Meilleurs peintres de nature morte Automatique traduire

Le terme "nature morte" est utilisé pour décrire une image d’un sujet inanimé, comprenant traditionnellement des objets banals, rassemblés et disposés de manière spécifique. Ces articles peuvent être naturels (nourriture, fleurs, plantes, insectes, gibier, animaux morts, rochers, crânes) ou artificiels (ustensiles ménagers, sabliers, vases, bijoux, objets d’art, verres à boire, livres), tuyaux). Linguistiquement, nature morte peinture dérive du mot néerlandais « Stilleven», utilisé pour décrire des peintures connues auparavant sous les noms de «Fruit» ou «Morceaux de fleurs», ou «Ontbijt» (morceau de petit-déjeuner), Bancket (banquet) ou Pronkstilleven. Les natures mortes peuvent être divisées en quatre types: (1) morceaux de fleurs, (2) morceaux de petit-déjeuner ou de banquet, (3) morceaux d’animaux, (4) natures mortes symboliques. La quatrième catégorie comprend toute composition à message symbolique, bien qu’il s’agisse principalement d’un style de nature morte appelé Vanitas peinture (Extrait du livre d’Ecclésiaste 12: 8 "La vanité des vanités dit le prédicateur, tout est vanité"). Celles-ci peintures religieuses contiennent des images symboliques soulignant la fugacité et la trivialité de la vie mortelle.

L’art des natures mortes s’est épanoui aux Pays-Bas au XVIIe siècle, en grande partie à cause de l’influence de l’Église réformée hollandaise protestante, qui a refusé de fréquenter l’église. art religieux – jusque-là la forme de base des commandes pour les peintres et les sculpteurs. Heureusement, la croissance de la prospérité de la classe moyenne a conduit à l’émergence d’un nouveau patron: le riche commerçant bourgeois ou professionnel, qui cherchait à décorer sa maison avec de petites œuvres d’art portables (portraits, natures mortes, paysages) qui reflétaient son nouveau statut trouvé dans la communauté. Cela a directement conduit à l’émergence des écoles réalistes néerlandaises d’Utrecht, de Leyde et de Delft, dont les chefs-d’œuvre ont eu une grande incidence sur l’histoire future de l’art, dans des domaines tels que la composition, les valeurs tonales, perspective linéaire, et vernis, ainsi que le symbolisme et la narration.

Nature morte, la peinture a été classée en bas de la hiérarchie des genres (types de tableaux) des grandes académies européennes des beaux-arts, tels qu’annoncés en 1669 par André Felibien, secrétaire du Académie Française.

Les autres genres (par ordre d’importance) sont Histoire, Portrait, Oeuvres de genre et Paysage. Le faible classement accordé aux natures mortes découle de leur contenu supposé moins «narratif» (c’est-à-dire un message moral). Pour y remédier, de nombreux artistes de natures mortes (notamment des peintres Vanitas) ont incorporé diverses images symboliques afin d’insuffler à leurs images un message moral ou religieux spécifique. En ce sens, les natures mortes «vanitas» étaient l’un des rares types de Art chrétien vu dans la Hollande protestante. L’inclusion de certains types de fleurs a été particulièrement révélatrice. De nombreuses fleurs communes avaient des significations symboliques spécifiques: lys (virginité, pureté d’esprit); rose (Vierge Marie, amour); tulipe (ostentation, noblesse); tournesol (fidélité, dévotion); violet (modestie, humilité).

Cette liste d’artistes de natures mortes célèbres a été compilée par notre rédacteur en chef Neil Collins MA LLB. Il représente sa vision personnelle des dix meilleurs représentants de la nature morte. Naturellement, comme toute compilation de ce genre, elle en révèle plus sur les goûts personnels du compilateur que sur les peintres de natures mortes classés. (Voir aussi nos essais pédagogiques pour étudiants / professeurs: Évaluation de l’art: comment apprécier l’art, et Comment apprécier les peintures.)

Ce peintre classique irlandais exceptionnel fait partie de notre liste des 10 meilleurs artistes de nature morte en raison de son talent brut, plutôt que de sa réputation historique. Sa contribution à l’art de la nature morte se retrouve dans ses chefs-d’œuvre: "Veiled: Oranges and Lemons" (2008) et "Still Life With Large Orchid" (2004), qui associent réalisme à couper le souffle et contrôle tonal précis, avec une utilisation extraordinaire. de lumière pour faire ressortir les différentes textures de surface. En plus de ces études exemplaires sur les fruits, Conor Walton Il a également produit un certain nombre de natures mortes modernes, un style qu’il a utilisé pour montrer ses arrangements créatifs et ses récits actualisés, ainsi que la précision de ses dessins. (Voir également: James English)

Nature morte peintures de Conor Walton
Nature morte à la grande orchidée (2004) huile sur toile de lin
Space-Age Still Life (2005) huile sur toile de lin
La découverte du futur (2008) huile sur lin
Voiled: Oranges and Lemons (2008) huile sur toile de lin

Rachel Ruysch était le peintre néerlandais de fleurs de nature morte le plus célèbre de son époque. Née à Haarlem, et (comme toutes les femmes) exclue des cours de dessin de la vie, formée à la nature morte sous l’artiste de fleurs Willem van Aelst. Elle a également été influencée par son père Frederik Ruysch, botaniste et peintre amateur, et par les anciennes fleurs de style baroque de Jan Davidsz de Heem. Comme d’autres peintres de fleurs aux natures mortes, les compositions de Ruysch contiennent beaucoup de symbolisme et véhiculent une variété de messages religieux et moraux. Son style d’art caractéristique se caractérise par des fonds sombres, des détails minutieux, une coloration délicate, ainsi que des éléments d’intérêt tels que des insectes, des oiseaux et des reptiles. Ruysch était également réputée pour ses images très réalistes de vases en cristal. En plus de sa pratique à Amsterdam, elle a également travaillé à Düsseldorf (1708-1616) en tant que peintre de la cour de l’électeur palatin Johann Wilhelm. Elle était mariée à Juriaen Pool (1666-1745), un portraitiste, avec qui elle avait eu 10 enfants.

Tableaux célèbres de Rachel Ruysch
Fleurs et insectes (1711) huile sur panneau, Galerie des Offices, Florence

Harmen van Steenwyck était un artiste réaliste hollandais et le plus grand représentant de la peinture de Vanitas Still Life, une spécialité de l’école de Leiden. Dans l’art de la vanité, les objets sont décrits comme de simples symboles transitoires représentant la vanité de la vie terrestre. Des motifs tels que des crânes, des bougies à priser et des montres sont souvent inclus pour renforcer le message. Steenwyck était en fait l’élève de son oncle, le portraitiste de Leiden, David Baillie (1584-1657), à qui l’on attribue (selon très peu de preuves) l’invention du langage de la vanité. Quoi qu’il en soit, l’un des plus grands chefs-d’œuvre de la peinture de natures mortes vanitas est «Still Life: Une allégorie des vanités de la vie humaine» de Steenwyck, qui n’est rien de moins qu’un sermon sur l’impermanence du matérialisme terrestre. Dans ce travail, un rayon de soleil met en évidence l’objet central: un crâne humain nous rappelant notre mortalité. Une coquille (symbole de la richesse matérielle), une épée et un livre nous rappellent que ni l’argent, ni le pouvoir, ni le savoir ne peuvent empêcher la mort. Sur une urne antique, la faible image d’un empereur romain nous rappelle que même les plus riches et les plus puissants sont appelés à rendre des comptes. Tout cela est décrit avec une véracité et un réalisme impressionnants. La technique de peinture de Steenwyck consistant à utiliser de petits pinceaux pour construire le tableau avec des glaçures ultra-fines de peinture à l’huile lui permet de capturer les différentes textures des éléments individuels: la brillance de la soie, la translucidité de l’os et la qualité réfléchissante de l’acier.. La photo illustre également la maîtrise de Steenwyck dans l’utilisation de couleurs atténuées afin de créer une unité imagée et d’améliorer l’effet de la lumière du soleil.

Tableaux célèbres de Harmen Steenwyck
Still Life: Les vanités de la vie humaine (1645), National Gallery, London
Vanitas Still Life (1640-1650), Stedelijk Museum, Leiden
Autoportrait avec symboles de la vanité (1651), Stedelijk Museum, Leiden

Bien que célèbre pour ses paysages, ses portraits et ses œuvres de genre, Cézanne contribue au plus grand nombre à un genre particulier grâce à sa peinture de nature morte, pour laquelle il est considéré à juste titre comme l’un des plus grands maîtres modernes. Après une brève association avec l’impressionnisme, qui, selon lui, manquait de structure, Cézanne tourné son attention vers les natures mortes parce qu’il voulait créer quelque chose de "solide et durable, comme l’art des musées". À cette fin, il a commencé à explorer la représentation des fruits et d’autres objets naturels à travers ce qu’il croyait être leurs formes sous-jacentes les plus courantes: le cylindre, la sphère et le cône. Il a également expérimenté divers types de disjonctions dans le plan de peinture afin de transmettre plus d’un point de vue de l’image. Enfin, au lieu de créer de l’espace et de la perspective dans ses natures mortes par des méthodes de dessin normales, il a utilisé des plans de couleurs. Les trois axes de recherche ont été explorés plus avant par Picasso et Braque, dans leur formulation de Cubisme analytique. Naturellement, cependant, il y a un prix à payer pour tout cet intellectualisme: aucun des fruits de Cézanne n’a un attrait sensuel, et ne ressemble en rien aux éléments réalistes peints par les artistes de nature morte hollandais, encore moins aux légumes colorés de la Provence. C’est peut-être aussi bien parce que la méthode de travail de Cézanne était tellement lente que la plupart des fruits qu’il a peints avaient pourri bien avant que le tableau ne soit terminé! Il a également préféré peindre les mêmes objets encore et encore, le tout dans le but de créer quelque chose de "permanent".

Tableaux célèbres de Paul Cézanne
Nature morte au panier (1888-90) huile sur toile, Musée d’Orsay, Paris
Nature morte avec un cupidon en plastique (1895) huile sur toile, Courtauld Institute, Londres
Chrysanthèmes (1900) Huile sur toile, Fondation Barnes, Merion, États-Unis
Pyramide des crânes (1901) Huile sur toile, Collection privée

Un élève de David Bailly, et l’un des meilleurs peintres de natures mortes de l’école réaliste néerlandaise, Jan Davidsz de Heem combiné excellent dessin avec une sensation exceptionnelle pour la couleur. Il était réputé pour ses magnifiques pièces de fleurs, ses tables très chargées, ses arrangements de fruits tropicaux, de homards et d’huîtres, de bouteilles et de chopes, d’escargots et de coquillages, de papillons, de coléoptères et de papillons de nuit. Ses compositions vont des natures mortes traditionnelles aux madones entourées de guirlandes de fruits ou de fleurs. Sa réputation et sa popularité auprès des Fanders et des Pays-Bas étaient telles qu’il pouvait à peine faire face à la demande. Sa famille comprenait plusieurs autres artistes, tels que ses fils Cornelius de Heem (1631-1695), Jan Jansz de Heem (1650-1700) et son petit-fils David de Heem (1663-1701). Alexander Coseman, Thomas de Klerck, Abraham Mignon, Senaerd Rougghe et Michiel Verstylen comptent parmi ses autres élèves et disciples.

Tableaux célèbres de Jan Davidsz de Heem
Nature morte aux livres (1628), huile sur toile, Musée Mauritshuis, La Haye
Vaisselle de fruits et riche sur une table (1640), huile sur toile, musée du Louvre, Paris
Une table de desserts (1640), huile sur toile, musée du Louvre, Paris

Willem Kalf était l’un des plus grands maîtres hollandais du style de la nature morte du style " pronkstilleven ", qui comportait des tableaux ostentatoires de biens matériels, tels que de l’or et de l’argenterie, du verre vénitien, Porcelaine chinoise vases en nacre et tapis turcs. Fils d’un riche marchand d’étoffes de Rotterdam, Kalf étudie en Hollande avant de passer 4 ans à Paris (1642-1636), où il peint des natures mortes de vases en laiton et en cuivre, qui par la suite exercent une influence sur Jean Chardin et d’autres artistes français. À partir de 1651, Kalf s’installe à Amsterdam, où il produit les natures mortes somptueuses pronkstilleven pour lesquelles il est célèbre. Il était également un marchand d’art et a pu inclure un certain nombre de beaux objets d’art dans ses œuvres. Par exemple, un bol Ming bleu et blanc apparaît dans 16 de ses natures mortes, le calice d’un orfèvre d’Augsberg dans 13! Ces dernières œuvres sont classées dans la phase héroïque ou classique de Réalisme hollandais du 17ème siècle. Pour les principaux représentants du genre vanitas connu sous le nom de "pièces pour le petit déjeuner" ) ontbijt ou ontbijtjes), qui désapprouve la gourmandise humaine et l’indulgence sensuelle, voir: Willem Claesz Heda (1594-1680) et Pieter Claesz (1597-1660).

Tableaux célèbres de Willem Kalf
Nature morte avec une bouteille de pèlerin, deux pichets (1643) Musée Wallraf-Richartz
Nature morte avec un pot en porcelaine chinoise (1669), Musée d’art d’Indianapolis
Nature morte avec un bol en porcelaine (1654), musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg
Nature morte avec un pot en porcelaine chinoise (1662) Gemaldegalerie, SMPK, Berlin

Le fils d’un maître charpentier, de qui il a sans doute acquis son sens de la diligence et de l’ordre, Jean Chardin était le plus grand peintre de natures mortes du 18ème siècle. Ses peintures à petite échelle reflètent les meilleures qualités de l’Âge de la raison – vérité, harmonie, couleurs sobres et calme – attributs tout à fait différents du style dominant du rococo, avec ses formes fortes et ses tourbillons ostentatoires. En tant que membre de la prestigieuse Académie royale de Paris, il était souvent critiqué pour son art "peu ambitieux", mais Chardin restait fidèle à ce qu’il connaissait le mieux, notamment l’observation attentive de la vie. De lui, nous découvrons le caractère caché de la surface carbonisée d’une ancienne cafetière ou la blancheur éclatante d’un bulbe d’ail. Il cherchait constamment à atteindre une harmonie de ton, de couleur et de forme. Il équilibrait des formes géométriques contrastées et arrangeait des contrastes subtils – transparent avec opaque, brillant avec mat, chaud avec froid – et modulait ses fonds pour obtenir un équilibre parfait des valeurs tonales. Même le symbolisme a été écarté afin d’atteindre l’objectif de complète harmonie et d’ordre.

Tableaux célèbres de Jean-Siméon Chardin
Nature morte (1732) huile sur panneau, Detroit Institute of Arts
Verre d’eau et cafetière (1760) huile sur toile, Carnegie Museum of Art
Panier de fraises sauvages (1761), huile sur toile, Metropolitan Museum, NY

Un des premiers maîtres hollandais, Frans Snyders était le maître incontesté de Baroque Nature morte, peinture et animaux en Europe du Nord. Extrêmement prolifique, sa capacité à représenter un large éventail de textures telles que la peau, la fourrure, le verre et le métal était inégalée. Il était également un animalier exceptionnel (peintre animalier) et incluait souvent des animaux morts, comme le gibier, dans ses natures mortes. De plus, dans ses compositions, il y a souvent un soupçon d’action: un chien renifleur, un chat, une personne qui cueille un raisin. Ces caractéristiques ajoutent un élément de tension et d’excitation à la photo. Snyders a également peint des natures mortes pour d’autres artistes: par exemple, il ajoutait parfois un élément de nature morte à une œuvre peinte par Peter Paul Rubens. Plus tard dans la vie, Snyders devint peintre officiel de l’archiduc Albert d’Autriche et exécuta certaines de ses meilleures œuvres pour ce mécène. Il reste l’un des plus grands représentants de la nature morte de l’histoire de l’art.

Tableaux célèbres de Frans Snyders
Nature morte avec un cygne (1613) huile sur toile, Musée Pouchkine, Moscou
Fleurs, fruits et légumes, huile, Musée royal des beaux-arts, Anvers
Nature morte w. Dead Game, Fruits, Légumes (1614), Art Institute of Chicago

Surnommé "il monaco" (le moine) en raison de son style de vie solitaire, le peintre de natures mortes italien Giorgio Morandi est sans doute le plus grand maître de Natura Morta (nature morte) du 20ème siècle. Influencé à la fois par des artistes classiques et modernes, dont Uccello, Piero della Francesca, Jean Chardin et notamment Carlo Carra – voir Le monsieur ivre (1916) – Les compositions de natures mortes de Morandi font clairement allusion à son héritage visuel. Il choisit délibérément des bouteilles, des bocaux, des pichets et des vases poussiéreux qui auraient pu être visités tous les jours chez lui. Ensuite, il les dépersonnalise afin d’explorer leurs qualités abstraites et leurs relations visuelles. Dans leur utilisation de la lumière, ses natures mortes ont été comparées par certains experts à la série de peintures "Haystacks" de Claude Monet. Et comme Paul Cézanne, Morandi avait un style de travail contemplatif et méticuleux, prenant souvent des semaines à décider de la mise en page exacte de ses compositions, qui visait avant tout à communiquer un sentiment de tranquillité et d’intimité.

Tableaux célèbres de Giorgio Morandi
Nature morte avec des tasses et des boîtes (1951), Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
Natura Morta (1956) huile sur toile, Musée d’art de Trente et Rovereto
Nature morte (1960), huile sur toile, collection privée

Zurbaran est peut-être mieux connu pour sa peinture religieuse austère de saints morts et de moines vivants, mais il fut également l’un des plus grands artistes de natures mortes. Bien que peu nombreux et peints dans le strict respect de la tradition espagnole, ses peintures de natures mortes ont une qualité intemporelle et une simplicité sans faille. En règle générale, ils comportent trois ou quatre objets dans une rangée, qui se détachent nettement avant un arrière-plan sombre. La plupart des objets sont choisis pour leur valeur symbolique: les images de Zurbaran ont tendance à contenir un symbolisme religieux subtil se rapportant (par exemple) à la Vierge Marie, à la Passion du Christ et à d’autres références bibliques. En étudiant les objets qu’il a peints, on peut dire qu’ils ont une qualité presque religieuse, comme s’ils étaient des objets de vénération. Totalement exquis.

Tableaux célèbres de Zurbaran
Nature morte aux huiles de citrons, d’oranges et de roses (années 1630), Norton Simon Museum
Nature morte, huile sur toile (années 1630), musée du Prado, Madrid
Nature morte à l’huile d’oranges et de citrons (années 1630), Fondazione Contini-Bonacossi
Nature morte aux pots de poterie (années 1630), huile sur toile, Musée du Prado, Madrid
Voir également: Tableaux célèbres analysés.