Sculpture grecque: histoire, chronologie, caractéristiques Automatique traduire

Comment est née la sculpture grecque?

L’art grec de l’Antiquité classique est considéré comme un mélange des cultures égyptienne, syrienne, minoenne (Crète), mycénienne et perse, qui (à en juger par la langue) descendaient elles-mêmes de tribus indo-européennes ayant migré depuis les steppes ouvertes au nord de la mer Noire. Les sculpteurs grecs ont appris la taille de la pierre et la fonte du bronze auprès des Égyptiens et des Syriens, tandis que les traditions de la sculpture en Grèce ont été développées par deux groupes principaux de colons venus de Thessalie &ndash ; les Ioniens et les Doriens. (Pour en savoir plus sur la maçonnerie dans l’Égypte ancienne, voir : Architecture égyptienne).

La chronologie de la sculpture grecque

Chronologie La sculpture en Grèce antique est traditionnellement divisée en trois périodes principales :

Période archaïque (vers 650-500 av. J.-C.)
Les sculpteurs grecs commencent à créer des sculptures monumentales en marbre.
Période classique (env. 500-323 av. J.-C.)
Point culminant de la créativité de la sculpture grecque
Période hellénistique (env. 323-27 av. J.-C.)
«Le style d’art tridimensionnel grec» est pratiqué dans tout l’Orient méditerranéen.

Note. Pour des informations sur l’art céramique, y compris les techniques géométriques, les figures noires, les figures rouges et les fonds blancs, voir Céramique grecque : histoire et styles .

Histoire de la sculpture grecque ancienne

La sculpture sur os et sur ivoire a existé en Égypte à partir d’environ 5000 ans avant J.-C., dans le cadre de traditions culturelles développées à la fin de l’âge de pierre (10000-5000 avant J.-C.). Ensuite, à partir de 2600 av. J.-C., divers courants de l’art égéen sont apparus, notamment la civilisation minoenne en Crète, avec ses sculptures en pierre (en particulier les sceaux en pierre), fresques, poteries et produits en métal . Après une série de tremblements de terre, la culture minoenne s’est effondrée vers 1425 avant J.-C. et l’art mycénien sur le continent est devenu le type dominant de la culture grecque &ndash ; connu pour ses poteries, ses pierres précieuses sculptées et ses bijoux en verre &ndash ; jusqu’à environ 1150 avant J.-C., lorsqu’ils ont également été envahis &ndash ; cette fois par les envahisseurs doriens. Vient ensuite l’âge des ténèbres «grec» &ndash ; une période de 400 ans de chaos et de conflits, au cours de laquelle presque aucun art n’a été produit. Au 8e siècle av. J.-C., plus calme, une nouvelle culture des beaux-arts commença à émerger, incluant la poterie ainsi que la peinture et la sculpture, tandis que l’«Iliade» et l’«Odyssée» d’Homère furent écrites à peu près à la même époque. Cependant, le développement de la sculpture est resté extrêmement lent jusqu’à la période archaïque (vers 600-500 av. J.-C.). Pour plus d’informations sur les premiers styles archaïques, voir : Sculpture grecque dédalique (650-600) . Pour un champ plus large, voir : L’art étrusque (c. 700-90 av. J.-C.).

La sculpture grecque était-elle avant tout religieuse?

Oui. Durant les périodes archaïque et classique, la sculpture grecque la plus importante est de nature religieuse et destinée aux temples, qui sont généralement dédiés à une seule divinité. Les statues divines étaient moulées à l’image de l’homme et fabriquées dans des matériaux et des tailles variés. À l’intérieur et à l’extérieur du temple se trouvaient d’autres statues de vœux, des urnes, des images d’animaux sacrés et d’autres objets de nature sculpturale.

Pourquoi la sculpture grecque s’est-elle développée plus rapidement à l’époque archaïque?

La période archaïque se caractérise par la reprise des contacts commerciaux et des liaisons maritimes entre la Grèce et le Proche-Orient (surtout l’Égypte, mais aussi les cités-États d’Asie Mineure), ce qui incite les artistes grecs à établir une tradition artistique monumentale de la sculpture sur marbre. C’est également au cours de la période archaïque que les Grecs ont commencé à utiliser la pierre pour leurs édifices publics et à développer leurs trois ordres architecturaux ) dorique, ionique et corinthien), chacun caractérisé par un style de colonne avec base, fût, chapiteaux et entablement avec frise d’architrave et corniche. Surtout, c’est à cette époque que le temple grec en pierre acquiert sa forme de base, ce qui permet une grande sculpture architecturale : reliefs et frises sur les frontons du temple (fronton triangulaire sous le toit de l’édifice) et les métopes (panneaux rectangulaires au-dessus des colonnes), ainsi que des statues de toutes sortes. Il convient de rappeler que l’histoire de la sculpture montre une relation évidente entre l’architecture et les arts plastiques : plus on construit de bâtiments, plus on a besoin de sculptures. C’est ce qui s’est passé dans l’Antiquité classique, ainsi que dans la sculpture médiévale (romane et gothique), la sculpture de la Renaissance (précoce et haute), la sculpture baroque (17e siècle) et la sculpture néoclassique (18e siècle).

Quelles sont les caractéristiques de la sculpture grecque archaïque?

D’une manière générale, les sculpteurs grecs réalisent à cette époque des frises et des reliefs de dimensions variées (en pierre, en terre cuite et en bois), ainsi que de nombreux types de statues (en pierre, en terre cuite et en bronze) et de sculptures miniatures (en ivoire et en métal). Les personnages archaïques en pied ont la masse importante et la pose frontale des modèles égyptiens, mais leurs formes sont plus dynamiques : voir, par exemple, le Torse d’Héra (660-580, Louvre).

À partir de 620 environ, les trois statues les plus courantes sont un jeune homme nu debout ) kouros, pluriel - kouroi ), une jeune fille drapée debout ) kore, pluriel - korai) et une femme assise. (Le kouros est resté populaire jusque vers 460). Au départ, ces œuvres figuratives, comme la plupart des autres sculptures grecques indépendantes de l’époque archaïque, ressemblaient aux statues égyptiennes, tant par leur forme que par leur posture (frontale, large d’épaules, étroite, bras pendants près du corps, poings serrés, les deux pieds posés sur le sol, le pied gauche légèrement en avant, expression faciale limitée à un sourire archaïque «figé»). Cependant, au fur et à mesure que les Grecs prennent conscience de l’anatomie humaine, ces kouroi et korai deviennent moins rigides et artificiels et plus réalistes, alors que les sculpteurs égyptiens s’en tiennent strictement aux schémas hiératiques rigides établis par leurs autorités culturelles.

Une autre particularité grecque est que, contrairement aux figures égyptiennes, les kouroi n’avaient pas de but religieux explicite : ils pouvaient être utilisés comme monuments commémoratifs, pierres tombales, statues pour les vœux, ou pour représenter des héros locaux tels que des athlètes, ou encore pour représenter le dieu Apollon ou Héraclès. Les Grecs ont décidé il y a longtemps que le corps humain était le sujet le plus important pour tout artiste, et comme ils ont donné à leurs dieux une forme humaine, ils n’ont pas fait de distinction entre le sacré et le profane. En outre, les kuroi étaient nus, alors que les figures masculines égyptiennes étaient représentées habillées.

La statue féminine, la kore, était considérée comme moins importante. Pour la créer, les sculpteurs archaïques se concentraient principalement sur les proportions et les motifs des draperies plutôt que sur l’anatomie physique. Les artistes ioniens étaient les meilleurs pour représenter les plis de la robe ) chiton) et du manteau ) himation) au drapé lâche. La plupart des korai étaient des sculptures de vœux placées en dédicace dans des sanctuaires tels que l’Acropole d’Athènes.

Quelles sont les statues grecques les plus connues de la période archaïque?

Parmi les exemples connus de sculptures grecques archaïques, on peut citer :

Pour voir l’évolution de la conception grecque, comparez, par exemple, la statue en calcaire de la Dame d’Auxerre (vers 630 av. J.-C., Louvre, Paris) avec «Péplos Coré» (vers 530, Musée de l’Acropole, Athènes) ; comparer aussi Sunion Kouros (vers 600, Musée archéologique national d’Athènes) avec «Boy Kritios» (490-480, Musée de l’Acropole, Athènes).

Quels matériaux les sculpteurs grecs utilisaient-ils?

Les matériaux les plus utilisés dans la Grèce antique sont le marbre et les autres roches calcaires, le bronze, la terre cuite et le bois. Environ la moitié des statues créées dans l’Antiquité étaient en bronze, bien que le métal n’ait pas été largement utilisé dans la sculpture avant 550-500. Quel que soit le matériau utilisé, la surface finale de la statue était rendue plus naturelle en étant enduite d’huile et de cire chaude, puis peinte et dorée. Même la sculpture en relief n’était pas considérée comme achevée avant le polissage et la coloration.

Les sculptures grecques étaient-elles peintes?

En général, oui. Qu’il s’agisse de marbre, de bronze, de bois, de terre cuite ou de métal, la plupart des sculptures grecques (statues et reliefs) étaient peintes en polychromie. Étonnamment, cette caractéristique essentielle a été largement ignorée pendant plusieurs siècles en raison des préjugés d’historiens de l’art influents tels que l’expert néoclassique Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), qui est resté farouchement opposé à l’idée même d’une sculpture grecque «peinte». Ce n’est que lorsque l’archéologue allemand Vinzenz Brinkmann a récemment prouvé que l’ensemble du Parthénon était peint que la coloration des sculptures grecques antiques a été acceptée comme un fait. Voir aussi Peinture grecque antique (vers 625-500).

Que devient la sculpture grecque à l’époque classique?

La période classique est marquée par une amélioration rapide de la sculpture grecque. Les compétences techniques des sculpteurs grecs se sont considérablement accrues dans leur capacité à représenter le corps humain dans une pose détendue plutôt que rigide. Le classicisme a amélioré la rigidité de l’idiome archaïque et a apporté un sens plus naturel du mouvement et de la corporalité à la figure humaine, par exemple sur les métopes et les frontons du temple de Zeus à Olympie. Le bronze est également devenu le matériau prédominant pour les statues monumentales indépendantes, notamment en raison de la capacité du métal à conserver sa forme &ndash ; même complexe, ce qui permet des poses moins rigides. La figure en bronze est non seulement plus solide et plus légère, mais elle peut être stabilisée en plaçant des poids en plomb à l’intérieur de ses jambes creuses. Cela a permis de nouvelles poses qui, si elles avaient été réalisées en marbre, auraient entraîné la chute de la statue. Malheureusement, le bronze était si important pour la fabrication des armes et si facile à fondre que la plupart des statues grecques en bronze ont disparu, ce qui rend difficile l’appréciation correcte des réalisations artistiques grecques et nous laisse dépendants des copies romaines des originaux grecs.

Quels sont les principaux types de sculpture grecque classique?

La sculpture classique reste avant tout religieuse et inclut toutes les divinités et figures mythologiques grecques. Ainsi, outre les douze dieux et déesses de l’Olympe &ndash ; Zeus, Apollon, Poséidon, Déméter, Héra, Artémis, Héphaïstos, Athéna, Arès, Aphrodite, Hermès et Hestia &ndash ; les sculpteurs ont sculpté des divinités mineures comme Dionysos, des satyres, des nymphes et des centaures, ainsi que Pluton et Perséphone, Eros, Psyché et Ariane, des muses, des grâces, des saisons et des fortunes, et des héros comme Achille, Héraclès, Thésée, Persée et d’autres.

Outre les œuvres religieuses, les artistes classiques ont également créé un certain nombre de figures sportives tridimensionnelles représentant des athlètes dans diverses catégories, notamment des lanceurs de disque, des coureurs, des lutteurs et des coureurs de chars. Curieusement, cependant, la sculpture historique, pratiquée en Égypte et en Assyrie, était presque inconnue dans la Grèce antique. Les événements importants étaient représentés en termes mythologiques plutôt que par des récits réels.

Quelles sont les caractéristiques de la sculpture grecque classique?

Les principales caractéristiques de la sculpture classique concernent la précision de l’anatomie et le réalisme de la position. Cependant, ces améliorations ne se sont pas faites du jour au lendemain. Ainsi, au début de la sculpture grecque classique (vers 500-450), les sculpteurs s’attachent à créer des figures qui sont perçues comme étant en mouvement dans l’espace plutôt que simplement debout. Le chef-d’œuvre du premier classicisme est «Discobolus» (vers 450) de Myron. Ensuite, pendant la phase de sculpture grecque du haut classicisme (vers 450-400), ils ont appliqué le canon platonicien des proportions à leurs figures. Le corps humain était représenté sous une forme «idéale» &ndash ; une idée qui a été reprise par Leonardo, Michelangelo et Raphael pendant la Haute Renaissance . En outre, les sculpteurs du Haut-Empire ont développé le contraposto, une pose dans laquelle le poids du corps du modèle est transféré sur une jambe tandis que l’autre reste légèrement pliée. Le Doriphore (vers 440, copie en marbre au Musée national de Naples) en est un exemple. Plus naturel que les poses précédentes, le contrapposto permet pour la première fois à la gravité d’influencer le rapport entre les muscles et les membres d’un objet. Inventé par les Grecs, ce type de pose est un pilier de la sculpture européenne jusqu’au XXe siècle. Enfin, à l’époque de la sculpture grecque classique tardive, les figures sont perçues comme des formes tridimensionnelles qui occupent et délimitent l’espace. Elles peuvent être regardées sous n’importe quel angle. Cette phase tardive du classicisme (IVe siècle) voit également apparaître les premiers nus féminins autoportants. Un exemple de sculpture classique tardive est Aphrodite de Cnide (350-40) Praxitèle.

Quels sont les sculpteurs classiques les plus célèbres?

Un autre trait caractéristique de la sculpture classique grecque &ndash ; l’apparition de sculpteurs nommés, bien que leurs œuvres soient presque entièrement connues par des copies romaines ultérieures. Les plus grands sculpteurs comprennent Calamis (période d’activité 470-440), Pythagore (période d’activité ca. 440-420), Pythagore (période d’activité ca.), Phidias (488-431 av. J.-C.), Cresilas (vers 480-410), Myron (période d’activité 480-444), Polycletus (actif vers 450-430), Callimaque (période d’activité 432-408), Scopas (période d’activité 395-350), Lysippe (c.395-305), Praxitèle (période d’activité 375-335), et Léochar (période d’activité 340-320).

Quelle est la sculpture architecturale grecque la plus célèbre de la période classique?

C’est au Ve siècle (vers 480-400) que l’art grec (en particulier l’art athénien) atteint son apogée. En témoigne la création du Parthénon athénien (447-422) &ndash ; généralement reconnu comme l’un des plus grands chefs-d’œuvre de la sculpture grecque classique, avec sa frise de 500 pieds, une centaine de reliefs, et la colossale sculpture chryso-éléphantine de Phidias de Athènes, &ndash ; ainsi que de nombreux autres exemples célèbres d’architecture grecque , y compris : le complexe de l’Acropole (550-404), le temple de Zeus à Olympie (468-456), le temple d’Héphaïstos (ca. 449), le temple d’Athéna Nike (ca. 427), et le théâtre de Delphes (vers 400). Tous ces édifices importants étaient nécessairement décorés de fresques et d’un large éventail de sculptures, en marbre, en bronze, et parfois même en or et en ivoire. Lorsque des reliefs étaient nécessaires pour décorer des éléments architecturaux spécifiques, les sculpteurs créaient des récits incorporant des histoires tirées de la mythologie grecque, par exemple Les exploits d’Hercule, Les batailles des Lapithes et des Centaures et bien d’autres, voir, par ex, la célèbre Frise du Parthénon, et la plus tardive Frise de Bassa (420-400, sculpture en marbre en haut-relief en 23 panneaux, de 31m de long et 0,63m de haut, décorant l’intérieur de la cella du temple d’Apollon Épicure à Bassa, aujourd’hui au British Museum).

Quelles sont les statues grecques les plus célèbres de l’époque classique?

Voici une courte liste des plus grandes sculptures de la période classique :

Léda et le cygne (500-450) Timothée.
Tyrannicide Hamodius Aristogeiton (vers 477) Kritios.
Delphique char (vers 475) d’un artiste inconnu.
Discobolus (vers 450) de Myron.
Hercule pharnésien (Ve siècle) d’un artiste inconnu.
Zeus ou Poséidon (vers 460) de Phidias.
Guerriers de Riace (vers 450) par Phidias.
«Apollon Parnopius» (c. 450) de Phidias.
Athéna Parthénos (v. 447-5) de Phidias.
Statue de Zeus (v. 432) par Phidias.
Amazone blessée (440-430) par Polycletus.
Doryphore (440) Polycletus.
Statue de Zeus dans le temple de Zeus à Olympie (vers 432) par Phidias.
Aphrodite (Venus Genetrix) (Ve siècle) par Callimaque.
Jeunesse d’Antikythera (4e siècle) par un artiste inconnu.
Apollon Sauroctonos (IVe siècle) de Praxitèle.
Hermès et l’enfant Dionysos (IVe siècle) de Praxitèle.
Aphrodite de Cnide (350-40) Praxitèle.
Apollon du Belvédère (vers 330) par Léochar.
Artémis avec lion (c. 330) de Léochar.
Hercule de Pharnésie (350-300) Lysippe.
Jeunesse victorieuse (350-300) attribuée à Lysippe.
Apoxiomenon (vers 330) de Lysippe.

Que se passe-t-il dans le monde grec à l’époque hellénistique?

L’hellénisme, c’est-à-dire la diffusion de la culture grecque dans les régions voisines de la Méditerranée orientale et au-delà, commence traditionnellement à la mort d’Alexandre le Grand (323 av. J.-C.), lorsque son vaste empire est divisé en deux.), lorsque son vaste empire est divisé en trois parties : Antigone Ier (Monophtalmos) et la dynastie des Antigonides s’emparent de la Grèce et de la Macédoine ; Séleucos Ier (Nicator) et la dynastie des Séleucides contrôlent l’Anatolie, la Mésopotamie et la Perse ; Ptolémée Ier (Soter) et la dynastie des Ptolémées règnent sur l’Égypte. Outre Athènes, des villes comme Alexandrie en Égypte et Antioche, Pergame et Milet en Asie Mineure (Turquie) sont devenues des merveilles du monde antique. Toutes ces régions finirent par passer sous contrôle romain &ndash ; la dernière à tomber fut l’Égypte en 31 av. J.-C. et c’est cet événement qui marque la fin de l’hellénisme et le début de la sculpture romaine . Pour aller au-delà de la Grèce, voir : Art mésopotamien (4500-539 av. J.-C.) et Art de la Perse antique (3500-330 av. J.-C.).

Quels sont les changements apportés à la sculpture grecque hellénistique?

La sculpture grecque hellénistique apporte un certain nombre de changements à l’art créé à l’époque classique. Tout d’abord, la sculpture monumentale n’est plus créée principalement pour servir une religion stricte, mais devient un outil promotionnel important pour renforcer les régimes autoritaires établis dans toute la région (à Pergame, Alexandrie, etc.). En outre, avec l’émergence de nouveaux centres culturels grecs en Égypte, en Syrie, en Anatolie et ailleurs, la demande de sculptures architecturales et monumentales destinées à orner les temples locaux et les espaces publics a augmenté de façon spectaculaire. Cette combinaison d’une demande accrue et d’une fonction élargie a conduit la sculpture (comme la céramique grecque) à devenir une industrie plutôt qu’un art . En conséquence, la conception s’est standardisée et la qualité a diminué.

Et pourtant le plastique est devenu plus intéressant. En effet, l’augmentation générale de la demande a entraîné un appel à une plus grande variété . Les sculpteurs élargissent donc leurs sujets et ne se limitent plus à l’héroïsme idéalisé de la sculpture classique, mais représentent un éventail plus large de personnalités, d’états d’âme et de scènes. Les sujets acceptables sont désormais : un barbare blessé, un enfant enlevant une épine, une chasseresse, une vieille femme, des enfants, des animaux et des scènes domestiques. On voit même apparaître des caricatures. Pour en savoir plus sur ce nouveau style, voir : L’école de Pergame de la sculpture hellénistique (241-133 av. J.-C.).

Note : A l’époque hellénistique, après la mort d’Alexandre le Grand, l’influence de la sculpture grecque se répandit vers l’est jusqu’en Inde, où elle eut une grande influence sur la sculpture indienne, notamment sur les statues gréco-bouddhiques de l’école du Gandhara.

Quelles sont les principales caractéristiques de la sculpture grecque hellénistique?

Il y a surtout eu des changements importants dans l’esthétique : en particulier, l’hellénisme a remplacé la beauté sereine du classicisme par un type de sculpture plus émotionnel qui inclut également un réalisme intense. Dans cette nouvelle ère de l’expressionnisme, les statues dégagent énergie et puissance &ndash ; voir, par exemple, Le Taureau pharnésien ou la Victoire ailée de Samothrace (220-190) ; les figures humaines commencent à dégager souffrance et émotion &ndash ; voir, par exemple «Gaule mourante» (vers 240 av. J.-C.) ou «Laocoon et ses fils» (vers 42-20). Une sensualité authentique est également évidente dans des œuvres telles que Aphrodite, Pan et Eros (vers 100) excavées à Délos, et pour une version plus subtile, voir l’exquise «Aphrodite de Cyrène» (vers 100). Dans l’art du portrait, l’hellénisme se préoccupe de plus en plus de la psychologie individuelle : voir, par exemple, la sculpture mélancolique et introspective de Démosthène (vers 280) par Polyeuctus.

Cependant, une certaine sérénité subsiste dans des sculptures telles que les «Trois Grâces» (IIe siècle) et la Vénus de Milos (vers 100).

Si la période du haut classicisme a servi de référence à la haute Renaissance, l’époque de l’art hellénistique a été le prototype des sculpteurs des mouvements maniériste et baroque. Il n’est donc pas surprenant que la taille devienne un facteur important et que les sculpteurs rivalisent pour créer des sculptures plus grandes et plus surprenantes : un processus qui a culminé avec la création du Colosse de Rhodes par Chares de Lindos &ndash ; une structure à peu près de la même taille que la Statue de la Liberté. Il fut ensuite inclus dans la liste des sept merveilles du monde antique par le poète grec Antipater de Sidon.

Le monument le plus extraordinaire «de la sculpture grecque hellénistique «expressionniste baroque» est peut-être l’immense Autel de Zeus de Pergame, construit vers 180-150 (voir aussi : Statues et reliefs hellénistiques). Le monument célèbre le rôle crucial des rois de Pergame en tant que pionniers de la civilisation grecque en Asie Mineure et illustre leurs nombreuses victoires sur les armées barbares qui envahissaient l’Asie de l’Est. Après la frise du Parthénon, l’autel de Pergame est l’exemple le plus complet de sculpture monumentale grecque connu au monde. La frise extérieure dépeint la bataille entre les dieux et les géants dans toute sa violence débridée, tandis que les reliefs intérieurs montrent un style narratif plus contrôlé, indiquant les développements ultérieurs de la sculpture en relief, comme la colonne de Trajan à Rome, créée 250 ans plus tard. Pour plus de détails, voir : Sculpture en relief de la Rome antique . Pour en savoir plus sur les premières étapes de la sculpture, de la peinture et de l’architecture italiennes, voir : L’art romain hellénistique .

Quelles sont les statues grecques les plus célèbres de la période hellénistique?

Voici une brève sélection des plus grandes sculptures de l’époque :

Colosse de Rhodes (292-280 av. J.-C.) construit par Charès de Lindos.
Hermaphrodite accroupi (IIIe siècle) Louvre. Artiste inconnu.
Ménélas avec le corps de Patroklos (IIIe siècle). Auteur inconnu.
Gaulois mourant (vers 240 av. J.-C.) Musée du Capitole, Rome. Auteur Epigonus.
Gaule Ludovisi (vers 240), Musée national, Rome. Artiste inconnu.
Victoire ailée de Samothrace (Nick) (220-190) Louvre. Artiste inconnu.
Faune Barberini (ca. 220) Glyptothèque, Munich. Artiste inconnu.
Autel de Pergame (ca. 180-150) Pergame, Asie Mineure. Artiste inconnu.
Jockey d’Artémise (ca. 140) Musée archéologique, Athènes. Auteur inconnu.
Taureau pharnésien (IIe siècle) Apollonios de Thrall.
Hermaphrodite endormi (IIe siècle av. J.-C.) Louvre. Artiste inconnu.
Trois Grâces (IIe siècle) Louvre. Artiste inconnu.
Vénus Médicis (150-100) Offices, Florence. Artiste inconnu.
Aphrodite de Cyrène (ca. 100), Museo delle Terme, Rome. Artiste inconnu.
Gladiateur Borghèse (vers 100) Louvre. Agasius d’Ephèse.
Aphrodite, Pan et Eros (vers 100), Musée archéologique national, Athènes.
Vénus d’Arles (ca. 100), Louvre. Artiste inconnu.
Vénus de Milos (Aphrodite de Mélos) (vers 100 après J.-C.) Louvre. Andros d’Antioche.
Garçon enlevant une écharde (Spinario ou Garçon enlevant une épine de son pied) (vers 80) Palais Conservatoire.
Laocoon et ses fils (42-20 BC) Hagesander, Athenodoros, Polydorus.

Où se trouvent les meilleures collections de sculptures grecques originales?

La plupart des statues et bas-reliefs de l’Antiquité classique sont des copies romaines d’originaux grecs. On peut les admirer dans un grand nombre des meilleurs musées d’art de Grèce, d’Italie et d’ailleurs. Voici une courte liste des meilleures collections.

GRÈCE

• Musée archéologique national, Athènes
• Musée de l’Acropole, Athènes
• Musée archéologique, Olympie

ITALIE

• Musées du Vatican
• Musée du Capitole, Rome
• Musée national de Rome, Rome
• Musée archéologique national, Naples
• Musée national, Calabre

EUROPE

• Musée Pergamon, Berlin
• Musée d’Etat, Berlin
• Glyptothèque, Munich
• Louvre, Paris
• Glyptothèque Nu Carlsberg, Copenhague
• Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg
• British Museum, Londres

USA

• Art Institute of Chicago
• Carnegie Museum of Art (Pittsburgh)
• J. Paul Getty Museum, Los Angeles
• Musée d’art du comté de Los Angeles
• Metropolitan Museum of Art, New York

Notre connaissance de la sculpture grecque antique

La sculpture monumentale en Grèce antique est apparue vers 650 avant J.-C., et vers 600 avant J.-C., elle était un élément essentiel de l’art grec avec un marché établi et croissant. Elle fournissait des figures de culte de dieux, des dédicaces de sanctuaires, des monuments surmontant des tombes, des bijoux architecturaux et, enfin, des statues et des reliefs pour de riches demeures privées. De tout cela, il ne reste que peu de choses : une grande partie a péri pour des raisons naturelles, mais une plus grande partie encore a été détruite délibérément au Moyen-Âge. La raison n’en était généralement pas le zèle religieux, mais la valeur du marbre en tant que matière première pour la production de chaux et du bronze en tant que ferraille, de sorte que, pour survivre, la sculpture devait être hors de vue et hors de portée.

Nous avons donc un modèle inégalement réparti dans le temps, en termes de type et de qualité. La sculpture architecturale laissée in situ a peu de chances d’être enlevée et, lorsque le bâtiment s’effondre, elle peut être ensevelie sous une masse de maçonnerie. Les reliefs autoportants, en particulier les pierres tombales, peuvent tomber et, une fois enterrés, être préservés ; toute dalle sculptée en bas-relief peut être réutilisée comme bloc structurel. Les statues isolées avaient moins de chances, car elles étaient moins susceptibles d’être suffisamment cachées par les ordures, en particulier dans les zones densément peuplées. Le métal, bien sûr, valait la peine d’être déterré, et c’est ainsi que l’on a trouvé moins de vingt bronzes grecs, assez complets, dont certains ont été récupérés dans la mer. Quant au marbre, les œuvres les mieux conservées sont celles de la période archaïque. Moins admirables, elles ont été moins bien conservées par les Grecs et les Romains ultérieurs et ont donc pu être perdues avant le début de la période de destruction. Il existe une grande cache de l’Acropole d’Athènes contenant une grande partie des sculptures détruites par les Perses en 480 après J.-C., dont 79 ont été utilisées comme remblai lors de la restauration qui a suivi.

D’autre part, l’art romain nous fournit une abondance de copies de sculptures grecques populaires, tant de l’époque classique que de l’époque hellénistique. Ces copies, dont certaines sont hellénistiques tardives mais plutôt romaines, sont à la fois un obstacle et une aide pour l’étude de la sculpture grecque. Si les copistes ont fixé des points en mesurant, les points étaient beaucoup plus rares que ceux utilisés dans la pratique moderne, et les espaces intermédiaires et les détails étaient sculptés à la main et généralement sans grand soin, comme on peut le constater en comparant les différentes reproductions d’un même original.

En général, les copies sont assez fiables pour la pose, mais dans la plupart des cas, elles sont si rigides et insensibles dans leur traitement de la surface qu’elles sont plus susceptibles de repousser que d’intéresser l’observateur impartial. Les détails les plus fins posent problème lorsque les copistes n’ont pas fait preuve de créativité. Malheureusement, très peu de statues classiques de premier ordre ou de statues de la période hellénistique de la sculpture grecque survivent dans l’original, et celles qui sont connues par des copies sont beaucoup plus nombreuses, de sorte que les copies sont un point de référence important dans toute étude stylistique de la sculpture grecque.

Outre les originaux et les copies qui subsistent, il existe une autre source d’information &ndash ; les vestiges de la littérature grecque et latine. Pline l’Ancien (auteur romain, 23-79 de notre ère) a laissé un compte rendu continu de la sculpture grecque dans un traité Naturalis Historia (Histoire naturelle) qu’il a compilé vers le milieu du premier siècle de notre ère, tandis que Pausanias, un siècle plus tard, mentionne de nombreuses œuvres qu’il a vues lors de ses voyages dans sa Description de la Grèce . Il existe également des références occasionnelles à des sculpteurs et à des sculptures d’autres auteurs. Pausanias n’était pas du tout critique, il rapportait fidèlement ce qu’il disait, mais il était plus intéressé par la mythologie que par l’art. Le récit de Pline se compose principalement d’anecdotes pittoresques mais peu fiables, de listes de sculpteurs et de leurs œuvres les plus célèbres, et d’un certain nombre de jugements stylistiques qui ont probablement été repris d’un critique grec du troisième siècle qui connaissait bien la sculpture classique (vers 500-323 av. J.-C.) mais pas la sculpture archaïque (650-500 av. J.-C.).

En pratique, notre compréhension de l’évolution de la sculpture grecque dépend de l’analyse stylistique des œuvres conservées, étayée par diverses dates tirées de documents historiques et d’inscriptions. Les dates les plus importantes sont la prise de l’acropole athénienne par les Perses en 480, qui donne une limite inférieure aux œuvres qu’ils ont endommagées ; l’achèvement du temple de Zeus à Olympie au plus tard en 456 ; la décoration sculpturale du Parthénon, exécutée successivement de 447 à 432 ; la Nika de Paeonia &ndash ; vers 420 ; la pierre tombale de Dexileus, tué à Corinthe en 394. la construction du Mausolée, qui eut lieu dans les années 350 ; la décoration du grand autel de Pergame, qui date probablement du début du IIe siècle ; la destruction de Délos en 69 ; et l’érection de la Paix Auguste à Rome en 9 avant J.-C.

L’état actuel des connaissances sur l’art antique en Grèce est très inégal. Pour la période archaïque, dont Pline ne possède pas de listes, l’étude du style suggère une évolution assez convaincante, comme &ndash ; contrairement à Pline &ndash ; pour la période classique presque jusqu’à la fin du Ve siècle. Mais même dans ce cas, les experts peuvent diverger d’une vingtaine d’années sur la datation de certaines œuvres. Le quatrième siècle est sombre, quoi qu’en disent les manuels, et la période hellénistique est plus sombre, sauf peut-être vers sa fin. Même si des informations plus précises sur les tendances devraient apparaître avec le temps, il semble peu probable que nous ayons un jour assez de matériel pour comprendre les personnalités de la sculpture grecque, mais cela n’empêchera pas de nombreux chercheurs de rester attachés à l’histoire naturelle.

Pour en savoir plus sur l’influence de la sculpture grecque sur les artistes du XXe siècle, voir : Le renouveau classique dans l’art moderne (1900-30).

Les matériaux de la sculpture dans la Grèce antique

Les principaux matériaux de la sculpture grecque étaient la pierre (surtout le marbre) et le bronze (le calcaire, la terre cuite et le bois étaient beaucoup moins utilisés), et il y avait quelques exemples célèbres de sculpture sur ivoire, notamment les statues chryséléphantines réalisées par Phidias avec de la feuille d’or et de l’ivoire montés sur une planche de bois.

Le marbre, qui a été utilisé dès le début, se trouve à plusieurs endroits dans et autour de la mer Égée, mais pas dans le sud de l’Italie ni en Sicile. Les Grecs aimaient les variétés blanches, à grain moyen ou fin, beaucoup plus brillantes que le Carrare (ou Luna), utilisé plus tard par les Romains et encore connu dans les cimetières d’Europe occidentale. Le calcaire, que les archéologues classiques appellent souvent «poros», est abondant dans la plupart des pays grecs et de très bonne qualité. Au VIIe siècle, c’était la pierre la plus utilisée pour les statues, mais plus tard, elle ne fut plus respectée que pour la sculpture architecturale dans des endroits comme la Sicile, où le marbre était trop cher. La terre cuite était également un matériau économique pour les travaux architecturaux, en particulier pour les antéfixes et les acrotères. Les sculptures en bois n’avaient évidemment que peu de chances de survie et, à en juger par les documents anciens, le bois n’a jamais été utilisé pour des sculptures finies, bien qu’il soit possible que des moules pour des statues en bronze aient été formés sur des figures en bois. Le bronze n’est pas important jusqu’à la seconde moitié du sixième siècle, lorsque la forge de la tôle est remplacée par la fonte en creux, mais dès le début du cinquième siècle, il est devenu le matériau préféré pour la plupart des types de statues indépendantes (mais pas pour les reliefs et les sculptures). Les statues de chryséléphantine, trop chères et peut-être trop facilement endommagées pour être répandues, remontent au moins au milieu du sixième siècle : elles étaient particulièrement appréciées en tant qu’images de culte dans les temples. Il existe d’autres exemples, également peu fréquents, de combinaisons de matériaux : certaines grandes statues étaient réalisées selon le principe de «acrolithie», c’est-à-dire que le matériau principal était recouvert d’un autre, par exemple de pierre dans la masse et de bois pour d’autres parties, et parfois la chevelure des statues de marbre était finie par des moulures.

La sculpture grecque était colorée, comme la plupart des sculptures avant la Renaissance . En effet, si les anciennes statues de marbre retrouvées par les archéologues et admirées à l’époque avaient conservé leur coloration, les plus conservateurs d’entre nous s’attendraient probablement encore à ce que la sculpture soit colorée.

En ce qui concerne les détails de la peinture grecque sur le marbre, ainsi que sur le calcaire et le bois, nos informations sont fragmentaires. Pour le sixième siècle, les découvertes sur l’Acropole d’Athènes donnent de bons exemples, et il y a des sarcophages plus tardifs de Sidon et d’Étrurie où les couleurs sont bien préservées, mais nous avons généralement de la chance si nous avons des traces ne serait-ce que des bords des zones peintes. Sur la terre cuite, la peinture était beaucoup mieux conservée après la cuisson, mais malheureusement la gamme de couleurs était limitée et plutôt grossière à cause de la cuisson. Une autre difficulté est que l’exposition chimique a pu modifier certaines couleurs &ndash ; en particulier, le bleu s’est parfois transformé en vert &ndash ; et le rouge, qui est le pigment le plus persistant, pouvait parfois servir de sous-couche. Néanmoins, on peut affirmer que les yeux, les cheveux, les lèvres et les mamelons (et parfois les joues) étaient régulièrement teints, que la chair des femmes restait de la couleur naturelle du marbre blanc ou était légèrement teintée, que la chair des hommes était souvent teintée d’un brun chaud, et que les draperies étaient généralement entièrement peintes, à moins que les vêtements ne soient laissés blancs pour créer un contraste. Jusqu’au IVe siècle, on observe généralement une évolution continue vers des couleurs plus fines et plus naturelles, même si, par la suite, il est devenu courant d’appliquer de la dorure sur les cheveux.

Pour en savoir plus sur les techniques de peinture dans la Grèce antique, voir : Peinture grecque classique (vers 500-323) et Peinture grecque hellénistique (323-31 av. J.-C.).

Avec une telle prédilection pour la polychromie, il n’est pas surprenant que les Grecs aient été prêts à ajouter des accessoires tels que des boucles d’oreilles et des armes en métal &ndash ; comme on peut largement en juger par les trous percés pour leur fixation. Le résultat de tout cela est que la sculpture antique est devenue beaucoup plus vivante, ce qui a évidemment créé une forte impression visuelle. L’effet des drapés est plus difficile à calculer, mais il fallait parfois clarifier la composition ou la mettre en valeur par un contraste de couleurs, comme dans le cas de Nika de Paeonia (vers 420 av. J.-C.), où une cuisse était exposée et l’autre recouverte. Sur les reliefs, le fond était coloré en rouge ou en bleu, et sur les frontons &ndash ; en bleu. Quant au bronze, les Grecs le préféraient brillant et la patine (reflet vert ou brun) était un signe de négligence, bien qu’à l’époque romaine, certains collectionneurs considéraient la patine comme une preuve d’antiquité. Les yeux étaient régulièrement remplis de pâte ou d’une autre substance, et les lèvres et les mamelons étaient souvent incrustés de cuivre ou d’argent, mais les experts débattent encore de la question de savoir si les cheveux et d’autres zones étaient assombris artificiellement ou même colorés. Lorsque l’on regarde la sculpture grecque, il faut donc faire l’effort de se rappeler qu’elle est plus qu’une simple forme.

Il est naturel que les reliefs dessinent le sujet sur une surface préparée et travaillent à partir de cette esquisse, mais, jusqu’à la période hellénistique, les sculpteurs de marbre grecs n’utilisaient pas de modèles détaillés pour sculpter les statues. Tout d’abord, ce n’est qu’au dernier siècle avant J.-C. que l’on trouve des traces d’une sorte de système de guidage &ndash ; une méthode par laquelle les positions des points déterminés sur un modèle sont reportées exactement sur le bloc dans lequel la statue doit être sculptée, &ndash ; et même alors, les points étaient suffisamment éloignés les uns des autres pour laisser de grandes surfaces à sculpter à la main «ou à l’œil». Deuxièmement, dans la sculpture frontale, où au moins la relation des figures devait être planifiée avec précision à l’avance, les différents sculpteurs de l’équipe pouvaient créer le drapé de leurs figures comme ils l’entendaient - cela est très évident dans le fronton occidental du temple de Zeus à Olympie, où certaines figures sont représentées avec des plis à l’ancienne, et d’autres &ndash ; non coordonnés progressivement.

En raison de l’identité de style avec les statues de marbre, les statues de bronze dépendaient elles aussi généralement de la sculpture, vraisemblablement ici &ndash ; sur une figure préliminaire, et ce n’est guère avant le deuxième siècle que l’on trouve dans l’œuvre achevée la moindre suggestion d’un modelage aussi lisse que celui qui aurait pu être obtenu avec de l’argile molle ou de la cire. Ce qui est encore plus surprenant, c’est qu’il n’y a pas de modelage plastique en terre cuite. Apparemment, la tradition sculpturale grecque a été fondée et ancrée par la sculpture.

Les originaux conservés, qui ont été moulés à différents stades de la création, montrent que la procédure habituelle pour sculpter une statue en marbre n’était pas de terminer une partie à la fois (comme c’est généralement le cas pour les indications sur un modèle réduit), mais d’achever la figure entière par étapes. Cela signifie qu’il était presque impossible pour le sculpteur de déléguer tranquillement le travail à un assistant et qu’il devait constamment garder à l’esprit l’influence de l’ensemble lorsqu’il travaillait sur les parties. On peut supposer qu’il a commencé par dessiner le contour de sa figure sur les quatre côtés du bloc. Cela aurait été assez pratique avec les poses quadrangulaires simples qui étaient courantes dans la sculpture avant le quatrième siècle.

Il enlevait ensuite l’excédent de pierre jusqu’à environ un centimètre de la surface finale prévue, en utilisant d’abord un marteau et une perceuse, puis en augmentant la force de frappe. Le modelage grossier de la figure à l’aide d’une pointe - une matrice fine reconnaissable aux piqûres qu’elle laisse - suivait, et les cavités gênantes (comme l’espace entre le bras et le corps ou les plis profonds de la draperie) étaient partiellement creusées. La perceuse et le trépan étaient utilisés de deux manières : soit pour percer des trous isolés ou une série de trous, soit (comme le «foret courant») avec une inclinaison vers l’avant pour creuser un sillon. La méthode du foret courant semble avoir été inventée avant les années 370 avant J.-C. et, comme elle permettait d’économiser de la main-d’œuvre, elle est rapidement devenue très populaire.

L’étape suivante et la plus cruciale de la sculpture était le modelage détaillé de la surface à l’aide de différents types de burins &ndash ; le burin (qui semble avoir été inventé vers 560 avant J.-C.), le burin plat et le burin rond. Ces outils étaient utilisés à la fois obliquement et verticalement et généralement par petits coups lisses.

Après le modelage, la surface était ébarbée à l’aide d’une râpe de forme et d’épaisseur appropriées, puis un ponçage plus fin était effectué à l’aide d’abrasifs, probablement des copeaux et de la poudre de papier de verre, puis de la poudre de pierre ponce. Ce lissage n’a pas donné beaucoup d’éclat à la sculpture romaine. Pour obtenir un effet brillant, il fallait polir la surface avec des abrasifs plus fins comme le mastic ou le rouge. Enfin, la statue était peinte &ndash ; à partir de 500 av. J.-C., selon la technique de l’encaustique &ndash ; et des accessoires métalliques y étaient fixés.

La procédure simplifiée était à peu près la même. Il fallait d’abord dessiner un objet sur un bloc préparé à cet effet. Ensuite, le contour était découpé, souvent percé sur les reliefs plus profonds, puis la pointe, le ciseau, la râpe et les abrasifs étaient successivement utilisés. En règle générale, les sculpteurs grecs de reliefs ne taillaient aucune partie plus loin du plan frontal qu’il n’était nécessaire pour modeler efficacement cette partie. Le fond a donc tendance à être inégal et la profondeur à laquelle les figures et les parties de figures sont placées est déterminée par des relations optiques plutôt que naturelles.

Diverses pratiques ont été utilisées pour les figures de fronton (sculptures sur le fronton d’un bâtiment). Parfois, la même procédure était utilisée pour les statues indépendantes, bien que les dos soient souvent inachevés, mais parfois &ndash ; comme pour les corps des centaures à Olympie &ndash ; ils étaient traités comme des hauts-reliefs. La qualité de la finition était très élevée et toutes les marques d’outils visibles à une étape devaient être enlevées à l’étape suivante, bien qu’il y ait quelques endroits difficiles où les abrasifs ou les râpes ne pouvaient pas être utilisés correctement et très rarement l’outil a coupé trop profondément dans la surface. Les goûts en matière de finition étaient variés mais sont devenus moins exigeants au fil du temps. Sur les reliefs, les fonds et les grandes surfaces neutres, comme les sièges, sont souvent poncés, mais pas de manière abrasive. Au IVe siècle, certains sculpteurs préféraient laisser le drapé légèrement frotté pour contraster la texture avec une chair totalement lisse, et dans les œuvres plus petites, la tendance au laisser-aller s’accentuait. Malgré tout, la différence entre une sculpture grecque médiocre et une copie romaine moyenne est évidente : les copistes n’ont que rarement utilisé le ciseau dans leur travail.

Il fallait en général six à neuf mois à un sculpteur grec pour tailler une statue de marbre grandeur nature.

Les statues en bronze étant rares, il est beaucoup plus difficile de déterminer les méthodes de fabrication que pour les statues en marbre. Le résumé qui suit peut donc être partiellement erroné. Au cours du VIIe siècle et au début du VIe siècle, quelques statues considérables ont été construites selon la technique «du sphyrelaton» : de minces feuilles de bronze d’une certaine forme ont été fixées par des clous sur un cadre ou une âme en bois, &ndash ; les résultats n’étaient pas satisfaisants. Et si les petites figurines étaient coulées dans des moules, la fonte d’une seule pièce était trop coûteuse (même si elle était possible) pour les grandes figurines. C’est alors, probablement vers le milieu du sixième siècle, que le procédé de moulage en creux a été emprunté et développé pour les statues de grande taille, et qu’il a été utilisé pendant un certain temps pour les petits objets. Les Grecs n’étaient pas assez avancés dans leur métallurgie pour fabriquer de grandes armatures aussi rigides que celles nécessaires à la fonte au sable et ils ont donc dû recourir à la «méthode de la cire perdue» (où un modèle est d’abord fabriqué avec de la cire d’abeille et où, lorsqu’elle est chauffée, la cire s’écoule et est remplacée par du métal).

La séquence habituelle de travail peut avoir été quelque chose comme ceci. Le sculpteur préparait d’abord une figure préliminaire de manière complète et précise, probablement en cire, en argile ou en bois, mais dans tous les cas, l’effet suggère une sculpture plutôt qu’un modelage de surface. Cette figure était ensuite recouverte d’argile (ou peut-être de plâtre) pour former un moule. Il fallait ensuite séparer le moule et la figure préliminaire, et c’est là qu’apparaît une grande incertitude. L’étape suivante consistait à ouvrir le moule, et il était courant de couler de grandes statues à partir de plusieurs pièces. Si le matériau de la figure préliminaire était mou &ndash ; c’est-à-dire de la cire ou de l’argile &ndash ; il pouvait être gratté ou peut-être fondu ou lavé, ou bien la figure (ou une partie de celle-ci) était enlevée en entier. Et comme le relief est souvent complexe, en particulier dans les plis des draperies, cela signifie soit que la figure a déjà été découpée en plusieurs morceaux, soit qu’une dissection tout aussi complexe de la forme était en cours. Toutefois, si la forme était ainsi disséquée, la plupart des petites pièces devaient être réassemblées avant l’étape suivante. Dans ce cas, le moule ouvert était recouvert de cire de l’épaisseur requise pour la paroi en bronze de la statue finie. Ensuite, le revêtement de cire était doublé d’argile de manière à former un noyau, qui était relié au moule extérieur par des broches métalliques (corolles) afin que le moule et le noyau conservent leur position relative lors de la fusion de la cire. Si le moule était en plâtre, une opération supplémentaire était nécessaire : le plâtre devait être soigneusement retiré du noyau ciré et remplacé par une épaisse couche d’argile. (Note : la procédure décrite ci-dessus est un procédé indirect de moulage à la cire perdue, mais les sculpteurs grecs utilisaient parfois la procédure directe, moins économique : la figure d’argile préliminaire, qui sert également de noyau, est elle-même recouverte d’une couche de cire, et cette couche est enfermée dans une coquille d’argile.

Tout est maintenant prêt pour le moulage. Les moules avec leurs noyaux étaient chauffés, de sorte que la cire fondait et s’écoulait et que le bronze en fusion s’écoulait dans les cavités laissées par la cire. Mais comme l’argile séchée à l’air ne résiste pas au métal en fusion, on peut supposer qu’après la fonte de la cire, les moules et les noyaux ont été chauffés davantage, jusqu’à la température requise pour la terre cuite ou même plus, et que le métal a été versé pendant qu’ils étaient encore moulés pour perdre de la chaleur. Une fois le tout refroidi, la coulée de bronze était libérée en brisant le moule ou le revêtement extérieur. Bien entendu, il n’était pas nécessaire d’enlever tout l’intérieur et, en fait, des fragments du noyau ont été trouvés encore conservés à l’intérieur des statues en bronze.

Il restait encore du travail à faire. A ce stade, la fonte est recouverte d’une croûte granuleuse qu’il faut gratter ; les fissures sont colmatées et les fractures sont réparées par découpage et remplissage avec des bandes de tôle (les dépressions rectangulaires visibles sur certaines statues conservées sont des découpes d’où les sceaux sont tombés). Les pièces moulées individuellement étaient assemblées par rainure et languette si elles étaient grandes, ou par soudure ou brasage si elles étaient petites. Les pièces étaient gravées, les yeux étaient insérés et fixés, les lèvres et les mamelons étaient souvent incrustés de cuivre ou d’un autre métal, et toute la surface était soigneusement polie pour masquer les bords des joints et les imperfections et pour assurer un bon lustre. Le lustre était entretenu, comme le montrent les archives, par l’application d’huile ou de résine, voire de bitume. D’une manière générale, la réalisation d’une statue en bronze était complexe et le risque d’échec lors de la cuisson du moule et de la coulée du métal pouvait être important, car le coût plus élevé des matériaux rendait les statues en bronze plus onéreuses que celles en marbre.

Certaines statues, surtout les petites, étaient placées sur de hauts piédestaux, voire sur des colonnes ou des supports, mais les socles grecs les plus typiques étaient relativement bas, rectangulaires et en marbre. Au Ve siècle, pour une statue de taille normale, la base mesurait généralement moins de 20 à 30 cm de haut et sa surface ne pouvait être finie qu’avec une pointe, bien qu’il y ait eu plus tard une tendance à créer quelque chose de plus grand et de plus élaboré. Les statues de marbre debout étaient sculptées avec un petit piédestal autour des pieds, qui était inséré dans la base et fixé avec du plomb, souvent de façon négligée. Des statues en bronze y étaient fixées. Voir aussi : Métallurgie grecque

Le travail s’effectuait généralement en plein air et, comme les sculptures grecques étaient assez élaborées au Ve siècle, on peut supposer que les artisans tenaient également compte de la nature de l’éclairage. Ces facteurs très importants sont souvent négligés dans la présentation de la sculpture grecque dans les musées anciens et nouveaux, où les statues sont généralement placées trop haut au-dessus du sol et où l’éclairage tend à être unilatéral et oblique. La disposition des statues n’est pas adéquate &ndash ; longues rangées ou groupes serrés. La tradition grecque consistait à traiter chaque statue comme un objet indépendant et à la placer dans un espace libre convenable, sans se soucier de sa relation esthétique avec les statues ou les bâtiments voisins.

Autre mise en garde. Les statues les plus anciennes ont été modifiées au fil du temps. Du XVIe au XIXe siècle, il était courant de restaurer au moins les imperfections les plus évidentes, et bien que la mode actuelle ne tolère pas la restauration, de nombreuses pièces sont encore exposées qui ont été restaurées, parfois à tort. Il existe une règle assez fiable pour distinguer ce qui est original dans une statue de marbre et ce qui ne l’est pas. Lorsque deux morceaux de pierre sont assemblés, il est très difficile de cacher la ligne de jonction. La cassure naturelle laisse un bord irrégulier et, si la ligne de jonction est irrégulière, les deux pièces peuvent être considérées comme appartenant l’une à l’autre. Mais comme une surface plane est nécessaire pour poser le nouveau morceau sur l’autre, une ligne de jonction droite montre que l’un de ces morceaux est nouveau, et l’on peut supposer que la surface irrégulière de l’ancienne cassure a été coupée et lissée pour fournir un ajustement propre au nouveau morceau. De tels remplacements étaient parfois effectués dans l’Antiquité, mais en général, la connexion directe indique une restauration moderne à l’époque contemporaine. Le musée national de Naples, qui a hérité de la magnifique collection Renaissance de la famille Farnèse, est un excellent endroit pour pratiquer ce test d’authenticité.

NOTE : Pour les sculpteurs postérieurs inspirés par les sculptures de la Grèce antique, voir : Le classicisme dans l’art (à partir de 800).

L’utilisation de la sculpture grecque antique

Les Grecs utilisaient des statues pour représenter des figures de culte de divinités, des dédicaces, des monuments funéraires et des décorations architecturales, mais ce n’est qu’à l’époque hellénistique qu’ils ont acquis ou commandé plus que des statuettes pour leur plaisir personnel. L’utilisation des reliefs était similaire, sauf que les reliefs ne servaient pas de figures de culte.

Les statues de culte, parfois colossales, étaient relativement rares. En général, une statue de ce type, représentant un dieu ou une déesse protecteur, se trouvait à l’intérieur d’un temple, mais le terme «statue de culte» est trompeur. Ces sculptures étaient considérées comme des œuvres d’art humaines, illustrant mais n’incarnant pas la divinité. Ainsi, bien qu’elles soient admirées, elles ne sont pas adorées.

Les dédicaces étaient créées dans les sanctuaires et autres lieux publics, par des individus ou des communautés, pour célébrer la victoire dans une compétition athlétique ou une guerre, pour enregistrer un serment ou une amende, pour exprimer la gratitude pour le succès ou la sécurité, et pour faire connaître le donateur. À partir du quatrième siècle, des statues sont apparues pour commémorer des citoyens éminents. Certains lieux populaires en étaient truffés, comme en témoignent les voûtes conservées du sanctuaire d’Apollon à Delphes. Les reliefs étaient généralement moins imposants et moins chers. Ils varient considérablement en taille et en qualité et étaient particulièrement populaires en tant qu’offrandes de vœux, comme les plaques de bois ou de terre cuite peintes offertes par les pauvres. La c