La couleur en peinture:
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Conformément à son statut de l’un des principaux «beaux-arts», la peinture dépend fortement de l’utilisation de la couleur pour son impact, son ambiance et sa profondeur. L’effet de la couleur sur la perception visuelle de l’observateur est extrêmement puissant, et même un minuscule trait de pigment vif sur une image monochrome peut transformer une œuvre. Même les premiers représentants de l’art rupestre préhistorique (30 000-12 000 BC) étaient experts dans l’utilisation de pigments primitifs, comme en témoignent les peintures monochromes de Chauvet, les fresques polychromes de Lascaux, et les peintures vives d’Altamira .

Avec l’invention de la peinture à l’huile en Europe au début du XVe siècle, qui a considérablement amélioré la luminosité et la richesse des couleurs obtenues à la fois par la détrempe sur panneaux de bois et la peinture à fresque , la pratique de la peinture en couleur a fait un grand pas en avant.

- Qu’est-ce que la teinte?
Teinte &ndash ; est un synonyme de couleur.

- Qu’est-ce que les couleurs primaires?
Ce sont le rouge, le bleu et le jaune ; des couleurs qui peuvent être mélangées pour produire d’autres «couleurs secondaires», mais elles-mêmes ne peuvent pas être produites à partir de mélanges.

Les effets de la couleur

Les effets de la couleur peuvent être purement optiques (par exemple, attirer l’attention du spectateur), émotionnels (par exemple, les couleurs froides comme le bleu ou le vert ont un effet calmant, tandis que le rouge ou le jaune stimulent davantage les sens), ou esthétiques (par exemple, la beauté résultant de la juxtaposition de deux ou plusieurs couleurs harmonieuses), pour ne citer que les trois premières possibilités qui viennent à l’esprit. Selon les principes de la théorie des couleurs et la disposition du cercle chromatique, tous ces effets sur l’observateur varient également en fonction de la combinaison des teintes (couleurs réelles) présentes, de leur luminosité (degré de lumière ou d’obscurité qu’elles possèdent) et de la chromaticité (ou saturation - pureté de la teinte). En outre, l’effet de la couleur varie en fonction des couleurs adjacentes sur la toile. Le gris entouré de bleu paraîtra froid, et le gris entouré de jaune &ndash ; chaud. La dernière influence sur la perception des couleurs est la gamme globale des tons présents dans une peinture, parfois connue sous le nom de tonalité. L’application (disons) de jaune sur une toile dont la tonalité générale est basse (sombre) (par exemple, un tableau de Rembrandt) aura un effet différent de celui d’une toile dont la tonalité est élevée.

Les premières théories de la couleur

Les premiers principes de la théorie des couleurs dans les arts visuels ont été énoncés par Leon Battista Alberti (1404-1472) dans son traité «De la peinture» Della Pittura (1435) et par le génie de la Haute Renaissance Léonard de Vinci dans ses carnets (vers 1490). Quoi qu’il en soit, l’importance «du colorito» a été prise particulièrement au sérieux par les grands anciens maîtres de l’art européen, qui étaient des experts dans le mélange et l’application des pigments, et des investigateurs méticuleux des effets tonaux de la lumière. Ils comprenaient les principes de la théorie des couleurs &ndash ; y compris la teinte, l’intensité et le ton &ndash ; et savaient exactement quand utiliser certaines couleurs et comment les harmoniser sur la toile. Vu de loin, leur savoir-faire est d’autant plus impressionnant qu’il n’y a pas de couleurs industrielles et que la plupart des pigments (dont certains étaient extrêmement coûteux) devaient être poncés à la main, une opération salissante qui prenait beaucoup de temps. La théorie des couleurs apparaît à la fin de la période baroque avec la publication «de l’Optique» d’Isaac Newton (1704). Mais la pratique de la peinture en couleur n’a véritablement changé qu’au XIXe siècle, lorsque l’impressionnisme a étonné de nombreux historiens de l’art par ses théories optiques révolutionnaires et ses pratiques de la couleur liées à la lumière, qui ont introduit un langage pictural entièrement nouveau dans les beaux-arts . Pour en savoir plus, voir : Caractéristiques de la peinture impressionniste 1870-1910

- Qu’est-ce que les couleurs secondaires?
Ce sont des nuances produites par le mélange de couleurs primaires : par exemple, un mélange de rouge et de bleu donne une couleur secondaire violette ; un mélange de rouge et de jaune donne de l’orange ; un mélange de jaune et de bleu donne du vert.

- Qu’est-ce qu’une couleur complémentaire?
Ces couleurs sont directement opposées dans le cercle chromatique : le bleu et l’orange, le rouge et le vert, le violet et le jaune. Chaque teinte primaire - rouge, jaune, bleu &ndash ; a sa propre couleur complémentaire exclusive - vert, violet, orange.

- Que sont les couleurs tertiaires?
Elles résultent du mélange d’une couleur primaire et d’une couleur secondaire (ex : rouge et vert) ou de deux couleurs secondaires (ex : vert et orange).

Les ingrédients de la peinture colorée

La couleur (teinte) d’une peinture, due à son pigment, est mélangée à d’autres ingrédients primaires comme suit :

Peinture à l’huile
En principe, la peinture à l’huile est une combinaison de trois ingrédients : le pigment, l’huile de lin et l’essence de térébenthine . Le pigment apporte la couleur ; l’huile de lin est le liant, c’est-à-dire l’ingrédient qui retient le pigment et permet de l’appliquer sur la toile, le carton ou tout autre support à peindre ; la térébenthine est le diluant &ndash ; l’ingrédient qui liquéfie le mélange d’huile et de colorant et permet de l’appliquer facilement à l’aide d’un pinceau. Une peinture à l’huile peut contenir d’autres huiles (comme l’huile de pavot ou de noix) à condition qu’il s’agisse d’huiles siccatives, c’est-à-dire d’huiles qui sèchent par oxydation . En effet, contrairement à la plupart des autres peintures, les huiles ne sèchent pas par évaporation mais par oxydation &ndash ; l’huile réagit avec l’oxygène de l’air et se transforme en gel puis en solide.

- Qu’est-ce qu’une couleur similaire?
Tout ensemble de trois ou cinq couleurs dont les teintes sont très proches et qui sont généralement placées l’une à côté de l’autre sur le cercle chromatique, par exemple le bleu, le bleu-vert et le vert.

- Qu’est-ce qu’un cercle chromatique?
Un cercle chromatique &ndash ; est un diagramme circulaire montrant les relations entre les couleurs primaires, secondaires, tertiaires et complémentaires.

- Quelle est la couleur naturelle d’un pigment?
- Un échantillon de peinture épais et un excellent moyen de découvrir les attributs inhérents à la peinture tels que sa couleur pure, sa transparence et sa brillance.

Aquarelle et gouache
Techniquement l’aquarelle &ndash ; est toute peinture totalement ou partiellement soluble dans l’eau, comme la tempera ou la gouache. Le terme «aquarelle» ne fait pas tant référence à la matière qu’à la technique de peinture aux couleurs floues développée en Angleterre aux 18e et 19e siècles. En principe, ce type de peinture à l’eau se compose de pigments (colorants) et de gomme arabique (un liant soluble dans l’eau) auxquels on a ajouté de l’eau. La gouache &ndash ; est une peinture aquarelle opaque créée par l’ajout de matériaux tels que le talc, l’eau de Javel ou le kaolin. La tempera est composée de pigment (colorant) et de jaune d’œuf (liant) auxquels on a ajouté de l’eau.

Acrylique
La peinture acrylique est un médium entièrement synthétique, à base de résine polymère acrylique. La peinture acrylique se décline en variations pour une grande variété de revêtements. Dans sa forme la plus simple, la peinture acrylique se compose d’un pigment (couleur), d’une émulsion, de résines de polymère acrylique (plastique) (liant) et d’eau. La combinaison du pigment et des résines plastiques sèche très rapidement par évaporation de l’eau (et des autres solvants qu’elle contient), formant un film souple et résistant.

Les pigments de peinture se comportent-ils tous de la même manière?

Non. La peinture acrylique sèche plus vite et sa couleur change légèrement en séchant. L’aquarelle sèche également assez vite et change aussi de couleur en séchant. La peinture à l’huile, par contre, sèche beaucoup plus lentement et ne change pas de couleur. En outre, en séchant, il est possible d’ajouter de la peinture pour créer des couleurs exceptionnellement riches. Ces caractéristiques de facilité de travail et de richesse des couleurs font de la peinture à l’huile le choix préféré de la plupart des maîtres peintres.

Échantillon
Petite touche de peinture utilisée pour évaluer la qualité du pigment sur un fond blanc. Souvent utilisé par les artistes pour déterminer l’aspect d’un lavis ou d’un glacis dans une peinture. Certaines couleurs comme le cadmium et le cobalt ont des couleurs et des teintes naturelles similaires, mais avec des couleurs organiques transparentes comme le quinacridone ou le phtalos, la teinte peut être très différente de celle à laquelle on s’attendrait après avoir évalué l’échantillon.

Intensité
Il s’agit d’une mesure de l’influence de la quantité effective de colorant sur le changement de couleur de la matière.

Palettes de couleurs traditionnelles

Voici une liste de pigments de peinture associés à des palettes de couleurs de différentes périodes de l’histoire des beaux-arts.

Palette de couleurs de l’âge de pierre
Terre rouge
Terre jaune
Terre jaune
Carbone noir (charbon de bois)
Argile blanche ou craie.

Palette de couleurs égyptiennes
Terre rouge
Terre jaune
Carbone noir
Gypse
Craie
Malachite
Azurite
Cinabre
Orpiment
Bleu égyptien
Indigo
Marena.

Palette de couleurs classique
Terre rouge
Terre jaune
Terre de Sienne brute
Terre d’Ombre brûlée
Carbone (lampe) suie
Ivoire
Craie
Blanc de plomb
Malachite
Vert Terre
Azurite
Bleu d’Égypte
Vert d’Égypte
Verdigris
Vermillon
Cinabre
Soufre de plomb
Sang de dragon
Massicot
Auripigment
Jaune de Naples
Indigo
Marena
Pourpre.

Palette de couleurs de la Renaissance
Terre rouge
Terre jaune
Terre verte
Ivoire
Suie de lampe
Vigne noire
Plomb blanc
Craie
Malachite
Verdigris
Azurite
Indigo
Bleu égyptien
Outremer véritable
Outremer cendré
Vermillon
Vermillon chinois
Plomb rouge
Laque rouge
Sang de dragon
Massicot
Jaune napolitain
Jaune étain
Plomb Jaune d’étain
Gamboge
Sienne brûlée
Ombre brûlée.

Palette de couleurs du dix-neuvième siècle
Bleu de Prusse
Bleu de Cobalt
Outremer français
Bleu céruléen
Vert lilas
Vert émeraude
Vert émeraude Vert
Vierge
Oxyde vert
Vert de cobalt
Blanc de zinc
Rose mauve
Cramoisi d’Alizarine
Jaune de Cadmium
Jaune de Chrome
Oréolin Jaune de chrome
Oréolin
Jaune de zinc
Jaune de strontium
Jaune citron
Jaune indien
Brun égyptien
Ashfalt

Qu’est-ce qu’un pigment?

Les pigments et les colorants &ndash ; sont les ingrédients qui donnent de la couleur à la peinture. Le mot «coloration» est couramment utilisé pour désigner à la fois les colorants et les pigments. La principale différence entre les pigments et les colorants &ndash ; la solubilité (leur capacité à se dissoudre dans l’eau). Alors qu’un colorant est ou peut être une substance soluble, un pigment est constitué de particules solides insolubles. Les pigments doivent donc être réduits en poudre fine, puis mélangés très soigneusement à un liquide porteur, tel que de l’huile ou de l’eau, avant d’être appliqués. Les pigments peuvent être produits à partir de colorants par un procédé spécial.

Quelles sont les principales sources de pigments?

La plupart des couleurs et des pigments sont dérivés de métaux (minerais ou composés métalliques) ou de plantes, bien que certains soient fabriqués à partir de produits animaux ou de poissons et de bois ou d’os calcinés.

Pigments artistiques dérivés de métaux
Les couleurs à base de métaux comprennent des pigments tels que : Le cadmium (par exemple le jaune de cadmium, le rouge de cadmium), le chrome (par exemple le jaune de chrome, le vert de chrome), le cobalt (par exemple le bleu de cobalt, le bleu céruléen, l’auréoline, le violet de cobalt), le cuivre (par exemple le pourpre de Khan, le bleu égyptien, le vert-de-gris, le viridien), le plomb (par exemple le blanc de plomb, le jaune de Naples, le plomb rouge), le mercure (par exemple le vermillon) ; Titane (par ex. blanc de titane, jaune de titane) ; Zinc (par ex. blanc de zinc) ; Lapis Lazuli (par ex. outremer) ; Oxyde de fer (par ex. ocre rouge, sanguine, caput mortuum, rouge vénitien, sinopia, rouge turc, rouge pompéien et rouge persan) ; Argiles colorées (par ex. ocre jaune, terre de Sienne brute, terre de Sienne brûlée, terre d’Umbre brute, terre d’Umbre brûlée).

Pigments et colorants d’art dérivés de plantes
Les pigments naturels à base de plantes (dont la plupart sont aujourd’hui obsolètes) comprennent : Le bleu de bleuet (pigment pour aquarelle du XVIIIe siècle obtenu à partir de pétales de bleuet) ; le sang de dragon (couleur résineuse rouge rubis obtenue à partir de l’arbre Calamus draco) ; le fustic (colorant jaunâtre obtenu à partir de la plante Chlorophona tinctoria) ; Gamboj (résine jaune de Thaïlande) ; Indigo (de la famille des Indigofera) ; Logwood (pigment sombre d’un arbre d’Amérique du Sud) ; Marena (couleur rougeâtre de la plante marena) ; Pink (jaune obtenu à partir d’un mélange de baies d’argousier non mûres) ; Quercitron jaune (de l’écorce du chêne noir américain quercitron) ; Pigment de carthame (une laque rouge connue sous le nom de Carpham, créée à partir des fleurs de la plante carthame) ; Safran (couleur jaune d’une plante indienne) ; Sève verte (de baies d’argousier non mûres) ; Turnsole (couleur pourpre ou bleue provenant de l’héliotrope de la famille des bourraches) ; Veld (jaune, d’origine végétale) ; Woad (bleu ou indigo, dérivé de l’herbe vajda ou du woad rougeâtre de la famille des moutardes).

Pigments artistiques dérivés de produits animaux ou de poissons
Tous ces pigments sont aujourd’hui obsolètes (il existe des analogues synthétisés) : Le carmin cramoisi, issu de l’insecte femelle koshenili ; Le jaune foncé du calcul biliaire du bœuf ; Le jaune indien, produit à partir de l’urine de bovins mangeant des feuilles de manguier ; Le sépia, colorant noir issu des sacs d’encre des seiches. Pourpre de Tyr, pigment cramoisi obtenu à partir de coquillages.

Pigments artistiques à base de bois ou d’os calcinés
Tous ces pigments sont aujourd’hui obsolètes ; ils comprennent : Le bistre, couleur brune obtenue en brûlant du bois de hêtre ; Le blanc d’os, à partir d’os réduits en cendres blanches ; Le charbon technique, à partir de charbon de bois ou d’os calcinés ; Le noir brûlé, à partir d’ivoire brûlé ; Le noir de raisin, à partir de vignes calcinées ; La suie de lampe, à partir de la suie des lampes à huile.

Histoire des pigments

La peinture en couleur à l’âge de pierre
Dans les célèbres peintures rupestres préhistoriques de Chauvet, Lascaux et Altamira, les artistes de l’âge de pierre ont utilisé des pigments terrestres de base tels que l’ocre argileux, le jaune, le brun et diverses nuances de rouge, ainsi que le charbon de bois. (Pour plus de détails, voir : Palette de couleurs préhistoriques .)

La peinture en couleur en Égypte
Cette palette de couleurs rudimentaire mais efficace a été étendue au début de l’Antiquité par les artistes égyptiens qui ont décoré leurs temples et leurs tombes avec des fresques et des panneaux qui incorporaient de nouvelles couleurs de peinture telles que : la fritte bleue égyptienne, le riche pigment jaune citron Orpiment, le rouge, le realgar orange, la malachite verte et sa variante bleue, l’azurite. Les couleurs blanches étaient obtenues à partir de gypse et de craie. (Pour plus de détails, voir : Palette de couleurs égyptiennes .)

La peinture en couleur dans la Grèce et la Rome antiques
À partir de la peinture grecque antique (vers 650 av. J.-C.), la gamme de couleurs pour les panneaux et les fresques est très large. Les techniques de la peinture grecque étaient la détrempe et la fresque ; sur bois et sur marbre &ndash ; l’encaustique et la détrempe &ndash ; un procédé dans lequel les couleurs étaient mélangées à de la cire, appliquées sur une surface et ensuite «brûlées dans». Aux pigments utilisés dans l’Égypte ancienne, les artistes grecs ont ajouté de nouvelles couleurs rouges telles que le gummiarabique «, le sang de dragon» et le cinabre. Les nouvelles couleurs violettes sont l’indigo, la marena et la pourpre tyrrhinienne, et les nouveaux verts sont le vert-de-gris et la terre verte. Le jaune massico et le jaune napolitain sont les deux nouvelles couleurs jaunes. (Pour plus de détails, voir La palette de couleurs classique .)

La peinture en couleurs à la Renaissance
La peinture de la Renaissance a été transformée par le développement de la peinture à l’huile. Ce nouveau support rendait les couleurs particulièrement belles et ajoutait une nouvelle dimension de réalité aux œuvres figuratives, en particulier aux portraits. Il n’est pas surprenant que cela ait stimulé la découverte et l’utilisation de nombreuses nouvelles teintes. Parmi celles-ci figurent les pigments rouges Carmin (Amérique), Red Lac (Inde) et le nouveau rouge Vermillon, ainsi que le magnifique bleu foncé Ultramarine et les jaunes Gamboge et Blanc de plomb. (Pour plus de détails, voir : Palette de couleurs de la Renaissance .)

Traditions académiques de la peinture en couleurs
Plusieurs principes importants des beaux-arts ont été établis par l’art de la Renaissance . Ces principes consistent en des conventions relatives à tous les aspects de la création d’images, y compris le sujet, la composition, la ligne et la couleur. La couleur ) colorito) était considérée comme secondaire par rapport à la construction générale ) Disegno), comme le montre le fait que les étudiants des académies d’art ou les compagnons passaient la majeure partie de leur temps de formation à dessiner, et apprenaient l’art de mélanger les pigments et de colorer à un stade beaucoup plus tardif. Mais voir aussi : Titien et la peinture vénitienne en couleurs (vers 1500-76) et «L’héritage de la peinture vénitienne» .

Voici un exemple de liste de peintures d’un fournisseur moderne de peintures AZ (REMBRANDT).

Asphalte
Aureolin
Bronze
Ocre brun
Carmin brûlé
Sienne brûlée
Ombre brûlée
Jaune citron
Orange cadmium
Rouge cadmium foncé
Rouge cadmium foncé
Rouge cadmium foncé
Rouge cadmium foncé
Rouge cadmium foncé
Rouge cadmium foncé
Rouge cadmium foncé

Rouge Cadmium clair
Rouge Cadmium moyen
Rouge Cadmium pourpre
Jaune Cadmium foncé
Jaune Cadmium moyen
Jaune Cadmium pourpre «Caput Mortum»
Carmin
Bleu céruléen Bleu céruléen
Chrome
Vert vermillon foncé
Vert vermillon clair
Vert vermillon moyen
Bleu cobalt foncé
Bleu cobalt clair
Bleu cobalt Bleu outremer
Vert cobalt
Bleu turquoise cobalt
Vert turquoise cobalt
Violet cobalt
Gris froid
Cuivre
Or profond
Vert émeraude Vert émeraude
Ocre doré
Terre verte
Ombre «Indantrine» Bleu
Rouge indien
Indigo
Noir ivoire
Royal Bleu
Suie de lampe
Or clair
Bleu manganèse Phthalo
Blanc mixte
Jaune napolitain foncé
Jaune napolitain vert
Jaune napolitain vert
Vert
Jaune napolitain clair
Jaune napolitain rouge
Jaune nickel-titane foncé
Jaune nickel-titane clair Vert olive
Ocre orange
Noir oxyde
Gris Paynes
Blanc nacré
Etain
Etain
Bleu- Vert
Bleu-Rouge
Vert-Bleu
Vert-Bleu
Vert-Jaune
Turquoise
Bleu de Berlin
Rose Quinacridon
Sienne pure
Ombre
Brun Sépia
Écarlate
Sépia
Bleu de Sèvres
Vert de Sèvres
Steele- dé-grain jaune
Steele dé- brun
Blanc titane (lin)
Blanc titane
Bleu turquoise
Outremer foncé
Vert outremer
Outremer clair
Clair
Violet Outremer
Brun Van Dyke
Rouge Vénitien
Vermillon
Viridium
Gris chaud
Jaune
Ocre jaune
clair Ocre jaune
Blanc de zinc Lin
Blanc de zinc.

La peinture en couleur aux XVIIe et XVIIIe siècles

Après la Renaissance, cette approche des arts visuels est adoptée par toutes les grandes académies européennes et se solidifie dans le style connu sous le nom d’art académique. La peinture ne faisait même pas partie du programme de la plupart des académies &ndash ; les étudiants devaient apprendre le dessin dans l’atelier du professeur, &ndash ; et la couleur continuait à jouer un rôle secondaire, comme un élément auxiliaire. Ainsi, à l’époque baroque , Rubens était critiqué pour son utilisation dramatique des pigments, tandis que Nicola Poussin était vénéré comme l’exemple d’un colorisme plus équilibré. Environ un siècle plus tard, le même débat s’est engagé sur les pratiques colorées appropriées du peintre romantique Delacroix par rapport au peintre plus sobre Jean Auguste Dominique Engrais. L’un des principes cardinaux de la peinture académique concernait les postulats d’une palette naturaliste : les couleurs devaient refléter les couleurs naturelles trouvées dans la nature, ainsi l’herbe était verte, la mer était bleue et la peau était de couleur chair. Ces principes ont perduré jusqu’au XIXe siècle, époque à laquelle une révolution s’est produite dans l’industrie de la peinture et du vernis. Aucune nouvelle couleur majeure n’a été découverte au 17e siècle, mais le 18e siècle a vu l’introduction du bleu de Prusse, ainsi que de plusieurs nouvelles couleurs de cobalt et de chrome. (Pour plus de détails, voir : Palette de couleurs du XVIIIe siècle).

Le dix-neuvième siècle : l’impressionnisme et les autres écoles

Le dix-neuvième siècle &ndash ; essentiellement le début de l’art moderne &ndash ; est une période d’énormes changements pour les peintres à l’huile et les aquarellistes. De nouveaux pigments apparaissent tous les deux ou trois ans. Le bleu de cobalt apparaît en premier, puis l’oxyde vert de chrome, suivi du jaune d’Inde, du jaune de cadmium, du bleu céruléen, de l’outremer synthétique bon marché, du blanc de zinc, du mauve rose, de l’auréoline, de la viridine et du violet de cobalt. Les artistes du dix-neuvième siècle disposent désormais de moyens moins coûteux, plus pratiques et plus fiables pour peindre en couleur. Les fauves et les expressionnistes allemands ont pleinement profité de ces avancées techniques en matière de pigmentation pour produire une explosion culturelle dans l’industrie de la peinture en couleur. (Pour plus de détails, voir : La palette de couleurs du XIXe siècle .)

La révolution impressionniste

Les peintres impressionnistes ont révolutionné la théorie et la pratique de la peinture en couleur en insistant sur la capture «de l’instant fugace» : l’état exact de la lumière et de la couleur qu’ils percevaient lorsqu’ils peignaient en plein air sur le vif. Ainsi, par exemple, si dans cet instant fugace un tronc d’arbre &ndash ; qui est «naturellement» brun &ndash ; apparaît rouge dans la lumière du soleil couchant, les impressionnistes (tels que Monet, Renoir, Pissarro et Sisley) le peignent en rouge. En fait, il pouvait être de plusieurs teintes différentes, selon l’effet de la lumière, et était coloré en conséquence. L’approche de la couleur «peindre ce que l’on voit», présente dans la plupart des peintures impressionnistes, a brisé les conventions de l’époque et ouvert la porte à d’autres expérimentations dans des écoles d’art telles que le néo-impressionnisme (avec sa technique du pointillisme) pratiquée par Georges Seurat et Paul Signac.

Expressionnisme

L’impressionnisme incarnait l’ultime «copie de la nature». Mais après deux décennies de copie servile, les artistes progressistes se sont révoltés. Fatigués de simplement «peindre ce qu’ils voyaient», ils ont ajouté plus de subjectivité à leurs peintures dans un style commun connu sous le nom d’ expressionnisme . Les pionniers du mouvement expressionniste deviennent fauves en 1905 et, en deux ans, le fauvisme est très populaire à Paris : tout le monde l’essaie, même Georges Braque. Son influence s’est étendue à l’Allemagne, provoquant une explosion de l’expressionnisme allemand, mené par des groupes artistiques progressistes tels que Der Blaue Reiter et Die Brucke. Elle s’est également répandue en Grande-Bretagne, où elle a influencé les coloristes écossais et d’autres pays. Pour plus d’informations, voir : Histoire de l’expressionnisme . Pour les artistes participants, voir : Artistes expressionnistes .

Note : L’orientation russe du colorisme au XXe siècle est particulièrement évidente dans les magnifiques décors de théâtre créés pour Sergei Diaghilev et ses «Ballets russes» par des concepteurs tels que Leon Bakst (1866-1924) et Alexandre Benois (1870-1960).

Expressionnisme abstrait et Colour Field Painting

L’expérimentation de la couleur est réapparue immédiatement après la Seconde Guerre mondiale en Amérique, lorsque des artistes européens émigrés (par exemple Arshile Gorki, Josef Albers, Mark Rothko et d’autres) se sont mélangés à des locaux tels que Clifford Still et Barnett Newman pour créer un style d’ Expressionnisme abstrait, connu sous le nom de colour field painting . Il s’agit généralement d’immenses toiles avec de grandes surfaces de couleur, conçues pour «envelopper» le spectateur et susciter une réaction émotionnelle. Voir, par exemple, les peintures de Mark Rothko (1938-1970). Le pigment est désormais «l’élément clé» de la toile : c’est l’apogée de la peinture en couleur. Et bien que le mouvement ait failli s’effondrer au début des années 1960, la couleur continue de conserver son statut d’indépendance.

L’influence de la technologie de production sur la peinture en couleur

Les nouvelles couleurs

L’apogée de l’impressionnisme coïncide avec l’invention du tube de peinture en étain pliable en 1841 par l’artiste américain John Rand, qui permet de disposer d’un plus grand nombre de couleurs pré-mélangées dans un support pratique. En outre, des fabricants de peinture tels que Sherwin-Williams ont commencé à essayer de mettre au point une formule qui maintiendrait les fines particules de peinture en suspension dans l’huile de lin. En 1880, après plus d’une décennie de recherche chimique, l’entreprise a mis au point une formule qui surpassait de loin la qualité des peintures à l’huile disponibles à l’époque. Depuis lors, les fabricants de peinture d’art ont produit une gamme toujours plus étendue de peintures à l’huile prémélangées, éliminant pratiquement le besoin de pigments faits à la main tout en révolutionnant la pratique de la peinture à l’huile.

En outre, l’avènement de la peinture acrylique dans les années 1940 (développée à l’origine par le chimiste allemand Dr Otto Röhm) a offert aux artistes une alternative encore plus pratique aux peintures à l’huile à séchage lent. Ainsi, les progrès techniques dans la production de pigments à base d’huile, et maintenant de pigments à base d’acrylique, ont eu (et continuent d’avoir) un impact majeur sur la théorie et la pratique de la peinture en couleur.

Nouveaux colorants synthétiques

L’invention en laboratoire de pigments synthétiques pour remplacer les peintures plus coûteuses à base de colorants organiques ou d’autres colorants naturels a également eu un impact énorme sur la production de couleurs et donc sur les beaux-arts. L’un des premiers pigments synthétiques modernes, découvert par hasard en 1704, est le bleu de Prusse . De nombreux autres pigments naturels ont été synthétisés avec succès par des chimistes, notamment la terre de sienne brute, la terre d’ombre brute, la terre de sienne brûlée et la terre d’ombre brûlée . Au début du 19e siècle, d’autres pigments bleus synthétiques ont été créés, notamment le bleu outremer français, une forme artificielle de lapis-lazuli, et des versions de laboratoire du bleu de cobalt et du bleu céruléen . Au début du 20e siècle, les chimistes organiques ont créé le bleu de phtalos, un pigment synthétique doté d’un énorme pouvoir colorant . À la fin du XIXe siècle, grâce aux chimistes organiciens et aux fabricants de peinture, une large gamme de couleurs de peinture à l’huile, telles que le rouge, le cramoisi, le bleu et le violet, est devenue disponible dans différents formats. En outre, comme de nombreux pigments étaient désormais produits en laboratoire à partir de composants chimiques, il devenait possible d’atteindre des normes de qualité et d’uniformité beaucoup plus élevées &ndash ; en ce qui concerne la composition et la solidité des couleurs. C’est ainsi qu’en 1905, les chimistes ont pu mettre au point le système de couleurs de Mansell, un système de mesure qui a servi de base à une série de modèles de couleurs. Ce système classait notamment les couleurs en fonction de leur teinte, de leur valeur (luminosité) et de leur saturation (pureté de la couleur).

Nouveaux systèmes de couleurs standard

L’un des développements majeurs de la peinture en couleur au cours du 20e siècle a été la création d’un certain nombre de systèmes de couleurs destinés à classer et à normaliser les propriétés des pigments, afin d’améliorer la production et l’uniformité du marquage. Les principaux systèmes sont les suivants :

Système de l’American Society for Testing and Materials (ASTM)
L’ASTM &ndash ; est l’organisation principalement responsable de l’établissement de normes minimales pour les tests et la qualité des matériaux des peintres, en particulier en ce qui concerne le marquage des produits de peinture. Publiées pour la première fois en 1984, ces normes constituent la seule garantie, au-delà des avertissements sanitaires prescrits par les autorités fédérales et nationales, que (par exemple) les peintures acryliques et à l’huile sont correctement étiquetées.

Color Index
Publié pour la première fois en 1925 par la Society of Dyers and Colourists of Great Britain et aujourd’hui administré conjointement avec l’American Association of Textile Chemists and Colourists, le Color Index est l’index officiel de tous les colorants disponibles dans le commerce. Regroupée par couleur, chaque nuance se voit attribuer un nom commun CI (colour index), un numéro et une liste de noms communs associés au colorant ou au pigment. La plus grande valeur de ce système est qu’il offre un moyen standardisé et fiable de savoir exactement quels sont les pigments contenus dans un colorant.

Colorimétrie et mesure des couleurs
Bien que le Colour Index soit très utile, il se concentre sur le catalogage des pigments disponibles dans le commerce. Il ne classifie pas les couleurs d’une manière purement scientifique. À cette fin, les experts se sont tournés vers la science de la colorimétrie, un domaine qui s’intéresse à la mesure quantitative de la couleur en général, et deux modèles principaux &ndash ; Munsell et CIE Lab, et deux systèmes alternatifs &ndash ; CMYK et RGB, qui sont largement utilisés dans l’industrie de l’imprimerie, ont vu le jour.

Munsell
Créé par l’artiste et éducateur américain Albert Munsell en 1905, le système de couleurs Munsell était une première tentative de classer les couleurs dans un ordre logique. Il était basé sur trois attributs : la teinte ou la qualité qui distingue une couleur d’une autre.

CIE LAB
En 1976, la Commission internationale de l’éclairage (CIE), l’organisation qui promulgue les normes officielles pour la mesure scientifique de la couleur, a développé un modèle, connu sous le nom de CIE Lab, pour décrire uniformément toutes les couleurs perçues.

RVB et CMJN
Ces systèmes couvrent la classification des couleurs et des pigments affichés sur les écrans, les télévisions, les imprimantes, les scanners, les appareils photo numériques et les téléphones portables. Tous ces systèmes fonctionnent très différemment des systèmes CIE Lab et Munsell. Dans ces derniers, un ensemble de variables bien définies définit une couleur unique. En comparaison, les valeurs RVB et CMJN sont destinées à décrire les relations entre des données généralisées : les couleurs primaires additives dans le cas du RVB ou les couleurs primaires soustractives pour les encres d’imprimerie dans le cas du CMJN. En d’autres termes, ces systèmes fournissent une recette pour mélanger une couleur plutôt qu’une définition de celle-ci.

Pantone®
Le troisième système utilisé en imprimerie est le système Pantone. Ce système de correspondance des couleurs (PMS) permet aux imprimeurs de reproduire fidèlement toutes les teintes d’encre connues.

Les plus grands coloristes en peinture

Avant d’énumérer quelques-uns des plus célèbres représentants de l’art coloré, il est important de se rappeler que (comme décrit ci-dessus) quelques 1400 à 1800 artistes ont été sévèrement limités dans leur utilisation de la couleur en raison des théories académiques dominantes en matière de beaux-arts. La couleur était un élément intégral mais complémentaire dans le processus de création des peintures, et les artistes étaient contraints d’être extrêmement précis dans le choix et l’utilisation des pigments. Ainsi, les plus grands coloristes étaient ceux dont la palette reflétait et soulignait l’atmosphère exacte de leur tableau, plutôt que ceux qui utilisaient les pigments les plus vifs. Ce n’est que plus tard, au XIXe siècle, que les artistes se sont sentis libres de traiter la couleur comme une forme d’expression indépendante et de lui donner la signification qu’elle mérite. Les coloristes modernes se caractérisent donc par une plus grande liberté dans ce domaine.

Coloristes de la Renaissance

- Jan van Eyck (1390-1441).
L’un des pionniers de la peinture à l’huile. Son travail unique de la couleur est illustré par son puissant «Portrait d’un homme au turban rouge» (1433, huile sur bois, National Gallery, Londres) exécuté avec une fine couche de pigment transparent.

- Raphaël (1483-1520)
est considéré comme le plus grand artiste de la Haute Renaissance. Un exemple de son œuvre en couleur est Madonna della Sedia (1512-14, huile sur panneau, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Florence), le plus grand exemple de madones de la Renaissance.

- Titien (v. 1477-1576)
. Le plus célèbre représentant de l’école de peinture vénitienne . La maîtrise des couleurs de Titien peut être appréciée, par exemple, dans le tableau «L’Assomption de la Vierge» (1516-1818, huile sur panneau, Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venise). Les couleurs vives, la lumière dorée et les figures gestuelles firent sensation lors de l’inauguration du tableau en 1518.

- Jacopo Tintoretto (1518-1594)
autre éminent peintre vénitien, son œuvre «Saint Marc libérant un esclave» (1547-8, huile, toile, Galleria dell’Accademia, Venise) démontre l’incomparable palette médiane de Tintoret, incorporant de belles teintes roses, brunes, ocres et rouges.

- Paolo Veronese (1528-1588).
Ses chefs-d’œuvre sont sans doute plus importants que ceux du Titien. Ses meilleures œuvres sont les peintures monumentales ««Noces de Cana» (1562-1515, Louvre, Paris) et «Festin à la maison de Lévi» (1573, Académie de Venise) aux couleurs lumineuses.

Les coloristes du XVIIe siècle

- Pierre Paul Rubens (1577-1640)
Le colorisme de ce grand peintre de la Contre-Réforme est bien illustré par les tableaux «Déposition de croix» (Rubens) (1612-14, huile sur panneau, Anvers) et «Samson et Dalila» (1609, huile sur bois, National Gallery, Londres), avec leurs riches manteaux et draperies rouges.

- Jan Vermeer (1632-1675)
Le plus célèbre des réalistes hollandais, avec Rembrandt. Les couleurs de Vermeer sont représentées par des bleus froids et des blancs sensuels «Jeune fille à la boucle d’oreille perlée» (vers 1600, toile, huile, musée Mauritshuis, musée de La Haye) et «Dame assise auprès d’une vierge» (1632, toile, huile, National Gallery, Londres), contrastant fortement avec les riches couleurs vermillon et écarlate «Jeune fille au chapeau rouge» (1671-2, huile sur panneau, National Gallery, Washington, D.C.)

Coloristes du XVIIIe siècle

- Giambattista Tiepolo (1696-1770)
L’œuvre coloriste du plus grand fresquiste de la post-Renaissance est magnifiquement illustrée par ses Fresques du palais de Würzburg (1750-3). Leurs couleurs pâles et transparentes ajoutent à la luminosité du ciel et à l’optique générale.

Les coloristes du XIXe siècle

- Eugène Delacroix (1798-1863)
Grand admirateur des coloristes vénitiens tels que Titien et Paolo Véronèse, ainsi que du maître baroque Rubens, Delacroix est influencé par des artistes anglais tels que Turner, Constable et Richard Parkes Bonnington. Parmi ses grandes œuvres de coloriste figure La mort de Sardanapale (1827, Louvre, Paris).

- Les préraphaélites (1848-60).
Plusieurs membres de la confrérie préraphaélite anglaise étaient des maîtres de la couleur, notamment Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) et Ford Madox Brown (1821-1893).

- Claude Monet (1840-1926)
Le colorisme de Monet est le mieux illustré par ses peintures d’une taille inhabituelle d’un étang de nénuphars à Giverny, telles que Pont japonais à Giverny (1918-24, toile, huile, Musée Marmottan, Paris), un précurseur du mouvement expressionniste abstrait qui suivra. Voir aussi l’œuvre du coloriste irlandais Roderick O’Conor .

- Vittore Grubisi de Dragon (1851-1920)
Peintre, écrivain et marchand d’art largement responsable du mouvement de la Division italienne, une forme de néo-impressionnisme et de pointillisme français.

- Georges Seurat (1859-1891)
Son application de la théorie pointilliste des couleurs est illustrée dans son célèbre chef-d’œuvre «L’après-midi sur la Grande Jatte» (1884-1896, toile, huile, Art Institute of Chicago). Les travaux de Seurat sur le divisionnisme et le chromoluminarisme ont été largement développés par Paul Signac (1863-1935).

- Emil Nolde (1867-1956)
Membre du groupe expressionniste Die Brucke . Les œuvres de Nolde sont pleines d’exemples de sa peinture coloriste. Des exemples remarquables sont «Vol matinal» (1950, Fondation Nolde) avec ses teintes bleues et vertes et «Nature morte avec danseuses» (1914, toile, huile, Musée d’art moderne, Paris) avec son symbolisme primitif rouge et jaune .

- Paul Gauguin (1848-1903)
Pour Gauguin, la couleur a une signification symbolique et émotionnelle, comme dans «Vision après un sermon» (1888, National Gallery of Scotland) ou «D’où venons-nous? Qui sommes-nous, où allons-nous?» (1897, toile, huile, Museum of Fine Arts, Boston). Son utilisation de zones homogènes de couleur pure est connue sous le nom de Synthétisme, tandis que ses disciples de l’école de Pont-Aven (Louis Anquetin et Emile Bernard) ont développé l’utilisation de contours lourds remplis de couleur pure, comme dans l’émail médiéval, &ndash ; un style connu sous le nom de Cloisonnisme (cloisonné) .

- Vincent Van Gogh (1853-1890)
La palette vive de la puissante Champ de blé avec corbeaux (1890, toile, huile, Musée Van Gogh, Amsterdam) avec son «champ de blé flamboyant» et ses corbeaux noirs menaçants illustre parfaitement son utilisation de la couleur pour exprimer ses sentiments émotionnels personnels.

- Gustav Klimt (1862-1918)
Le chef-d’œuvre décoratif de Klimt «Le Baiser» (1907-8, huile et or, toile, Osterreichische Galerie, Vienne) incarne le style artistique byzantin du maître de la Sécession viennoise avec son utilisation de couleurs chatoyantes et de métaux précieux.

- Pierre Bonnard (1867-1947),
membre fondateur des Nabis, il &ndash ; avec Édouard Vuillard &ndash ; était également connu pour ses scènes de genre domestiques (intimisme), bien que ses peintures soient plus riches et plus colorées. En général, ses œuvres colorées dégagent un sentiment de chaleur et de bien-être. Voir en particulier ses œuvres de la fin du XXe siècle telles que «Blouse verte» (1919, Metropolitan Museum of Art), et «Terrasse à Vernon» (1939, Metropolitan Museum of Art).

Les coloristes du XXe siècle

- Wassily Kandinsky (1844-1944)
Combine la saturation des couleurs du fauvisme avec des éléments de l’art populaire russe. Fondateur du groupe expressionniste Der Blaue Reiter, ses œuvres telles que «Composition n° 7» (1913) utilisent un choc de couleurs contrastées, tandis que «Deux peupliers» (1913, Art Institute of Chicago) utilisent la couleur pour dépeindre un paysage à forte connotation émotionnelle.

- Alexei von Jawlensky (1864-1941)
Cet expressionniste russe, fortement influencé par Matisse, utilise des pigments vifs et audacieux pour exprimer son tempérament passionné et son introspection mélancolique. Son colorisme est magnifiquement illustré dans «Tête» (1910, toile sur carton, huile, Museum of Modern Art, New York) et «Tête de femme» (1911, carton, huile, National Gallery of Modern Art).

- Henri Matisse (1869-1954),
chef de file du fauvisme et peintre qui a consacré sa vie à l’étude de la couleur, son approche est bien illustrée par Luxe, Calme et Volupté («Luxe, Calme et Volupté», 1904, toile, huile, Orsay, Paris) et ses Capucines et «Danse» (1912, Metropolitan Museum of Art), ainsi que le contrasté Nu bleu III (1952-1953, papier, gouache, Musée d’Art Moderne, Paris). Autres coloristes fauves notables &ndash ; André Doeren (1880-1954) et son ami Maurice de Vlaminck (1876-1958).

Parmi les autres coloristes du début du 20e siècle : Robert Delaunay (1885-1941), fondateur de l’orphisme, les peintres russes d’avant-garde Mikhaïl Larionov (1881-1964) et Gontcharova (1881-1962), qui ont découvert le luchisme, et Morgan Russell (1886-1953) et Stanton MacDonald-Wright (1890-1973), qui ont inventé le synchromisme .

- Georges Rouault (1871-1958)
Grand peintre expressionniste et religieux français, connu pour les couleurs vives et éclatantes de ses peintures à l’huile, à la gouache et à l’aquarelle.

- Raoul Dufy (1877-1953)
Peintre impressionniste et fauve du Havre, connu pour ses dessins calligraphiques aux couleurs vives.

- Mark Rothko (1903-1970)
L’un des principaux représentants de la peinture expressionniste abstraite . Les immenses toiles abstraites de Rothko se caractérisent par des formes simples aux bords doux remplis de couleurs, comme dans la peinture «Sans titre : violet, noir, orange, jaune sur blanc et rouge» (1949, toile, huile, musée Guggenheim, New York).

- Nicolas de Staël (1914-1955)
Peintre russo-français qui, pendant un bref moment, est devenu l’un des grands artistes abstractionnistes de l’École de Paris au début des années 1950. Connu pour son abstraction lyrique et ses paysages complexes.

- Patrick Heron (1920-1999)
Peintre abstractionniste-expressionniste anglais influencé par Matisse et Braque et associé à l’abstraction lyrique et à l’école de St Ives.

- Yves Klein (1928-1962)
Artiste postmoderne français qui a produit un certain nombre de peintures monochromes en utilisant son pigment coloré breveté International Klein Blue (IKB). Voir aussi L’art postmoderne d’Yves Klein (1956-62).

Couleurs primaires (et pigments)

Le blanc

Le blanc &ndash ; est un mélange équilibré de toutes les couleurs du spectre visible de la lumière, ou une combinaison de deux couleurs complémentaires, ou de trois couleurs ou plus, comme les couleurs primaires complémentaires. Il est neutre ou achromatique (sans couleur), comme le noir et le gris. Elle est ajoutée aux pigments pour créer des tons plus pâles ou plus clairs.

Les nuances de blanc comprennent la crème, l’ivoire, le magnolia, la dentelle ancienne, le coquillage. Les pigments blancs pour cette couleur sont : le blanc de bismuth, le blanc d’os, la céruse, la craie, le blanc de Chine, le blanc de silicium, le blanc pailleté, le blanc d’étain et le blanc de titane.

Rouge

Rouge (mot anglais dérivé du vieil anglais «Read» et de la racine indo-européenne «reudh») &ndash ; l’une des couleurs primaires complémentaires de la lumière, complémentaire du cyan, dans le système de couleurs RVB (rouge, vert, bleu). En outre, le rouge est l’une des couleurs primaires soustractives de l’espace colorimétrique RYB (rouge, jaune, bleu).

Les pigments rouges comprennent : le cramoisi d’alizarine, le rouge de cadmium, le carmin, le cinnibar, le folium, le rouge indien, le kermès, les rouges clairs (rouge anglais, rouge de Prusse, colcothar et rouge persan), le mirène, le minium, le carthame, le sinopia, le terra pozzuoli et le vermillon. Les nuances de rouge comprennent : alizarine, amarante, bordeaux, cardinal, carmin, cornaline, cerise, cramoisi, rouge feu, fuchsia, pourpre, marron, rouge orangé, kaki, rubis, rouille, écarlate, terre cuite, rouge vénitien, cinabre.

Rose

Le rose &ndash ; est une nuance pâle de rouge, obtenue par addition de blanc. Le mot a été utilisé pour la première fois à la fin du XVIIe siècle pour décrire les plantes à fleurs. Les nuances de rose comprennent l’amarante, le rose vif, le carmin, l’œillet, la cerise, le rose cerise, le corail, le carmin profond, le rose français, le rose fuchsia, le magenta vif, le rose vif, le rose lavande, le magenta, le rose persan, la pousse, le rose, le saumon, le rose choquant.

Orange

L’orange se situe à mi-chemin entre le rouge et le jaune dans l’espace colorimétrique RVB et fait partie des couleurs tertiaires dans l’échelle des couleurs HSV. La couleur est nommée d’après le fruit qui a été introduit pour la première fois en Europe sous le nom de «naranja». Le mot «orange» a été utilisé pour la première fois comme désignation de couleur en 1512. Auparavant, la couleur était simplement appelée jaune-rouge. Les nuances d’orange comprennent : l’ambre, l’abricot, l’orange brûlé, la carotte, la pêche, la mandarine, l’orange Portland, la citrouille, la mandarine.

Marron

La couleur tertiaire brune se réfère à des nuances de jaune foncé, d’orange ou de rougeâtre. Le pigment brun peut être obtenu en ajoutant du noir ou ses couleurs complémentaires au rose, au rouge, à l’orange ou au jaune. La première utilisation enregistrée du brun comme désignation de couleur remonte à environ 1000 ans après J.-C.

Brun Les pigments comprennent l’asphalte (bitume), le bistre, le mumie (brun égyptien), la sépia, la terre de Sienne, la terre d’ombre et le brun de Van Dyck. Les nuances de brun comprennent : châtaigne, beige, bistre, bole, bronze, sienne brûlée, terre d’ombre brûlée, chocolat, cuivre, kaki, foie, acajou, ocre, olive, brun rougeâtre, rouille, brun sable, sépia, terre de sienne, tan, gris-brun.

Jaune

Jaune (le mot anglais yellow est dérivé du vieil anglais «geolu» ou «geolve») &ndash ; l’une des principales teintes soustractives. Sa couleur complémentaire traditionnelle RYB &ndash ; le pourpre, le violet ou l’indigo ; sa couleur complémentaire dans les systèmes de couleurs RGB et CMYK &ndash ; le bleu.

Les pigments jaunes comprennent : l’auréoline, l’aurore jaune, le cadmium jaune, le chrome jaune, le fustic, le galet, la gamboge, l’or, le jaune indien, le massico, le jaune napolitain, l’orpiment, le quercitron jaune, le safran, le jaune de Turner, le turpet minéral et l’ocre jaune. Les nuances de jaune comprennent : ambre, abricot, beige, crème, lin, Gamboge, jaune d’or, citron, or métallique, moutarde, Papaye, jaune pêche, jaune mandarine.

Gris

Le terme gris, apparu pour la première fois en Angleterre vers 700 après J.-C., désigne les nuances et les demi-teintes du noir au blanc. Ces couleurs à faible saturation sont appelées couleurs achromatiques ou neutres.

Les pigments gris comprennent le gris de Davy, les teintes neutres (noir, bleu de vinor et cramoisi d’alizarine) et le gris de Payne. Les nuances de gris comprennent : Arsenic, Bistre, Fusain, Gris de Davy, Feldgrau, Gris de Payne et Ardoise argentée.

Vert

Dans le système soustractif, le vert &ndash ; est une couleur secondaire, dérivée de la combinaison du jaune et du bleu ou du jaune et du bleu. Mais il reste l’une des couleurs primaires secondaires. Sur le cercle chromatique HSV, sa couleur complémentaire est &ndash ; magenta &ndash ; une teinte violette avec un mélange égal de lumière rouge et bleue. Sur le cercle chromatique RYB, sa couleur complémentaire est &ndash ; rouge. Le mot anglais «green» est dérivé du vieil anglais «grene» ou «groeni», mots proches du vieil anglais «growan» signifiant «croître».

Pigments verts : émeraude (vert de Schweinfurt, vert de Scheele), vert de Hooker, malachite, oxyde de chrome, sève verte, terre verte, vert-de-gris et viridienne. Nuances de vert : vert armée, vert asperge, vert vif, vert anglais, céladon, émeraude, fougère, grenouille, jade, tilleul, vert mousse, vert olive, vert pin, vert trèfle, viridienne.

Bleu

Peut désigner différentes couleurs dans la partie bleu-vert du spectre. Parfois appelé vert turquoise ou bleu-vert, et anciennement appelé «bleu cyan». Les couleurs similaires comprennent le «cyan», le «turquoise» et le «aigue-marine».

Bleu

Le bleu (anglais blue - dérivé du mot français «bleu») est considéré comme l’une des couleurs primaires supplémentaires. Sur le cercle chromatique HSV, sa couleur complémentaire est le jaune. Sur le cercle chromatique basé sur la théorie traditionnelle des couleurs (RYB), sa couleur complémentaire est l’orange. En anglais, le terme «blue» est couramment utilisé pour désigner toute couleur allant du bleu foncé au cyan.

Pigments bleus : azurite, céruléen, bleu de cobalt, bleu de bleuet, bleu égyptien (bleu d’Alexandrie, bleu de Vestor), outremer français, fritte, indigo, bleu de phtalocyanine, bleu de Prusse, smalt, outremer, cendres d’outremer et vadou. Les nuances de bleu comprennent le bleu de l’armée de l’air, le bleu céruléen, le bleu cobalt, le bleuet, le denim, le bleu électrique, le bleu Klein, le bleu de minuit, le bleu marine, le bleu de Berlin, le bleu royal, le saphir, l’outremer.

Violet

Utilisé pour la première fois vers 1400 pour désigner les violettes, ce terme désigne généralement une nuance de violet, c’est-à-dire un mélange de lumière rouge et bleue. Les pigments violets comprennent le genièvre et le pourpre de Tyr. Les nuances de violet comprennent l’améthyste, le fuchsia, l’héliotrope, l’indigo, la lavande, le lilas, le mauve, le pourpre et le magenta.

Noir

Le noir ne réfléchit pas la lumière, n’est pas une couleur du spectre et n’apparaît pas sur le cercle chromatique. Cependant, en tant que pigment, il est ajouté à d’autres couleurs pour créer des variantes ou des nuances plus foncées. Les pigments noirs comprennent : le plomb noir, le noir d’ivoire, la suie de lampe et le raisin noir.

LES COULEURS EN IMAGES
Une liste des pigments les plus importants depuis l’antiquité se trouve à la page Conseils pour le mélange des couleurs.

TERMINOLOGIE DES COULEURS
Voir : Glossaire des couleurs .

VALEURS DE L’ART
Pour en savoir plus sur les différents types, styles et valeurs des beaux-arts traditionnels et modernes, voir : Définition de l’art

QUESTIONS SUR L’ART
Pour répondre à toutes vos questions sur la peinture et la sculpture : Glossaire de la peinture .

LES ŒUVRES D’ART LES PLUS IMPORTANTES
Pour une liste des chefs-d’œuvre, voir : Les plus grands tableaux de tous les temps .