L’art avant-garde: définition, signification, histoire Automatique traduire

Dans les arts visuels, le terme «avant-garde» (du français «avant-garde») a traditionnellement été utilisé pour décrire tout artiste, groupe ou style considéré comme étant significativement en avance sur la majorité dans sa technique, son sujet ou son application. Il s’agit d’une définition très vague, notamment parce qu’il n’existe pas de consensus clair sur la question de savoir QUI décide si un artiste est en avance sur son temps, ou QU’est-ce que cela signifie d’être en avance. En d’autres termes, l’avant-garde consiste à explorer de nouvelles méthodes artistiques ou à expérimenter de nouvelles techniques afin de créer de meilleures œuvres d’art. L’accent est mis ici sur l’intention plutôt que sur le hasard, car il est douteux qu’un peintre ou un sculpteur puisse devenir avant-gardiste par hasard. Mais qu’est-ce que «le meilleur» art? Cela signifie-t-il, par exemple, que la peinture est plus esthétique? Ou plus significative? Ou que les couleurs sont plus vives? Les questions n’en finissent pas.

La meilleure façon d’expliquer l’importance de l’art d’avant-garde est peut-être de faire une analogie avec la médecine. La grande majorité des médecins respectent les règles conventionnelles lorsqu’ils traitent leurs patients. (Cependant, un très petit groupe de médecins et de chercheurs expérimentent des méthodes radicalement nouvelles. (La plupart de ces nouvelles méthodes ne mènent à rien, mais certaines changent le cours de la médecine pour toujours. Le cubisme de Picasso et Braque a eu une influence similaire sur l’art).

Radical, voire subversif

Le terme aurait été appliqué pour la première fois aux arts visuels au début du 19e siècle par l’écrivain politique français Henri de Saint-Simon, qui soutenait que les artistes servaient d’avant-garde dans le mouvement général du progrès social, avant les scientifiques et les autres classes.

Depuis le début du 20e siècle, cependant, le terme a conservé une teinte de radicalisme et implique que pour être véritablement d’avant-garde, les artistes doivent remettre en question le statu quo artistique - c’est-à-dire son esthétique, ses conventions intellectuelles ou artistiques ou ses méthodes de production - au point d’en devenir presque subversifs. Selon cette interprétation, Dada (1916-24) est probablement l’exemple définitif de l’art visuel d’avant-garde, car il a remis en question la plupart des fondements de la civilisation occidentale.

Histoire de l’art d’avant-garde

La Renaissance italienne est probablement l’époque la plus avant-gardiste de l’histoire de la peinture et de la sculpture. Les personnages de la Sainte Famille biblique sont représentés de manière totalement naturelle, ce qui constitue une rupture radicale avec les œuvres d’art byzantines et même gothiques. De plus, la nudité devient non seulement acceptable mais aussi le type le plus noble de représentation figurative - en témoignent «L’exil du jardin d’Eden» de Mazaccio (1426, chapelle Brancacci, Florence) et la sculpture en bronze hyper-moderne ««David» de Donatello (v. 1440, musée du Bargello, Florence).

Malgré la brève apogée du Caravage, qui relance le mouvement humaniste en peinture avec ses représentations paysannes du Christ et des autres membres de la Sainte Famille, (et de Giuseppe Arcimboldo avec ses portraits de fruits et de légumes), les traditions hypermodernes de la Renaissance sont progressivement remplacées par la répétition, l’imitation et le conformisme total.

Les grandes académies européennes des beaux-arts, soutenues par l’Église catholique, imposent une série de règles et de conventions inflexibles que les artistes ignorent à leurs risques et périls - les déviants se voient refuser l’accès aux Salons et autres expositions officielles. Ce n’est peut-être qu’en Hollande qu’un véritable esprit de recherche artistique a vu le jour, en particulier sous la forme des portraits intensément expressifs de Rembrandt et du nouveau type de peinture de genre rendu de manière exquise par Jan Vermeer et d’autres.

Ce n’est que lorsque la poussière est retombée après la Révolution française que les artistes ont recommencé à expérimenter. Cela a commencé avec la peinture de paysage . Corot et d’autres membres de l’école de Barbizon initièrent une nouvelle tradition de plein air ; le peintre symboliste allemand Caspar David Friedrich donna à ses paysages une nouvelle forme de romantisme ; et le génie anglais William Turner porta le genre à un niveau encore plus élevé et plus inhabituel. La peinture d’histoire est également devenue avant-gardiste grâce à des œuvres telles que «Goya’s Third of May 1808», (1814, Prado, Madrid) qui n’a pas de héros ni de message édifiant.

L’école d’avant-garde suivante fut l’impressionnisme, premier grand mouvement de l’art moderne, qui bouleversa les idées sur la couleur. Soudain, l’herbe pouvait devenir rouge et les meules de foin bleues, en fonction de l’effet momentané de la lumière du soleil perçu par l’artiste. Aujourd’hui, l’impressionnisme peut être considéré comme un courant dominant, mais dans les années 1870, le public et la hiérarchie artistique ont été choqués. Dans leur esprit, l’herbe était verte et les meules de foin étaient jaunes - et c’est tout.

L’art d’avant-garde du début du 20e siècle

Les trois premières décennies de l’art du XXe siècle ont produit une vague de mouvements et de styles révolutionnaires. D’abord le fauvisme (1905-8), dont les couleurs étaient si dramatiques et anti-naturelles que ses représentants étaient surnommés «bêtes sauvages». Puis le cubisme analytique (1908-12) - sans doute le plus intellectuel de tous les mouvements d’avant-garde - qui rejette l’idée traditionnelle de la perspective linéaire en faveur d’une plus grande importance du plan pictural bidimensionnel, scandalisant les académies d’art d’Europe - ainsi que les visiteurs du Salon des Indépendants de Paris et de l’Armory exhibition de New York (1913) - par la même occasion. Pendant ce temps, à Dresde, Munich et Berlin, l’expressionnisme allemand est le style d’avant-garde adopté par Die Brucke (1905-13) et Der Blaue Reiter (1911-14), tandis qu’à Milan, le futurisme présente sa combinaison unique de mouvement et de modernité.

Parmi les cinq marchands d’art d’avant-garde les plus importants à Paris entre 1900 et 1930, citons Solomon Guggenheim (1861-1949), Ambroise Vollard (1866-1939), Daniel-Henrich Kahnweiler (1884-1979), Paul Guillaume (1891-1934) et Peggy Guggenheim (1898-1979). En Allemagne, le grand centre de l’avant-garde expressionniste est la galerie Walden Sturm .

Mais le mouvement le plus iconoclaste de tous les temps est peut-être Dada, fondé par Tristan Tzara (1896-1963), qui éclate à Zurich en 1916 et se propage ensuite à Paris, Berlin et New York. Les dadaïstes rejettent la plupart, sinon la totalité, des valeurs bourgeoises des arts visuels, privilégiant un mélange enivrant d’anarchisme et d’innovation hypermoderne.

Ces dernières incluaient un certain nombre d’idées subversives qui sont aujourd’hui considérées comme relativement courantes, telles que la création de junk art à partir «d’objets trouvés» (Duchamp avait «des readymades») et l’introduction du collage tridimensionnel (Merzbau Schwitters). On peut également dire que les artistes Dada ont inventé l’art de la performance et du happening ainsi que l’art conceptuel, avec plus de cinquante ans d’avance sur leurs successeurs postmodernes. Le successeur moins implacable de Dada a été le surréalisme, qui a amusé mais n’a finalement pas réussi à soutenir l’élan de changement.

Après Dada, seul le peintre néerlandais Piet Mondrian, avec son abstraction géométrique dans le style de De Stijl (néo-plasticisme), a peut-être été véritablement expérimental. Dans les arts plastiques, l’avant-garde est habilement représentée par le moderniste Constantin Brancusi, le futuriste Umberto Boccioni, le peintre cinétique Alexander Calder et la sculptrice du Yorkshire Barbara Hepworth qui, dans sa célèbre œuvre de 1931 «Pierced Form», introduit le «trou» dans l’art de la sculpture.

L’art d’avant-garde du milieu du 20e siècle

L’avant-garde est apparue dans les années 1940 et au-delà de manière discontinue. Cela s’explique en partie par le fait que l’art abstrait a dominé, et qu’il y avait très peu de choses fondamentalement nouvelles dans l’abstraction. En Amérique, il est vrai que Jackson Pollock (1912-1956) a inventé l’action painting ; Mark Rothko (1903-1970) a doté ses compositions abstraites d’une émotion colorée, et Robert Motherwell et Barnett Newman d’une narration ; mais au milieu des années 60, l’abstraction était devenue une force dépassée.

Le minimalisme l’a rationalisée et a tenté de lui donner un message plus puissant, mais le public n’était pas intéressé. Il a préféré le Pop Art - la nouvelle esthétique des années 60 qui a soudainement rendu l’art à nouveau accessible. Toutefois, à l’exception de quelques artistes multimédias exceptionnels tels que Robert Rauschenberg et Andy Warhol, et peut-être le sculpteur Claes Oldenburg, le Pop Art est resté à la mode mais prévisible. (Pour plus de détails, voir Le Pop Art d’Andy Warhol des années soixante et soixante-dix).

Pendant ce temps, en Italie, à la fin des années 1960, les matières premières modestes utilisées dans les assemblages, les installations et les performances de l’Arte Povera renforcent la nature expérimentale du mouvement, et en Amérique, l’art de l’assemblage en bois de Louise Nevelson (1899-1988) et les assemblages «» d’Arman (1928-2005) ajoutent à la culture pop. Parallèlement, en Europe, dans les années 1950 et au début des années 1960, les artistes expérimentaux Jean Dubuffet (voir Art brut) et Yves Klein, ainsi que le sculpteur suisse Jean Tinguely (1925-1991), qui a développé avec Alexander Calder l’ Art cinétique .

Une figure influente de l’art d’avant-garde américain des années 1940 et 1950 est John Cage (1912-1992), compositeur et graveur. Célèbre pour sa composition musicale révolutionnaire 4 minutes 33 secondes (qui ne contenait pas une seule note de musique!), Cage a donné des cours au Black Mountain College et a influencé des artistes tels que Robert Rauschenberg et Jasper Johns.

L’art d’avant-garde de la fin du 20e siècle

L’art postmoderne est apparu à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Il a donné naissance à des formes entièrement nouvelles d’art actuel, dont une grande partie était presque par définition d’avant-garde. Ces nouvelles formes d’art comprennent l’art féministe popularisé par Judy Chicago (née en 1939) et Carol Schneemann (née en 1939) ; la photographie d’art illustrée par Robert Mapplethorpe (1946-1989) et Nan Goldin (née en 1953) ; et l’art photographique illustré par Robert Mapplethorpe (1946-1989) et Nan Goldin (née en 1953).) ; et la photographie d’art, illustrée par Robert Mapplethorpe (1946-1989) et Nan Goldin (née en 1953).) ; également l’art de l’installation, illustré par Joseph Beuys (1921-1986), Bruce Nauman (né en 1941), Christian Boltanski (né en 1944), Richard Wilson (né en 1944), et Richard Wilson (né en 1944).), Richard Wilson (né en 1953) et Martin Creed (né en 1968) ; l’art vidéo de Bill Viola (né en 1951) et d’autres ; l’art conceptuel caractérisé par l’œuvre de Sol LeWitt (né en 1928), Eva Hesse (1937-1970) et Joseph Kosuth (né en 1945) ; la performance de l’art contemporain ; l’art contemporain de l’art contemporain.) ; l’art de la performance et le style apparenté Happening, illustré par Allan Kaprow (né en 1927), Eve Klein (1927), etc.), Eve Klein (1928-1962), Wolf Vostell (1932-1998), Günter Brus (né en 1938), Hermann Nitsch (né en 1938), Gilbert et George, et le mouvement Fluxus . Sur la forme non commerciale de l’art contemporain, voir : Sculpture de glace - peut-être le dernier mot en «objets trouvés». L’une des dernières modes créatives est la forme extrême du Body Art, illustrée par les performances risquées de l’artiste serbe Marina Abramović (née en 1946).

Pour des informations sur les meilleurs lieux d’art d’avant-garde dans le monde, voir : Les meilleures galeries d’art contemporain .

À la fin des années 1980 et dans les années 1990, un groupe d’avant-garde connu sous le nom de Young British Artists (YBA) a émergé au Royaume-Uni, dont les membres comprenaient les lauréats du prix Turner Mark Wallinger (né en 1959), Rachel Whiteread (née en 1959) et autres), Rachel Whiteread (née en 1963), Gillian Wearing (née en 1964) et autres).), Gillian Wearing (née en 1963), Damien Hirst (né en 1965), Douglas Gordon (né en 1966), Chris Ofili (né en 1968) et Steve McQueen (né en 1969).

Un autre membre controversé du groupe est Tracey Emin (née en 1963). Ces jeunes artistes postmodernes ont suscité une énorme controverse par leur approche provocante, voire subversive, des sujets et des matériaux utilisés (excréments d’éléphant, asticots, requin mort, sang humain), qui a choqué les critiques d’art et le public. Malgré cela, leur approche avant-gardiste a revitalisé l’art britannique et leur a valu une grande popularité, y compris le patronage de Charles Saatchi, le plus grand collectionneur britannique d’art contemporain, ainsi que de nombreuses expositions à la célèbre Saatchi Gallery, et l’exposition Sensation (1997) à la Royal Academy de Londres.

Pour d’autres expositions d’œuvres postmodernistes dans le monde, voir : Les meilleurs festivals d’art contemporain .

Qui est l’artiste le plus avant-gardiste au monde?

Il est impossible de répondre à cette question, je me contenterai donc de vous donner nos meilleurs candidats. Il s’agit de : Joseph Mallord Turner (un artiste en avance de 50 ans sur son temps) ; Claude Monet (le premier révolutionnaire de la peinture moderne) ; Ilya Repin (le premier artiste à transmettre des détails authentiques de la vie en Russie) ; Picasso (pour sa maîtrise de l’art figuratif et abstrait dans presque tous les médias) ; Marcel Duchamp (pionnier de Dada et de l’art de l’objet à partir duquel l’art conceptuel a émergé) ; le couple Christo et Jeanne-Claude ) empaquetage, ou emballage) ; Andy Warhol (le premier et sans doute le plus grand postmoderniste) ; Gilbert et George (sculptures vivantes) ; Damien Hirst (le plus grand auto-promoteur de l’art) ; et bien sûr le terroriste du graffiti Banksy .

Dans le domaine de l’architecture, les principaux candidats sont Le Corbusier (Charles-Edouard Jeanneret) (1887-1965), architecte fonctionnaliste utopique et pionnier du Brutalisme ; et Frank O. Gehry (né en 1929), champion du déconstructivisme tant en Amérique qu’en Europe.

Quelles sont les peintures les plus avant-gardistes du 20e siècle?

Voici nos suggestions, classées par ordre chronologique :

- Les Demoiselles d’Avignon (1907) Pablo Picasso
- Harmonie en rouge (1908) Henri Matisse
- Nu, descendant l’escalier n° 2 (1912) Marcel Duchamp
- Cercle noir (1913), Kazimir Malevich
- Construction molle avec haricots bouillis (1936) Salvador Dalí
- Broadway Boogie Woogie (1942- 3) Piet Mondrian
- Numéro 6 (1948) Jackson Pollock
- Jaune et or (1956) Mark Rothko
- Monochrome bleu (1961) Yves Klein

Quelles sont les sculptures les plus avant-gardistes du 20e siècle?

Voici nos suggestions :

- Formes uniques de continuité dans l’espace (bronze) (1913) d’Umberto Boccioni
- Fontaine (urinoir) (1917) Marcel Duchamp
- Oiseau dans l’espace (bronze) (1923) Constantin Brancusi
- Merzbau (collage 3D) (c. 1930-43) Kurt Schwitters
- Piercing Form (1931) Barbara Hepworth
- Fur Cup (1936) Meret Oppenheim
- Presidential Portraits, Mont Rushmore (1941) Gutzon Borglum
- Cheval (bronze) (1950) Marino Marini
- Ciel, Cathédrale (bois peint) (1958) Louise Nevelson
- Dédicace à New York (explosion) (1958) York (dessin explosif) (1960) Jean Tingley
- Sans titre (pile) (fer laqué) (1967) Donald Judd
- A Thousand Years (installation) (1990) de Damien Hirst
- Pomme, Kernels (1992) de Claes Oldenburg
- Puppy (plantes, bois, terre) (1992) de Jeff Koons
- My Bed (installation) (1999) Tracey Yemin
- 227 : Lights go on and off (art conceptuel) (2001) Martin Creed
- Controller of the Universe (Tools and Wire) (2007) Damian Ortega