart en stock – la maîtresse de la maison accompagnée d’une esclave, la défunte et des membres de la famille en adieu, ou des parents qui se regardent intensément. La tendance était à un cadrage plus profond et à des figures plus complètes, de sorte qu’elles apparaissent comme des statues dans un petit porche, bien que celles du fond soient parfois ajoutées avec un relief incroyablement bas. Cette négligence de la propriété artistique, à en juger par les normes idéales, apparaît également dans des démonstrations d’émotions de plus en plus flagrantes et dans la représentation naturaliste de la draperie, en particulier lorsque la qualité d’exécution est inférieure. Ici enfin, avec des sculpteurs aux principes faibles, les clients privés ont pu faire valoir leurs goûts personnels, mais malgré cela, il n’ya pas eu de tentative de portrait. La série attique a pris fin brusquement entre 311 avant notre ère et 307 avant notre ère, quand une loi somptuaire interdisait des monuments aussi coûteux.
Les reliefs votifs proviennent également principalement de l’Attique, où ils ont généralement été fabriqués dans des ateliers spécialisés conformément à des conventions particulières. Les sujets vont du dédicateur à sa famille, reçu de ses patrons divins, au moins de la moitié de la hauteur des mortels ordinaires, à Pan et autres présences rustiques qui se manifestent sur une colline rocheuse. En règle générale, cependant, le paysage et les éléments architecturaux – tels que les rochers, les arbres et les sanctuaires – ne sont toujours pas plus que nécessaires pour donner le cadre du sujet. Les reliefs votifs étaient à leur meilleur à la fin du Ve et au début du IVe siècle, mais leur style est vite devenu faible, recourant parfois à des détails archaïsants. À Athènes, ils étaient devenus rares par 300 ans avant notre ère..
Influence et legs
Les nouveautés du style classique tardif ont été bien accueillies dans les villes grecques du sud de l’Italie, où les ateliers locaux ont tendance à exagérer les provinces. Ils ont pénétré aussi Art étrusque , que ce soit par contact direct avec la Grèce ou par le biais d’intermédiaires du sud de l’Italie, mais l’influence n’est que sporadique. En Lycie, les sculpteurs grecs étaient encore plus actifs qu’auparavant, essayant toujours de satisfaire les goûts aberrants de leurs clients et, en Phénicie, la demande pour un travail véritablement grec a augmenté. Carthage aussi, la colonie phénicienne qui dominait une grande partie de la Méditerranée occidentale, commença à imiter la sculpture grecque de manière plus assidue, bien que les artisans locaux, dont certains étaient vraisemblablement des immigrants grecs, étaient de style provincial et souvent compromettants. À partir de là, ou peut-être plus directement, les indigènes d’Espagne ont appris un peu l’art de la sculpture.
Une grande partie de la tradition classique tardive a été poursuivie par les sculpteurs hellénistiques et, bien que l’école de la classicisation des derniers modèles hellénistiques ait préféré les modèles du cinquième siècle, les copistes n’étaient pas aussi discriminants. En effet, à l’époque romaine, Praxiteles était le plus admiré de tous les sculpteurs antiques. À l’époque moderne, aucun original important ne fut connu avant le dix-neuvième siècle et, bien que les copies fussent assez courantes, elles ne firent pas grande impression. Renaissance et plus tard des artistes et des connaisseurs. La principale exception est l’ Apollo Belvedere , une copie en marbre de qualité fine mais dure, tirée d’un original d’environ 330 av. Cette statue a été trouvée à la fin du XVe siècle et exposée à Rome, où elle s’est classée pendant trois cents ans comme un chef-d’œuvre suprême, que les peintres et même les sculpteurs ont toujours utilisé comme modèle. Ensuite, la révélation des marbres d’Elgin a terni sa réputation et, au cours de ce siècle, elle a été méprisée ou ignorée. Malgré cela, bien qu’il existe maintenant une sculpture originale du IVe siècle avec laquelle la comparer, l’Apollo Belvedere est plus qu’une exposition accomplie d’une élégance idéale, si l’on peut oublier ses propres préjugés ou ceux des autres.
Ressources
Pour des articles sur le art de l’Antiquité Classique , voir:
Sculpture de la Grèce antique (Introduction)
Sculpture De Style Daedalic (vers 650-600 avant notre ère)
Sculpture archaïque (environ 600-480 avant notre ère)
Peinture Grecque Période Archaïque (c.600-480)
Sculpture grecque de la période hellénistique (c.323-27 AEC)
Statues et reliefs de style hellénistique (c.323-27 AEC)
Peinture grecque de la période hellénistique (c.323-27 AEC)
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