Clement Greenberg:
critique d’art, art moderne américain Automatique traduire

La plus grande série de critiques d’art
Clément Greenberg
Biographie du critique et conservateur américain d’art moderne.

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Biographie

L’un des plus connus critiques d’art En Amérique, Clément Greenberg était un commentateur et un conservateur étroitement associé à art abstrait du milieu du 20e siècle. En fait, il se classe avec Harold Rosenberg (1906-1978) et John Canaday (1907-85) comme écrivain le plus influent sur art moderne, juste au moment où les États-Unis dépassaient Paris en tant que centre de l’art mondial. En particulier, il a défendu le expressionisme abstrait du École new yorkaise et, avec le riche collectionneur Peggy Guggenheim (1898-1979), fut l’un des premiers à promouvoir le travail de Jackson Pollock (1912-1956). Il a également félicité les sculpteurs du 20ème siècle David Smith (1906-65) et Anthony Caro (1924-2013). Croyant au formalisme en peinture, Greenberg a non seulement dissocié l’art de son contenu émotionnel ou narratif, il l’a également détaché de toutes considérations sociales et éthiques: une approche qui le rendait difficile à apprécier. art contemporain à partir de la fin des années 1960. Malgré cela, ses écrits – fréquemment réimprimés comme des exemples d’analyses de l’art – ont finalement été publiés en quatre volumes sous le titre Collected Essays and Criticism (1986-1993). En outre, Greenberg était connu pour son travail Art and Culture (1961), ainsi que pour ses études de Joan Miro (1948), Matisse (1953) et Hans Hofman (1961).

Vie et Ecrits

Né dans le Bronx, à New York, Clément Greenberg est né dans une famille juive de la classe moyenne, l’aîné de trois fils. Compétent en esquisse dès son plus jeune âge, il étudie à l’Université de Syracuse (obtention de son diplôme avec distinction, Phi Beta Kappa, en 1930) et à la Art Students League à New York. Au cours de la période 1930-1937, il a occupé différents emplois, s’est marié, a eu un enfant et a divorcé avant de trouver son métier d’écrivain. Après avoir été publié dans une poignée de petites revues littéraires et théâtrales, il devint rédacteur en chef de Partisan Review en 1940, critique d’art de la Nation (1942-1949) et rédacteur en chef adjoint de Commentary (1945-1957), tout en contribuant à de nombreux autres magazines, y compris New Leader et Arts Digest. Certaines de ses premières œuvres reflétaient ses opinions politiques de gauche, telles que son essai "Avant-garde et le kitsch" de 1939, publié dans la revue Partisan Review et axé sur le marxisme.

Vers la fin des années 1940, conformément à ses perspectives théoriques, Greenberg a avancé le point de vue selon lequel les meilleurs art d’avant-garde était produit en Amérique (New York), plutôt qu’en Europe (Paris). En particulier, il a été très impressionné par Peintures de Jackson Pollock, et le peintures abstraites de Mark Rothko (1903-1970), Barnett Newman (1905-70) et Clyfford Still (1904-1980), les décrivant comme représentant la nouvelle phase du modernisme Art américain, dans leur accent sur la "planéité" du plan d’image. Il a aidé à organiser de nombreuses introductions entre ses artistes préférés et des acheteurs tels que Leo Castelli (1907-99), et a également aidé à organiser des expositions. Par exemple, il a organisé une exposition personnelle pour Barnet Newman chez French & Company – émission qui a joué un rôle déterminant dans l’établissement de Newman en tant que contributeur important à l’expressionnisme abstrait.

Plus tard, à commencer par une exposition de peinture contemporaine qu’il a organisée pour le Musée d’art du comté de Los Angeles, il a défendu une nouvelle génération d’artistes abstraits sous le label Post-Painterly Abstraction.

Artistes contemporains, tels que ceux impliqués dans Pop Art, étaient en quelque sorte un casse-tête théorique pour Greenberg. D’une part, il a apprécié la plus grande transparence des styles contemporains, tout en déplorant qu’ils ne défient pas le spectateur à un niveau plus que superficiel. Mais son influence est restée forte tout au long des années 1960, en particulier auprès de critiques d’art et d’historiens plus jeunes tels que Rosalind Krauss (né en 1941) et Michael Fried (né en 1939).

Les idées de Greenberg sur l’art

Les écrits de Greenberg sur La peinture Les lecteurs ne sont pas toujours limpides: comme la plupart des critiques, il aimait envelopper ses idées dans des couches de prose intellectuelle. Voici une idée très approximative de certains de ses points de vue.

(1) Greenberg était un formaliste: il pensait que les attributs formels d’une peinture (ligne, forme, couleur) étaient d’une importance cruciale, alors que son contenu émotionnel ou figuratif était secondaire, voire redondant. Cependant, il est ensuite allé plus loin. Dans chaque type d’art, a-t-il déclaré, il existe un besoin de pureté: il s’agit de mettre l’accent sur les caractéristiques uniques de la forme d’art en question. (Le soi-disant concept de spécificité du médium de Greenberg.) En peinture, par exemple, il existe une tendance naturelle et propre à se concentrer sur son caractère bidimensionnel inhérent, à savoir la planéité du plan de l’image. De même, tente de se concentrer sur perspective linéaire afin de créer l’illusion de la profondeur en trois dimensions étaient artificielles et artificielles. Les peintres devraient se limiter, a-t-il déclaré, à la présentation exclusive de la couleur et du trait et ne pas essayer de créer des objets (en trois dimensions) qui puissent être vécus de manière plus authentique dans d’autres médias (sculpture). Le point de vue de Greenberg esthétique a coïncidé avec son appréciation de peinture expressionniste abstraite en Amérique, à la fin des années 1940 et dans les années 50. En particulier, il était un fan de l’ensemble peinture d’action style de Jackson Pollock, et les surfaces planes du Peinture de champ de couleur mouvement, incarné par Mark Rothko et d’autres. Cependant, il avait peu de temps pour les artistes de techniques mixtes comme Robert Rauschenberg, ou des peintres gesturalistes comme Willem de Kooning.

Il est intéressant de noter que deux des peintres les plus cotés au monde, Picasso et Pollock, illustrent bien la spécificité des médiums de Greenberg (accent mis sur le plan-image à deux dimensions): Picasso à travers son invention de Cubisme (1908-1914) et Pollock pour son utilisation de la peinture au goutte à goutte. Cependant, Greenberg n’a pas été impressionné par Willem de Kooning, un autre moderniste coûteux, très apprécié par son rival, Harold Rosenberg.

(2) Bien que Greenberg considérait les pionniers de l’expressionnisme abstrait comme des artistes très originaux, le succès même du mouvement entraîna (à ses yeux) l’émergence de peintres dont le talent d’imitation dépassait de loin leur originalité. Il croyait que la tradition avait été "réduite à un ensemble de maniérismes" par ces artistes et fondait ses espoirs sur une génération plus jeune avec de nouvelles idées sur la façon de préserver la pureté de la peinture à deux dimensions. Il a baptisé le travail de cette nouvelle génération " Abstraction Post-Painterly "afin de le distinguer de l’expressionnisme abstrait, ou" abstraction picturale ", comme il l’appelait. L’abstraction post-peintre était un terme donné à une variété d’art abstrait de deuxième génération qui réagissait contre peinture gestuelle des expressionnistes abstraits antérieurs. PPA inclus peinture systémique, tels que le travail de Josef Albers (1888-1976) et autres; Peinture de bord dur pratiqué par les goûts de Frank Stella et Ellsworth Kelly ; Abstraction Lyrique , y compris des œuvres de Mark Tobey, et d’autres; Teinture de couleur pratiquée par Helen Frankenthaler ; et Art minimaliste y compris des images de Robert Mangold, Agnes Martin et Robert Ryman.

(3) L’art moderne (il l’appelle art d’avant-garde) est indissociable de la pensée ou de l’observation critique. En revanche, le "kitsch" est un erzatz ou faux type d’art visuel produit pour la consommation de la classe ouvrière: un groupe social avide de culture, mais sans l’éducation ni les ressources nécessaires pour jouir de l’art moderne. Le kitsch incarne tout ce qui est faux dans la vie moderne. Le nom alternatif de Greenberg pour l’art kitsch est "l’art de la nouveauté". Le kitsch, dit-il, comprend des mouvements comme Pop et Art cinétique. De l’avis de Greenberg, ce type fondamental d’art insuffisant (contrairement à l’art proprement dit) ne réussit pas à défier le goût ni à stimuler la profondeur de la pensée. Sa seule concession fut d’admettre que la transparence du pop art était une distraction bienvenue de la surintensité de l’expressionnisme abstrait.

Compte tenu de la nature fragmentée, subjective et populiste de art postmoderniste, il n’est pas surprenant que Greenberg ait une vision pessimiste des styles contemporains, en Amérique et dans le monde. En réponse, artistes postmodernistes regarda Greenberg comme désespérément démodé.

Comparez Greenberg avec l’éminent critique d’art anglais du XIXe siècle. John Ruskin (1819-1900).

Collection Clement Greenberg

En 2000, le Portland Art Museum (PAM) a fait l’acquisition de la collection d’art personnel de Greenberg. Elle est exposée au Jubitz Center du musée, l’un des meilleures galeries d’art contemporain. La collection comprend quelque 160 peintures, dessins, estampes et sculptures d’environ 60 artistes contemporains de renom, dont: Jack Bush, Anthony Caro, Richard Diebenkorn, Enrico Donati, Helen Frankenthaler, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Georges Mathieu Kenneth Noland, Jules Olitski, Jackson Pollock, David Smith, Anne Truitt et bien d’autres.