Meilleures écoles d’art d’Amérique et d’Europe Automatique traduire

introduction

Comme la plupart des établissements d’enseignement supérieur, les écoles d’art sont de toutes formes et de toutes tailles. Alors la question "quelle école d’art est la meilleure?" est presque impossible de répondre. Meilleur pour qui? Nous pouvons tous convenir, par exemple, que l’École d’art de l’Université de Yale, le Royal College of Art de Londres et l’ École nationale supérieure des beaux-arts de Paris sont trois des meilleurs collèges d’art du monde, mais ils sont inutiles à tous. étudiant en art qui veut apprendre l’italien, l’espagnol, l’allemand, le russe ou le chinois. La meilleure école d’art est l’établissement d’enseignement qui vous convient le mieux, mais pas le mieux, en fonction d’une liste de critères objectifs.

Comment choisir la bonne école d’art

OK, choisissez donc le collège d’art qui vous convient le mieux. Mais même s’il s’agit d’un choix personnel, il convient de prendre en compte un certain nombre de facteurs, comme suit:

Buts personnels
Qu’allez-vous faire avec l’art que vous apprenez? Si vous souhaitez en faire un usage commercial, un diplôme en art s’avérera plus utile qu’un diplôme en art ou un court cursus de base. Si un baccalauréat ne vous convient pas, envisagez l’un des nombreux programmes de diplômes associés ou un diplôme en ligne.

Qualifications que vous recherchez
Si vous avez une carrière artistique en tête, renseignez-vous sur les cours et qualifications requis. (Sujet, type de diplôme, etc.). Si possible, contactez le service des ressources humaines d’une entreprise proposant le type de carrière souhaité. Une fois que vous connaissez les cours et les diplômes universitaires dont ils ont besoin, vérifiez qu’ils sont proposés par les écoles d’art figurant sur votre liste restreinte. Le plus important: vérifiez que les écoles que vous avez choisies sont correctement accréditées (reconnues par l’organe directeur de l’industrie). Par exemple, l’organisme d’accréditation des écoles d’art et de design est l’ Association nationale des écoles d’art et de design (NASAD). Vérifiez donc votre liste d’écoles d’art avec NASAD.

Environnement d’enseignement
Deux écoles d’art peuvent offrir des cours identiques, mais leurs environnements d’enseignement respectifs peuvent être complètement différents. L’un peut être local, l’autre hors de l’état. L’un peut être sur le campus, l’autre divisé en plusieurs pâtés de maisons. L’un peut être urbain, l’autre dans une petite ville. L’un peut disposer de ressources suffisantes en matériel et équipement d’art, l’autre non. (Les étudiants intéressés à conception Les cours, sur (par exemple) la conception Web, la conception de jeux, la conception graphique ou l’animation, doivent absolument vérifier que le collège dispose des dernières technologies.) Recherchez les écoles de votre liste et comparez-les. Si possible, allez en ligne et discutez avec les étudiants de premier cycle.

la faculté
Le personnel enseignant varie d’une école à l’autre. Voyez comment se comparent les différentes facultés. Mais sachez que les artistes célèbres ne sont pas nécessairement les meilleurs professeurs d’art!

Opportunités postdoctorales
Qu’est-ce que chaque école a à vous offrir en guise d’assistance postdoctorale? Proposent-ils des programmes de stage ou des stages dans des entreprises commerciales d’art / design? Ont-ils des antécédents de recherche d’emplois pour leurs étudiants avec des artistes ou des designers professionnels? Quels autres liens peuvent-ils offrir pour faire avancer votre carrière?

Ton budget
Comparez les frais de cours facturés par chaque école d’art. Vérifiez également quels «extras» doivent être payés. Vérifiez les coûts d’hébergement, de nourriture et de déplacements quotidiens. Renseignez-vous sur les bourses d’études, les facilités de prêt, mais aussi les possibilités d’enseignement ou de tutorat pour les étudiants. Si possible, connectez-vous en ligne et parlez aux étudiants de premier cycle actuels du coût réel pour devenir un étudiant.

Qualifications d’entrée requises par votre école d’art
Doublecheck que vous comprenez et pouvez satisfaire aux qualifications d’entrée requises par les collèges figurant sur votre liste restreinte.

Quels sujets d’art pouvez-vous choisir?

Au 16ème siècle, les étudiants travaillant dans les premières académies d’art de l’Europe n’étaient enseignés dessin ) disegno ) jusqu’à l’obtention de leur diplôme, après quoi ils pourraient recevoir un enseignement en peinture ) colorito ).

En revanche, les étudiants en art d’aujourd’hui sont confrontés à une vaste gamme d’options de sujets, qui incluent généralement: beaux arts (peinture, sculpture), histoire des arts, conception, illustration, les dessins animés, la photographie, film, animation et art vidéo, différents types de art graphique et gravure, aussi bien que art informatique, conservation et études muséales. Plusieurs de ces sujets couvrent un grand nombre de sous-sujets. La sculpture, par exemple, est un domaine multimédia. La photographie peut être une forme de beaux-arts à base d’objectifs, ou une activité strictement commerciale, incluant des formes spécialisées comme le photojournalisme. Le design est également une catégorie générale qui englobe un grand nombre de disciplines complexes, notamment: la 3D, le graphisme, la décoration d’intérieur et le design de mode, ainsi que la conception numérique et Web. La gravure embrasse la tradition gravures sur bois, différents types de gravure et gravure, ainsi que plus moderne lithographie et impression d’écran.

Quels types de diplômes sont disponibles?

Il existe quatre types de base de cours d’art de troisième niveau, dont les détails varient selon les pays.

(1) cours de base . Ce cours menant à un diplôme offre généralement une introduction générale à une discipline des arts ou du design. En première année, de nombreux programmes de baccalauréat (par exemple, les beaux-arts) proposent des cours de base dans plusieurs disciplines connexes, donnant ainsi aux étudiants de premier cycle une compréhension globale de leur domaine avant la spécialisation. Un programme de diplôme associé est un autre type de cours de base, qui enseigne généralement les bases de la conception à l’étudiant et explique les utilitaires matériels et logiciels les plus couramment utilisés, ainsi que d’autres outils et équipements pertinents.

(2) programme de baccalauréat . Il s’agit du cursus de base pour toutes les matières universitaires, y compris les arts. Ainsi, lorsque le terme «degré» est utilisé, cela signifie généralement un baccalauréat. Un baccalauréat en design artistique, qui dure habituellement au moins trois ans, vous donne les références nécessaires pour poursuivre votre carrière créative au plus haut niveau. Il peut également être un tremplin pour les cours de troisième cycle en arts au niveau de la maîtrise ou du doctorat. Un baccalauréat va bien au-delà du programme de base couvert par les diplômes, les cours préparatoires et les diplômes associés. Comme indiqué, un baccalauréat peut impliquer initialement une série de cours de base pour aider l’étudiant à choisir le domaine dans lequel se spécialiser.

(3) programme de maîtrise . Il s’agit du cours le plus élevé offert dans la plupart des universités et l’entrée est réservée aux diplômés titulaires d’un baccalauréat. D’une durée de 1 à 2 ans, une maîtrise permet à l’étudiant de se spécialiser dans un domaine relativement étroit, lui permettant ainsi d’acquérir des compétences pédagogiques avancées d’une plus grande valeur commerciale. Il peut également être un tremplin vers un doctorat ou un poste d’enseignant en tant que conférencier ou professeur.

(4) Doctorat (PhD). Il s’agit d’une thèse de doctorat d’une durée de 3 ans, dont les paramètres sont généralement convenus entre l’étudiant et son tuteur universitaire, ce qui nécessite une recherche originale de la part de l’étudiant. Un doctorat représente le sommet de la réussite scolaire et relativement peu de doctorats en art et design sont décernés.

Quelles carrières sont disponibles pour les diplômés en art et design?

Les cheminements de carrière les plus populaires pour les diplômés en arts comprennent:

Carrières pour les diplômés des beaux-arts

(1) Artiste professionnel – peintre, sculpteur ou graveur.
(2) Artiste commercial dans un studio d’art commercial (panneaux d’affichage, publicité, édition). Remarque: la connaissance des progiciels d’infographie est maintenant essentielle.
(3) illustrateur. Un type d’art commercial plus spécialisé, créant des images pour les médias numériques et imprimés, ou des illustrations Fantasy pour des livres / magazines.
(4) animateur. Parmi les animateurs les plus talentueux, nombreux sont ceux qui ont suivi une formation en peinture artistique
(5) dessinateur, caricaturiste pour les médias numériques ou imprimés.
(6) professeur d’art. (Remarque: une qualification en histoire de l’art peut être nécessaire)
(7) Professionnel des arts – dans (par exemple) l’administration, la conservation, la conservation, les études muséales. (Remarque: une qualification en histoire de l’art peut être nécessaire)

Les diplômés en photographie ont une carrière sur mesure en tant que photographe commercial ou photojournaliste. Pour des parcours de carrière différents, voir: Les plus grands photographes (c.1880-present). (Veuillez également lire: Est la photographie d’art?)

Carrières pour les diplômés en design

Les opportunités de carrière les plus populaires pour les diplômés en design incluent:

(1) Designer graphique.
(2) designer d’intérieur.
(3) concepteur Web.
(4) concepteur de jeux.
(5) animateur.

Les cinq parcours proposés aux concepteurs se situent dans des zones de forte croissance et offrent des carrières à long terme financièrement rentables. À l’exception de l’animation, qui est commune aux diplômés en art et en design, les carrières des diplômés en design ont tendance à être plus sûres et mieux rémunérées que celles des diplômés en beaux-arts.

Écoles d’art: origines et histoire

L’art humain a fait son apparition au cours de la période très courte entre 30 000 et 15 000 ans avant notre ère, lorsque de nombreux peintres rupestres ont commencé à décorer des murs de grottes dans le sud de la France et en Espagne, et que les sculpteurs de roche de toute l’Europe ont commencé à produire de petites sculptures féminines connues sous le nom de figurines Vénus. Qui étaient ces incroyables artistes préhistoriques? Qui leur a appris à peindre? Qui a maintenu en vie la tradition picturale consistant à mélanger des pigments d’ocre ou à fabriquer des pinceaux à partir de types de poils d’animaux sélectionnés? Personne ne sait. (Pour plus, voir: Peinture rupestre.)

À mesure que l’art s’est enraciné dans les civilisations anciennes telles que celles de Sumer, d’Égypte, de la Perse antique, de la Crète, de Mycènes, de l’Etrurie et de la Grèce antique, la demande de peintres, de sculpteurs et d’artisans similaires s’est accrue. Des écoles auraient été créées pour former ces "décorateurs" – aucun d’entre eux n’étant encore considéré comme des "artistes" – une poignée d’entre eux aurait sans doute acquis une grande renommée, mais ni eux ni leurs écoles ne sont connus. Pas avant l’ère classique de Sculpture grecque (environ 500 à 300 avant notre ère) ont fait connaître le nom des artistes (comme Phidias, Myron, Polykleitos, Praxiteles et autres). Mais l’anonymat s’est réimposé pendant l’empire romain, l’empire byzantin oriental et une grande partie du moyen âge.

Art paléochrétien

L’ère de Art chrétien – qui a commencé en Irlande avec manuscrits enluminés comme le Livre de Kells, et s’étendant à travers l’Europe jusqu’aux grands monastères continentaux d’Aachen, de Trèves, de Regensburg et de Cologne, tenus par les cours royales carolingienne et ottonienne – n’allaient et venaient sans révéler le nom de ses artisans, premiers vitraux romans et peintures murales religieuses. En fait, ce n’est qu’à la période romane tardive du XIIe siècle que nous entendons parler de sculpteurs individuels comme le Français. Gislebertus (actif 1ère moitié du 12ème siècle), le Maître espagnol Mateo (actif 2ème moitié du 12ème siècle) et l’Italien Benedetto Antelami (actif de 1178 à 1196). Incidemment, les peintres étaient plus rarement entendus, notamment parce que les peintures étaient moins durables que les sculptures en pierre et que la plupart des peintres étaient des artistes-moines qui, soupçonnaient-ils, embrassaient l’anonymat devant Dieu.

Cathédrale Art & Architecture à l’époque gothique

Parce que nous en savons si peu sur la vie et la carrière de ces premiers artistes, nous ne savons presque rien sur l’éducation artistique antérieure à l’époque gothique. Ainsi, même si nous en savons assez sur les personnes qui ont commandé de grandes œuvres telles que les évangiles de Lorsch, l’ Apocalypse de Bamberg, le Tapisserie de Bayeux , ou la cathédrale de Chartres, nous en savons peu sur les apprentissages, ateliers, studios et autres types d’écoles d’art qui existaient jusqu’alors. Même l’ère gothique est un livre relativement fermé. La plupart des arts gothiques concernaient l’architecture de la cathédrale, ainsi que la sculpture architecturale (statues de colonnes, reliefs de portails), retables en bois (diptyques, triptyques, etc.). vitrail, occasionnel mosaïque ou tapisserie. Généralement, des centaines de travailleurs locaux ont été recrutés pour compléter le bâtiment et ses trésors, sous la supervision de maîtres tailleurs de pierre et autres maîtres artisans, dont la plupart des noms nous ont été perdus. Seuls les individus exceptionnels – généralement associés à une chaire particulièrement célèbre ou à une série de statues à colonnes – auraient leurs noms enregistrés pour la postérité. Cependant, c’était précisément ces hommes – tels que les sculpteurs italiens Nicola Pisano Arnolfo di Cambio, Lorenzo Maitani, Andrea Pisano et les peintres internationaux gothiques, siennois et florentins Cimabue, Duccio di Buoninsegna, Giotto, Simone Martini, Jean Pucelle, Masolino, les frères Limbourg et Jean Fouquet – dont les ateliers ont fourni la formation de base aux générations d’orfèvres, peintres, sculpteurs et autres artisans, dont les œuvres ont constitué la colonne vertébrale de Art de la Renaissance dans le quattrocento .

La Renaissance et après

En raison des talents étonnants déployés par les peintres et sculpteurs de la première Renaissance (1400-1490) – tels que Filippo Brunelleschi, Donatello, Andrea Mantegna, Botticelli et d’autres – ainsi que de la renommée de ces virtuoses, de l’image de l’artiste «commença à passer d’un décorateur hautement qualifié à un membre respecté de l’intelligentsia: un processus accéléré pendant la Haute Renaissance (1490-1530) par les réalisations créatives de Léonard de Vinci (1452-1519) ) Le dernier souper, et Mona Lisa), et Michelangelo (sculptures, David et Pieta; fresques de la chapelle Sixtine). Cette revalorisation du statut d’artiste a fait que l’art a été reconnu comme une discipline intellectuelle (comme l’ingénierie et l’architecture), plutôt que comme une simple compétence manuelle (comme un travail du métal). Il pourrait donc être enseigné dans les écoles. C’est pourquoi, à partir du XVIe siècle, de nombreuses écoles d’art officielles ont vu le jour à travers l’Europe, à commencer par l’Italie. Ces écoles étaient connues sous le nom d’académies des arts. En outre, certains maîtres anciens ont créé leurs propres écoles: à Bologne, par exemple, Ludovico Carracci (1555-1619), son cousin Annibale Carracci (1560-1609) et son frère Agostino Carracci (1557-1602) fonda "l’Académie degli Desiderosi", appelée plus tard "Academia degli Incamminati" (Académie des progressistes). Cette académie a formé le noyau de la Ecole Bolognaise de peinture qui a fleuri entre 1590 et 1630.

Académie des Beaux-Arts

Les deux premières académies étaient: Académie d’Art de Florence fondé en 1562 par Giorgio Vasari (1511-1574), dirigé par le Grand-Duc Cosimo 1 de Médicis, et par le Académie d’Art à Rome fondée à Rome vers 1583 par le pape. Haarlem (1583); Académie royale de peinture et de sculpture, Paris (1648); Nuremberg (1674), Pologne (1694), Berlin (1697), Vienne (1705), St Petersberg (1724), Stockholm (1735), Copenhague (1738), Madrid (1752) et Londres (1768). La première Académie américaine officielle des beaux-arts a été fondée à Philadelphie en 1805.

Méthodes d’enseignement de l’art académique

Initialement, la plupart des académies formaient de jeunes artistes selon les théories classiques de l’art établies pendant la Renaissance italienne. Les règles et conventions enseignées par ces académies ont été connues sous le nom de Art académique, qui a été marqué par une extrême rigidité. Par exemple, l’entrée à l’ Ecole des Beaux-Arts de Paris n’était autorisée que pour les candidats ayant réussi un examen et obtenu une lettre de recommandation d’un professeur d’art réputé. S’il est accepté, le candidat commence le cours de beaux-arts et n’avance dans les étapes qu’après avoir complété un portefeuille de dessins pour approbation. Seulement après plusieurs années de travail de dessin, y compris la figure esquisse, anatomie et géométrie, étaient-ils autorisés à peindre. En outre, un ensemble rigide de esthétique ont été observés. Des choses comme le sujet, les types de pose, l’utilisation de couleur en peinture et ainsi de suite, ont été strictement réglementés et interprétés de manière si conservatrice par les professeurs de l’Académie que le système d’enseignement s’est avéré incapable de s’adapter à l’évolution des goûts et des techniques. En conséquence, au 19ème siècle, il était de plus en plus ignoré et marginalisé.

L’anglais Académie royale (RA) était moins rigide que ses homologues européens. Les méthodes de peinture peu orthodoxes de JMW Turner, par exemple, ne l’ont pas empêché de devenir le plus jeune académicien de tous les temps.

Au fur et à mesure que l’Académie déclinait, de nouvelles écoles ont vu le jour, notamment des ateliers-écoles pour certains élèves, à l’instar du système utilisé aux Écoles des Beaux-Arts. L’académie d’Eugène Carrière (1849-1906) et de Gustave Moreau (1826-1898), le Art Students League de New York , fondée en 1875 lorsque l’école de l’Académie nationale a été fermée en raison de problèmes financiers, la École de design Bauhaus (1919-1932) et les Subjects of the Artists School, fondés à New York (1948) par Mark Rothko, Robert Motherwell et d’autres.

Cependant, les académies n’ont pas abandonné leur influence sur l’éducation artistique sans se battre. Malgré leur approche désuète de l’enseignement de l’art, ils conservèrent un pouvoir commercial considérable. Par exemple, chaque académie d’art a organisé un certain nombre d’expositions- salons ) salons) au cours de l’année, qui ont généralement suscité un énorme intérêt de la part des collectionneurs d’art. La participation était un sceau d’approbation garanti pour un artiste en herbe. En outre, les artistes dont les œuvres ont été «approuvées» et qui se sont régulièrement présentés au salon de l’académie seraient associés et, à terme, membres à part entière de l’académie, titre ultime pour tout peintre ou sculpteur ambitieux.

Art académique au 20ème siècle

Curieusement, bien que l’approche globale de l’enseignement de style académique soit toujours considérée comme dépassée, les collectionneurs d’art attachent encore une valeur considérable à la peinture et à la sculpture, qui reflètent la rigueur et la rigueur de la méthode académique. En effet, il existe encore un fossé entre les conservateurs et les autres professionnels des arts – qui ont tendance à préférer les formes d’art contemporain telles que l’installation, la vidéo et l’art sonore: les sceptiques consultent la liste des publications récentes. Gagnants du prix Turner – et les acheteurs d’art aux enchères, qui continuent à faire preuve d’un plus grand conservatisme.

Meilleures écoles d’art en Amérique et au Canada

Voici une courte sélection des meilleurs collèges d’art, instituts de design et cours d’arts agréés aux États-Unis et au Canada, ainsi que leurs frais de scolarité.

Écoles d’art du nord-est
Maine
Maryland
Massachusetts
New York
Pennsylvanie
Rhode Island
Virginie
Washington DC

Écoles d’art du sud
Floride
Mississippi
Tennessee
Texas.

Écoles d’art du Midwest
Illinois
Indiana
Michigan
Minnesota
Missouri
Ohio
Wisconsin

Écoles d’art occidentales
Californie
Oregon
Washington

Collèges canadiens
Écoles d’art au Canada

Meilleures écoles d’art en Grande-Bretagne et en Irlande

Une courte sélection des meilleurs collèges et universités d’art et des cours de design au Royaume-Uni et en Irlande.

Londres
Écosse
Angleterre et Pays de Galles

Meilleures écoles d’art en Irlande

Collège national d’art et de design
Crawford College of Art & Design
Écoles d’art de Dublin
Écoles d’art de munster
Leinster Art Colleges
Connacht Fine Art Courses
Universités d’art d’Ulster

Ecoles d’art et écoles d’été en Europe

Ecole Des Beaux Arts (Paris)
Meilleures écoles d’art à Florence
Écoles d’art à Rome