Art chinois: caractéristiques, histoire Automatique traduire

Coupée par les montagnes, les déserts et les océans des autres centres de l’évolution humaine, la Chine a développé sa propre civilisation autosuffisante mais hautement développée, caractérisée par une combinaison remarquable de technologie avancée, d’art ancien et de conscience culturelle. Par exemple, les céramiques les plus anciennes au monde &ndash ; sont les poteries rupestres de Xianrendong de la province de Jiangxi et les poteries rupestres de Yuchanyang du Hunan. Ce développement influent de la céramique s’est étendu à la Sibérie &ndash ; voir Poterie du bassin du fleuve Amour (14.300 av. J.-C.) &ndash ; et au Japon sous la forme de poterie Jomon (14.500 av. J.-C.). Curieusement, peu de preuves d’une tradition significative d’art rupestre sur le continent chinois sont apparues jusqu’à présent.

Le centre originel de la culture chinoise se trouvait le long du grand fleuve Jaune qui traverse la plaine de Chine du Nord, où des établissements stables remontent à au moins 4 000 ans avant notre ère. Pour plus de détails, voir : L’art néolithique en Chine (7500-2000 av. J.-C.). Les découvertes archéologiques &ndash ; en particulier les tombes de personnes riches &ndash ; indiquent qu’à partir d’environ 2500 avant J.-C., les Chinois cultivaient le ver à soie, possédaient des outils finement ouvragés et produisaient un large éventail d’objets culturels.

Par la suite, entre 2500 et 100 avant J.-C., les artistes chinois ont maîtrisé de nombreuses formes de beaux-arts, y compris la céramique chinoise (qui est née en Chine vers 10 000 avant J.-C. et qui comprend la porcelaine chinoise) ; la sculpture sur jade et autres métaux et les bijoux ; le travail du bronze (principalement des vases d’apparat) ; la sculpture bouddhique et la sculpture séculaire en terre cuite (voir par exemple l’article sur la Chine). Voir par exemple l’article sur l’armée chinoise en terre cuite ) ; la peinture chinoise et la calligraphie ; et les métiers d’art comme la laque.

Outre les arts, la Chine avait sa propre histoire en matière d’inventions scientifiques et technologiques, dont beaucoup s’étaient répandues en Europe depuis l’Orient. En outre, en 1800 avant J.-C., la culture avancée de la Chine avait également développé un système d’écriture qui est toujours à la base de l’écriture chinoise moderne. Voir aussi : Chronologie de l’art préhistorique (2,5 millions - 500 av. J.-C.). Sur l’art du sous-continent indien, voir : Inde, peinture et sculpture .

Les dynasties chinoises : une chronologie simple

La Chine date de ses dynasties, mot inventé par les historiens occidentaux à partir d’une racine grecque signifiant «pouvoir, force ou domination». Des vagues successives d’envahisseurs ont émergé de la masse continentale de l’Asie centrale, des steppes et ont conquis, gouverné et, à leur tour, assimilé. Les différents arts de la Chine se sont développés en fonction des intérêts et du mécénat de chaque dynastie et des caprices des souverains régionaux. Les relations commerciales avec ses voisins d’Asie de l’Est ont également joué un rôle important dans le développement des beaux-arts chinois, en particulier de la poterie et de la laque.

Caractéristiques de l’art chinois

Aspect métaphysique, taoïste
Depuis l’époque de l’art préhistorique, la société chinoise &ndash ; presque entièrement agricole ou rurale jusqu’au 20ème siècle &ndash ; a toujours attaché une grande importance à la compréhension et à la coexistence avec la nature. La nature était perçue comme une manifestation visible des pouvoirs créatifs de Dieu, utilisant l’interaction des forces vitales yin (féminines) et yang (masculines). L’objectif principal de l’art chinois, initialement centré sur la propitiation et le sacrifice, a rapidement évolué vers l’expression de la compréhension humaine de ces forces vitales dans diverses formes d’art, y compris la peinture (en particulier les paysages, les bambous, les oiseaux et les fleurs), la céramique, les sculptures en relief et autres.

Les Chinois croyaient également que l’énergie et le rythme créés par l’artiste étaient étroitement liés à la source sous-jacente de cette énergie. Ils pensaient que l’art &ndash ; en particulier la calligraphie et la peinture &ndash ; était capable de rafraîchir l’âme de l’artiste ou de l’arrêter spirituellement, en fonction de l’harmonie de sa pratique et du caractère de la personne elle-même. Voir aussi : Art traditionnel chinois : caractéristiques .

Morale, aspect confucéen
L’art chinois avait aussi des fonctions sociales et morales. Par exemple, les premières fresques représentaient des empereurs bienveillants, des ministres sages, des généraux loyaux et leurs opposés maléfiques comme exemples et avertissements aux observateurs. L’art du portrait avait une fonction morale similaire, cherchant à souligner non pas tant les traits faciaux ou figuratifs du sujet que son caractère et son statut dans la société.

Inspiration mais pas de nature religieuse
Les peintres de la cour étaient souvent chargés de représenter des événements propices et commémoratifs, mais la peinture religieuse de haut niveau est inconnue dans l’art chinois. Même le bouddhisme, qui a stimulé la création de nombreux chefs-d’œuvre, a été importé. Plus important encore, les thèmes utilisés dans l’art traditionnel chinois étaient presque toujours nobles ou inspirants. Ainsi, les sujets trop réalistes tels que la guerre, la mort, la violence, le martyre ou même la nudité étaient évités . En outre, la tradition artistique chinoise ne sépare pas la forme du contenu : il ne suffit pas, par exemple, que la forme soit exquise si le sujet n’est pas instructif.

Essence intérieure et non apparence extérieure.
Contrairement aux artistes occidentaux, les artistes chinois ne cherchaient pas à reproduire la nature ou à créer une représentation réaliste d’un paysage (par exemple). Ils s’attachaient plutôt à exprimer l’essence intérieure du sujet. Rappelez-vous, les rochers et les cours d’eau étaient considérés comme des objets «vivants», des manifestations visibles des forces invisibles du cosmos. Le rôle de l’artiste était donc de capturer les caractéristiques spirituelles plutôt que matérielles de l’objet.

Le symbolisme dans les arts visuels chinois
L’art chinois est plein de symbolisme, car les artistes cherchent généralement à représenter un aspect de la totalité qu’ils reconnaissent intuitivement. En outre, l’art chinois regorge de symboles particuliers : le bambou représente l’esprit, qui peut être plié par les circonstances mais ne peut être brisé ; le jade représente la pureté ; le dragon symbolise souvent l’empereur ; la grue, la longue vie ; le couple de canards, la fidélité dans le mariage. Les symboles végétaux comprennent l’orchidée, un autre symbole de pureté et de fidélité, et le pin, qui symbolise l’endurance. Certains historiens de l’art préfèrent cependant décrire l’art chinois comme étant essentiellement expressionniste plutôt que symbolique.

Influence de l’artiste amateur
Pendant les Royaumes combattants et la dynastie Han, la croissance des classes marchandes et foncières a amené un nombre croissant d’amateurs d’art et de mécènes qui avaient du temps libre. C’est ainsi qu’est apparue, au IIIe siècle de notre ère, une élite d’érudits amateurs s’adonnant à la poésie, à la calligraphie, à la peinture et à toute une série d’activités artisanales. Ces amateurs avaient tendance à mépriser les artistes professionnels de classe inférieure employés par la cour impériale et d’autres autorités régionales ou civiles. Cette division des artistes a d’ailleurs eu par la suite un impact significatif sur le caractère de l’art chinois. À partir de la dynastie Song (960-1279), les artistes ont été étroitement associés à des formes de plus en plus raffinées de l’encre et du dessin, la calligraphie, et leurs œuvres sont devenues un moyen d’échange important dans une économie sociale où l’offre de cadeaux était une étape essentielle dans l’établissement de contacts personnels. Tout comme la capacité à écrire des lettres ou de la poésie, la capacité à exceller en calligraphie et en peinture contribuait à établir le statut d’une personne dans une société éduquée.

Histoire de l’art chinois

Pour une liste de dates relatives à l’art et à la culture en Chine (ainsi qu’en Corée et au Japon), voir : Chronologie de l’art chinois (18 000 av. J.-C. &ndash ; à nos jours). Voir aussi : L’art du plus vieil âge de pierre : 100 meilleures œuvres .

L’art de l’âge du bronze sous la dynastie Shang (1600-1050 av. J.-C.)

La dynastie Shang était considérée comme mythique jusqu’à ce que des lames de bœuf portant des inscriptions soient découvertes dans le nord-ouest de la Chine en 1898. (Mais voir aussi : «Culture de la dynastie Xia» vers 2100-1600.) Dans la même région, près d’Anyang, un grand nombre de récipients en bronze portant des inscriptions en caractères chinois anciens ont été découverts. Déchiffrées et comparées, elles ont permis aux chercheurs de faire correspondre l’histoire de la société Shan avec les noms et les dates des rois. Il s’agissait d’une fédération lâche de cités-états dont les armes en bronze leur permettaient de dominer la vallée du Hoang-ho (ou Huang-he, fleuve Jaune) et de son affluent, le Wei.

Les Shang ressemblent à bien des égards aux princes mycéniens dont Homère fait l’éloge. Leurs vases et récipients en bronze &ndash ; la principale réalisation de l’art de la dynastie Shang &ndash ; étaient fabriqués par moulage direct ainsi que par la méthode de la cire-perdue (cire perdue). Ils étaient utilisés par les rois et leurs serviteurs pour les cérémonies rituelles et sacrificielles. Les inscriptions qu’ils portent indiquent le nom du propriétaire et du fabricant ainsi que le but de la cérémonie. Les récipients étaient enterrés avec leur propriétaire et ils acquièrent une patine verte, bleue ou rouge en fonction de la nature du sol. Ils se répartissent en trois catégories principales : les récipients pour la cuisson, y compris la nourriture rituelle, les récipients pour chauffer ou verser le mil, et les récipients pour le lavage rituel. Il s’agit d’objets utilitaires et fonctionnels, ce qui ne les empêche pas d’être de magnifiques œuvres d’art. Les motifs issus du monde animal &ndash ; dragon et cigale (vie et fertilité) ou le fabuleux tao-tieh, entre taureau et tigre, ont été les plus utilisés.

A partir de 1986, les archéologues ont fait une série de découvertes sensationnelles sur le site archéologique de Sanxingdui, situé près de la ville de Nanxing, dans le comté de Guanhan, dans la province du Sichuan. Ces découvertes comprennent de nombreux exemples monumentaux de sculptures en bronze de la dynastie Shang (1700-1050), qui ont été datées au carbone à environ 1200-1000 avant J.-C. Elles révèlent une culture Sanxingdui avancée qui, contrairement à toutes les recherches historiques antérieures, semble s’être développée indépendamment des autres cultures du Fleuve Jaune. Voir : Bronzes de Sanxingdui (1200-1000 av. J.-C.).

Une autre réalisation de la dynastie Shang est l’invention de la calligraphie, qui a eu lieu vers 1700 av. J.-C. L’aquarelle est également en vogue, et aurait vu le jour vers 4000 av. Pour les arts comparatifs de cette période, voir : l’art mésopotamien (vers 4500-539 av. J.-C.) et l’art égyptien (3100 av. J.-C. &ndash ; 395 ap. J.-C.).

Les terres Shang sont dominées par les montagnards Zhou venus de l’ouest, qui s’emparent de la capitale Anyang en 1027 avant notre ère. L’art de la dynastie Zhou emprunte beaucoup à la culture Shang et produit des récipients du même type, mais avec quelques différences. L’évolution stylistique a été graduelle, et des changements notables ne se sont produits qu’après le déplacement des Zhou vers l’est, dans une nouvelle capitale, Luoyang, en 722 avant notre ère. La sculpture en haut relief de motifs Shang a cédé la place au bas-relief et aux registres. L’ornementation devient de plus en plus géométrique jusqu’à évoluer vers des motifs d’ailes et de spirales, de crochets et de spirales.

Avec les outils de l’âge du fer, il devient possible d’introduire des incrustations d’or et d’argent. C’est la période des États combattants (vers 475-221 av. J.-C.), lorsque l’État Zhou se divise en territoires féodaux rivaux. Confucius, qui est mort au début de cette période, était un moraliste éminent et, pendant un certain temps, le conseiller infructueux de l’un des souverains Zhou. Enseignant itinérant, il donnait des conférences sur l’éthique politique, la non-violence et la déférence filiale. Ses enseignements ont été rassemblés bien plus tard dans les Analectes, un recueil de citations qui est devenu l’évangile d’une classe toute puissante de fonctionnaires érudits, qui l’est restée jusqu’à aujourd’hui, et qui a profondément marqué le code des manières chinoises.

Taoïsme

Parmi les «centaines d’écoles philosophiques» qui intéressaient les classes dirigeantes de la Chine à l’époque des Royaumes combattants, la plus remarquable est sans doute celle des Tao (taoïstes). Tao signifie la Voie ou le Principe universel. Le taoïsme est une attitude de vie et non un système. Il implique l’harmonie avec la nature et rejette tout dogme et code moral restrictif. Ses théoriciens les plus célèbres sont Lao Tseu, un auteur énigmatique qui s’exprimait par des déclarations paradoxales, et Zhuangzi (Zhuang-tzu) (vers 350-275 av. J.-C.) qui a recensé les motivations des hommes. Pour certains, ces philosophes semblent combiner le meilleur du christianisme, du bouddhisme zen et du yoga. Le taoïsme était destiné à influencer profondément la peinture chinoise.

L’empereur Qin et la dynastie des trois ans (221-206 av. J.-C.)

La confusion politique met fin à la dictature (221-206 av. J.-C.) de l’empereur Qin Shihuang, originaire de l’État de Qin (anciennement Chin, d’où le nom de Chine-China). Il défait le féodalisme et remplace les commandants de campagne par des fonctionnaires ou des commissaires. Ses conseillers appartiennent aux écoles de légalistes qui affirment l’autorité de l’État. Les traditions doivent être oubliées et tous les livres détruits, en particulier les écrits de Confucius. L’art de la dynastie Qin est sans importance par rapport à ses activités politiques et administratives. Qin Shihuang a doté la Chine d’une administration unifiée et d’un système routier ; il a construit des canaux et étendu les frontières de la Chine. Il a également commandé une immense série de figurines en terre cuite, connue sous le nom d’Armée de terre cuite (vers 246-208 av. J.-C.). La production de ces 8 000 statues a duré environ 38 ans et a mobilisé quelque 700 000 artisans et autres travailleurs.

À l’époque de l’art de la dynastie Han, une nouvelle vision naturaliste prévaut dans les arts visuels. Ceci est particulièrement évident dans les objets en bronze et les figurines en céramique appelés min-chi, que les gens enterraient avec les morts dans les tombes. Les Chinois croyaient en une vie après la mort et aimaient s’entourer d’images familières, en particulier de ce qui leur procurait du plaisir sur terre, comme les chiens et les chevaux, les danseuses et les concubines. Ces figurines nous permettent de savoir exactement comment les sujets de la dynastie Han étaient habillés, ce qu’ils mangeaient, les outils qu’ils utilisaient, les jeux qu’ils pratiquaient, les animaux qu’ils élevaient et l’aspect des maisons dans lesquelles ils vivaient. De nombreux personnages ont été recouverts d’une glaçure au plomb, d’autres ont été peints. Toutes sont intéressantes et leur élégance stylisée est souvent d’une beauté saisissante. Les vases en bronze ont été produits en grand nombre, de même que les sculptures en bronze d’hommes et de chevaux, qui présentent le même naturalisme stylisé que les figures de poterie. Ce fut une excellente période pour le développement de la laque chinoise, de la sculpture sur jade et de la fabrication de tissus de soie.

Peinture et impression de la dynastie Han

La soie (fruit du mûrier) a été cultivée en Chine pendant un certain temps, et la soie est devenue un monopole chinois. Elle constituait l’une des principales exportations vers la Perse et le Moyen-Orient, le long des routes caravanières traversant l’Asie centrale et connues sous le nom de «Route de la soie». La peinture et le dessin Han sur soie, sur laque ou sur pierre et carreaux témoignent d’une main très vive et d’une grande légèreté de touche. Vers la fin du règne (1er siècle de notre ère), la technique de fabrication du papier est découverte. Elle a apporté une contribution significative aux arts en fournissant un support bon marché et largement répandu pour le dessin et l’écriture. Elle a également donné naissance à l’art chinois du pliage du papier (ou Zhezhi) et à l’art japonais de l’Origami . Avec l’invention de l’imprimerie, les Chinois disposaient des moyens de diffuser les lois et la littérature dans l’ensemble de l’Empire. Les langues étaient nombreuses et variées, mais l’écriture idéographique était la même dans tout le pays. Cela facilitait l’administration et donnait aux Chinois une culture unifiée. Sous sa forme calligraphique, l’écriture devient un art à part entière, un art qui est tenu en haute estime par les intellectuels chinois. Elle devient un mode de vie, l’apanage de quelques-uns, parmi lesquels les artistes, les poètes et les savants, ceux dont l’art est fondé sur la calligraphie.

Bouddhisme et anarchie

Après le déclin de la dynastie Han en 220 de notre ère. la Chine connaît près de quatre siècles de morcellement pendant la période des Six Dynasties (220-589). Cet état de chaos est exacerbé par des invasions venues d’Asie du Nord et d’Asie centrale. Des cavaliers affamés venus des steppes ont été irrésistiblement attirés par une société agricole dotée de grandes villes. Ils adoptent la culture chinoise supérieure, s’assimilent et se sédentarisent &ndash ; le processus se répète plusieurs fois.

Parmi les envahisseurs du VIe siècle, un peuple d’Asie centrale, les Tuoba, fonda la dynastie Wei et régna sur la moitié nord de la Chine de 386 à 534. Leur contribution artistique la plus mémorable à l’art de la période des Six Dynasties (220-589) fut l’adoption officielle du bouddhisme, une religion née en Inde qui avait pénétré la Chine depuis un certain temps. (Note : elle apparaît en Chine dès le premier siècle de notre ère, bien qu’elle ne soit pas largement pratiquée avant 300 environ). Son fondateur, le Bouddha vivant, a vécu à la frontière népalaise peu avant Confucius. Le bouddhisme s’est répandu à travers le Gandhara le long de la route de la soie vers l’est. Il finit par atteindre la frontière chinoise, où des peintures murales, des bannières et de nombreuses statues sculptées en rangs serrés sur les parois des rochers et des grottes ont été découvertes dans les vastes sanctuaires de Dunhuang et de Yungang. En tant que non-Chinois, les Wei ont adopté le bouddhisme comme moyen d’affirmation de soi. L’élite confucéenne avait toujours considéré le bouddhisme comme un enseignement farfelu et superstitieux. L’art bouddhiste chinois, y compris la peinture, la sculpture et l’architecture, s’est épanoui tout au long de la dynastie des Jin orientaux (317-420), des dynasties du Sud et du Nord (420-581), de la dynastie des Sui (589-618) et de la plus grande partie de la dynastie des Tang (618-906).

Sculpture bouddhique

Sans la sculpture bouddhique chinoise, il y aurait très peu de sculpture chinoise en pierre . Les écoles bouddhistes Mahayana et Amitabha, qui prévalaient en Chine, exigeaient la représentation du Bouddha sous ses formes passées, présentes et futures, ainsi que des Bodhisattvas (aspirants Bouddhas) et de leurs accompagnateurs. Après la diffusion du monachisme bouddhiste, elles se sont répandues dans tout le pays, en pierre ou en bronze. La sculpture des Wei, notamment dans les grottes du peuple Lung, est d’une beauté inégalée : figures idéales allongées, à la tête oblongue et au sourire énigmatique, assises les jambes croisées, dans de longues robes tombant en plis rythmés vers le bas, &ndash ; la représentation même de la béatitude mystique. Les postures, les gestes et les symboles sont des stéréotypes d’origine indienne. Les Chinois semblaient trouver dans le bouddhisme la réponse au problème de la souffrance humaine, la réponse de l’amour et de la prière, et l’espoir du Nirvana.

L’art de la dynastie Tang (618-906)

La Chine est réunifiée en 589 de notre ère par un puissant général qui fonde la dynastie Sui (589-618). Le régime politique et militaire de la dynastie Sui, presque entièrement inspiré par le Bouddha, fut suivi par la dynastie Tang (618-906), dont le plus grand chef, l’empereur Taizong (Tai-tsung), étendit l’empire jusqu’en Asie centrale et en Corée et permit à toutes les religions et à toutes les races de s’épanouir dans une atmosphère de tolérance et de curiosité intellectuelle. La capitale Changan est devenue un grand centre cosmopolite, tout comme Guangzhou (Canton) et d’autres ports du sud. Musulmans, chrétiens (nestoriens) et manichéens cohabitent avec les bouddhistes, les taoïstes et les confucéens.

A Taizong succède son fils et une concubine habile mais féroce, l’impératrice Wu, qui soutient le bouddhisme et tombe même sous le charme d’un moine de type Raspoutine. Son successeur, l’empereur confucéen Hsuan-tsung, présida une cour des plus brillantes et fonda l’Académie de littérature ; il aimait la musique, la peinture et la poésie, ainsi que les chevaux. La société Tang déborde d’énergie et d’optimisme. Le dynamisme des Tang se ressent dans tous les arts. La sculpture sur pierre, influencée par le style indien Gupta, présente des formes arrondies et convexes combinant la chair indienne et le rythme linéaire chinois.

Les peintures murales de Dunhuang, dans le style Tang, montrent une ligne de pinceau dynamique et la même plénitude de forme dans des couleurs vives. Les peintures profanes des tombes sont encore plus vivantes ; elles représentent des hommes puissants et des femmes riches dans de larges robes et des poses théâtrales, témoignant d’une grande joie de vivre. Peu de peintures sur soie ou sur papier ont survécu &ndash ; cela suffit à témoigner du même amour des couleurs vives et de l’intérêt pour la peinture de paysage qui a porté ses fruits sous les dynasties suivantes. C’est l’époque où l’art de la poésie, étroitement lié à la peinture et à la calligraphie, produit ses premiers chefs-d’œuvre, notamment ceux de Bai Ju (Po-chu-i), de Ling-po et du peintre Wang-wei.

En ce qui concerne les bijoux et les métaux précieux, surtout l’argent, l’influence de l’art persan ancien est décelable : de nombreux artistes iraniens, fuyant les conquérants arabes, s’installèrent en Chine, mais, comme pour toutes les autres influences étrangères, le persan fut absorbé et devint indubitablement chinois, dans l’esprit et dans la tête. Certains des plus beaux exemples d’art décoratif Tang se trouvent dans le trésor Shoso-in du complexe du temple Todai-ji à Nara, au Japon. En effet, les Japonais s’inspiraient déjà de la Chine.

Pour voir comment les arts et l’artisanat de style chinois se sont répandus en Asie de l’Est, voir : L’art coréen (vers 3000 avant notre ère).

Développement de la peinture Tang

La peinture chinoise de paysage connaît un renouveau au début de la dynastie Tang, lorsque les artistes commencent à créer des paysages dans un style monochrome rare &ndash ; non pas tant pour reproduire la véritable réalité du paysage que pour capturer l’atmosphère ou l’ambiance d’un lieu. Treize siècles plus tard , les peintres impressionnistes, comme Claude Monet, ont utilisé un raisonnement similaire pour créer un tout autre type de paysage.

En outre, la peinture de figures a fait son retour . En utilisant des couleurs vives et des détails élaborés, des artistes tels que Zhou Fang ont dépeint la splendeur de la vie de cour des Tang, l’empereur, ses dames de palais et ses chevaux. Contrairement au style richement coloré de Zhou Fang, le peintre Daozi n’utilisait que de l’encre noire et des traits lisses pour créer des dessins à l’encre si spectaculaires que des foules se rassemblaient pour le regarder peindre. Dès lors, les dessins à l’encre ne sont plus considérés comme de simples dessins, remplis de couleurs, mais comme des œuvres d’art à part entière.

Céramique et porcelaine Tang

Les céramiques modernes, et surtout les figures de tombeaux ) min-chi), nous donnent une image vivante de la société Tang : les chevaux si appréciés des Tang, les chameaux, les musiciens, les jongleurs, les marchands ambulants, dont beaucoup sont fortement accentués par des traits de visage étrangers, les danseurs, les dignitaires et les généraux, les gardiens de tombeaux et les esprits de la terre. Tous ces témoins de l’époque sont vivement colorés d’une riche glaçure polychrome et fluide &ndash ; une invention chinoise récente, faite d’oxydes de cuivre, de fer et de cobalt, comme le sont les vases et autres récipients en poterie ou en faïence. Ils sont ronds, d’une belle exécution et toujours parfaitement équilibrés.

A cette époque, les Chinois avaient redécouvert et perfectionné une autre de leurs inventions &ndash ; l’art de fabriquer la porcelaine (un produit dur et translucide fusionné à haute température avec «de la pierre chinoise» (pétunce) et du feldspath). Cet art s’est perdu depuis la dynastie Shang (1600-1050 av. J.-C.). La porcelaine blanche de la plus haute qualité a été fabriquée sous la dynastie Tang et a rapidement voyagé vers le Japon, la Perse et le Moyen-Orient.

La Chine n’a jamais autant ouvert ses frontières au commerce et aux idées étrangères que pendant la période Tang, lorsque la marine marchande a prospéré et que les armées chinoises ont envahi le Turkestan occidental. Le long de la route de la soie, une succession de royaumes oasis sous influence chinoise a permis un flux d’objets et d’idées dans les deux sens entre l’Est et l’Ouest. La Chine vendait de la porcelaine, des rouleaux de soie et des vêtements, et importait en retour du cobalt, des méthodes métallurgiques et des idées stylistiques de la Perse. Tout cela a cessé en 751 après J.-C., lorsque l’armée chinoise a subi une défaite écrasante à Tallas, au Turkestan, face aux envahisseurs musulmans qui avaient conquis la Perse et envahi l’Asie centrale. Il restait un lien avec le monde extérieur : les ports du sud de la Chine et leurs importantes colonies de marchands étrangers, mais ceux-ci furent détruits par une vague de nationalisme à la fin de la dynastie, et la Chine commença une politique d’isolement qui s’est poursuivie jusqu’à notre époque.

L’art de la dynastie Song (960-1279)

Après une période de troubles connue sous le nom de période des Cinq Dynasties (907-60), un général énergique réunifie la Chine en fondant la dynastie Song. Malgré la menace constante d’invasions, Kaifeng, la nouvelle capitale, devint l’un des centres de civilisation les plus exquis jamais connus, en particulier sous le règne de l’empereur artiste Huizong, qui était entouré d’artistes et a amassé une collection étonnante de leurs œuvres. Il consacra trop de temps à l’art au détriment de son armée, car lors d’un raid éclair, les barbares Dunhu, appelés Zhurchen, envahirent la cour et détruisirent Kaifeng et l’ensemble de la collection d’art impériale.

Tout le nord de la Chine tombe aux mains des Jurchens. Les survivants s’installent à Hangzhou, sur le fleuve Yangtze, au sud, où ils poursuivent leur quête de culture et de beauté jusqu’à ce qu’ils soient finalement submergés par l’assaut mongol qui avait déjà submergé l’Asie et menacé l’Europe.

L’idéologie dominante sous la dynastie des Song (960-1279) était le néo-confucianisme, un mélange des idées de Confucius et du taoïsme avec un peu d’ascétisme bouddhiste. Cette évolution s’est accompagnée d’un regain d’intérêt pour les traditions antérieures de la Chine, les écrits des auteurs classiques et un fort penchant pour l’antiquité qui a conduit à la copie de bronzes Shang et Zhou. Le bouddhisme de la persuasion d’Amitabha est en déclin et dégénère en superstition.

Mais une nouvelle vision spirituelle de la philosophie dhan (le zen japonais) apparaît, dans laquelle l’homme parvient à l’harmonie avec lui-même et la nature grâce à un éclair d’intuition momentané. Cette idéologie influencera la peinture, la calligraphie et la céramique. Muki Fachang (Mu-chi) en est l’un des plus célèbres représentants. La sculpture de la dynastie Song poursuit la tradition Tang, mais avec plus d’élégance et un rythme maîtrisé de lignes fluides, comme en témoignent les représentations du bodhisattva Kuan-yin, l’esprit de miséricorde qui est devenu pour les Chinois ce que la Madone est devenue pour beaucoup d’Européens.

Pour une comparaison intéressante avec la sculpture de la période Song en Asie du Sud-Est, on peut considérer les statues de bouddhas et de bodhisattvas du temple khmer d’Angkor Vat (1115-1145) au Cambodge, datant du XIIe siècle.

La peinture des Song

La civilisation des Song atteint son apogée dans la peinture et la céramique. Avant la chute de Kaifeng, il existait deux écoles de peinture distinctes : l’école des peintres de cour, virtuoses qui faisaient preuve d’une compétence suprême mais sans âme, que ce soit en couleur ou à l’encre, sur soie ou sur papier, leurs sujets étaient des fleurs et des animaux, des pousses de bambou et des paysages, et la seconde était l’œuvre d’amateurs et d’individualistes. Ces fonctionnaires, érudits et poètes peignaient comme une forme d’expression personnelle, à la fois intellectuelle et spirituelle, comme un moyen pour l’individu de se réconcilier avec lui-même en communiant avec la nature, en transmettant l’essence d’un paysage, d’une pousse de bambou ou d’une libellule. L’expérience est si personnelle qu’il existe des centaines de styles, des centaines de façons de délimiter une feuille, un rocher, un nuage, tout comme il existe une centaine de façons de dépeindre un personnage. Un coup de pinceau sur la soie ou le papier n’admet ni hésitation ni correction, il vient directement de l’esprit et ne peut être exécuté spontanément sans une profonde contemplation préalable. Les Chinois ont inventé l’art du paysage comme genre, mais il n’a jamais été purement descriptif, même s’il s’est rapproché de la réalité. Il s’agit d’un exercice spirituel qui traite de l’essence des choses.

En fait, après la calligraphie, le paysage est considéré comme la forme la plus élevée de la peinture chinoise. Les débuts de la peinture de paysage classique chinoise seraient attribués au célèbre peintre de la dynastie Jin, Gu Kaizhi (344-406). Cependant, la période 907-1127 est connue comme le «grand âge de la peinture de paysage chinoise». Dans le nord, des artistes chinois tels que Fan Quan, Guo Xi et Jing Hao ont créé des images de hautes montagnes en utilisant des lignes noires nettes, de l’encre et des pointillés pour souligner la rugosité de la pierre. Dans le sud, Jui Ran, Dong Yuan et d’autres ont représenté des collines et des rivières avec des traits plus doux et frottés. Ces deux types de représentation de sujets naturels et de techniques ont donné naissance aux principaux styles classiques de la peinture de paysage chinoise.

Plusieurs nouvelles techniques de peinture sont apparues. Les artistes commencent à représenter la profondeur en utilisant des contours flous et un traitement impressionniste des éléments au milieu et à l’arrière-plan de leur tableau. Parallèlement, l’accent taoïste est mis sur les qualités émotionnelles et spirituelles de la peinture et sur la capacité de l’artiste à représenter l’harmonie entre l’homme et la nature.

Céramiques Song

Ces artistes et poètes étaient également de grands amateurs d’art céramique, car une belle pièce de jade semblable à un vase était à la fois un poème et une peinture. Les céramiques étaient destinées à la fois à l’usage et à la contemplation. Leur qualité résidait dans l’équilibre entre leur forme, réduite à l’essentiel, et leur glaçure, par laquelle elles faisaient appel aux sens visuel et tactile. La richesse de l’artisanat qui sous-tendait leur élégante sobriété satisfaisait l’esprit confucéen. Des fours ont été construits dans toute la Chine, pour travailler avec différentes argiles et glaçures. Parmi les plus célèbres, on trouve ceux qui produisaient de la porcelaine «craquelée» kuan «» et de la porcelaine rare «jiu». La porcelaine, comme la porcelaine Ting blanc crème ou la porcelaine Chingpai bleu pâle avec leur décoration sculptée, était la plus proche de la perfection.

L’art de la dynastie Yuan (1271-1368)

Les Mongols, qui ont envahi la Chine dans les années 1270 et proclamé une nouvelle dynastie Yuan, ont rapidement adopté la culture chinoise. Nous disposons d’une description de la cour de Khubilai Khan rédigée par le marchand vénitien Marco Polo, premier Européen à avoir visité la Chine (1275). L’absence de mécénat officiel sous la dynastie des Yuan a conduit de nombreux artistes et calligraphes chinois à se retirer de la vie publique pour créer un style d’art plus érudit et plus spirituel. La période des Yuan est particulièrement célèbre pour ses artistes, notamment «les quatre grands maîtres», qui se sont tenus à l’écart de la cour mongole. Outre les beaux-arts (qui comprennent également la sculpture bouddhiste), la période Yuan est connue pour ses arts décoratifs, en particulier la porcelaine bleu et blanc sous glaçure, ainsi que les objets laqués et le jade.

L’art de la dynastie Ming (1368-1644)

Les Mongols furent renversés par un soulèvement populaire mené par un berger et chef de guérilla qui fonda la dynastie Ming avec sa capitale à Nanjing, qui fut plus tard déplacée à Pékin (Beijin). La cour des Ming était aussi charmante que celle des Tang, mais elle était minée par la corruption et paralysée par des conflits internes. La peinture continue à s’épanouir comme à la fin de la dynastie, devenant ultra-sophistiquée. De nouveaux styles de peinture apparaissent, dont l’école Wu et l’école Zhe. Mais l’art de la dynastie Ming est particulièrement célèbre pour sa porcelaine blanche et bleue, où le bleu de cobalt est appliqué sur la pâte sous une glaçure transparente. Plus tard, les céramistes ont commencé à utiliser des émaux brillants de trois à cinq couleurs. (Note : l’émail &ndash ; surtout l’émail cloisonné &ndash ; est devenu une spécialité des dynasties Ming et Qing). Les objets sont décorés d’allégories, de symboles taoïstes et bouddhistes et de divers motifs d’oiseaux, de fleurs et de dragons. Une grande partie de l’architecture chinoise qui subsiste date de cette période, mais elle n’a pas l’imagination des bâtiments Song avec leurs corniches en porte-à-faux et leurs corbeaux.

L’art sous les Mandchous et la dynastie Qing (1644-1911)

En 1644, les Mandchous, au nord, profitent des troubles économiques et sociaux en Chine. C’est un peuple militaire qui admire la culture chinoise. Leurs empereurs étaient des hommes puissants qui ont dirigé le pays d’une main de fer jusqu’à la fin du 19e siècle, mais l’élite chinoise ne s’est pas mélangée aux Mandchous pendant longtemps. Cela a nui au développement de la civilisation chinoise à une époque où les Européens commençaient à jouer un rôle important en Asie.

Une réaction aux règles traditionnelles de la peinture se produisit à l’époque de l’art de la dynastie Qing, lorsque des artistes dits «individualistes» commencèrent à utiliser un style plus libre de piisme. Cette nouvelle méthode a été encouragée dans les années 1700 et 1800, lorsque de riches mécènes des centres commerciaux tels que Yangzhou et Shanghai ont commencé à commander des œuvres à des artistes pour créer de nouvelles peintures audacieuses.

Mais les empereurs Kangxi et Qianlong seront toujours associés aux types de porcelaine appelés famille verte et famille rose, plus appréciés des Européens que des Chinois, qui préféraient les couleurs subtiles et monochromes. La famille verte (appelée Kangxi wucai, ou Susancai) utilise le vert et le rouge de fer avec d’autres glaçures colorées. La famille rose (appelée Fencai ou Ruancai, signifiant «couleurs douces», ou Yangcai, signifiant «couleurs étrangères»), utilise principalement le rose ou le violet. Cette porcelaine était très demandée aux 18e et 19e siècles. Entre l’abdication de Qianlong en 1795 et le XXe siècle, la Chine a continué à produire des pièces de qualité, mais l’inspiration a diminué et les formes sont devenues encombrées de détails décoratifs.

La mode de la décoration pseudo-chinoise, connue sous le nom de chinoiserie, s’est répandue en Europe aux XVIIe et XVIIIe siècles.

Il est également intéressant de découvrir deux grands artistes de l’ ukiyo-e de la période Edo au Japon : Hokusai (1760-1849) et Hiroshige (1797-1858).

La peinture traditionnelle chinoise a subi de nouvelles pressions à la fin des années 1800 et au début des années 1900, lorsque les artistes ont été de plus en plus influencés par l’art occidental, ce qui a conduit à l’émergence de la peinture à l’huile en Chine continentale.

L’art chinois du XXe siècle

Après le coup d’État communiste de 1949, de nombreuses traditions établies de l’art chinois ont été qualifiées de réactionnaires. De nouvelles formes d’art moderne centrées sur la glorification du socialisme, telles que le réalisme socialiste, sont apparues dans la musique, la littérature et les arts visuels. La révolution culturelle de 1966 a accéléré ce processus. Malgré ce modernisme politique, l’art traditionnel chinois continue non seulement à former de jeunes artistes chinois et à inspirer d’autres artistes dans le monde, mais il s’associe également aux formes plus expérimentales du vingtième siècle pour créer un marché dynamique pour l’art contemporain chinois.

Art chinois contemporain

L’art actuel en Chine &ndash ; sont des œuvres créées après la révolution culturelle (1966-1966). Malgré de courtes périodes de liberté artistique, l’incertitude quant à ce qu’il faut considérer «comme un contenu et un style officiellement acceptables» freine encore de nombreux artistes en Chine. Récemment, les autorités chinoises ont fait preuve d’une plus grande tolérance, même si des doutes subsistent. L’art contemporain chinois englobe généralement un large éventail de formes, dont la peinture, la sculpture, le film, la vidéo, la photographie, l’installation et la performance, ainsi que des versions remises au goût du jour de la céramique traditionnelle. L’émergence de nouveaux quartiers commerciaux, tels que le 798 Art District à Dashanzi à Pékin, s’est avérée bénéfique pour de nombreux créateurs. En 2000, la Chine a organisé la Biennale de Shanghai et en 2003, un certain nombre d’artistes chinois ont été représentés à la Biennale de Venise.

Selon un rapport d’Artprice, le revenu total généré par les cent artistes chinois les plus prospères (qui ont pour la plupart grandi dans la Chine post-Mao) en 2003-2004 n’était que de 860 000 livres sterling. Entre juillet 2007 et juin 2008, ces mêmes cent artistes ont vendu des peintures, des sculptures et d’autres œuvres pour la somme astronomique de 270 millions de livres sterling. Parmi ces œuvres, trois artistes ont gagné plus de 25 millions de livres sterling chacun. Il n’est donc pas surprenant que de nombreuses œuvres d’artistes asiatiques contemporains soient aujourd’hui représentées dans les galeries et les musées du monde entier. L’éminent collectionneur d’art britannique Charles Saatchi a ouvert sa nouvelle galerie à Chelsea avec une exposition d’artistes chinois contemporains.

En 2006, la peinture de Zhang Xiaogang datant du milieu des années 1960 et représentant des membres de sa famille au visage impassible a été vendue pour 2,3 millions de dollars. Parmi les autres transactions artistiques récentes, citons : l’achat d’une peinture de 1964 «All Mountains Covered in Red» pour 35 millions de dollars HK ; l’achat du chef-d’œuvre de 1939 «Put Your Whip Down» de Xu Beihong pour 72 millions de dollars HK.

Artistes chinois contemporains célèbres

Parmi le nombre considérable de peintres et sculpteurs talentueux de la République populaire de Chine, notons les suivants :

Zhang Xiaogang (né en 1958).
Actuellement classé cinquième sur la liste 2008 des meilleurs artistes contemporains du monde. Zhang Xiaogang &ndash ; l’un des chefs de file du Réalisme cynique mouvement chinois &ndash ; est connu pour ses peintures surréalistes influencées par Pablo Picasso et Salvador Dali. Mentionnez sa série de peintures «Ancestry», qui présente des portraits formels monochromes de Chinois.

Zeng Fanzhi (né en 1964)
Actuellement numéro 6 sur la liste des meilleurs artistes contemporains du monde, Zeng Fanzhi est connu pour ses œuvres figuratives réalisées dans une combinaison d’expressionnisme et de réalisme, et pour sa série de peintures ironiques des Grands Hommes, qui comprend Mao, Karl Marx, Lénine et d’autres.

Yue Minjun (né en 1962)
Actuellement classé septième sur la liste des meilleurs artistes contemporains du monde. Yue Minjun est un représentant majeur de l’école chinoise «du réalisme cynique». Il est connu pour ses séries de doubles bizarres et distinctifs.

Wang Guangyi (né en 1957).
Actuellement numéro 9 sur une liste des meilleurs artistes contemporains du monde. Artiste «du pop politique», Wang Guangyi associe les logos de consommation populaire au style et à l’esthétique des affiches de propagande communiste. La Saatchi Gallery décrit Wang Guangyi comme un artiste mixte qui utilise le langage de la guerre froide des années 1960 pour explorer les polémiques contemporaines de la mondialisation.